CHRONIQUES DE POURPRE 654 : KR'TNT ! 654 : NOW FREETURE / GORIES / LITTLE BOB / MENGERS / JIM JONES / MELVIN DAVIS / SUGAR MAMA'S REVENGE / CONVERGE / BILL CRANE / FUERZAS EXTRANAS/ /

KR’TNT !

KEEP ROCKIN’ TIL NEXT TIME

LIVRAISON 654

A ROCKLIT PRODUCTION

FB : KR’TNT KR’TNT

29 / 08 / 2024

 

NOW FREETURE / GORIES / LITTLE BOB

MENGERS / JIM JONES / MELVIN DAVIS

SUGAR MAMA’S REVENGE / CONVERGE

BILL CRANE  / FUERZAS EXTRANAS

 

 

Sur ce site : livraisons 318 – 654

Livraisons 01 – 317 avec images + 318 – 539 sans images sur :

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Le jazz et la java

         Les retombées de l’île de Groix ont parfois du bon. Après le chagrin vient non pas la pitié mais disons la piété. Signe de Groix. Piété quasi-agenouillée pour un cut de jazz écouté au Mojo sur un smart. Ça ne s’invente pas. Got my Mojo working. Le Mojo est l’un des bars du débarcadère de Groix, et le smart celui de Fred : son mec fait du jazz. Elle te passe son smart. ‘Coute ça. T’écoute ça au Mojo, alors que flotte dans l’air chaud le fantôme de Jean-Yves. Ça te plaît, comme ça plaisait à Jean-Yves. Fred te l’a dit. Il s’entendait bien avec le mec de Fred qui joue le jazz que t’écoute au Mojo sur son smart. Elle te dit : «Tu veux le disk ? Ça t’intéresse ?». T’opine. Et tu reçois le disk quelques jours plus tard.

         Disk mojo. Le mec de Fred fait un groupe qui s’appelle Now Freeture, un nom à consonance pistolienne. Petit objet considérable. Tu l’examines avant de le soumettre au rite de l’écoute.  Titre et design dada : L’épingle du je, sans majuscule, et une femme cerf sérigraphiée en blanc sur le doux carton brun du petit digi édité par le Petit Label. Oh mais t’as déjà vu la femme cerf ! Oui, tatouée sur le bras de Fred. Le doux carton brun t’apprend que L’épingle du je tire à 100 exemplaires. Le tien est le numéro 90. Donc précieux. ‘Coute ça.

         T’y connais rien en jazz, donc t’y vas à la sauvage. Tu t’enfonces dans la jungle comme le cheval d’Aguirre débarqué sur la berge du fleuve. «Notes De Craie». Consortium. Corne de brume. Craie comme blanc sur tableau noir. Très Cocteau. Jazz littéraire. Déchirant. Arraché au silence et soudain beau. Trompette et sax mêlent leurs baves comme au temps du Charlie Parker Quintet. T’as du beau suspensif. Celui de Babylone. La trompette perd les pédales et le sax va chercher Jacques Rigaut. Le sax souffle comme un phoque. On attend le suicide de Rigaut qui ne vient pas. Enfant terrible. Ça vire ambiancier intriguant. Mystère de la chambre verte en noir et blanc. Sérigraphie. Dada jazz. Alors, le jazz rejoint le rock, même sauvagerie, Sun Ra, MC5, c’est du pareil au même, Archie Shepp et le Funhouse de Steven McKay, oh ça bascule dans l’Ayler du diable. Ça frit dans le free. Jazz de tire-bouchon devenu fou, trompette B-52. Pilonnage. Mais d’où sortent ces barbares littéraires ? Sortent pas du bois, mais de Basse Normandie. 

         «Margot». Comme la reine ? Vaut mieux pas. Plus suspensif que la Saint-Barthélemy. Soufflé avec subtilité. Quasi Miles. Tu te passionnes. Consortium toujours. Accord de cuivres ponctué par un cling cling de keys. Gros paquet de jazz en suspension. C’est l’image. Noir et blanc, toujours. Comment ça tient en l’air ? Va-t-en savoir. Imagine une bouse de jazz collégiale en suspension. Le jazz te donne du temps. Gros avantage. Tu peux te laisser bercer. Mezz Mezzrow te l’avait déjà expliqué. Martin Rev aussi. Tu glisses doucement vers «Buccal», plus classique et sonné des cloches aux trompettes de Jéricho. Tu entres dans le Grand Jeu. Tu comptes sur Gilbert-Lecomte. Ça fourrage dans la fougère, effet tonique, presque théâtre d’avant-garde, quasi Barba, trompette essoufflée et beurre décomplexé, fabuleusement aléatoire, du meilleur goût. Traîne dans un entre-deux d’entre-deux mers, pas besoin de prendre une décision, le jazz sait très bien en rester là. Quoi qu’il fasse, le jazz reste un phénomène littéraire. C’est sa force et le salut de son âme.

         «Elmo», c’est le jazz qui t’attend au coin du bois. Il te guette comme le fait un animal sauvage hirsute et plein d’énergie. Bass boy gratte des notes dans la nuit du jazz. Même sans paroles, le jazz te raconte des histoires extraordinaires. Surtout ce solo de sax cacochyme. Il crache ses poumons avec élégance. On va le retrouver noyé dans l’Hudson River, mais il s’en fout, il se hâte de souffler son liquid flow à la Bird. Délicieusement volatile. Ça te vole bien dans les plumes. Il te tourne autour du pot. C’est l’apanage des Birds. Et la grandeur du genre. Ils te troussent ensuite «Milord» à la hussarde. Jazz excédé qui saute sur place. Claqué sur une caisse claire bien montée dans le mix. Les trompettes de Jéricho se lancent à l’assaut des murailles. Te voilà dans Salammbô. T’as pas besoin de te forcer pour entendre les barrissements des éléphants de combat. S’ils n’y sont pas, tu les rajoutes. T’invente ta polymorphie. Puis le jazz entre dans la «Rose» sur la pointe des pieds. Avec tout le mystère du monde. Le son se lève comme une aube radieuse, d’une rare intensité, pour aller atteindre non pas l’inaccessible étoile, mais l’unisson du saucisson. On se dirige vers la sortie avec «Petit Jesus». Ils t’attaquent ça au free de combat. À l’Ayler. Flingué d’entrée de jeu. Ultra-violence ! Outch ! Tu fais outch, des shrapnels te hachent, tu sautes sur des mines, ils t’embarquent ça au Mo Better Blues avec une niaque de garagistes, c’est l’assaut de Denzel Washington, avec en guise de cerise sur le gâtö l’invincible élégance du freeing. Love Supreme.

Signé : Cazengler, huile de friture 

Now Freeture. L’Épingle du je. Petit Label 2016

 

 

Wizards & True Stars

 - FantasmaGories

(Part Three)

         Gories à Paris. Inespéré. Formation originale. Dan, Peg & Mick. Maximum Detroit R&B. Overblast garanti. Les mêmes. «Thunderbird ESQ». Ric & raw. Deux grattes. Deux toms. Deux dieux : Hooky & Bo. Covers in the face. «Boogie Chillen’» et «You Don’t Love Me».

Mais si, on t’aime. Giant Mick. Hendrix power. Grosse corpulence. Born to rock the Crypt. L’égal de Ray Charles et de l’ami Jimi. L’exact égal. Toujours là. Increvable. Oh c’est quoi ces accords ? Gros doigts sur le manche. Trois gros doigts qui traversent le manche. Patte hendrixienne. Strato caca d’oie. Le rock qui te parle. Trois gros doigts qui dépassent du manche. Te font loucher. T-shirt Check Check. Tu ne regardes même pas Dan. À peine Peg. Juste Mick. J’irai siffler là-haut sur la Collins. Vraie rock star. On lui a dit. S’en fout. S’en bat l’œil. Pas intéressé. Hausse les épaules. Underground baby. T’as tien compris. Rock star quand même. C’est pas ton avis qui compte. C’est le sien. T’insistes. Rock star. Fuck off ! T-shirt Le Club. Check Check.

Barbichette blanchie. Lunettes Ray Charles. Genius itou. «Leaving Here». Dépoté. Fracas. Lemmy prends des notes. Cover qui roule à fond sur des nids de poule. Bling blang ! Michigan trash. Spécialité locale. Géant Mick fait le show. Géant Mick vole le show. Tout le show. Sale voleur ! Dan ? On sait pas. Aucun intérêt. Petit cul blanc.

Strato. Jean. Rien. On passe à travers. Rien à voir avec le géant Mick. Le Rodin black du rock. Le rondin du rack. Mais pas le radin du riff. Il gratte tout. Trois doigts qui dépassent. À chaque seconde. Gratte sa gratte ! Il reprend son souffle. «I Think I’ve Had It». Toi aussi, tu l’as eu. T’en prends plein la terrine. Trois doigts qui dépassent. T’en louche. Trop de classe. L’est trop grand pour un géant. Parisiens largués. Complètement largués. Même les pointus. Back to 1990. «Baby Say Uh!». Toujours vénéré cette approche. Pas de chichis. Pas des chochottes. Detroit gaga-punk. Real deal. Undergut.

Peg fait sa Velvet au fond. Pas le cul entre deux chaises, mais entre deux toms. Tu reviens aux trois doigts qui dépassent. Tu reviens à cette barbichette qui vibre de sauvagerie. Wild as fucking fuck. Pour de vrai. Pas pour de faux. L’aveugle te voit. Tu vois l’aveugle comme au temps jadis. Jamais décroché des Gories. Impossible. Trop raw. Trop parfait. Trio idéal. Seuls héritiers d’Hound Dog Taylor. L’à ras des pâquerettes. Le pur jus. Barbichette de prophète. Un petit côté Isaac. Detroit Moses. Diable, ce sont les blacks qui ont tout inventé. Nouvelle preuve.

Giant Mick. Juste deux pédales au pied. Zéro frime. Impossible. Underground. Trois doigts qui dépassent. Ça suffit pour rocker Paris. Pas besoin d’en rajouter. L’a toujours su s’arrêter à temps. «Ghost Rider». Pouce qui traverse le manche. Le même qu’Hendrix. Exactement le même. T’en reviens pas de voir cette main qui barre le rock. Extravagant. Raw ! So raw ! In a row. Pas calmé. L’âge ? S’en fout. Underground. Gories. Petit doigt plié. Pas d’accords. Rien que du raw. Faut voir comme ça sonne ! Comme ça sharkle. Comme ça désosse. Thunderbird. Grand écart pour finir. Show off. «Nitroglycerine». Boom !

         Pas vraiment de littérature sur les Gories, excepté un chapitre explosif dans We Never Learn - The Gunk Punk Undergut 1988-2001, l’excellent florilège Gunk Punk d’Eric Davidson. Un Davidson qui te chante les louanges des Gories en termes de «destruction of what was left of the carcass of garage rock.» Oui, c’est bien de cela dont il s’agit. Avec leurs trois albums Crypt, les Gories ont pulvérisé la charogne de Baudelaire. Pulvériser la charogne du rock comme un concept. Mick le prophète déclarait alors : «All those things - the Stooges, MC5, Creem magazine, Motown, Fortune Records - they’re just signifiers now. We rejected all of that - except for the soul music part. I picked up the guitar with the sole reason of killing classic rock.» Il ajoute qu’il haïssait les groupes des seventies. Hate ! Puis il s’en prend au revival garage : «Il y avait ces magazines qui chroniquaient ces disques et qui les qualifiaient de wild and primitive, alors je les achetais et c’était du jangly folk-rock and that would just piss me off. Alors on s’est dit qu’on allait être vraiment wild and primitive, comme ils disaient. Notre mission était d’être un groupe tellement wild and primitive que ça allait transformer leurs définitions de ces deux mots.»

         Ils écoutent les compiles Back From The Grave, et ajoute Mick, «the Scum of The Earth comp too». Il sait qu’ils peuvent être aussi bons que tous ces groupes. Il était prêt à se contenter d’un single. Alors ils commencent à jouer ensemble. Comme Fred n’est pas là pour battre le beurre, ils prennent Peg qui traîne dans la pièce. Elle n’a jamais battu. Pas grave. Mick prend la basse, mais il ne sait pas jouer, et Dan ne connaît que deux accords - Then we had our first rehearsal; january 6, 1986 -  Au début, ils se limitent à des chansons simples - If a song had more than 6 notes in it, the Gories wouldn’t play it - Ils cherchent vraiment à sonner comme les groupes qui sont sur Back From The Grave. Comme ils savent qu’ils ne sont pas aussi bons que ces vieux groupes, ils «work out some kind of formula.» Voilà le truc. Some kind of formula. Exactement ce qu’a fait le Velvet en son temps. Ils savent très bien qu’ils ne savent pas jouer et ils finissent par laisser tomber la basse. Dan est mieux sur les barrés et Mick se sent plus à l’aise sur les «single-note runs». Ils finissent à deux grattes pour des raisons pratiques. Puis ils désossent la carcasse des cuts pour ne garder que le rythme et les paroles. Mick ne se souvient pas très bien du premier gig des Gories - Peg was on mushrooms and I drank a whole bottle of Thunderbird ESG before we went on stage - Puis ils vont commencer à jouer tous les week-ends. Le couple Peg/Dan splitte en juillet 86. Ils découvrent ensuite le Velvet «whose influence added a drone underneath the Gories’ garage rattle.» Ils flashent aussi sur l’Ides Of March des Mighty Caesars. Last but not least, flash sur les Cramps. Mick : «I will make an admission. I didn’t hear the Cramps until 1984. I did finally hear Smell of Female while in college in 1984, which I still think is their best record.» Mick dit qu’au fond, il n’était pas si fan que ça. Les Gories en pinçaient plus pour le r’n’b, alors que les Cramps en pinçaient pour le rockab.  Mick conclut en avouant qu’il ne savait pas que les Cramps jouaient aussi à deux grattes.

         Et bien sûr, Mick évoque le premier album des Gories sur Crypt, enregistré chez Tim Warren sur un 4 pistes. Dan n’aime pas Tim : «Oh he was just a maniac. A fuckin’ toothpaste-eating nutcase.» Underground.

Signé : Cazengler, Goret

Gories. La Maroquinerie. Paris XXe. 4 juillet 2024

Eric Davidson. We Never Learn. The Gunk Punk Undergut 1988-2001. Backbeat Books 2010

 

 

Estivaleries 2024

 (Sandy, Jerry, Bob, Duke et les autres)

 - Part One

         Comme c’est l’été, on dresse des tentes dans les rues. Les spectacles sont gratuits. Tiens, voilà Little Bob ! Ça ne te rajeunit pas. Longue histoire. Petit bonhomme. Les Normands l’aiment bien. L’appellent Ti Bob. On le voyait assez régulièrement au temps jadis. Tout le monde a ses souvenirs de «Bob». Des souvenirs qui n’ont le plus souvent aucun intérêt. Comme ceux des ceusses qui te racontent leur chat en long et en large, ou leurs vacances en Thaïlande. Bif baf bof. Pour rester dans le bif baf bof, voici une anecdote : voici 20 ou 30 ans, un copain t’appelait pour t’annoncer un «concert secret» des Pretties à la Villette. T’es sûr ? Bah ouais ! Bon d’accord. On y est allés. En réalité, il s’agissait d’un concert de Little Bob, avec Phil May en guest star : il était juste venu pour le rappel faire des chœurs sur UN seul cut de Little Bob. C’est ce qu’on appelle le niveau zéro des choses de la vie.

         Voilà donc Little Bob sur scène avec son guitariste, un stand-up man et un troisième bras droit au beurre. Une voix, ça c’est certain. Qui oserait dire le contraire ? Personne ! Il cultive une vieille passion pour le boogie-rock, ça on le sait depuis 50 ans. Bif baf bof. Un certain professionnalisme. Un talent réel. Et pas mal de fans dans le public. Connaissent les paroles des boogies. Quelques covers, «Daddy Put The Bomp (Rock and Roll)» des Ducks Deluxe, un «Kick Out The Jams» à la soupe aux choux (tout le monde n’est pas Wayne Kramer, amigo), et un fantastique «All Or Nothing», et puis des cuts à lui que t’aurais presque envie de réécouter tellement c’est bien foutu, et bien chanté. Mais il est peut-être trop tard pour entreprendre ce genre de besogne.

         Trop tard, tel est le mot. Little Bob incarne mieux que quiconque la fin d’une époque, l’éphémérité des choses. L’époque est révolue et pourtant il est sur scène, gentil, souriant. Regard noir. Tu ne vois pas ses yeux. Petit bonhomme fané. On se demande comment il arrive encore à tenir 1 h 30 sur scène. Un peu abîmé. 80 balais l’an prochain. Tout ce chapitre va se refermer avec lui, puis avec toi. This is the end, beautiful friend. Little Bob se raccroche une dernière fois au temps présent. «Riot In Toulouse» comme au temps de la salle Sainte-Croix des Pelletiers. Tout cela n’a de sens que parce que vécu dans l’impitoyable éphémérité de l’instant. Dans une sorte de bif baf bof de l’à quoi bon. Aussitôt après le concert, il n’y aura plus rien, sinon la mort, suivie de l’oubli. De toute évidence, Little Bob ne se pose pas tant de questions. Il sourit. Fait des coucous aux gentils rouennais. «Lucille» ? Alors «Lucille». Rien n’a changé depuis 50 ans. Boogie baby. Il a une technique très simple pour lutter contre l’impitoyable éphémérité de l’instant : le prochain album. Il en parle d’une voix éteinte. Le fameux morceau du prochain album. On se demande bien à quoi ça rime. Mais ses fans sont contents. Ils iront l’acheter à la FNAC comme ils l’ont fait toute leur vie. Et puis, la vie n’est pas faite pour durer éternellement, alors on ne va pas en faire un fromage. À un moment donné, dans pas si longtemps, il faudra dégager, et ce sera très bien. 

         En attendant ton tour, t’en vois d’autres partir. Petite rafale estivalière de départs : Jerry Miller, John Mayall, Sandy Posey, Duke Fakir, quatre en l’espace de deux jours. Pas bif baf bof, cette fois, mais bim bam boom. Une internationale de la mort : San Francisco, Londres, Memphis et Detroit. Que va-t-il rester de tout ça ? Les disks ? Oui, rien que les disks. Un peu de wiki pour les ceusses qui ne savent pas trop d’où sort un vieux bouc comme Mayall. Un peu de wiki pour les ceusses qui ne savent pas que Duke Fakir appartenait aux Four Tops. Pour les gens d’un certain âge, Mayall et les Four Tops furent des héros, Mayall en 1967 avec deux albums, A Hard Road (avec Peter Green) et Crusade (avec Mick Taylor). Tu voyais les belles pochettes dans la vitrine de Buis et tu poussais la porte du temple pour entrer les acheter. Par contre, les Four Tops, c’était moins cérémonieux : il s’agissait d’EPs que tu pouvais barboter au Monoprix : plus petits et plus escamotables. Tu n’en finissais plus d’écouter et de réécouter «Reach Out I’ll Be There» et «Bernadette», tu t’injectais des shoots de magie pure. Dans ta petite tête de rat d’égout, tu t’imaginais qu’il n’existait alors rien de plus puissant que Motown et les Four Tops et les Temptations et Martha & the  Vandellas et Smokey Robinson, tu plongeais et tu replongeais dans la fontaine de jouvence à t’en évanouir de jouissance, car c’est exactement de cela dont il s’agissait. Et puis, ils sont tous partis, les Toppers : Levi Stubbs, Obie, Lawrence Peyton. Duke Fakir est celui qui a duré le plus longtemps, il a même écrit ses mémoires, tiens justement, faudrait qu’on en reparle, il est dans la pile de la Tour de Pise, pas le bouquin du siècle, mais diable, il s’agit quand même de Duke Fakir, membre émérite de ce qu’il faut bien appeler une institution. Little Bob est aussi une institution, mais pas au même niveau. En attendant, on va saluer les 5 premiers albums (faramineux et planétaires) des Toppers.

         Dès leur premier album sans titre paru en 1964, les Toppers allumaient leurs cuts aux cœurs d’artiche et réchauffaient leur Soul de mille éclats joyeux. Ils groovaient «Without The One You Love» et chantaient «Where Did You Go» à la glotte folle. On trouvait en B un fantastique jerk de pantalon moulant intitulé «Don’t Turn Away». On adorait jerker sur ce showdance craze. Les Toppers savaient aussi miauler à la lune, comme le montrait «Call On Me». On était aussi alors à l’aube de l’ère Holland/Dozier/Holland, ce trio de surdoués qui allaient bourrer cette grosse dinde qu’on appelle l’Amérique. 

         Et ça commence à monter en régime avec le Second Album. Ils ouvrent le balda avec «Can’t Help Myself» qu’il faut bien qualifier de hit intemporel. Le trio Holland/Dozier/Holland tourne alors à plein régime. Comme Isaac le prophète à Memphis, ils fabriquent du gros popotin. On est là à l’âge d’or du r’n’b, au cœur du hot. Pur génie, tout est là, le beat, les voix, les chœurs, les arrangements et le bassmatic de James Jamerson. On se régale aussi d’«Is There Anything That I Can Do», car ce petit groove Tamla d’apparence innocente menace parfois d’exploser, tellement la mélodie sous-jacente palpite sous le boisseau. T’as encore deux autres hits faramineux, «Something About You», et surtout «It’s The Same Old Story», connu comme le loup blanc des steppes. Il faut savoir que Berry Gordy concevait Tamla comme une usine de montage à la chaîne : il ne fabriquait pas des voitures, mais des hits planétaires. De leur vivant, les Toppers se résumaient en deux mots : faramineux et planétaire.

         Il faut aussi absolument écouter le Live paru en 1966. Ça donne une toute petite idée de l’énergie des Toppers sur scène. Levi Stubbs n’a aucun problème à reprendre l’«It’s Not Unusual» de Tom Jones. Ils font aussi une version dévastatrice de «Reach Out I’ll Be There», l’un des plus grands hits des temps modernes. Et c’est battu à la diable. Ils tapent dans les Supremes avec une version d’«You Can’t Hurry Love» - I need love love love/ To ease my mind - et en B, ils virent Brazil pour une savoureuse version de «The Girl From Ipanema». Ils terminent cet album (faramineux) avec un «I Can’t Help Myself» (planétaire). 

         Comme un empereur en ville conquise, ils entrent dans l’âge d’or avec l’album On Top. Attention, les hits se planquent en B et ça démarre avec «Matchmaker» qu’ils jazzent à Broadway. Eh oui, les Toppers sont capables de tels prodiges. Voilà la preuve que Dieu est noir. Ils adressent un fabuleux clin d’œil aux Beatles avec une reprise de «Michelle» qu’ils chantent en français. Back to Broadway avec un «In The Still Of The Night» dégoulinant d’élégance. Ils luisent dans la nuit américaine. Avec «Bluesette», ils sonnent comme des magiciens du softah. Back to Brazil avec «Quiet Nights Of Quiet Stars», histoire de saluer bien bas l’immense Carlos Jobim.

         Et voilà l’Ararat des Toppers : Reach Out. Album bardé de barda, cœur battant de l’empire Motown, génie du peuple noir, clé du système Gordy. «Reach Out I’ll Be There» fascine par son élégance et son énergie. Quadrature du cercle de la Soul. Gros shoot de magie noire dans le cul du monde blanc. Bassline en dadadadh. James Jamerson ! On ne le découvrit que beaucoup plus tard, en voyant le film sur les Funk Brothers. Avec Reach Out, les Toppers sont devenus les rois du monde, c’est-à-dire qu’ils régnaient sans partage sur toutes les boums. Ils passaient à la Soul torride avec «7 Realms Of Gloom». Levi Stubbs chantait à la force du poignet, un peu comme Edwin Starr. Ils tapaient plus loin dans les Monkees avec «Last Train To Clarksville» et en B avec «I’m A Believer», qu’ils transformaient en pop de Soul sauvage. Ne confiez pas un hit sixties aux Toppers, ils vont le bouffer tout cru ! Et voilà le jerk le plus sauvage de l’histoire des jerks sauvages : «Standing In The Shadow Of Love». Plus puissant que Reach Out. Ils montent encore d’un cran dans l’exaction métabolique avec l’effarant «Bernadette». (Faramineux et planétaire). Ah quelle chance elle a, Bernadette, les Toppers la pelotent et ramènent tout le swing du monde entre ses cuisses, Jamerson pulse ses triplettes de Belleville, on monte au paradis avec les chœurs qui montent au ciel. Il n’existe rien d’aussi parfait sur cette terre.

         Mayall est aussi une institution, mais on l’aime pas beaucoup, le vieux bouc, trop despotique, trop vieux pour les Bluesbreakers qui l’entouraient. Dans les conversations, t’avais toujours les ceusses qui encensaient Mayall et il fallait vite corriger le tir et dire non : certainement pas Mayall. Peter Green ! Sans Peter Green pas d’Hard Road.

         Mayall chante «A Hard Road» au chat perché, mais avec « The Stumble », Peter Green éclate au grand jour. Dans cet instro du diable, il se permet toutes les audaces. C’est lui qui va sauver l’Hard Road. D’abord avec cette version magistrale de « Dust My Blues » qui ouvre la B. C’est l’une des incarnations de l’élégance. Et il sera encore meilleur dans le Mister Wonderful de Fleetwood Mac. « The Super Natural » préfigure « Albatross ». Toucher de note unique au monde. Ce fut une révélation. On ne savait plus s’il fallait croire en Dieu ou en Peter Green. Ça devenait compliqué. « Someday After A While » est l’un des blues les plus poignants de l’histoire des poignées. Oh les phrasés stridents de Peter Green au fond du son ! Pour une fois, Mayall chante bien. Le solo est d’une beauté surnaturelle, Peter Green atteint l’harmonie subliminale. Il est Peter Pan, le héros du pays imaginaire du blues - my baby blue but I don’t mind - la puissance effective, voilà ce qu’est l’immense Peter Green.

         Comme Clapton annonce son retour dans les Bluesbreakers, Peter Green est viré. Mais Clapton ne vient pas, parce que Ginger Baker monte Cream. Alors Mayall embauche Mick Taylor pour enregistrer Crusade. Mick Taylor est encore un blanc bec, mais il a déjà un son. « My Time After Awhile » est un blues pleurnichard. Mayall le prend au chat perché et Mick Taylor gratte un solo classique. Depuis le départ de Peter Green, la panache brille par son absence. Il faut attendre « Tears In My Eyes », ce beau blues d’orgue, pour trouver de la viande. C’est chanté avec la main sur le cœur. Mick Taylor gratte des poux aigus et ronds qui courent au fond du son. Il va les chercher au bas du manche. Il tisse un fil mélodique d’une justesse ultime et le constelle de perles de lumière. En B, « The Death Of JB Lenoir » impose le respect. Mayall rend un hommage déchirant, puissant, sincère et royal au géant Jeebee. N’oublions pas que Wim Wenders part de là pour raconter l’histoire de Jeebee dans The Soul Of A Man. Ils font ensuite une reprise d’« I Can Quit You Baby » de Big Dix, que Jimmy Page va revisiter sur le Led Zep 1. Ils bouclent ce vaillant bouclard en mode boogie-blues avec « Checkin’ Up On My Baby », le genre d’haut de gamme qui caractérisait si bien les productions de Mike Vernon.

         Après, t’as d’autres albums, mais ce soir, on va en rester là.

         Jerry Miller ? Oui, bien sûr, Moby Grape ! L’un des guitaristes californiens les plus lumineux de son temps, un géant du même acabit que John Cipollina et Jorma Kaukonen. Encore une grosse actualité, car Cam Cobb publie à tours de bras, What’s Big And Purple And Lives In The Ocean?: The Moby Grape Story, et plus récemment, Weighted Down: The Complicated Life Of Skip Spence, alors on va y revenir, c’est prévu au programme. Les deux Cam Cobb sont déjà là, dans la pile de la Tour de Pise. Jerry Miller, quel héros !, au même titre que Skip Spence, Bob Mosley, Peter Lewis et Don Stevenson, un vrai ramassis de surdoués, il n’y avait d’ailleurs que des ramassis de surdoués à cette époque, on s’épuisait la cervelle à vouloir suivre cette actualité, et maintenant, tous ces géants disparaissent, alors pareil, on va s’épuiser la cervelle à vouloir honorer tout ce bouillonnement inversé, pas de problème, une cervelle ça sert surtout à ça. Vazy vieille cocote !

         Le premier album sans titre de Moby Grape paraît comme par hasard en 1967, la même année que le Reach Out des Four Tops, Sandy Posey Featuring I Take It Back et A Hard Road & Crusade des Bluesbreakers. Gros classique de la scène de San Francisco. On y trouve trois hits intemporels qui n’ont toujours pas pris une seule ride : «Hey Grandma», «Omaha» et «Changes». C’est le son vif argent, l’étalon or du rock US, des hits qui éclairent les annales pour mieux les défoncer. Skip Spence signe «Omaha», chef-d’œuvre d’acid rock précipité. Puis t’as ce «Fall On You» noyé d’harmonies vocales, visité par un lead incisif signé Jerry Miller. Sur «Changes», Bob Mosley fait le show sur sa basse, suivi par Don Stevenson et son petit beurre sec et salé. Skip Spence referme la marche avec l’airplainien «Indifférence», un airplainien qui ne décolle pas ici, mais qu’on verra décoller plus tard dans une version live.  

         Wow sort l’année suivante, mais déçoit, malgré sa belle pochette surréaliste. On ne sauve que deux titres, «Murder In My Head For The Judge» et «Can’t Be So Bad». Murder a pour particularité de sonner comme un hit de Soul psyché, suivi par les meilleures parties de guitare de la côte Ouest. Jerry Miller ! Tellement décontracté du gland ! Avec «Can’t Be So Bad», on retrouve le son des hits du premier album, ce petit rock échevelé et lumineux, fulgurant d’ébulliance de la prestance. On les sent prodigieusement extravertis et délibérés. Mais le reste de l’album ne vole pas bien haut. Dans «Motorcycle Irene», Skip dit d’Irene qu’elle est sale sur sa moto, mais que ses ongles sont propres, et bien sûr, «Motorcycle Irene» se termine par un accident. Bob Mosley compose des balladifs qui ne fonctionnent pas («Bitter Wind» et «Rose Colored Eyes») et Jerry Miller propose un blues intitulé «Miller’s Blues» qui n’a vraiment rien d’original. Mais comme Miller est un guitariste fabuleux, on écoute son blues jusqu’à la dernière goutte.

         Sandy Posey, c’est un peu plus compliqué. Pour établir le contact avec elle, il faut passer par Chips Moman, car elle fut, avec Merrilee Rush, sa chouchoute. C’est Sandy Posey qui va surnommer Chips the Steve McQueen of the music business - He was good looking in that rugged Southern way, charismatic, drove a sports car and had his own airplane - Si tu veux l’écouter chanter, il faut passer par les albums MGM et les commander aux États-Unis.

         Le premier s’appelle Single Girl, elle l’attaque avec l’«Hey Mister» de Dan Penn. On note la belle présence lofi de l’house-band de Chips. «A Place In The Sun» permet de vérifier que tout est toujours somptueusement orchestré chez Chips. Sandy chante «The Last Day Of Love» au petit sucre sixties. On comprend que Chips ait craqué pour sa voix. C’est une merveille de délicatesse féminine. Elle fait bien sûr une fantastique cover d’«I’m Your Puppet». Le Penn, toujours. Globalement, elle sonne très anglais. Elle a ce côté sucré qui fit la renommée des Pye babies du Swingin’ London. On la voit résister à des attouchements dans «Don’t Touch Me» - Don’t touch me/ If you don’t love me/ Sweetheart - Elle a raison, les mecs ne pensent qu’à ça, au cul.    

        En 1967, elle enregistre Sandy Posey Featuring I Take It Back. Le morceau titre est une belle pop de Chips qu’elle chante au petit sucre d’I’m sorry, mais on va en rester là. C’est très pop pour Memphis, mais si c’est du goût de Chips, alors on s’incline. Encore de la vraie pop US de sucre candy avec «The Big Hurt», ça résonne bien dans l’écho du temps. Sandy incarnerait presque l’insoutenable légèreté de l’être. Elle repart de plus belle en B avec «It’s Wonderful To Be In Love». Elle mène bien sa sarabande poppy, elle a la voix idéale pour traîner son becau-ause dans une poussière d’étoiles. Elle enchaîne deux cuts quasiment parfaits, «Love Of The Common People» et «Halfway To Paradise», un classique signé Goffin & King, idéal pour les jukes. Elle termine avec l’excellent «Come Softly To Me», frais et doux comme le baiser d’une fiancée. C’est dingue que Chips ait craqué pour cette merveille de doo bee doo reprise en France par Henri Salvador.

         Le dernier album de Sandy enregistré en 1968 chez Chips s’appelle Looking At You. On y retrouve les composantes du duo : le sucre et la prod. Mine de rien, Chips propose une solide Americana de Memphis. Sandy sait percher sa pop, elle se montre encore très anglaise avec «Just You Just Me». Sa version d’«It’s Not Easy» de Mann & Weil est très Walker Brothers. On sent bien les chops de Chips. Et si t’aimes la belle pop, c’est là : «Silly Girl Silly Boy». En plus, c’est une compo à elle. Elle ouvre son bal de B avec une «Something I’ll Remember» forcément beau puisque produit par Chips. Encore du Mann & Weil avec «Shades Of Gray». Ça reste du haut niveau d’équation voice + prod + song, tout est là, Sandy fout sa petite gomme et franchement on l’admire. Son sucre brille au soleil du Brill. Elle tape aussi dans le «Will You Love Me Tomorrow» de Goffin & King. Imparable. Le Brill à Memphis, l’eusse-tu cru ? Ah c’est quelque chose.

Signé : Cazengler, estivalie de la terre

Little Bob. Terrasses du Jeudi. Place Saint-Marc. Rouen (76). 18 juillet 2024

Sandy Posey. Disparue le 20 juillet 2024

Sandy Posey. Single Girl. MGM Records 1966            

Sandy Posey. Sandy Posey Featuring I Take It Back. MGM Records 1967

Sandy Posey. Looking At You. MGM Records 1968 

Jerry Miller. Disparu le 20 juillet 2024

Moby Grape. Moby Grape. Columbia 1967

Moby Grape. Wow. Columbia 1968 

Duke Fakir. Disparu le 22 juillet 2024

Four Tops. Four Tops. Motown 1964

Four Tops. Second Album. Motown 1965

Four Tops. Four Tops Live. Motown 1966

Four Tops. Four Tops On Top. Motown 1966

Four Tops. Reach Out. Motown 1967

John Mayall. Disparu le 22 juillet 2024

John Mayall & the Bluesbreakers. Crusade. Decca 1967

John Mayall & the Bluesbreakers. A Hard Road. Decca 1967

 

 

L’avenir du rock

 - Mengers des boutons

         — Chères téléspectatrices, chers téléspectateurs, bonsoir. Nous voici en direct de Cognac-Jay pour les Mardis de l’Histoire, votre rendez-vous hebdomadaire avec l’histoire. Cette semaine, j’ai le plaisir de recevoir parmi nous quatre éminents polémologistes. À ma gauche, Mister Ian Fraser Kilmister, diplômé de la chaire d’Hammersmith et polémologiste speedo-cartésien de renommée internationale, collectionneur de dagues, de casquettes et de culottes SS, la Seconde Guerre Mondiale n’a aucun secret pour vous. C’est bien cela, Mister Kilmister ?

         — Uh !

         Puis Pierre Desgrappes se tourne vers son second invité, installé à sa droite :

         — Nous recevons aussi ce soir Mister Christopher Farlowe, atomiseur d’Atomic Rooster et colosse patenté de Colosseum. Vous êtes surtout antiquaire spécialisé en objets militaires allemands de la Seconde Guerre Mondiale, installé à Islington et expert reconnu dans le monde entier. Vous avez tenu à nous présenter ce soir un bombardier allemand, l’une des plus belles pièces exposées dans votre magasin qui, si mes renseignements sont exacts, s’appelle Call To Arms. C’est bien cela, Mister Farlowe ?

         — Uh !

         Pierre Desgrappes pose sa pipe et se tourne vers le troisième invité :

         — Mister Ronald Asheton, professeur en sciences proto-punkoïdales de l’université d’Ann Arbor et membre honoraire des Psychedelic Stooges. Vous êtes dit-on le grand spécialiste mondial du napalm, est-ce bien exact ?

         — Uh !

         Pierre Desgrappes reprend sa pipe, soufflote un coup dans le tuyau, et se tourne vers le quatrième invité :

         — Avenir du rock, grand départageur du bien et du mal, grand séparateur du bon grain et de l’ivraie, sans vouloir écorcher votre légendaire modestie, vous vous considérez comme le dernier rempart, vous livrez un combat sans merci à celle que vous nommez vous-même l’adversité, c’est-à-dire l’hydre de la médiocrité, ce qui fait de vous le grand spécialiste des guerres intestines, est-ce bien exact ?

         — Non !

         — Auriez-vous l’obligeance d’éclairer nos téléspectatrices et nos téléspectateurs ?

         — Il ne s’agit pas de guerres intestines, mon cher Pierre Desgrappes, mais de Mengers des boutons !          

 

         L’avenir du rock ne pouvait pas rater une occasion pareille : vanter la grandeur des Mengers en direct, devant des millions de téléspectateurs ! Quel coup fumant ! Vraiment digne de Clausewitz ! Coup d’autant plus fumant que les Mengers arrivent tout droit de Mexico : trois fils de Moctezuma, et leur producteur, sur scène, pour l’une des meilleures dégelées de psycho-psyché qu’on ait vue depuis belle lurette.

         Tu les crois timides et gentils comme les péons d’un western de Sergio Leone ! Por favor, señor, ouais c’est ça. Grave erreur, Balthazar ! Sous de faux airs dociles et inoffensifs, ils te balaient d’un coup toute la vague de groupes psyché en circulation, ils font du Can mâtiné d’Hawkwind, mais à la puissance mille, propulsés par Pablo, un gigantesque batteur obèse, et il faut entendre gigantesque à tous les sens du terme. Pablo qui doit peser 150 kg te bat le beurre du diable, tu vois rarement un mec taper aussi fort et aussi bien sur ses fûts, il joue la caisse entre les cuisses et c’est un miracle qu’il ne casse pas ses baguettes. Ramalama, c’est lui ! Ces trois vaillants Mexicanos foncent dans la nuit, accompagnés sur scène par celui qu’on imagine être leur protecteur et leur producteur, un homme plus âgé et surmonté d’un chignon. Pendant que Pablo bat la chamade et bat la campagne tout en fascinant la compagnie, les copains Carlos et Mauricio font pas mal de ravages, surtout le Mauricio qui gratte une petite basse fuzz, le visage recouvert de cheveux, il te harponne le psyché au riff délétère. Lui, il a tout compris, il a découvert les vertus de la basse fuzz, alors il arrose, et ça devient apocalyptique, combiné au wild beurre de Pablo assis juste derrière, un Pablo complètement barré dans son délire, le loco de la loco. Quelle fabuleuse leçon de section rythmique !

Ils sont même capables de montées en température, alors que le son est déjà au max du mix, et là-dessus Mauricio vient concasser des télescopages de riffalama biseautés, l’effet est sidérant. Tu vois ça et tu dis Mengers forever ! No problemo ! Comme les Fomies, ces petits mecs sortent de nulle part et créent la sensation sur le pouce, dès leur premier cut, tu sens le souffle, tu sais qu’ils vont te ramener en plein dans le mille, dans l’œil du cyclope, à l’origine des abscisses et des ordonnées, là où commence le rock, enfin le rock qui s’élève, le seul qui vaille tripette. Tu t’agenouilles et tu dis à Dieu : donne-moi les Mengers et garde tous les autres, toute ta soupe de Kills et de Black Keys. Whamos bhamos thank you Chicanos !

         Un seul album au merch : Mengers Vs. Progreso Nacional. La peau des fesses en plus. Tirage confidentiel. Pablo nous explique dans un anglais exotique que c’est un album expérimental. On tente le coup car on espère bien retrouver la transe du set. Y a-t-il des cuts du set dessus ? Yesss, two, qu’il dit. Alors banco de la banca. Il avait raison, c’est un LP expérimental qui se joue en 45 tours et dont on peut aisément se passer. Impossible d’identifier l’A de la B, et les cuts sont numérotés en chiffres romains. On sent qu’ils ont des idées, sur l’une des deux faces, ils font de la psychette aztèque suivi d’un sacré clin d’œil à Can, dans lequel Pablo fait son Jaki Liebezeit. Puis ils tapent un cut plus pop, vraiment digne des Beatles du White Album. Le grand insert glissé dans la pochette nous montre leur petit studio. L’image inspire l’humilité.  

 Signé : Cazengler, Menglaire

Mengers. Le Trois Pièces. Rouen (76). 24 mai 2024

Concert Braincrushing

Mengers Vs. Progreso Nacional. 2023

 

 

Le péril Jones

 - Part Six

         Tu crois t’en tirer comme ça, avec deux concerts de Jim Jones ?

         Deux concerts, c’est bien gentil, mais six pages dans Shindig!, c’est autre chose. Et pas des petites pages à la mormoille. Le boss Mills tend son micro à l’Hypnotic et titre ‘Gimme The Grease’ (comme le cut du même nom). Quand Jon Mojo Mills tend son micro, il tend son micro ! Mills chapôte en rappelant que ça fait quarante ans que ce «cool and collected singer» donne des coups de collier - I was a bit of a misfit - Pour que ça soit bien clair, l’Hypnotic dit qu’il ne s’intéresse pas exactement aux mêmes trucs que les autres.

         Si on prend le temps de se pencher sur cette interview, c’est qu’elle sort de l’ordinaire, comme le font systématiquement celles de Keef et de John Lydon. Même acabit, ici. Sur scène, il est bon, on l’a dit et rabâché, mais en interview, il est encore meilleur. Mills commence par le prendre par les sentiments en lui demandant quel disk l’a moved out quand il était petit. Et là, Jim Jones raconte sa chance d’avoir eu des parents qui ont un jour décidé d’installer un «music center» dans la baraque, et donc ils ont refilé leur ‘dansette’ et leur box de vieux 78 tours et 45 tours aux gosses. Là-dedans, le petit Jim trouve «Great Balls Of Fire», Little Richard, Larry Williams, some Elvis. Mills embraye aussi sec sur les Hypnotics. Pas trop marginalisés, à l’époque de C86 ? - We were very much out on a limb - Position inconfortable, évidemment. Il en profite pour rappeler le rôle crucial des disquaires anglais, à cette époque. L’un d’eux entend que Jim aime bien Hendrix, alors il lui recommande Blue Cheer. Jim se souvient aussi du premier Dolls. Puis les Stooges et le MC5. C’est encore l’époque du bouche à oreille. Quand les Hypnotics commencent à jouer, c’est avec les Spacemen 3. À cette époque, les gens se lookaient, dit Jim, on savait qui écoutait les 13th Floor - Ce n’est plus comme maintenant, les gens ne sont plus que des touristes culturels - Et voilà que les Hypnotics signent sur Sub Pop, grâce à Marc Arm, de Mudhoney. Arm est un fan de la première heure qui a flashé sur le premier single des Hypnotics. Comme Mudhoney était sur Sub Pop, les Hypnotics se retrouvent sur Sub Pop pour les USA, avec la bénédiction de leur label anglais, Beggars Banquet.

         On croit connaître par cœur l’histoire des Hypnotics, mais re-racontée ainsi, ça redevient palpitant. Come Down Heavy sort en 1990, produit par Dick Taylor, avec Phil May dans le studio de Mark St John, et Dave Garland, l’ingé-son de Slade. Pour Jim ça devient irréel de se retrouver en studio avec ses idoles les Pretties et un mec qui a bossé avec Chas Chandler. Jim insiste énormément sur le côté irréel de cette situation.

         S’il existe une telle différence de ton entre Come Down Heavy et Soul Glitter And Sin, c’est dû à leur deuxième tournée américaine. Ils ont eu un accident de bagnole et le drummer Phil s’est retrouvé plusieurs mois à l’hosto. Retour à Londres, concerts avec Rat Scabies au beurre, et puis ça commence à se déliter - I think by the end of the tour everyone - ecstasy was on the scene - was splintering off and drifting more into drugs. Well not maybe. Definitely - Ses points de repère à l’époque sont le Third de Big Star et les Scientists, qui jouaient en première partie d’Alex Chilton au Mean Fiddler. Et puis il voit Blue Velvet «on a mushroom trip» et réalise que Thee Hypnotics pouvaient être «beaucoup plus qu’un groupe qui sonnait comme Blue Cheer et les Stooges.» Dont acte. Puis c’est l’épisode Craig Pike, un bassman entré dans le groupe, qui overdose dans l’appart à Londres - And I found him dead.  

         On monte encore d’un cran dans les fréquentations avec The Very Crystal Speed Machine produit par Chris Robinson. Rick Rubin est aussi dans les parages. Ils enregistrent l’album aux États-Unis - Chris was in full rock star mode. There were uppers and downers and everything in between... celebrities visiting, whiskey bars and all that - Jim Jones dit les choses et les dit bien - It’s a weird time capsule - Et bam, Mills embraye sur Black Moses et l’«old school friend» Greame Flynn. Sans doute la période préférée des fans de Jim Jones - Black Moses were great - Ils adoraient les Meters, Sly & The Family Stone. Mais Alan McGee leur fait des promesses qu’il ne tient pas. Dommage. On a dit jadis, dans un Part One, la grandeur des deux albums de Black Moses. On reviendra sous peu sur Greame Flynn et Penthouse.

         En 2007, Jim Jones monte the Jim Jones Revue et renoue avec le rock’n’roll de son enfance, Little Richard et Jerry Lee - My main starting point was Little Richard, particularly this song called ‘Hey Hey hey’. It gelled and it all felt good and off we went. It took off really fast. It really did - C’est vrai qu’on était tous très impressionnés à l’époque qu’un petit cul blanc puisse claquer aussi brillamment ce vieux hit de Little Richard enregistré à la Nouvelle Orleans. Puis c’est le meteoric rise to near fame. Puis ça continue avec les Righteous Mind et les All Stars - All the main arteries have come together from Thee Hypnotics, the Revue and the soul grooves of Black Moses, but the All Stars has got its own flavour - Quand Mills lui demande quelles sont les plus grosses influences en matière de compo et de lyrics, il cite aussitôt Marc Bolan - Des gens qui peuvent raconter n’importe quoi, mais un n’importe quoi rythmiquement parfait - Pour lui, c’est le critère principal, ce qu’il appelle the touchstone. Il cite Le Voyage Au Bout de La Nuit de Céline, comme modèle. Il dit aussi en pincer pour Walt Whitman et Emily Dickinson - La façon dont ces «Modern American Poets» assemblent leurs vers me coupe le souffle - Il cite aussi Jimbo qui a ramené la poésie dans le rock - And no one is going to beat Dylan. The Beatles and the Stones - Et puis vient la chute finale, Mills cite Bobby Gillespie - Rock is dead - Et Jim Jomes répond : «It depends where your’re standing.» «Pour moi, le rock, c’est la terre sur laquelle je marche, c’est l’air que je respire.» Et il précise pour les ceusses qui n’auraient rien pigé : «If you’re alive, so is rock’n’roll.» Il cite les New York Dolls et balance en guise de chant du cygne : «Rock’n’roll lives on!».    

Signé : Cazengler, Jim Jaune

Jon Mojo Mills : Gimme the grease. Shindig! # 153 - July 2024

 

 

Inside the goldmine

- Carat Melvin

         Petit, chauve, ça allait encore. Melchior se faisait tailler gentiment. Rien de méchant, les petites vannes habituelles, du genre «Ça-va-ty crâne d’œuf ?», ou encore plus subtil, «Oh mince t’es si petit que j’ai failli pas te voir !». Comme tout le monde, Melchior faisait ses courses au marché du village. Il s’arrêtait et papotait avec les commerçants qui voulaient bien de sa conversation, en plus de ses pièces d’argent. Outre sa petitesse et sa calvitie, Melchior avait un autre défaut : l’érudition, un défaut que les gens du village ne lui pardonnaient pas. Mais chez lui, c’était maladif, il ne pouvait pas s’empêcher de transmettre son savoir. Il s’arrêtait devant le marchand de tissus précieux et lui récitait la discographie de Lou Reed, depuis le premier album du Velvet jusqu’à son dernier album, Lulu, il datait chaque album, il ânonnait le regard fixe. Puis il s’arrêtait devant le marchand d’huile d’olive et lui déroulait la discographie de Leonard Cohen, album après album, méthodiquement, épinglant au passage les collaborations, ce dont se foutait éperdument le marchand d’huile d’olive. Melchior ne se rendait pas compte que son érudition aggravait son cas et lui valait les pires inimitiés. Il ne voyait pas les gens du village ramasser des pierres derrière lui, il n’entendait pas le brouhaha des aigreurs et de la jalousie et de la bêtise et de la haine, il ne sentait pas venir l’orage, il continuait de réciter, il continuait de dater, imperturbablement. Il reçut une première pierre dans le dos, il se retourna et fut surpris de trouver les gens du village rassemblés à quelques mètres autour de lui, et avant qu’il n’eût pu dire un autre mot, les pierres volèrent dans sa direction. Il se protégea le visage comme il put, mais il flageolait sous la violence des chocs, il tomba à genoux, les gens hurlaient, tiens prends ça dans ta gueule ! Melchior pleurait et criait, «Arrêtez ! Je vous en supplie, arrêtez !», mais les gens continuaient. Melchior eut le crâne en sang, il sanglotait, et quand une énorme caillasse l’atteignit au front et lui brisa le crâne, il s’écroula inanimé.  

         Si Melvin Davis avait chanté du r’n’b sur le marché d’un village en Alabama, il aurait très certainement subi le même sort que Melchior, mais heureusement pour lui, Melvin était plus malin que Melchior, car il ne lui serait jamais venu à l’idée d’aller traîner dans un coin où on hait les nègres.

         Ce Soul Brother de Detroit a une sacrée particularité : il va plus sur le garage que sur Motown. Il est à la fois chanteur, compositeur, bandleader et a bossé avec tous les cracks locaux, depuis Smokey Robinson jusqu’à David Ruffin, en passant par Dennis Coffey et Wayne Kramer.

         C’est la raison pour laquelle il faut écouter cette prodigieuse compile, Detroit Soul Ambassador, un Vampi Soul paru en 2010. Dès «About Love», tu craques, car le beat des Caraïbes remonte jusqu’à Detroit. Les coups de génie pullulent sur ce Vampi Soul : «I Must Love You», raw comme ce n’est pas permis, il te démonte la logique Motown en plein cœur de Detroit, c’est âpre et sans appel. Pareil pour «Still In My Heart», pointu et demented, il chauffe sa Soul aux charbons ardents, Melvin est un dieu, c’est éclaté à coups de trombone. Tu tombes ensuite sur «Chains Of Love», bing encore du heavy doom de Soul, et ça continue avec «I’m The One Who Loves You», bien tartiné aux violons, Melvin ramène son âpreté divine, c’est vite plié et vite génial. Il a une façon unique de plier le heavy groove. Il faut voir aussi le heavy splash d’«I Won’t Love You And Leave You», c’est battu à plates coutures, dans une ambiance impayable. La plastique de Melvin Davis est parfaite. Il est fabuleux dans chacun de ses cuts, avec lui, tu touches au but. Detroit Soul underground, oui, à la vie à la mort ! Tu te prosternes encore devant «Playboy (Don’t You Play In School», wild as fucking fuck, chargé d’harmonies vocales et explosé au beurre des enfers. Dans tous les cuts, tu as un mec derrière qui frappe au rata-sec. Melvin chante, mais son beurreman lui vole bien la vedette. Encore plus wildy wild que le roi : ««This Ain’t The Way» : Melvin ramène toute l’énergie du peuple noir au sommet du Detroit lard.

         Un tardif de Melvin Davis ? Tu peux y aller les yeux fermés, Double Or Nothing est un album parfaitement demented. Ça grouille de puces, à commence par «Somethang’s (I Just Don’t Do)» qu’il attaque au heavy rap, il chante au biseau du stay, il plie les genoux, il a gardé tous ses réflexes de superstar. Ah il faut le voir à l’intérieur du digi, Melvin est extrêmement bien conservé. Tu lui donnes tout de suite le bon dieu sans confession. Encore un coup de génie : «WCTP», Detroit funk ! Explosif !  - We Come To Party/ WCTP ! - Stupéfiante présence, il te sort le real deal du real Detroit funk, et derrière, c’est repris à la clameur. Là t’as tout. Encore du hard funk avec «Why Can’t We Communicate». Avec Melvin, ça ne traîne pas. C’mon ! C’est enfoncé du clou. Fabuleuse énergie. Melvin t’indique la voie. Il est le leader, sous sa casquette blanche. Fantastique ! Impliqué ! Black ! Avec cet album, il est dans un son plus contemporain, mais, hey, c’est Melvin, after all. Il ne fait jamais les choses à moitié : l’heavy groove de «No More Water In This Well» traîne bien la savate, mais chez lui, quand ça traîne la savate, c’est pour de vrai. Il attaque son «Power Glory Fortune Fame» en mode Santana, c’est dire son power. Ça joue à la déboulade. Son morceau titre est un fantastique balladif de Soul bardé de gratte. Dans le digi, il délivre un message de paix : «Thank you for allowing me to share my soul vision with you. I can only hope that you will pass on the positivity so that we can make this world a better place. What better starting point than the soul.» Et c’est signé : Detroit Soul Ambassador, Melvin Davis. 

Signé : Cazengler, Melvin Avide

Melvin Davis. Double Or Nothing. Rock Mill Records

Melvin Davis. Detroit Soul Ambassador. Vampi Soul 2010

 

 

*

         Toujours prêt à porter secours à une jeune orpheline en détresse, vous me connaissez, doublement prêt puisqu’elles sont deux, Béatrice la patronne m’a averti, non elles ne sont pas orphelines, elles se débrouillent très bien toutes seules, elles n’ont pas expressément besoin de toi pour survivre, tant pis, je n’écoute  plus, le moteur de la teuf-teuf rugit comme Le Félin Géant  de Joseph Henry Rosny aîné, normal dès que vous prononcez le mot rockabilly, la guerre du feu commence. Hot Fire Raw’n’Roll !

SUGAR MAMA’S REVENGE

3B

(Troyes / 20 - 07 - 2024)

         Elles n’occupent pas toute la place mais l’on ne voit qu’elles, plantureuses dans leurs marinières, sur notre gauche Sugar Brica moulée dans les rayures de sa robe longue qui l’encercle de toutes parts, à son côté Sugar Annie, toute droite presque une écolière modèle dans sa jupe noire, le pire c’est que dès qu’elles chantent vous oubliez tout, peut-être pas le monde entier, mais au moins les gars qui les accompagnent.

Mais revenons au début du commencement. Bien avant le début du premier set- il y en aura trois – il fait si chaud que toute l’assistance est restée sur la terrasse. En quête d’un peu de fraîcheur. On l’aura, mais agrémentée d’un violent orage, d’où le reflux général vers le dedans. Oui mais avant : il y a ce grand gars, debout, une touche incroyable, une aura romantique, s’appuie sue une canne à bec d’argent, ce doit être, ce ne peut être que Lord Byron, sa démarche légèrement claudicante quand il se réfugie dans le café, whouah ! quel style, Don Juan en personne échappé du poème du même nom, œuvre ultime, miroir dans lequel Byron a tracé son inquiétante silhouette, comme un dernier signe d’adieu à la race humaine…

C’est-là que l’on s’aperçoit, ni Annie ni Brica, que le musicos arque-bouté sur sa big mama, non ce n’est pas Lord Byron, mais c’est Brandon Ashington, entre nous c’est mieux car je ne pense pas que Byron aurait su taper aussi fort, terrible, première fois que j’entends un slap si dévastateur, l’impression de deux carènes de voiliers qui se fracassent l’une contre l’autre un soir de tempête d’équinoxe. Réparons une injustice, c’est que les filles monopolisent les regards et que Brandon un peu éclipsé par la demi-pénombre d’une paroi n’est pas très visible, mais on l’entend. L’on serait presque tenté de dire que l’on entend que lui. A tel point que pendant un moment j’ai cru que le groupe n’avait pas de batteur. Les filles forment un écran total, elles l’occultent.

Mais si, il y en a un, de temps en temps, bonnes princesses les gerces laissent la gent masculine nous tatouer les esgourdes, ainsi j’ai pu observer Rockin Bende, de tous les batteurs que j’ai examinés c’est le plus vicieux, un pousse-au-crime,  un de ces molosses malfaisants qui quelle que soit l’allure que vous adoptez vous rattrapent et plantent leurs crocs dans le gras de vos fesses, vous avez beau courir, ralentir, sauter, stopper, démarrer en côte, cabrioler, l’est toujours là, les canines dans votre postérieur, ne lâche pas, suit votre rythme mais sa seule présence insistance vous oblige à accélérer. Bref Brandon met le feu et Rockin ne fait pas Bende à part. Une rythmique de fadurles.

Je sais vous attendez les divas, mais il reste encore un homme, le troisième. The last but not the least. Lucky Steve est guitariste. Essayez de comprendre, il ne joue pas de la guitare. Non, pas du tout, il se contente d’intervenir. Tout seul, comme un grand. Enfin comme un génie. Vous avez les filles qui imitent les cornes de brume et les deux rhythmbreakers qui vous poussent la chaudière de la loco à fond. Lucky se charge des aiguillages. Ce n'est rien, vous jette trois ou quatre notes, l’air de ne pas y toucher, comment se fait-il que subitement l’on n’écoute plus qu’elles, le Lucky vous change en un tour de doigts la  trajectoire d’un morceau, l’est sûr qu’il n’est pas sécure, vous oblige les copains et les copines à emprunter les courbes à angle droit, ou à cavaler des descentes exponentielles, arrêts intempestifs, grand-huit,  train de la mort et train-fantôme. Vous avez droit à tout. A la surenchère.

Avec ces trois pètent-la-mort, l’est évident que nos mama’s ne sont pas des mijaurées. Z’ont pas attendu Me Too pour prendre leur revanche. Sur quoi au juste, la vie, la mort, le monde, tout ce que vous voulez. Et même tout ce que vous ne voulez pas. Entre nous, l’appellation Sugar : si vous y tenez, perso je trouve que nitroglycérine serait plus appropriée. Admettons que le morceau c’est le taureau alors Annie c’est le toréador, pour les passes et les esquives, vous oubliez, elle marche sur la bestiole tout droit, de face un coup de poing sur la nuque et pour le deuxième couplet elles tressent un scoubidou avec la queue du pauvre animal qui s’enfuit au galop, manque de pot survient Brica qui lui bricole deux ou trois banderilles directement plantée dans le cerveau.

Essayez de ne plus penser à tout ce que vous venez de lire. Je suis sûr que vous l’interprétez mal, vous croyez que vous avez affaire à une bande de brutes sombres et épaisses. Des tueurs dans un abattoir. Que nenni, nos cinq ostrogoths venus de Germanie, travaillent dans la finesse, l’équilibre et la grâce. Le rockabilly est un art difficile. Sans violence pas de rockabilly. Sans justesse, sans maîtrise pas de rockabilly non plus. Faut l’antithèse et la thèse pour subsumer le tout dans la synthèse alchimique, impossible, incroyable, inimaginable. D’un autre monde. Dans lequel nos Sugar Mama’s Revenge nous ont transportés, sans un temps mort, durant les trois sets.

Non je ne me dédie pas, mais il y a eu un temps mort. Jusques là tout allait bien, dehors il pleuvait, dedans la foudre tombait de tous les côtés. Mais après, ça a été encore mieux. Au milieu de la tourmente du deuxième set, celui avec un petit côté sixties, Annie a déclaré qu’ils allaient interpréter un slow. Elle n’aurait pas dû. Le public était déjà plus que chaud, ça remuait dans tous les sens, le slow a mis le feu aux poudres, ambiance survoltée, et ce démon de Brandon qui vous roucoulait de perfides glissades bigbangiques sous ses doigts, assistance survoltée, nuit rockab vésuvienne à Pompéi… l’on en est sorti tous vivants, l’on ne sait pas pourquoi, ni comment, une de ces nuitées rock, de feu, d’énergie et de beauté  dont on se souviendra longtemps… Et ce moment de folie ou Brandon s’est métamorphosé en King Kong, moulinant des deux bras, tel un gorille survolté escaladant le manche-gratte-ciel de sa contrebasse  pour nous ouvrir en grand les portes du paradis rockabillyen…

Béatrice la patronne avait raison, elles n’ont besoin de personne, chez nos deux Sugar Mamma’ la vengeance est un plat qui se mange very hot !

Damie Chad.

 

*

Le mec qui a farfouillé dans la rangée metal n’a pas été capable de remettre le CD à l’endroit, ah ! mes bonnes lectrices, tout se perd en ce bas-monde, non en fait elle est dans le bon sens, n’empêche que c’est étrange, j’essaie de trouver à quoi ressemble cette image, mes connaissances du linéaire B mycénien ne me sont d’aucun secours, à tout hasard je retourne la pochette : tout s’éclaire : hardcore !

Du coup je comprends le dessin, jusqu’à lors j’entrevoyais surtout une rotondité qui me connectait directement avec la silhouette de la machine à coudre Singer de ma grand-mère, c’est juste un gars assis un tabouret affectant une pose de guitariste rock, un peu déjanté certes, au recto la photo vous met sur la bonne voie, une scène bordélique et viriliste typique des concerts  hardcore américain, ni dépourvue d’un certain érotisme, ni exempt d’une violence joyeusement assumée.

Je n’ai pas réussi à déchiffrer le nom du groupe, l’intensité lumineuse du soleil caniculaire empêche la lecture des lettres dorées, j’achète, le flair du rocker est infaillible, le vendeur est content, n’arrivait pas à s’en débarrasser depuis plusieurs années. Ce qui me paraît incompréhensible.

PETITIONING THE EMPTY SKY

CONVERGE

(Equal Vision Records / 40 / 1998)

La couve est de Jeff Bannon fondateur et frontman du groupe. Son instagram vous présente les multiples pochettes qu’il a réalisés pour de nombreuses formations, un art brutal qui s’impose à vous comme un coup de poing ou une muraille de bronze, ce n’est pas un hasard puisqu’il est amateur d’arts martiaux. Un activiste hardcore qui a su se partager entre plusieurs combos, et créé son propre label. Converge est né en 1990, dans la bonne ville de Salem, serait-ce un hasard maléfique, l’a d’abord produit un EP quatre titres suivi d’un premier album en 1994, en 1996 survient un deuxième EP, qui augmenté de titres plus anciens est considéré par les fans comme son deuxième album. Converge a produit dix albums, et tournait encore l’année dernière.

Jacob Bannon : vocal / Kurt Ballou : guitare piste 1 / Aaron Dalbec : guitare / Jeff Feinburg : basse / Stephen Brodsky : basse piste 12  / Damon Bellorado : batterie.

The saddest day : le jour le plus triste pour des auditeurs non-avertis qui tomberaient par hasard sur ce morceau, un coup de trompette pour débuter, rien de grave, le bruit crissant de ces jouets sonores que l’on vous vend dans les fêtes foraines, le problème c’est que début ne dure que quatre secondes, ensuite le capharnaüm auditif vous tombe dessus, style tôles coupantes qui glissent du toit pour vous décapiter sans préavis, ce n’est pas tout une batterie incapable de tenir une rythmique au-delà de trois coups de suite, une boucherie labyrinthique qui défie la loi de l’invariance généralisée censée maintenir le monde en lui-même, bref le chaos total et vocal, une espèce de grincement dislocatoire qui vous assaille sans trêve, une guitare à l’unisson, ne dites pas qu’elle fait n’importe quoi car elle est sciemment destinée à ulcérer vos tympans, jusque-là tout va mal, c’est ensuite que vous entendez des voix souterraines et chutes de courtines médiévales destinées à vous écraser sous les décombres, vous voici projetés dans les postillons nocifs d’une coqueluche abrasive, ne fuyez pas, au bout de trois auditions vous ne pourrez plus vous passer de cet infâme tourbillon, même que bientôt vous apercevrez  que cette symphonie ulcérante ne raconte pas n’importe quoi, niveau parole l’on est plus près du récit de la chute de l’Ange, non pas le diable, arrêtez avec ces sornettes pour classes de maternelles, ni celle de l’Ange rilkéen, mais la vôtre, car depuis le premier jour de votre naissance vous dégringolez dans la mort. Certes ce n’est peut-être pas grave si l’on s’en tient à votre cas personnel, mais comment vous serait-il possible de tisser une relation davantage intimiste avec un autre ange qui plongerait dans l’abîme en même temps que vous, bref vous êtes au cœur du piège de la solitude humaine… vous comprenez maintenant les ruptures fractales de cette musique, l’harmonie romantique est un leurre, le hardcore vous renvoie à votre situation désespérée. Aucune rémission possible. Forsaken : abandonné à votre triste sort. Ce second morceau n’apporte aucune consolation.   Certes il est plus fort et plus violent, genre nous vous enfonçons ça dans la tête à coup de manches de pioches, ah ! ah ! vous avez cru aux balivernes de la communication érotique, ne serait-ce que pour une courte période, enterrez vos souvenirs dans une boîte au pied de l’Yggdrasil de la tendresse, ou même mieux foutez-vous vous-même dans la tombe, ou alors ensevelissez votre partenaire, dans les deux cas cela reviendra au même. Deux minutes d’horreurs, que voulez-vous les chants les plus cruels sont les plus désespérés.

Albatross : (la couve de la réédition de 2006 aide à comprendre le dessin qui nous a paru si mystérieux à l’achat, en effet la silhouette blanche du musicien s’est métamorphosée en albatros baudelairien, non pas le prince des nuées mais l’oiseau maladroit posé sur le pont du navire, devenu la risée de l’équipage, empêché par l’étroitesse du bâtiment de déployer   l’envergure de ses ailes  et de s’envoler, parfait symbole de l’Artiste exilé parmi les hommes… mais tout individu ne se sculpte-t-il pas lui-même). Le chant de l’albatros n’est pas des plus mélodieux, par contre musicalement vous avez droit à la tempête, avec le piqué en vrille dans les eaux glacées, un chœur d’enfants clôt le sinistre finale comme une couronne funéraire jetée au rebut. Les Pistols n’ont jamais réussi à produire une telle horreur. Peut-être avez-vous connu plusieurs essais d’une vie heureuse, que vous n’avez pas réussi à conserver. Ne vous en prenez qu’à vous. Dead : oui, la vie est triste, une guitare vous refile deux mesures de blues, mais ils retombent vite dans leur folie colérique et meurtrière. Règlement de comptes. Hurlements hystériques. Compost musical triomphal, au lieu de m’aimer tu ferais mieux de me tuer, mais serais-tu capable de m’aimer une fois mort. La question est un peu métaphysique, mais notre cadavre est bruyant à souhait. L’est sûr que la police a dû intervenir pour faire cesser le tapage nocturne. Shingles : zona obscurus. L’on reprend l’histoire au début. Durant la chute de l’ange, vous avez-vu l’autre ange tout mignonitou, vous trouverez sans aucun doute qu’ils auraient pu fignoler un arrangement empreint d’un minimum de sérénité, c’est parce que vous ne connaissez pas la fin, le gars se remémore les instants mensongers, en fait il se remetmort car il enfouit le canon de son pistolet dans sa bouche. Buried but breathing : oui le morceau est très court, mi-figue mi-raisin, un peu moins violent ; vous allez comprendre, il tord le cou au romantisme, ils n’ont pas eu l’instinct de jouer à Juliette et Roméo, z’ont sûrement raté l’occasion comme des idiots, sont au trente-sixième dessous, bien enterrés, mais ils vivent encore. Farewell note to this city : légers tapotements, le poinçonnage prend de l’ampleur sans se presser, le vocal est en haut, la musique par-dessous, moment d’introspection, bilan d’une vie, insatisfaite, moment d’incertitude, tout est consommé, on n’y croit plus du tout, reste tout de même une lueur d’espoir. Reprise des tapotements initiaux, des points pointillés qui traduisent une certaine indécision, alors que s’attendrait à un point terminal définitif. Color me blood red : tiens la trompette qui ouvrait le premier morceau, serait-ce une remise des compteurs à zéro, l’est sûr que le gars est un peu torturé, on ne le reconnaît plus, il implore, il hurle, il ne veut pas qu’elle parte, il vous fait la grande scène du troisième acte, les musicos au diapason dramatique, il casse la vaisselle et bazarde les cadeaux du mariage par la fenêtre, il se calme un peu, il pleure, il suffoque, il agonise, il n’y croit plus, il ne sait plus quoi faire, alors il se la joue à la Jim Morrison, this is the end clame-t-il bien sûr il n’y a pas de beautifull friends sur le quai pour un dernier aurevoir et encore moins de bus bleu pour l’emmener, la fin est abrupte. For you : (live) : il est difficile de sortir du nihilisme, quand vous ne croyez plus en rien, il vous reste à croire en vous, encore une histoire d’amour qui se termine mal, pas mal troussée à la nitro d’ailleurs, le combo gonflé à bloc, pour le vocal Bannon donne tout ce qu’il peut, par moments vous l’entendez hululer comme une chèvre, c’est vrai que le message n’est pas facile à faire passer, il vient sauver sa petite amie, s’est adjugé les rôles les plus importants celui de Dieu et celui de Jésus, le pire c’est que l’on arrive (presque) à le croire tellement il y met du cœur. Un remake de la Passion.  Savoir-faire américain. 

Antithesis : (live) : la suite du précédent, le retournement, vous m’avez cru, voici l’antithèse antichristique, Je suis froid comme la mort, je ne suis pas de votre monde, je ne garde pas non plus les portes du Paradis, apothéose criarde. Homesong : (live) : retour à la maison, à condition d’y faire le vide, de virer bobonne, pas trop loin et pas tout à fait non plus, remue-ménage et remue-méninges, mettre les idées et les choses en place, un moment de folie, à tel point que le morceau se fracasse sur lui-même avant de repartir. Love as asrson : (Alternate take) : folie meurtrière, l’a trouvé la solution, si vous ne voulez pas être l’ange qui tombe du ciel soyez le phénix qui renaît de ses cendres, quand l’une sera tombée, l’autre la ramènera à l’empyrée des brûlures de l’extase, le morceau est comme une incroyable fulmination, un incendie que personne n’arrêtera jamais, et qui se termine sur un brasier vocalique incandescent.

         L’on ne sort pas indemne d’un tel disque. Pas vraiment un album, car trop disparate, des morceaux issus de différents moments, pas temporels mais mentaux. Hardcore certes, violent et brutal, mais des textes intelligents, au final s’en dégage une épouvantable beauté.

Damie Chad.

 

*

Il y a wild et wild. Les rockers impénitents ont l’habitude d’associer ce mot en des expressions comme wild rock’n’roll, ou raw and wild rock’n’roll, toutefois il faut se souvenir que le titre original du roman de Jack London traduit en français par L’Appel de la Forêt s’avère être The call of the wild.

Pour les américains   ce mot   évoque les étendues mythiques plus ou moins explorées de leur immense continent peuplé de bêtes dangereuses et de féroces tribus indiennes assoiffées de sang… Bien plus tard, au début des seventies du siècle dernier, le film Jeremiah Johnson marqua la nostalgie du retour à cette nature dure mais innocente perdue à tout jamais… En 1979 Mountain Men, traduit en notre langue par La fureur sauvage de Richard Lang corrige quelque peu l’idéalisme du film de Sydney Pollack. En 2007 Sean Penn propose son Into the Wild, plus pessimiste, l’histoire d’un jeune étudiant qui tente l’impossible retour vers les solitudes originelles, the dream is over…

Cette histoire nous pouvons l’entendre aussi dans la musique populaire américaine, le country and western peut être écouté comme le contre-chant de l’électrification des campagnes et des consciences, un refuge musical traditionaliste pour certains, l’ère mythique d’un arrière-pays, une issue de secours imaginale, une bouée de sauvetage qui permet de reprendre souffle avant de replonger dans notre société actuelle pour de nouveaux électro-chocs…

         Juste avant les vacances dans notre dernière livraison 652 du 04 / 07 / 2024 nous chroniquions Crackin’ up le dernier opus sonore d’Eric Calassou, précédemment, précédemment nous nous penchions sur  Covers, mais avant celui-ci il y avait eu Into the wild que nous n’avions pas visité. Hâtons-nous de parer à ce manquement dommageable !

INTO THE WILD

BILL CRANE

(YT / Avril 2024)

         L’on ne se débarrasse pas aussi facilement de la modernité si l’on en croit la pochette, de l’herbe certes, pas folle, rase, encombrée de pneus usés, et de bandes caoutchouteuses, est-ce pour nous inciter à quitter au plus vite notre environnement quotidien ou pour nous signifier qu’il est déjà trop tard, que partout où nous porterons nos pas nous ne trouverons que des déchets, que notre planète est devenue une poubelle géante…

Crazy child : soyons subtil, qu’est-ce qui différencie ce premier morceau de tous les précédents de Bill Crane que nous avons antérieurement écoutés, même s’il vaudrait mieux d’abord évoquer les similarités : la boîte à rythmes, la guitare et le chant. Rappelons qu’exilé volontaire en Thaïlande Eric Calassou travaille en solitaire et ne bénéficie d’aucun groupe d’accompagnement. S’il fallait définir juste en quelques mots les  compositions antérieures à Into the Wild, je dirais qu’elles sont toutes marquées d’une indéfinissable nostalgie. Non pas celui du pays quitté volontairement, mais l’autre, du plus réel, de celui dans lequel l’on n’arrive jamais pour la simple raison qu’il participe de nos rêves, dans nos errances existentielles nous ne risquons pas de le rattraper puisque nous courons en vain sans fin après lui. Nous le suivons car il est le guide que nous avons élu. Chacun possède sa boussole intime, pour Eric Calassou elle indique le rock’n’roll, non pas le lieu à rejoindre, mais l’originaire celui selon lequel au travers de l’enfance et de l’adolescence, la mythologie fondatrice sur laquelle l’on a édifié sa propre personnalité. La nostalgie rock’n’roll de Bill Crane nous la retrouvons dans ses autres opus, dans ces paroles évanescentes qui semblent se perdre dans le non-dit, dans les sentes de ces vocaux, dans ces traces de caravanes qui disparaissent mystérieusement en plein désert… le vide n’est jamais nommé, mais un mot de plus et l’on y tomberait dedans… Engloutis pour l’éternité. Mais cette fois-ci Bill Crane ne cherche pas le rock’n’roll, se tourne non plus vers sa propre origine, mais vers celle du rock’n’roll, il tente de remonter à l’origine de l’origine. Un pari fou, plein d’espérance, ne part pas seul, l’emmène avec lui une enfant aussi folle que lui, les chevaux trottent vivement vers l’horizon, il chante, il appelle, il hèle, il termine ses phrases, les mots se bousculent dans sa bouche, il respire à pleins poumons, il pousse les youpies des cowboys primordiaux, le monde est grand et ouvre devant eux un horizon illimité… My little baby : la même scène que la précédente, tout à l’heure ils étaient deux à galoper dans l’extérieur de l’univers, mais cette fois-ci vue de l’intérieur de notre cowboy, l’est ébloui par ce compagnonnage amoureux, la guitare rutile de mille feux, elle est belle, elle est mignonne, elle se réveille chaque matin à ses côtés (when I awoke this morning… humez le vent du blues) tout va bien, sinon que le monde s’est coupé en deux, nous n’en avons plus qu’une seule moitié, rien de grave une partie du tout participe tout aussi bien du tout. Il est seul, mais à l’écouter vous avez deux chemins, l’un exubérant et joyeux et l’autre teinté d’une brume de mélancolie. Sur laquelle pariez-vous. My wild love : aucune des deux, il ouvre une autre porte, celle des Doors, celle que Jim Morrison a forcée, une reprise oui, sachez faire la différence, ce n’est plus l’enfant folle mais mon amour sauvage. De deux l’on régresse à un. Lorsque la réalité se fendille, l’on passe au stade supérieur, entre la vérité et la légende imprime la légende, dans le domaine du mythe, Morrison n’était pas fou, simplement il voyait un cobra à sa droite et un léopard à sa gauche, si vous ne les voyez pas, restez au ras du plancher et ne venez pas vous plaindre. Une belle reprise, elle ne surpasse pas celle du Roi Lézard mais elle se tient. Debout comme un cobra à votre gauche et un léopard à votre droite. Evitez de vous faire mordre. Bill Crane n’a peur de rien passe entre les deux sans ciller en  émettant un de ces sifflotements de jem’enfoutiste sûr de lui qui a le don de vous énerver.  On the road : après Jim que voulez-vous dire de plus, Bill Crane ne pipe mot, un instrumental, entre nous soit dit l’on a envie de rajouter ‘’again’’ au titre pour montrer que l’on connaît ses classiques, l’est vrai que Canned Heat nous conte l’histoire d’un solitaire, d’ailleurs n’est-on pas toujours seul lorsque l’on se retrouve face à la montagne du mythe, alors Bill Crane crâne un minimum, fait joliment flirter sa guitare, si bellement que si l’on avait été lui l’on aurait coupé le sifflet de la boîte à rythmes… Going up the country : évidemment l’on pense encore à la chaleur en boîte, oui mais au-delà de cette attribution originairement douteuse l’on se rattache aux petites herbes (de la prairie), ne serait-on pas en train de quitter le country pour le blues, mais dénomme-t-on pas aussi le blues : country blues. Plus on remonte aux racines, plus elles se rejoignent… Ce qu’il y a de sûr c’est que Bill Crane fait une deuxième tentative. Nouveau départ. Propose le pari à une nouvelle petite amie, le rythme ne sautille plus, se prolonge dans les échos des résonnances cordiques, la voix devient plus grave, plus insistante, la partie n’est pas encore perdue, il devient clair qu’elle n’est pas gagnée non plus, sur la fin la proposition prend des allures de prières pas très fières… nous sommes obligés d’employer un mot fâcheux, celui de nostalgie. Les confins verdoyants du paysage country ressemblent-ils un peu trop aux pré-alpes rocheuses du rock’n’roll. Quelle surprise nous réserve le prochain titre ? Honey hush : soyons honnête Big Joe Williams n’est en rien un chanteur de country, il vaudrait mieux le cataloguer dans le blues et le jazz, nul n’étant parfait notre géant ne s’est pas contenté de folâtrer dans les musiques reconnues parce que dotées d’un certain cachet d’authenticité octroyé par les blancs, dans les années cinquante l’a planté ses gros panards dans le Rhythm And Blues et crime suprême dans le rock’n’roll, Bill Haley récupèrera son Shake Rattle and rock que se hâtera de reprendre Elvis Presley, l’est un devancier pour ne pas dire un précurseur du rock’n’roll, n’a-t-il pas travaillé avec Wynonie Harris… Cette fois-ci Bill Crane saute le pas. Nous pond une super reprise du hit du Big Joe, pas question de mâchonner les syllabes, les assène avec la même force que l’idole de Kansas City, un bel hommage à la sauvagerie noire.

( Bill Crane in Paris)

Dance to R&R : les mauvais exemples excitent la jeunesse, Bill Crane franchit allègrement le Rockbicon, en prime nous avons droit à sa recette du pâté d’alouette, une alouette pour la rythmique mélancolique de ses rocks antérieurs et un cheval de phrasé rock, terriblement explicite, le galapiat il prend un plaisir jouissif à mouvoir le corps de sa petite amie, ce n’est plus la base du désir qui suinte de ses lèvres mais un flot spermatique… Into the wild : dans votre naïveté sans doute avez-vous pensé qu’il officiait sur un gazon sauvage, près d’une rivière, pas du tout, les petites fleurs bleues ce n’est pas son kif il vous révèle la terrible réalité, l’a mis le dictaphone de sa boîte à rythmes en marche et il cause par-dessus, jamais vous n’auriez imaginé qu’il fût doté d’un tel organe (vocal) une véritable déclaration de guerre, un manifeste politique, il crie sa haine de l’espèce humaine, met Dieu sur le même plan, ne votez jamais pour lui il détruirait toutes les villes du pays, son mot d’ordre ‘’into the wild’’ ne correspond pas exactement avec l’idéologie des hippies… Down on me : n’a pas renoncé à son projet, genre we we gotta get out of this city, presque un talkin’blues, un peu chaloupé, un peu lancinant, tout cela pour persuader (c’est le titre le plus long) sa baby de partir avec lui. J’ai le regret de vous apprendre qu’il n’est nullement motivé par la louable intention de s’adonner à la permaculture ou de réduire son empreinte carbone en vivant comme un ascète, non ses intentions sont claires, l’a des goûts simples, veut simplement rock ‘n’ roller avec sa girl-friend, pour ceux qui ne comprendraient pas le sous-entendu de ce verbe je vous donne un équivalent traductif, il veut la piquer et la niquer sans arrêt. Slow boogie : évidemment il n’a rien à ajouter à un tel programme, alors il n’ajoute pas un mot à son deuxième instrumental, l’apprivoise par un début slow-sixty avec son frottis-frottas doucement balancé… Shake it : non je n’ai pas oublié de traiter la deuxième partie du titre précédent. Nous file le slow, mais pour le boogie, il n’en souffle mot, il ne bouscule même pas sa guitare, disons que le slow est le moyen d’atteindre le boogie. En fait le boogie vous le trouvez dans ce morceau final, surtout pas dans la musique, vous balance sa rythmique habituelle, mais ça n’a rien à voir avec Rock’n’roll  sauvage de Led Zeppelin, tout est dans l’assurance entraînante et affirmée du vocal.

         Non, Into the wild n’est pas un plaidoyer écologiste. Bill  Crane nous apporte la recette du bon médicament. Si vous êtes atteint de la terrible maladie de la nostalgie du rock’n’roll, le seul remède consiste en s’en défaire en vivant le rock’n’roll au plus près de ses brûlures.

         Bill Crane, pas plus qu’aucun autre, n’échappe au rock’n’roll. Inutile d’aller le chercher ailleurs. Il est en vous.

Damie Chad.

 

*

         Vous cherchez et vous trouvez. Peut-être pas ce que vous cherchiez. Je voulais un groupe qui corresponde à ce que mes critères définissent comme ‘’ original’’ ou ‘’intéressant’’ et dont a priori je ne saurais rien. A postériori il s’est avéré qu’une fois ma recherche terminée je n’en sais guère davantage que presque rien.

         Des argentins de Cordoba. La deuxième ville la plus peuplée du pays me souffle Wikipédia, je veux bien le croire, elle possède même la plus vieille église de l’Argentine, détail qui ne m’incite à aucune appréhension positive. Apparemment depuis le temps l’état d’esprit de la population a progressé puisque la cité possède de nos jours au moins un groupe de rock. Qui ne lésine pas sur les moyens : pour se faire connaître au monde entier ils ont décidé de frapper un grand coup, carrément un essai atomique !

ENSAYO ATOMICO

FUERZAS EXTRANAS

(Official Music Video  / YT / Juillet 2024)

Manu Montoya : guitare / Gabi Diaz : bass / Zequi Ciscar : drums.

Attention ceci n’est pas leur premier morceau, juste une jam enregistrée live, une espèce de footing sonore pour débuter leurs répétitions. Cette mise en bouche se retrouvera-t-elle plus tard sur leur premier EP voire sur un album ? Je n’en sais rien, en tout cas sur leur band camp ils ont déjà une couve en attente. Un dessin un tantinet étrange, qu’est-ce que cet œil descendu de l’espace qui pleure si fort que le flot de larmes qui s’en échappe alimente un lac à lui tout seul. Ambiance lugubre. Serait-ce un avertissement écologique, seules des Forces Etrangères venues de la plus lointaine voûte stellaire seront-elles capables de rendre vie à notre planète désolée… L’image est signée Deliriavision, un tour sur son Instagram, vu le nombre de pochettes réalisées pour des groupes sud-américains, vous comprendrez que l’artiste doit être recherché. Sa vision du monde n’est pas des affriolantes. Un regard dur et froid, mat et sans concession. Nous reconnaissons la pochette de l’album Primigenian de Black Star Giant que nous avons chroniquée en 2023.

Ensayo Atomico : un instrumental de sept minutes trente. Les images n’ont rien d’exceptionnels, rien de neuf, vos les avez déjà vues cent fois à la télé, quant à la musique elle n’innove en rien. Ne dites pas ce n’est pas la peine que j’écoute et que je regarde. Moi j’ai d’abord visionné la vidéo sans le son, et puis j’ai mis le son sans regarder les images. Dans les deux cas je n’en suis guère sorti convaincu. Oui, mais quand j’ai zieuté et écouté des deux ensemble j’ai été surpris. Une congruence parfaite entre le sens et le son. Sans aucune exagération. Exemple 1 : un essai atomique : vous vous foutez les potards à 192, et vous noisez l’outrance sonore à mort, bref vous émettez un bruit que personne n’entendra jamais, puisque devenu sourd à la première seconde. Exemple 2 : un essai atomique : les images sont invisibles, vous apercevez l’ombre de la lumière, bref vous n’y voyez que du translucide pelliculaire.  Non nos Forces Etrangères ne donnent pas dans les facilités azimutales. L’explosion ne les intéresse pas. Ce qu’ils veulent vous montrer : c’est l’inéluctabilité du phénomène. Pas de panique, ils ne vous envoient pas un gars bardé de diplômes es Physique en blouse blanche pour vous exposer avec des schémas explicatifs les étapes des réactions en chaîne des neutrons qui vont vous libérer l’énergie. Simplement ils nous filment des sites, des camions, des hélicos, des trains, des sous-marins, des villes dont on pressent que bientôt il ne restera rien, pour les zonés à dévaster des barbouillages, des coloriages maladroits de vos bambins qui se prennent pour Picasso sous prétexte qu’ils ont des feutres de toutes les couleurs… Attention, on ne fait pas exploser une bombe atomique avec des soldats et des engins militaires, avant faut avant toute une organisation, des banques, des capitaux, Wall Street, des politiciens, regardez bien, parce que parfois le montage est serré, la bombe atomique n’est que le fruit de toute une stratégie économique et politique… Musique, pas de crescendo, un peu de dramaturgie théâtrale sonore au début, mais après ça se calme, vous font le coup du rythme implacable et fascinatoire, le regard du cobra que vous ne quittez plus, vous le regardez tellement fort, que lorsque vous réalisez qu’il vous a attaqué c’est que vous êtes déjà mort. Tant pis pour vous. Las Fuerza Extranas vous avaient prévenu, ne venez pas vous plaindre. Coalescence totale entre le son et sens. Attention, artefact musical parfait. Une véritable bombe atomique à retardement.

Damie Chad.

 

CHRONIQUES DE POURPRE 653 : KR'TNT ! 653 : BILLY VERA / MONONEON / JIM JONES / BCUC / KING FLOYD / THUMOS + SPACESEER / WITH MALICE / PERFECITIZEN / MONOVOTH

KR’TNT !

KEEP ROCKIN’ TIL NEXT TIME

LIVRAISON 653

A ROCKLIT PRODUCTION

FB : KR’TNT KR’TNT

11 / 07 / 2024

 

BILLY VERA / MONONEON

JIM JONES / BCUC / KING FLOYD

THUMOS + SPACESEER / WITH MALICE

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Sur ce site : livraisons 318 – 653

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TERRIBLE NOUVELLE

POUR LES LECTEURS DE KR’TNT

LE CAT ZENGLER ET L’AGENT CHAD

PROFITENT DE L’ETE

POUR VOIR

SI AILLEURS LES FILLES SONT PLUS BELLES

ET LE ROCK’N’ROLL DAVANTAGE DESTROY

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SUPERBE MEDECINE

POUR L’HUMANITE EPLOREE :

ILS SERONT DE RETOUR

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LE MERCREDI 28 AOÛT 2024

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CA FAIT QUINZE ANS QUE CELA DURE

LE ROCK’N’ROLL A LA VIE DURE !

 

 

Wizards & True Stars

 - Monte là dessus et tu Vera Billy

         C’est par Chip Taylor que tu entres chez Billy Vera. Mais tu peux aussi y entrer par une belle autobio, Harlem To Hollywood. Un book à l’image du p’tit Billy sur la couve : rayonnant. Un p’tit Billy qui te raconte l’histoire d’un rock américain que t’aimes bien, c’est-à-dire le rock américain de qualité.

         Ça veut dire quoi le rock américain de qualité ?

         Le Billy book te donne la réponse. Il a 11 ans quand il écoute Alan Freed à la radio en 1955. Il se souvient vaguement d’avoir flashé sur l’«I Feel Good» de Shirley & Lee et sur Frankie Lymon & the Teenagers - I was hooked - Hooked par la musique noire. Dans une salle de spectacle du Bronx, il voit The Motown Revue, c’est-à-dire les Supremes, les Temptations, Smokey Robinson & the Miracles, Little Stevie Wonder qui a 12 ans, ET Kim Weston, qui, dit-il, n’a jamais été vraiment reconnue à sa juste valeur. Le p’tit Billy est ultra-hooked. Avec son argent de poche et les sous qu’il gagne en tondant des pelouses, il se paye ses trois premiers singles : «Blueberry Hill» de Fatsy, l’«Honky Tonk» de Bill Dogett et «Priscilla» d’Eddie Cooley & The Dimples. Le p’tit Billy s’empresse d’ajouter qu’Eddie Cooley compose en 1956 un hit qui va le rendre riche : «Fever». Puis il se paye l’«Oh What A Nite» des Dells, de Chicago. Il reprendra d’ailleurs ce titre pour l’un de ses albums avec les Beaters. Tu vois un peu le niveau du p’tit Billy ? Il a 11 ans et il craque pour les Dells, ces géants du Chi Sound que personne ne connaît ! Et tu n’en es qu’aux premières pages. Autant te dire que tu ne lâches plus le p’tit Billy book. Tu le lis même en claquant des doigts, wow, p’tit Billy, snap, p’tit Billy, snap-o-snap ! Et pour que tu comprennes bien dans quoi tu mets les pieds, il t’avoue ceci, avec un petit sourire en coin : «Étant né en 1944, j’appartiens à une génération pour laquelle le debonnair black style and black ‘cool’ était extrêmement influent. Il fallait s’habiller, danser, parler et même marcher comme the hip older black guys.» Pour illustrer le propos du p’tit Billy, t’as deux exemples : la façon dont marche Forest Whitaker dans Bird et dans Ghost Dog. La classe de la démarche ! Une classe qu’illustre aussi fort bien Spike Lee dans Malcolm X, lorsqu’il arpente les rues en compagnie de Denzell Washington : the way you walk. C’est l’image. La classe de l’image. Ahmet Ertegun fut lui aussi fasciné par l’allure des black cats. Comme Mezz Mezzrow, il passait ses nuits dans les clubs de Harlem.

         Puis le p’tit Billy voit Chucky Chuckah à la télé. Nouveau coup d’hook - Once I saw Chuck, I wanted to be him - Alors il retond des pelouses pour se payer une gratte électrique, «a black and white Silvertone solid body.» Pas de sous pour l’ampli ? Pas grave, il se branche dans la radio de Mum et il apprend à gratter les Chuck’s licks, comme Keef en Angleterre à la même époque - B-b-b-b-b-b slacks make a cool daddy-o !

         Puis il monte un groupe, The Knight Riders, qui accompagne toutes les stars locales, notamment les Isley Brothers, qui prennent le p’tit Billy à la bonne et qui lui refilent l’adresse de leur tailleur, on the Bowery in lower Manhattan - That cat Sol fait 300 costards par an pour Fats Domino - Le p’tit Billy évoque aussi Goldie & The Gingerbreads, la mafia et quelques mystérieuses démos, mais il garde ses distances. The Knight Riders accompagnent aussi Patti LaBelle & The Bluebells, sur scène, puis Little Anthony & The Imperials - Two acts with pretty difficult music - Le p’tit Billy sympathise avec les Bluebells et notamment avec Nona Hendryx, dont il admire la voix. Il lui propose d’enregistrer en duo. Ils réussiront à faire un album beaucoup plus tard, en 1992 : You Have To Cry Sometime.

         C’est peut-être là qu’il est le plus à l’aise, en duo avec une black. Départ sur des chapeaux de roues avec le très beau hit des Isleys, «It’s Your Thing», cette Soul Sister de choc le prend à l’accent fêlé en mode diskö. En fait, ils alternent sur pas mal de cuts. Nona tape «All The Way To Heaven» toute seule, elle y va au power Soul, avec une belle rythmique bien grasse. Ils duettent enfin sur le «Storybook Children» des débuts - Why can’t we be like sorybook children in the wonderland - C’est une merveille définitive. Puis Billy prend le «Got To Get You Off My Mind» de Solomon Burke à la bonne, il n’a pas froid aux yeux. Nona claque ensuite l’admirable «Ain’t That Peculiar» composé par Smokey pour Marvin, et repris par Fanny. Elle le gère au mieux de ses possibilités et le rocke à la Soul Sistermania. Elle claque ensuite à la clameur le «Don’t You Know You’d Have To Cry Sometime» d’Ashford & Simpson, une heavy Soul de choc. On se retrouve une fois de plus avec un big album dans les pattes. Billy tape ensuite le «Three Minute Thing» qu’il a co-écrit avec Chip, il y fait son Elvis, c’est carré, très Sun d’alright mama. Il reduette enfin avec Nona sur «I Can’t Stand It», Billy est devant, alors comme elle doit s’imposer, elle rocke sa chique. C’est excellent.

         Il a 20 ans quand il entre comme apprenti-songwriter chez April-Blackwood Music. Il en profite pour rappeler que le Brill est au 1619 Broadway, qu’April-Blackwood Music est au 1650, et qu’il existe un troisième Brill au 1697, au-dessus de l’Ed Sullivan Theater. Dans les trois Brill, on retrouve le même business : «music publishers, independant record companies, and various publicists, booking agents, voice coaches and other fringe characters.» Le p’tit Billy préfère le 1650, «the cooler one». C’est là qu’il rencontre Chip Taylor. Chip a son bureau en tant que «staff writer and executive». Il a quatre ans de plus que le p’tit Billy et déjà une grosse expérience, mais il est jaloux du p’tit Billy qui a déjà composé un hit pour Ricky Nelson. Aux yeux du p’tit Billy, «Chip is one of the great songwriters». Ils bossent ensemble et Chip forme le p’tit Billy au métier de songwriter. Chip lui apprend par exemple qu’une chanson est avant toute chose une histoire courte, avec un début, un middle et une fin. L’autre truc fondamental que lui apprend Chip : ne cherche pas à composer une chanson à la mode, mais plutôt une chanson que chanteront les gens dans 20 ans. Le premier hit qu’ils composent ensemble est «Make Me Belong To You» pour Barbara Lewis. Van McCoy qui bosse aussi au 1650 avait déjà composé «Baby I’m Yours» pour elle. Puis Chip et le p’tit Billy composent «Storybook Children». Ils prennent rendez-vous chez Jerry Wexler. Le Wex écoute la démo et donne un épouvantable coup de poing sur la table : «This is a fucking smash !». Il décide de sortir ça sur Atlantic. Il vient de signer Judy Clay, une cousine de Dionne la lionne et propose au p’tit Billy de duetter avec elle. Quand elle arrive dans le bureau de Chip, elle fait mauvaise impression : elle vient du gospel et elle doit s’imposer dans la secular music.

         Et boom, ça donne l’un des grands albums classiques Atlantic. Le Storybook Children de Billy Vera & Judy Clay est ce qu’on appelle un album parfait, contenu comme contenant. Duo parfait, la black et le p’tit cul blanc, chansons parfaites, aussitôt le morceau titre d’ouverture de balda, Billy rejoint Judy là-haut, dans les harmonies vocales. Ils flirtent avec la magie. Chip & Billy co-écrivent une autre merveille, l’«Ever Since» qu’on trouve au bout de la B, et Judy y mène le bal. Billy et Vera tapent aussi quelques covers de choc comme le «Soul Man» d’Isaac le prophète, ils s’en sortent avec les honneurs, et en B, le «Bring It On Home To Me» de Sam Cooke. Solid cooking ! Avec Judy, ça jerke. Encore un shoot de r’n’b avec «Really Together», on se croirait chez Stax, mais Stax à Detroit, c’est du raw avec un sax à la Jr. Walker. Big Billy ! Il te tartine aussi «Good Morning Blues» au croon de cake. C’est là qu’on mesure la grandeur de Billy Vera. Il tape aussi le «We’re In Love» de Bobby Womack, qui n’est pas loin du «What Is Soul» de Ben E. King. 

         Le p’tit Billy donne dans son book tous les détails de l’enregistrement de ce fantastique album. King Curtis et Paul Griffin jouent dessus. Puis le p’tit Billy et Judy montent sur scène à l’Apollo d’Harlem. Pour lui, le public black est le meilleur - There is no audience like a black audience - Le p’tit Billy est dans le public quand James Brown enregistre son fameux Live At The Apollo - It was the most exciting show I ever saw - Il ajoute que James Brown est celui qui a fait le plus de hits dans l’histoire de la black music, et qu’il a vendu des millions de disques que la grande majorité des blancs ne connaissaient pas, alors que Jimi Hendrix a vendu des millions de disques aux blancs, mais on se moquait de lui à Harlem. Tu veux savoir pourquoi ? «You couldn’t dance to a Hendrix song», nous dit le p’tit Billy.

         Et très vite, tout Harlem parle du «white boy who was singing with the black woman at the Apollo.» Attention, il y a d’autres stars à la même affiche : Tommy Hunt, the Radiants, la pauvre Linda Jones disparue trop tôt, et Mable John, la sœur de Little Willie John - Mable était dans notre loge quand on lui a dit que son frère était mort en prison - Tu vois un peu le travail ? Puis quand le contrat entre Stax et Atlantic expire, Wexler annonce au p’tit Billy qu’il ne peut plus chanter avec Judy Clay, qui est chez Stax. Judy a un sale caractère, même Steve Cropper ne la supporte plus, alors Stax la lâche et elle revient chez Atlantic, dit Wexler, «la queue entre les jambes.» Toujours élégant, le Wex. Le p’tit Billy va essayer de relancer le duo, mais Judy a un sale caractère et elle refuse de revenir à l’Apollo si on n’augmente pas son cachet. Alors Atlantic la vire. Elle reste en contact avec le p’tit Billy : «Hey Billy we ought to do something». Mais le grand retour n’aura pas lieu. Fin d’histoire affreusement triste. Sur la pochette de Storybook Children, on voit dans le regard de Judy Clay toute la mélancolie du monde.

         Et voilà l’un des plus gros scoops du book : le p’tit Billy compose «Don’t Look Back» pour Chuck Jackson, mais Chuck ne l’enregistre pas. Ce sont bien sûr les Remains qui vont l’enregistrer. Mais ce ne fut pas un hit à l’époque, contrairement à ce que tout le monde croit, même si les Remains ont tourné en première partie des Beatles. Le p’tit Billy ajoute qu’en 2012, on a tourné un docu sur les Remains et Barry Tashian l’a invité à Los Angeles pour assister à la projection du docu.

( Neil Macaethur alias Colin Blunstone)

         Sur scène, le p’tit Billy accompagne aussi Clyde McPhatter. Il évoque Wilson Pickett qui redoute de jouer après les Knight Riders qu’il trouve trop bons. Le p’tit Billy les connaît bien tous ces mecs-là, il les croise dans les backstages. Ce book fourmille d’infos extraordinaires. Tiens par exemple la fin de carrière de Clyde McPhatter : il est sur scène et reçoit une bouteille en pleine tête. Il perd sa perruque et sort de scène, la gueule en sang. Fin de carrière. Tiens, et Wilson Pickett qui frappe son batteur en pleine gueule sur scène ! Et ça dégénère quand il passe à la coke, «which made him really nuts and really mean.» Le p’tit Billy fait aussi des démos pour Elvis, et raconte que le Colonel paye les musiciens avec des chèques à l’effigie d’Elvis qu’ils ne vont évidemment pas encaisser pour les garder en souvenir, sauf le p’tit Billy qui a grand besoin de ces 35 $. Il accompagne aussi P.J. Proby, et puis Colin Blunstone qui enregistre l’une de ses compos, «Don’t Try To Explain». Il accompagne encore les Coasters qui font les clowns sur scène. Il salue aussi au passage Evie Sands qui n’a pas eu de chance, car ses hits composés par Chip et Al Gorgoni n’ont rien donné pour elle, mais ont été des smash pour le Vanilla Fudge («Take Me For A Little While») et les Hollies («I Can’t Let Go»). Côté cul, le p’tit Billy ne s’embête pas : il vit pendant un an et demi avec l’une des Chiffons, Barbara Lee, et bien sûr accompagne les Chiffons sur scène, comme il accompagnera plus tard les Shirelles - The Shirelles being the top of the girl-group heap - Il les accompagne même en tournée. Le seul autre mâle sur la tournée est un gay back nommé Ronnie Evans qui suit les filles depuis 15 ans. Le passage grouille de détails faramineux.

         Alors qu’il bosse pour les Shirelles, Ronnie Spector l’approche et lui demande de bosser pour elle - She’d heard I was the best conductor in New York - Ils vont dîner ensemble et traînent en ville jusqu’à l’aube. Et comme le p’tit Billy dit à Ronnie qu’il en pince pour sa frangine Estelle, alors, par esprit de compétition, elle décide qu’elle le veut. Et elle aura les deux pour le prix d’un : le boyfriend et le conductor - Vous devez savoir que pour ma génération de New York boys, the Ronettes were the number one sex symbols of their time, avec Marilyn Monroe, Sophia Loren et les autres - Et le p’tit Billy de s’exclamer : «Aussi, être le boyfriend de Ronnie après qu’elle ait quitté son mari, c’était un BFD, a Big Fucking Deal !» Mais c’est compliqué avec Ronnie : elle picole et se gave de tranquillisants. Alors elle dysfonctionne. Sur scène, elle s’endort. Le propriétaire d’un club de Boston qui appartient à la mafia dit au p’tit Billy : «T’as du pot que je te connaisse et que je t’aie à la bonne. Autrement, on aurait déjà pété les deux genoux de ta pute. Rentre à l’hôtel et trouve-moi un artiste potable pour finir la semaine. Et arrange-toi pour que cette pute quitte Boston demain matin.» En Floride, Ronnie s’écroule sur scène. Alors le p’tit Billy laisse tomber et file à Memphis enregistrer chez Steve Cropper qui vient de monter son label. Mais l’album ne sortira pas. Il évoque aussi le grand Bobby Robinson et ses labels mythiques, Fire, Fury et Red Robin.

         Et puis, au cœur de ce tourbillon, le p’tit Billy lâche un nouveau scoop : sa frangine Kathy a enregistré en 1970 un album devenu culte, Kathy McCord, et réédité en 2010 par Ace/Big Beat : New Jersey To Woodstock. C’est un double CD qui a deux belles particularités : un, le p’tit Billy signe les liners, et deux, le disk 2 propose 16 inédits, parmi lesquels se trouvent des cuts figurant sur le deuxième album de Kathy hélas devenu tellement culte qu’il est inabordable. Autre info de poids : Harvey Brooks fait partie du casting. Alors le p’tit Billy y va, rappelant qu’il a grandi dans une famille de chanteurs (sa mère bossait pour le Perry Como Show) et sa baby sister s’intéressa très vite à la crème de la crème (c’est lui qui cite) : Van Morrison, Tim Hardin, Bonnie Bramlett, Taj Mahal, Dr. John, Mavis Staples and the Band, oh la la, pardonnez du peu. Quand le p’tit Billy bosse comme staff songwriter pour April-Blackwood, the music publishing arm of CBS, il présente sa baby sister qui est encore au lycée à Chip Taylor, son collègue d’April. Chip lui fait chanter «Angel Of The Morning», mais, nous dit le p’tit Billy, le collègue Al Gorgoni veut que ce soit Evie Sands qui l’enregistre. On nage ici au cœur de la super crème du Brill. Tous ces noms font un peu tourner la tête : Chip, Evie, Al... Du coup, Chip file deux cuts à Kat : ««I’ll Give My Heart To You» et «I’ll Never Be Alone Again». C’est un single sorti sur le label de Chip, Rainy Day Records, et qui a coulé à pic. Ces deux cuts sont par miracle en bonus sur le disk 1 : magnifique pop tranquille et romantique, surtout «I’ll Never Be Alone Again» qui est monté comme le Whiter Shade Of Pale et Kat la crack s’appuie bien dessus. C’est tout bonnement renversant de qualité. Quand t’es dans les pattes de Chip, t’es dans les pattes d’un dieu. Puis le producteur de jazz Creed Taylor prend le p’tit Billy et sa frangine Kat sous son aile et rassemble la crème de la crème pour l’enregistrement du premier album de Kat, en 1969. Le mec qui gratte ses poux là-dessus s’appelle John Hall. Il fait la pluie et le beau temps sur «Rainbow Ride» avec un fastueux solo d’acid psych qui vaut largement tous ceux de Jorma Kaukonen. Puis elle tape une cover des Beatles «I’m Leaving Home (She’s Leaving Home)», c’est du bon doux & tendu, elle épouse cette magie anglaise à la perfe inexorable. Maintenant tu sais pourquoi cet album est devenu culte. Kat est pure comme de l’eau de roche. Nouveau coup de Jarnac avec «Candle Waxing», un balladif gratté aux poux d’acou de lapin blanc, te voilà chez Lewis Carroll, et ça se termine en délire de poux d’acou et de flûte hippie. Baby Kat coule de source, comme Joni Mitchell. Tu ne perds pas ton temps à écouter son album. Elle se laisse porter par «New York Good Sugar/Love Lyric #7» et tu entends ce fou de John Hall derrière. «Jennipher» aurait dû être un hit, et elle reste dans la magie avec «Take Away This Pain», elle monte la passion en neige à coups d’I know you babe/ C’mon make me smile again. Puis Kat s’installe à Woodstock et fréquente la crème du coin, les mecs de The Band, Butter, Maria Muldaur et Bobby Charles, nous dit le p’tit Billy. C’est là qu’elle enregistre les 16 cuts du disk 2, dont certains qu’elle réengistrera pour le fameux deuxième album qui coûte la peau des fesses. Ces cuts sont d’une qualité impressionnante, à commencer par «New Horizon» (touchez ma bossa, monseigneur, elle groove à Copacabana), donc il n’est pas étonnant de la retrouver ensuite à «Acapulco», et elle y va au petit chien de sa chienne exotique. Elle propose une pop qui accroche sans parcimonie, une pop noyée de soleil, fascinante de qualité, comme ce «That’s A Love That’s Real» bien balancé, elle y va au come together, suivi d’un «No Need To Wait» plein de vie, elle y va au whoo-oh-oh. Les voies de la grande pop US restent décidément impénétrables. Et puis voilà qu’arrivent les coups de génie, comme ce «I’ll Be Loving You Forever», puissant r’n’b, une vraie merveille exécutive, et ce «Madman» bien descendu au barbu, elle est partout dans le son, elle te finit ça à la hurlette bien tempérée, c’est du Bach de Hurlevent. Encore un pur shoot de r’n’b avec «Keep Peace In The Family», elle s’y montre digne de Clarence Carter, tu vois un peu le travail ? Elle se positionne encore avec «You’d Convince The Devil», elle est en pleine possession de ses moyens, comme Jim Ford à la même époque, elle se situe au dessus du lot, t’en reviens pas de tant de qualité. Tu comprends soudain pourquoi un bec aussi fin que Tony Rounce ait flashé sur elle. Elle se montre encore fantastiquement intrinsèque avec «Who’s Been Fooling You», elle chante à l’accent vrai, elle est véracitaire jusqu’au bout des ongles. Elle adore s’engager dans le r’n’b, comme le montre encore «Don’t Go Talkin’ To Strangers», encore une compo à elle, comme les autres 15 cuts. Fantastique ! Elle est tellement fiable qu’on y va les yeux fermés. Nouveau coup de tonnerre avec le big heavy US rock d’«I Wanna Know Why» et elle boucle cette poursuite infernale avec «Shine On», encore un cut en pleine santé, plein aux as, cuivré de frais, elle chante dans la cuisse de Jupiter, elle effare dans la nuit, elle colle bien au papier, elle t’y sort une niaque de chienne, elle a du répondant, la baby sister du p’tit Billy, ah il peut être fier de sa frangine.

         Le p’tit Billy va quitter New York pour s’installer à Los Angeles. Et malheureusement pour lui, il croise le chemin de Lou Adler, un Adler qui lui promet monts et merveilles et qui ne tient pas parole. Alors Billy qui est devenu grand déprime. Il voit sa vie et sa carrière ruinées.

         On ne perd pas son temps à écouter la poignée d’albums qu’il a enregistrés après Storybook Chidren. With Pen In Hand est son deuxième et dernier album sur Atlantic. Il n’est hélas pas aussi bon que Storybook Chidren. La viande est au bout de la B, avec une redite, «Good Morning Blues», dont on a déjà dit le plus grand bien. S’ensuit «Are You Coming To The Party», le hit de l’album, co-écrit par Chip & Billy, magnifique de party baby, très chippy, avec le Billy en cerise sur le gâtö. On s’émeut bien sûr à l’écoute du morceau titre qui est en ouverture de balda, compo de Bobby Goldsboro, superbe balladif, rayonnant de classe. Le «(You Keep Me) Hanging On» n’est pas celui des Supremes, mais ça reste de qualité, d’autant que Billy croone comme un cake. Il fait aussi une belle cover d’«I’ve Been Loving You Too Long». Il bouffe l’Otis tout cru. Pareil avec les Bee Gees et «To Love Somebody». Crounch crounch.

         C’est sur Out Of The Darkness, paru en 1977, qu’on croise pour le première fois «Private Clown», un hit des jours heureux qu’on va retrouver par la suite sur d’autres albums. Il reprend aussi son vieux «Storybook Children», ce balladif d’envergure certaine qu’il composa jadis avec Chip Taylor. Billy embrasse l’horizon, c’est une merveille océanique. Au dos de la pochette, on peut lire : «Special thanks to Bob Crewe.» Il n’est donc pas étonnant de voir arriver une belle pop de joie de vivre signée Crewe/Vera, «Something Like Nothing Before». Billy sait créer l’événement avec cette pop élégante et attachante. Tout est beau sur cet album, et même stupéfiant de qualité. «Nouveau Riche» est encore une très grosse compo grouillante de vie et d’épisodes époustouflants. En B, il tape un gros clin d’œil à Fatsy, son amour de jeunesse, avec une cover de «My Girl Josephine». Il est bon, le Billy, pour la Nouvelle Orleans. Encore de l’ampleur à gogo avec l’océanique «I’ve Had Enough», et il termine avec un «Big Chief» digne de Dr. John, Big chief holler/ Second line follow/ See my queen now.  

         C’est Jerry Wexler qui produit l’album sans titre paru en 1982, avec un Billy Vera en caoutchouc sur la pochette. C’est enregistré à Muscle Shoals. On y retrouve bien sûr «Private Clown», classieux comme pas deux. Billy chante vraiment comme Tonton Leon, c’est très beau, très soigné, avec un solo de sax et des oh oh oh. On croit entendre Tonton Leon sur «Oooh». Billy groove ça au nasal, mais avec talent. Un talent fou, dirons-nous. Il reste en plein Tonton Leon avec «Down» et une grosse flavour New Orleans. En B, on  doit se contenter de deux cuts : «I Don’t Want Her» signé Billy & Chip, mid-tempo très écrit et très classique, et puis «Peanut Butter», un heavy groove de New Orleans dans lequel Billy se jette à corps perdu.        

     

         Malgré sa très belle pochette, The Mystic Sound Of Billy Vera n’est pas l’album du siècle. Billy sort des compos compliquées et ambitieuses à la Elton John («Behind The Wall») et on s’ennuie. Ça ne marche pas. En B, il adresse un gros clin d’œil à Huey avec «Rockin’ Pneumonia» et il faut attendre «Dance Til Your Draws Fall Down» pour trouver un peu de viande, car oui, ça rocke à la Mad Dogs & Englishmen, avec un piano honky tonk de type Tonton Leon et un chant vraiment Tonton. Il boucle cet album un peu décevant avec un brin d’exotica, «Sock It To Yourself». Il est bon dans l’exotica.

         On ne se relève pas non plus la nuit pour écouter The Hollywood Sessions. Il fait son big easy, les deux doigts dans le nez avec «Fast Freight», pas de problème. Il est comme Chip : il assure sans faire la révolution. Il propose une pop classique, mais les miracles brillent par leur absence. «She’s Not So Young Anymore» est un balladif aussi poignant qu’une poignée, et c’est pas peu  dire. Il enchaîne avec «Billy Meet Your Son», un boogie rock classique. Pas de quoi s’en faire la gorge chaude, et encore moins des choux gras. Il revient à son cher Huey avec une nouvelle mouture de «Rockin’ Pneumonia». Il connaît bien son Huey. Mais globalement, tout est ordinaire sur ces Sessions. 

         Curieusement, The Billy Vera Album paru en 1987 pourrait bien être son meilleur album. Il l’attaque d’ailleurs avec le vieux «Private Clown». Toujours ce sens aigu des jours heureux. Avec Billy Vera, on a toujours l’impression d’explorer un continent. Parfois c’est bien, parfois moins bien. Il est très Tonton Leon sur «Run & Tell The People». En B, il ressort des vieux coucous comme la cover de «My Girl Josephine», jouée au menton carré et au pas ferme, et le vieux «Something Like Nothing Before» jadis composé avec Bob Crewe. Il reste dans le haut de gamme des vieux coucous avec «Nouveau Riche», et finit avec le vieux «Big Chief» d’envergure apostolique, il fait l’Iko Iko comme Dr John, c’est en plein dans le mille, avec les congas de Congo Square.

         Voilà pour la partie solo. En 1980, il monte un nouveau projet, Billy & The Beaters - We were a hit, the hottest band in town - Ça repart de plus belle, après les années fastes de l’Apollo et d’Atlantic. Des gens comme l’ex-Doobie et l’ex-Steely Dan Jeff Skunk Baxter veulent jouer dans les Beaters.

         Billy fait appel à Jerry Wexler pour enregistrer un album et Wex l’envoie à Muscle Shoals retrouver toute la bande Tommy Cogbill/Barry Beckett/Jimmy Johnson/Gene Chrisman. At This Moment sort en 1981. Pour Billy, le hit c’est «Hopeless Romantic», un cut d’essence très Fred Neil dans la délicatesse - I’m a believer/ Much more than anything/ I believe in you - Pour Wex, cet album est l’un des 5 meilleurs qu’il ait enregistrés. At This Moment fait un peu double emploi avec l’album sans titre de Billy & The Beaters paru la même année. Le morceau titre est une pure Beautiful Song d’une beauté déchirante. Le vrai power de Billy, c’est cette pop d’ampleur considérable. Avec «I Can Take Care Of Myself», il sonne assez Steely Dan, doux et ferme, ce qui vaut pour un compliment. Et puis au bout de la B des anges, t’as cette merveille intitulée «Here Comes The Dawn Again». Il est en plein dans Eric Carmen.  Mais à la réécoute, Billy trouve l’album trop poli.

         C’est là que Steve Binder entre un contact avec Billy. Binder ? Mais oui, le fameux producteur du T.A.M.I Show et du ‘68 Comeback Special. Binder voit Billy comme un «rock’n’roll Willie Nelson». Mais il n’a pas le temps de s’occuper de Billy, et le confie à une certaine Katie Wasserman. Billy rencontre un peu plus tard Johnny Otis qui comme Billy a vécu avec des blackettes, et qui comme Billy, sent qu’il fait partie de la communauté black.

         Un album sans titre de Billy & The Beaters sort en 1981. Billy se contente de groover sa pop. C’est du sans surprise. Presque bon chic bon genre. Sur «Millie, Make Some Chilli», il sonne presque comme Elvis, et derrière lui, un mec fait le James Burton country : il s’appelle George Marinelli Jr. Un nom à retenir. En B, Billy tape une belle cover du «Strange Things Happen» de Percy Mayfield. Solide comme un heavy blues de big band. S’ensuit «Here Comes The Dawn Again», un puissant balladif à base de chagrin d’amour. Billy y rivalise de grandeur marmoréenne avec Eric Carmen.    

         Quelques années plus tard, Billy & The Beaters enregistrent Retro Nuovo. On y trouve l’une de ces Beautiful Songs dont il a le secret, «If I Were A Magician». Il sait créer la sensation. Et il faut le voir groover son «Ronnie’s Song» - You play the fingers/ And I play the guitar - Superbe ! Il a encore du swing plein le chant dans l’«I Got My Eye On You» d’ouverture de bal de B. Billy est un artiste accompli, il ne cherche pas à faire le white nigger. Il fait du Billy. La surprise vient de «Poor Boys» qui est monté sur le beat de «The Beat Goes On». Son poor boys got a way with each other vaut bien le Drums keep pounding/ A rhythm to the brain/ La dee da dee dee, la dee da dee da de Sonny Bono. Try to get over !    

         En 1987, Billy participe à un James Brown tribute à Detroit. Pourquoi Detroit ? Parce qu’Aretha refuse de monter dans un avion. Les autres invités nous dit Billy sont Wilson Pickett, Robert Palmer et Joe Cocker. Puis il joue en première partie de Chucky Chuckah au Caesar’s Palace de Las Vegas. Il voit Chucky sortir de l’aéroport en chemise rouge et fute pattes d’eph jaune, avec son étui de guitare à la main. Billy lui demande où il a trouvé ses fringues et Chucky lui dit : «At the Goodwill, man! Three dollars for the shirt and six for the pants!». Billy est scié d’entendre ça. Chucky Chuckah gagne des millions de dollars et il s’habille à l’armée du salut. Billy rappelle ensuite que Chucky ne répète jamais. Son contrat stipule qu’il doit avoir deux Fender Dual Showman sur scène avec TOUS les potards tournés à fond, que le backing band connaisse ses chansons et bien sûr, qu’il soit payé en cash et à l’avance. Billy se souvient de l’avoir accompagné plusieurs fois sur scène, et c’est l’enfer pour un backing-band, car Chucky Chuckah n’annonce jamais le cut qui vient, ni sur quel accord il le joue. Il démarre et les autres suivent comme ils peuvent. Pour corser l’affaire, si un cut est en La un soir, le lendemain, il le joue en Sol. Mais quand il voit que Billy suit bien, Chucky lui adresse un franc sourire et arrête de faire le con. Chucky teste les gens. Comme partout, t’as les cons et ceux qui ont oublié de l’être. Une autre fois, à Broadway, Billy demande à l’organisateur si Chucky veut bien répéter. Le mec lui dit que Chucky vient d’écrire 5 nouvelles chansons dans l’avion et qu’il veut les jouer. Billy lui dit que c’est un truc de dingue. «Pourtant il est stipulé dans son contrat qu’il doit jouer ses 3 plus gros hits», ajoute Billy. Alors le mec met fin au débat : «Yes but you know Chuck; he’s out of his mind.»

         Billy décroche aussi un petit rôle dans le film d’Oliver Stone sur les Doors. Il joue le rôle du promoteur du concert de Miami. La fabuleuse scène du Miami show fut filmée à l’Olympic Auditorium d’Hollywood, avec 2 000 figurants, principalement des zonards locaux. Après la tournage, le sol était jonché de capotes et de seringues. This is the end, beautiful friend.

         Billy commence à s’en sortir financièrement avec les Beaters. Il fait aussi un Radio Show et reçoit des gens comme Frankie Valli, Merle Haggard et Dion DiMucci. Il réussit même à inviter Lou Rawls.

         En 1992, Billy produit un album de blues de Lou Rawls sur Blue Note, Portrait Of The Blues. C’est vrai que Lou Rawls mérite toute l’attention de Billy, mais il a un gros défaut : il chante d’une voix trop blanche. Junior Wells passe des coups d’harp sur «I Just Want To Make Love To You» et «Baby What You Want Me To Do», et Buddy Guy gratte ses poux sur «My Babe», un autre classique de Big Dix. Pas de vague, mais bien vu. Joli coup de swing avec «Saturday Night Fish Fry» et Lionel Hampton. Et classic drive de dandy saxé dans l’angle pour «Person To Person». On retrouve le dandy sur «Suffering The Blues» - Sometime someway/ I did someone wrong/ And now I’m suffering with  the blues - Il passe à Percy Mayfield avec «Hide Nor Hair» mais il chante comme une tête à claque sur «Sweet Slumber».

         Trois ans auparavant, Billy avait produit un autre album de Lou Rawls, It’s Supposed To Be Fun. Ce Lou-là a une particularité embêtante : il chante vraiment comme un blanc. Des fois ça passe, des fois ça coince. Exemple avec le morceau titre d’ouverture de bal : ça passe, car belle Soul de crooner. Ce Lou-là groove aux frontières du jazz. Il navigue entre Marvin et une Soul plus ferme, avec une classe élastique de black dandy. Nouvel exemple avec deux compos de Billy, «Good Morning Blues» et «One More Time» : ça passe encore, car ça se présente comme du Burt, tellement c’est beau. On note au passage la puissance compositale de Billy. Son «One More Time» est vraiment du grand art. «Moonglows» est aussi une compo de Billy, un brin exotique. Face à tant de beauté, tu clignes des yeux. C’est l’apanage des Beautiful Songs. Et puis tu as ce coup de génie, vers la fin, «Goodbye My Love». Ce Lou-là fait le dandy crooner et se montre exemplaire. C’est du croon de cake. Il tape aussi le vieux «Don’t Let Me Be Misunderstood», mais il n’a pas la niaque d’Eric Burdon, donc ça coince. Il en fait un cut dramatique. Par contre, sur «All Around The World», il se montre écœurant de jazz class et d’I know you babe - All around the world/ I got blisters on my feet - Il est marrant, avec ses ampoules aux pieds. Il tape plus loin l’«Any Day Now» de Burt. Alors comme c’est du Burt, on l’écoute jusqu’au bout. Mais ailleurs, il croone trop comme un blanc. Ça coince. Il termine avec «The Last Night Of The World» qu’il prend d’une voix trop blanche, ça le trahit et ça l’éloigne de Sam Cooke.

          Billy bosse aussi pour Rhino, il rédige des liners pour The R&B Box et Genius And Soul: The Ray Charles 50th Anniversary Set. Ça paraît logique qu’il s’entende bien avec un cake comme Harold Bronson. Il fait aussi des compiles pour Specialty, ce label mythique auquel il a consacré un book dont on a parlé ici-même (Rip It Up: The Specialty Records Story). Il fait une box 5 CD sur Specialty de 1945 à 1958, date à laquelle Art Rupe s’est retiré. Pour lui, Specialty est avec Chess, Sun et Atlantic l’un des plus importants labels dans l’histoire du rock. Il a fait une cinquantaine de compiles pour le compte de Specialty, il a pris en charge le catalogue Vee-Jay, puis a fait The Capitol Blues Collection pour Capitol. Il va aussi bosser pour Ace et Bear Family. «J’ai aussi eu le privilège de bosser sur des artistes comme Sam Cooke, Duke Ellington, Count Basie, Louis Jordan, Louis Prima, Etta James, T-Bone Walker, Allen Toussaint, and so many more.» Quand il rencontre Dylan, celui-ci lui dit qu’il a adoré les trois CDs qu’il a produits de Percy Mayfield. Billy n’en finit plus de nager dans l’excellence. Il rencontre aussi Totor qui le serre dans ses bras et qui lui dit son admiration. Billy se demande alors s’il sait qu’il a baisé sa femme, Ronnie. Billy rencontre aussi Joel Dorn, the hippest cat in the room. Cet amateur de jazz a pris la suite de Nesuhi Ertegun chez Atlantic et a envoyé le label into the future en produisant Roberta Flack et Les McCann. Billy avait avec Dorn ce qu’il appelle the deep musical conversation.  

         Billy participe à un tribute à Jerry Wexler au LA House of the Blues, en compagnie d’Etta James, Solomon Burke et Doug Sahm. Pour Billy c’est un honneur que de faire partie de cette caste et de rendre hommage à son mentor Wex. Billy en profite pour ajouter que Wex fut aussi un mentor littéraire et le premier book qu’il lui refile est le fameux Gospel Singer d’Harry Crews. Un book dont l’adaptation au cinéma eût été idéale pour Elvis, mais comme le dit si bien Billy, le Colonel préférait lui faire tourner des gros navets et encaisser les sous des «lousy songs they could publish.»

         Billy demande d’ailleurs à Wex de rédiger des notes pour Creole Kings Of New Orleans, une compile de tous les diables sortie sur Ace. Les notes de Wex sont véritablement celles d’un fan qui connaît bien la chanson de la Nouvelle Orleans. Ça grouille évidemment de coups de génie là-dedans, à commencer par Percy Mayfield et «Lousiana», ah il faut le voir groover son loui-sah-nah/ Gonna settle down, et plus loin Guitar Slim avec «The Things That I Used To Do», il y va au heavy used to doo, c’est tout simplement incomparable, t’as le raw de la voix et le gumbo de cuivres. Plus loin, nouveau shoot d’hot as hell avec Li’L Millet & His Creoles et «Rich Woman»,  encore pire que le «Ya Ya» de Lee Dorsey, ce mec est le parfait délinquant créole. Quatre singles, et puis plus rien. Nouveau coup de génie avec Art Neville et «Cha Dooky-Doo», solo de purée gumbo, puis Larry Williams avec «Bad Boy/Junior Behave Yourself», complètement imparable ! Rien qu’avec tout ça, t’es déjà calé. Mais ça continue avec Jerry Liggins & The Honeydrippers et «Going Back To New Orleans» (heavy jump et sax des enfers), Lloyd Price et «Frog Legs» - I’m your frog legs man ! - Puis Alberta Hall et «Oh Now I Need Your Love», joli sucre juvénile, elle dégouline de sucre, un seul single et puis plus rien. Et ça continue avec Big Boy Myles & The Sha-Weez et «Who’s Been Fooling You», pur jus de jump NO. Et bien d’autres choses encore, dont deux cuts de Professor Longhair. Encore une compile digne de toutes les bonnes étagères.  

         Oh What A Nite: Billy Vera & The Beaters Live est enregistré au Crazy Horse Saloon, Santa Ana, Californie, en 1995. Cet excellent album donne bien la mesure du grand Billy Vera. Il présente «Room With A View» : «This is one I wrote with a master of the blues, Lowell Fulsom.» Et il y va au I got a roooooom/ I got a room with a view. Oh l’excellence du round midnite ! Billy a du power. Il sonne comme un géant. Il ressort son «Poor Boys»/Beat Goes On, drivé par le bassmatic de Chuck Fiore. Il est en plein dans le chasing girls. Il tartine encore de l’heavy Soul de haut vol avec «Wrong When I’m Right» et rend hommage à la nite avec le morceau titre, il chante sa lovely nite à pleine gueule. Et puis tu as tout le power du big band derrière, qui écrase bien le champignon d’«I Got My Eye On You». Plus tu avances dans l’écoute et plus tu te passionnes pour Billy, son «Ronnie’s Song» est fabuleux d’à-propos, il y frise le Dr. John, you play fingers/ I play guitar. Son «La La For What’s Her Name» sonne très Doc Pomus, la la la la la, pas loin du gros hit d’Elvis, c’est mélodiquement pur et taillé pour la route doucéreuse. Billy est un puissant seigneur, il fait encore autorité sur Spanish Harlem dans «Let You Get Away».   

 

         En 2013, paraît un big album live de Lowell Fulson With Billy Vera  & The Beaters : Live 1983. T’y vas les yeux fermés. C’est un mélange explosif de big boogie blast et d’Heartbreaking Blues de la meilleure espèce. Tout est classique sur cet album, mais quelle énergie ! «You Talk Too Much» et «Stop Down Baby» t’emportent bien la bouche, c’est drivé de main de maître. Lowell Fulsom ressort son plus gros hit, «Reconsider Baby», l’un des heavy blues de référence et il y gratte les poux de Dieu. Ils sonne à la fois sec et gras. Encore plus heartbreaking : «Black Nights». Lowell Fulsom est un démon, ça on le savait, mais ici, il bat tous les records de démonologie. On note au passage le fantastique entrain des Beaters et du grand Billy Vera. Ça jive dans le groove. Lowell Fulsom tombe encore du ciel avec «Do The Things You Do». Il est le roi du heavy blues, mais le vrai heavy blues, avec le gras de la glotte. Son «Guitar Shuffle» est wild as fuck. Ça part à l’hyper-hard drive d’one two three. On hésite entre deux adjectifs : explosif et dévastateur. Encore un super boogie blast avec «Your Daddy Wanna Rock», complètement sidérant de sax power. Lowell Fulsom drive encore l’heavy blues de «Sinner’s Prayer» dans la vulve du son et te travaille ça à la folie incendiaire, puis pour achever le travail de tétanisation, il ressort son vieux «Tramp», un hit aussi mythique que «Red Bird». L’impact sur l’inconscient est celui d’un boulet ramé dans un mât espagnol. Il te défonce la mémoire collective avec du killer solo flash, il déverse ici de la grandeur immémoriale. 

         Merci p’tit Billy. On aura passé un sacré bon moment en ta compagnie.

         Signé : Cazengler, Billy Véreux

Billy Vera & Judy Clay. Storybook Children. Atlantic 1968 

Billy Vera. With Pen In Hand. Atlantic 1968 

Billy Vera. Out Of The Darkness. Midsong International 1977 

Billy Vera. Billy Vera. Alfa 1982              

Billy Vera. The Mystic Sound Of Billy Vera. Mystic Records 1983   

Billy Vera. The Hollywood Sessions. Thunder Records 1987   

Billy Vera. The Billy Vera Album. Macola Record Co 1987 

Nona Hendryx & Billy Vera. You Have To Cry Sometime. Shanachie 1992

Billy Vera & The Beaters. At This Moment. RCA Victor 1981

Billy & The Beaters. Billy & The Beaters. Alfa 1981   

Billy & The Beaters. Retro Nuovo. Capitol Records 1988    

Billy & The Beaters. Oh What A Nite: Billy Vera & The Beaters Live. Pool Party Records 1996    

Lowell Fulson With Billy Vera  & The Beaters. Live 1983. Rockbeat Records 2013

Lou Rawls. It’s Supposed To Be Fun. Blue Note 1990

Lou Rawls. Portrait Of The Blues. Manhattan Records 1993

Kathy McCord. New Jersey To Woodstock. Big Beat Records 2010

Creole Kings Of New Orleans. Ace Records 1992

Billy Vera. From Harlem To Hollywood. Backbeat Books 2017

 

 

L’avenir du rock

 - La stéréo de MonoNeon

         En bon monomaniaque, l’avenir du rock s’intéresse de près au Mono. Il a racheté à prix d’or le monocle que portait Tristan Tzara le jour de 1919 où il arriva chez Germaine Everling et Francis Picabia, rue Émile-Augier. L’avenir du rock donnerait tout ce qu’il possède pour jouer au Monopoly avec Polly Harvey. Soucieux du moindre détail, il n’hésite pas un seul instant à monologuer pour entretenir sa monomanie. Toutes ses chemises portent son monogramme AdR, et il veille scrupuleusement à garder le monopole de sa monovalence. Il possède bien sûr un monospace, mais refuse de se plier à l’infecte monotonie de la monogamie. Fuck it ! Il porte comme on s’en doutait un badge rouge ‘Back To Mono’ en l’honneur de Totor, l’une de ses principales idoles, et il ne tarit pas non plus d’éloges sur Monoman, l’extravagant chantre des Lyres et de DMZ. S’il est bien luné, il ajoutera volontiers un petit couplet sur les Mono Men de l’excellent Dave Crider. Soit dit en passant, c’est une âpre besogne que d’arracher des gens comme Momoman et les Mono Men à l’oubli, mais l’avenir du rock ne désespère pas. Il sait qu’il existe encore des gens intéressants qui s’intéressent aux gens intéressants. Il se souvient aussi d’un passage bizarre dans l’autobio d’Eric Goulden, plus connu sous le nom de Wreckless Eric, passage qui vantait les mérites de la version mono de Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. L’avenir du rock se demande encore s’il s’agissait d’un canular. Et puis il se dit qu’il serait temps de collectionner les parutions du plus beau label underground français, Mono-Tone Records. L’avenir du rock n’hésite pas non plus à se prosterner devant l’effarant Back To Mono des Courettes, l’un des plus beaux hommages jamais rendus à Totor, et devant les Monophonics, l’un des groupes du grand Kelly Finnigan. Il déroule encore le tapis rouge au Monochrome Set dont le dandy Bid rivalise de classe avec Tristan Tzara. Et puis, s’il t’a à la bonne, l’avenir du rock te servira le joyau de sa monomanie sur un plateau d’argent : MonoNeon. 

         C’est un extra-terrestre Dada qui arrive sur scène. Pas de visage. Des lunettes de ski démodées et une tête moulée par une cagoule blanche tricotée à la main. Le corps enveloppé dans un ensemble matelassé multicolore (alors qu’il fait une chaleur à crever) et les pieds chaussés de grosses godasses de ski, et sur lesquelles sont collées des grandes pancartes ‘MonoNeon’. Car il s’appelle MonoNeon.

Corpulence à la Spike Lee. La cagoule renvoie à la pochette du Dirty des Sonic Youth. Pendant le set, on ira même penser : corpulence ET génie à la Spike Lee. Il a des doigts extrêmement fins. Sur la main gauche, il porte bien sûr un tatouage ‘MonoNeon’. Ah, n’oublions pas le principal : la basse, une cinq cordes de gaucher avec les cordes graves en bas (tout à l’envers). Le haut du manche est enveloppé dans une grande chaussette de Bécassine.

Le tablier de la basse est bardé d’étiquettes ‘MonoNeon’. On n’avait encore jamais vu un Mono-délire pareil. Comme quoi, des fois, ça vaut la peine de continuer à vivre. Rien que pour voir NonoNeon arriver sur scène, par exemple. Et surtout pour voir MonoNeon arrêter le temps en jouant. Si on peut appeler ça jouer. En réalité, MonoNeon va bien au-delà du jeu. Il télescope de plein fouet toutes tes pauvres petites notions étriquées. Il barbouille le cosmos, il troue le cul des annales, il te mouline le Moulinsart, il débusque des cailles, il permute les pôles, il persiste et signe, il claque des pétarades extravagantes, il bourre et bourre son ratatam, il multiplie les sorties, il emballe des bulles, il perfore l’espace-temps mécaniquement, il arrête dans le beefsteak, il déjoue toutes les attentes sans exception, il flirte en permanence avec l’indescriptible, il est sans l’ombre d’un doute le plus grand bassman de son époque.

Il gratte des six doigts (4 +2) et sa main gauche marque les temps morts, c’est très spectaculaire, il hoche aussi le beat de la tête, tu as sous les yeux un corps fondamental, un corps qui s’auto-transporte tout en balançant de vastes giclées de dégelée royale, de vraies rafales de télescopage, il organise sa propre quadrature du cercle, il injecte toute l’énergie du jazz dans son funk. MonoNeon prend la suite de Funkadelic et de Bootsy Collins, sa façon de stopper net dans une descente au barbu en plaquant un accord de barbouille rappelle aussi Jeff Beck, MonoNeon joue avec les conventions comme le chat avec la souris, il se veut libre, donc il casse les règles, et si tu en pinces pour la modernité, te voilà servi. Et même gavé. Te voilà oie. Oie d’un soir. Fier comme un paon d’être une oie. Vazy MonoNeon, bourre-moi la dinde ! Ces mecs-là ont le droit de tout faire, de te ravager l’imaginaire, de t’empapaouter le percolateur, de te ripoliner la ribambelle, de te scarifier les scrofules, de t’alambiquer les calanques, de t’abolir le hasard, de te remettre l’équerre au carré, de te rendre ta liberté. Il souffle sur cette scène un vent extraordinaire de liberté.

         Ils sont trois autour de cet extra-terrestre Dada-funk, à commencer par un black au beurre qui passe son temps à rire tellement il est heureux de battre son beurre, il drive tous les tempos, toutes les accélérations, tous les virages à la corde, il finit torse nu, libre, lui aussi, fabuleusement libre. Et puis de l’autre côté, t’as encore un jeune black aux keys qui groove comme un démon et qui s’amuse à passer des intermèdes dentelliers qui en disent long sur l’inhérence métabolique de son classicisme. Et puis, last but not least, t’as un petit cul blanc à la gratte, derrière, sur une Tele, un moujik massif et enveloppé d’une tunique russe qui lui donne cet air russe, et tu prends ta carte au parti quand ce petit cul prend la main : il passe ici et là un solo sidérant et même sidéral de jazz fusion digne de ce que grattait John McLaughlin à la grande époque, c’est-à-dire celle de Mile Davis, eh oui, t’as ça, tout ça, mais à un point tel qu’il te faudrait au moins deux yeux en plus pour tout bien voir, une cervelle en plus pour tout comprendre, et un corps en plus pour bien vibrer, car en plus de la liberté, MonoNeon et ses trois amis t’offrent les vibes, c’est-à-dire ce qu’il existe de plus précieux et de plus rare sur cette terre, les vibes, plus précieuses encore que l’or du Rhin des Nibelungen. Te voilà donc complètement Nibelungué. T’as une veine de pendu.

         D’où sort cet extra-terrestre Dada-funk ? De Memphis. Discographie à roulettes. Il en pond un tous les ans depuis 20 ans. Albums intouchables. Hors de prix. Si tu veux briller en société, tu peux ajouter qu’il fut le dernier bassman de Prince. Le reste est sur Wiki, mon kiki.

         Alors tu cries au loup quand t’as vu cet extra-terrestre Dada-funk sur scène ? Retrouve-t-on cette urgence Dada-funk sur les disks ? Le seul moyen de le savoir est d’en rapatrier un, allez tiens, le Basquiat...

         Le Basquiat & Skittles Album date de 2022 et répond à toutes les attentes. Tu y retrouves le morceau titre qu’il tapait sur scène : hommage d’un géant à un autre géant, en mode slow groove. Il fait du Funkadelic avec «I Got A Gold Chain With A Bad Name», mais il l’africanise. C’est insensé de qualité, et si tu fermes les yeux, tu revois MonoNeon hocher la tête sur le beat.  Attention au «Life Is A Glittery Fuckery» : groovy funk-out de Git it ! C’est le funk moderne, dans la suite de Funka. Et tu entends son divin bassmatic sur «Love Me As You Need», un son bien rond et bien dodu. Et comme le montre «It Was Never A Struggle It Was A Delicacy», MonoNeon pourrait bien être le nouveau roi du groove moderne. C’est une Beautiful Song de charme. 

         Oh et puis tiens, le Jelly Belly Dirty Somebody, histoire d’en avoir le cœur net. Tu commences à écouter «I Drink My Bear & I Talk To God» et tu ne sais pas si c’est du 33 ou du 45, tellement le groove fond au soleil. Finalement, ça passe mieux en 45. Et tu régales de «Surfing In My Brain», car c’est un groove liquide d’une extravagante modernité. MonoNeon navigue à contre-courant dans le groove liquide. Il est complètement dans Prince. Il faut l’entendre malaxer son bassmatic dans le morceau titre en B. Il tape dans l’organique. Il reste dans le spongieux semi-liquide pendant toute la B et avec «The Answer Is In The Pyramid (Turn It Upside Down)», le groove se noie dans les brimes. Fascinant ! 

Signé : Cazengler, MonoNéant

MonoNeon. Le 106. Rouen (76). 27 juin 2024

MonoNeon. Basquiat & Skittles Album. Not On Label 2022

MonoNeon. Jelly Belly Dirty Somebody. Not On Label 2023

 

Le péril Jones

- Part Five

 

         Thee Hypnotics ? Jim Jones & The Righteous Mind ? Jim Jones Revue ? Jim Jones All Stars ? Tu l’as déjà vu sur scène des tonnes de fois, mais bizarrement, et comme tu te crois futé, tu restes à l’affût. Pour l’indicible raison suivante : tu sais - deep inside your heart - que t’auras pas mieux sur scène, tu sais que Jim Jones est plus fort que le roquefort.

T’en mettrais ta main à couper, comme on dit quand on ne sait pas de quoi on parle. Tu sais qu’il roule le roll du rock dans sa farine, comme d’autres roulent leur caisse, tu sais d’avance qu’il va te claquer le beignet, qu’il va pousser le push et plumer le pull, tu sais tout d’avance, t’as même pas besoin d’aller le voir s’exciter sur scène, tu connais la moindre de ses exactions, le moindre outch et cette façon qu’il a de tressauter des deux pieds avec sa guitare pour faire le guerrier du rock à l’assaut de la postérité. Et tu sais aussi que malgré tout ce bataclan de fer blanc, il n’est jamais ridicule, jamais pris en défaut de fake, Jim c’est Jack the lad, Jook le crack, le boom hu-hue du jerk, the English jiver, le jolly jumper des jukes.

Il outche le rock et tape le raw du roll, mais pas n’importe quel raw, le raw to the bone, il déploie des trésors d’authenticité, tu ne peux pas en douter une seule seconde, c’est impossible. Il est plein comme un œuf, plus vrai que nature. Il est aussi pur qu’Iggy, Mick Collins et Wild Billy Childish. Tu veux voir un vrai de vrai à l’œuvre du Grand Œuvre ? L’apanage du Grand Jeu ? Le Gilbert-Lecomte du rock moderne ? Le Paracelse de la foire à la saucisse ? Vois et revois Jim Jones sur scène. Au temps de la Piste Aux Étoiles, Jean Nohain aurait adoré cet artiste. 

         En plus de te rincer l’œil avec un beau mec bien conservé, tu vas faire une découverte de taille : de set en set, il est better and better, hotter and hotter, around and around, de plus en plus Jonesy, de plus en plus sharp, de plus en plus radical, et, c’est là où les bras t’en tombent, de plus en plus stoogy. Eh oui, amigo, il te ramène les Stooges sur un plateau d’argent, à travers son vieux «Shakedown», il te colle le museau dans l’imparabilité des choses, il est sans doute le dernier sur cette terre à honorer le spirit des Stooges sur scène, il boucle la boucle à sa façon, qui est royale, et tu roules avec lui dans les abîmes Hypnotiques.

Sa version de «Parchman Farm» monte aussi droit au cerveau, elle n’est pas aussi exacerbée que celle de Georgie Fame, mais il faut voir le jus qu’il y injecte, il la groove, et pour lui, c’est du gâtö que de groover ce vieux Parchman, car il a derrière lui l’un des meilleurs backing-bands du monde, et notamment Carlton Mouncher, le fantastique croque-mort sur la voodoo guitar. Les All Stars explosent littéralement avec le «Shoot First» tiré de Burning Your House Down. Ce cut voodoo plane comme un vampire sur la Normandie. Tu peux aller te cacher sous ton lit, il va te trouver. «Shoot First» sonne comme l’apogée des All Stars.

Côté covers, Jim Jones n’en finit plus de barboter dans l’excellence, il te balance un «Run Run Run» vite fait, pris comme une saucisse entre deux tranches de pain, ils en font hélas une version trop anglaise, tu perds la disto de Sterling Morrison, mais c’est pas si grave au fond, Jim Jones prend soin de ses racines, comme le montre encore sa cover d’«Everybody’s Got Something To Hide Except Me And My Monkey» des Beatles, il y va au here we go, et un coup de Beatlemania n’a jamais fait de mal à personne, surtout quand ça sort du White Album. Plus loin, l’imparabilité des choses revient en force avec la fameuse cover de «Troglodyte» du Jimmy Castor Bunch qui fait danser la Saint-Guy aux amigos agglutinés au pied de la scène. Et puis bien sûr, cette cover de «Big Star» en rappel, qui te cloue comme une chouette à la porte de l’église. Cui couic ! 

         Et tu as encore en plus de tous ces oldies but goodies les cuts d’Ain’t No Peril. Comme par exemple ce «Gimme The Grease» qu’ils tapent dans le début de set, un cut monté sur une belle tension de Carlton Mouncher et un solo de sax, avec en plus de l’Outch et du gros beurre syncopé. Jim Jones fait aussi son white nigger sur «I Want U (Anyway I Can)», il arrive à sonner comme Wilson Pickett, alors t’as qu’à voir. Avec un mec comme lui, il ne faut plus s’étonner de rien. Et en ouverture de la B des cochons, tu retombes sur «Troglodyte», sans doute l’une des covers du siècle. Fantastique ! Son Troglo est même encore meilleur sur l’album, car il le prend à la Cro-magnon, back in the times, et ça bombarde dans la caverne - She said/ Ride on ! - Il tape aussi sur scène «It’s Your Voodoo Working» et fait carrément de la Nouvelle Orleans. Sur l’album, c’est Nikki Hill qui duette avec lui. Nikki est une bonne, on l’a déjà vue sur scène. Par contre, il ne reprend pas le morceau titre, sur scène. Sans doute trop dangereux pour la glotte, car sur l’album, il chante ce heavy groove à dominante voodoo à la grosse arrache sanguinolante. Il y sort son plus beau voodoo turgescent. Jim Jones est en rut.    

Signé : Cazengler, Jim Jaune

Jim Jones’ All Stars. Le 106. Rouen (76). 25 mai 2024

Jim Jones’ All Stars. Ain’t No Peril. Ako-lite 2023

 

 

Baby come BCUC

- Part Two

         Pour parler franchement, t’es content de revoir BCUC. Même sous la pluie. La fucking pluie. In the rain, mais pas celle de l’Edgar Brouhgton Band ou même de Fred Astaire, non, la fucking rain de Rouen, la Rouen-rain, la rain de Saba-pas du tout, the rain de rien, the rain de l’or du Rhingard, tu t’amuses comme tu peux, en attendant, tu t’abrites comme tu peux sous un fucking tree pour essayer de voir un peu de ce fucking concert, et comme de bien entendu, tu vois que dalle, alors tu entends, oh tu vois un peu, tu pourrais disserter pendant des plombes sur le «peu que tu vois», qui en fait correspond au peu que tu sais, et du coup la petite fucking rain devient sympathique car tu te mets à relativiser, comme lorsque tu voudrais bien mourir, quand tu te dis, oh finalement, la vie ce n’est pas si important. Pourquoi lui attacher plus d’importance qu’elle n’en a ? Si on se pose correctement la question, après ça va très vite, à condition bien sûr d’avoir un flingue dans le tiroir de la table de nuit. Pas toujours évident (d’avoir un flingue dans le tiroir de la table de nuit). Vaut peut-être mieux relativiser sur le blé, par exemple, ça fait du bien, pffffff, l’argent c’est pas si important, pareil, tu mets en pratique, tu payes des coups, tu te sens plus léger, à défaut de te sentir moins con, mais bon, c’est toujours ça de gagné, on fait comme on peut, avec ses petits bras et ses petites jambes, remettez-nous une tournée, s’il vous plait, elle te remet une tournée de pintes, pschhhhhh, et c’est drôle comme, dans les élans de générosité relativiste, les gens sont sympas avec toi, tu en as même qui veulent trinquer, alors tu trinques de bon cœur, ça fait du bien de trinquer, cling cling, ça pourrait même donner du sens à la vie, alors qu’en fait tu ne demandes rien de spécial, disons que c’est une façon de voir les choses, mais bien évidemment, tu te reprends, vite, très vite, tu sais bien que la vie n’a aucun sens, et paf, te voilà remonté dans ton train fantôme, chhhh-chhhh, ça doit bien faire soixante ans que tu fais des tours de train fantôme et tu sais très bien qu’il va arriver ce moment où tu en auras vraiment marre du train fantôme. En attendant, il te reste encore deux ou trois trucs à relativiser et comme toujours, à mettre en pratique. Par contre, l’arbre ne relativise pas. Les feuilles semblent céder une par une sous le poids de la fucking Rouen-rain. Le problème n’est pas le fait qu’elle te ruine ta mise en pli, non, le problème c’est qu’elle ruine le concert de ce fan-tas-tique groupe Sud-Africain. Et voilà que le destin fait contre mauvaise fortune bon cœur : le public se met à danser sous la fucking Rouen-rain ! C’est complètement inespéré, et même, pourrait-on dire, historique. Encore jamais vu un truc pareil dans cette ville abandonnée des dieux.

Sur scène, tu as toujours les deux rangs, avec à l’arrière, les deux grosses caisses montées à la verticale, la percu du diable et le bassmatic voodoo originel, et devant, ces trois superstars faramineuses, les deux blacks incompressibles et l’extraordinaire petite reine de Nubie qui DANSE tout le temps et qui apporte les contrepoints au chant, et là, tu as toute la musique, toute la transe, toute la magie dont tu as besoin pour vivre, pour peu que tu aimes vivre. Il rejouent grosso-modo les cuts qu’ils jouaient au 106 en 2022 et on retrouve les hits politiques, il y va fort le BCUCman, il salue l’Ukraine, la Palestine, Nelson Mandela, bien sûr, tout cela, c’est le même combat, honte aux oppresseurs, c’est un black qui scande ça le poing levé et soudain, tout reprend du sens, tu as ce concert ruiné par la fucking Rouen-rain et ce mec qui lutte contre l’oppression à sa façon, avec rien, juste un public génial qui danse sous la pluie et qui l’acclame.

Ça n’aurait pas été mieux avec 10 000 personnes. Même les rares copains qui ont fait l’effort de venir sont stupéfaits par la classe de ce groupe Sud-Africain. L’un d’eux a même eu la faiblesse de venir me glisser ceci dans l’oreille : «Mais ils debandent jamais ?». Il aurait fallu avoir la présence d’esprit de lui répondre un truc du genre «ce sont les blancs qui débandent, jamais les blacks», mais il était déjà reparti danser. Et puis ce poing levé. Tu ne voyais plus que ça. Fuck l’oppression & la fucking Rouen-rain. 

         Leur nouvel album s’appelle Millions Of Us. Il est bourré à craquer d’Africana et de bassmatic anaconda. «Thonga Lami» te saute à la gorge ! Voilà un cut ambitieux comme ce n’est pas permis, le bassmatic y dicte sa loi et tu retrouves la petite reine de Nubie, là-bas, au fond du son.  Quelle équipe ! Tu as toute l’Africana dans le son, tout le hard beat africain, tout l’inimitable, le pulsatif des origines, le son des tambours et les voix qui scandent. C’est que qu’on appelle la classe primitive, c’est-à-dire l’art moderne. C’est exactement ce qu’avaient compris Dubuffet et surtout Apollinaire, lorsqu’il observait la statue forgée du dieu Gou au Musée de l’Homme, au Trocadéro. En fin d’album, tu retrouves une version de «Thonga Lami», amenée au bassmatic et reprise à la cassure de rythme.  Ça sonne tout de suite comme un coup de génie primitif et la petite reine arrive pour monter le cut à l’étage divin, les percus te groovent l’oss de l’ass, c’est la troisième dimension de l’art africain, tellement puissant. Le monde devra désormais compter avec BCUC. Et tu retrouves les tambours dans «Millions Of Us 1 2 3», c’est le jungle beat, mais le vrai, celui des forêts inexplorées. Tout ici est pulsé au beat des origines de l’humanité. Si tu veux entendre comme sonnait l’arrière-arrière grand-père de l’arrière-arrière grand-père de ton arrière-arrière grand-père, écoute ça. Tout vient de là, surtout le rock. Les gens de BCUC enfoncent le clou du beat dans la paume de l’inconscient collectif. 

Signé : Cazengler, vieux BOUC

BCUC. Festival Rush. Campus Université Mont-Saint-Aignan (76). 13 juin 2024

BCUC. Millions Of Us. On The Corner Records 2023

 

 

Inside the goldmine

 - King’s road

         La plupart des habitués méprisaient Rol Boy. Pourquoi ? Mais parce qu’il ramassait les disques dont personne ne voulait. Dans le jargon des marchands, on appelle ce genre de mec un éboueur. Celui qui vient racler les fonds des bacs. Pour aggraver son cas, il demandait en plus des remises sur des prix cassés. Et comme Rol Boy était aussi ce qu’on appelle un bon vivant, il ne ratait jamais l’apéro. Le rituel démarrait en général une demi-heure avant la fermeture du bouclard et ceux qui tenaient encore débout au bout d’une heure allaient poursuivre les festivités dans l’un des restaurants du quartier. Comme Rol Boy ne tenait pas l’alcool, il était le premier à rouler sous la table. S’il fallait monter à l’étage pour aller manger, il fallait que quelqu’un se dévoue pour l’aider à monter, et surtout à redescendre. Assez haut et bien bâti, Rol Boy pesait son poids. Il avait aussi conservé un physique de jeune loup, avec de longs cheveux blonds, mais sa myopie trahissait son âge. Comme il était ivre-mort, il passait tout le temps du repas la gueule dans son assiette et comme on lui remplissait régulièrement son verre de pinard, il revenait épisodiquement à la vie pour le vider. Il n’en finissait plus de surprendre tous ces gens qui croyaient pourtant bien le connaître. Ce soir-là, nous réussîmes à redescendre de l’étage sans dommage, mais avec d’infinies précautions, et Rol Boy alla s’affaler dans l’une des chaises en fer de la terrasse. Le spectacle qu’il offrait avec ses lunettes de traviole et ses bras ballants provoqua l’hilarité générale. Il n’existait pas dans nos souvenirs de meilleure caricature d’ivrogne. Il marmonna à un moment qu’il voulait rentrer chez lui. L’un de nous devait donc se dévouer. La ramener à pied était impossible. On réussit à l’enfourner dans une bagnole. Comme il n’y avait pas de place devant sa porte, il fallut aller se garer un peu plus loin. Évidemment, Rol Boy s’écroula sur le trottoir en sortant de la bagnole. Le relever pour le mettre sur ses pattes fut une autre histoire. Ça paraissait impossible. Il retombait. La solution consistait à le traîner près du mur pour qu’il s’y tienne. Il nous fallut près d’une heure pour parcourir les deux cents mètres. Il tombait, il voulait dormir sur place, allons Rol Boy, fais un effort, t’es presque arrivé, il repartait sur deux mètres avant de s’écrouler à nouveau. Nous atteignîmes enfin la porte. Coup de sonnette. Pour éviter les insultes de l’épouse, le mieux était de disparaître. Rol Boy était debout contre la porte. Quand elle s’ouvrit, il disparut en poussant un hurlement. Nous apprîmes consternés quelques jours plus tard que Rol Boy s’était tué bêtement cette nuit-là. Derrière sa porte d’entrée, se trouvait une volée de marches. Sa maison se situait à deux mètres en dessous du niveau de la rue et donc pour entrer, il fallait descendre quelques marches. Un vrai piège à cons.

         Ces petites paraboles n’ont d’autre objet que de matérialiser l’écart qui peut exister entre des êtres aussi différents de Rol Boy et King Floyd. Chacun d’eux se situe à l’exact opposé de l’autre, sur l’échantillonnage des caractères humains : d’un côté le pauvre bougre abruti d’alcool, et de l’autre, un petit black d’une infinie délicatesse. Ils n’ont de commun que leur humanité, car malgré ses travers, Rol Boy était un chic type. De son côté, King Floyd aurait dû devenir une superstar. Ils furent l’un comme l’autre tragiquement privés d’avenir.

         King Floyd est un artiste qu’il faut approcher avec d’infinies précautions. Il chante à l’étrange petit sucre, c’est en tous les cas ce que nous montre son premier album, A Man In Love, paru en 1969. Son timbre est unique, presque pré-pubère. King est un petit Soul kid. Il sait jerker le r’n’b comme le montre «Heartaches», ou encore le «Groove-A-Lin» qui se trouve au bout de la B : fantastique shoot de r’n’b monté sur le meilleur bassmatic du coin, King prêche le Groove-A-Lin, Louisiana up to Alabama, le bassmatic fend le groove comme l’aileron d’un requin fend la mer, Groove-A-Lin me ! Yeah yeah ! Soul-A-Lin me ! Il y va le King ! Il faut bien avouer qu’on s’attache à son étrange petit sucre, il faut le voir le swinguer au coin du couplet («You’ve Been Good To Me Thank You»). Tout est remarquable sur cet album. On note bien sûr la présence d’Harold Battiste. «Love Ain’t What It Used To Be» est quasi Motown dans l’esprit, monté sur un sacré bassmatic sous-jacent. C’est excellent, si black.  

         C’est sur le Cotillon sans titre paru en 1971 qu’on trouve le «Groove Me» qui a lancé le King dans la stratosphère de la Soul. Comme son nom l’indique, «Groove Me» te groove, c’est du très très gros popotin, avec Vernie Robbins on bass et Wardell Quezergue on keys. King Floyd reste un singulier mélange d’énorme présence et de douceur. Mais attention, le King sait aussi faire son James Brown sous le boisseau, comme le montre «Baby Let Me Kiss You», il y va au ouh! et au euh !, c’est-à-dire à l’uppercut de funk. Il attaque sa B avec un «It’s Wonderful» plus poppy-poppy petit bikini, mais il n’y a pas de mal à ça. Il sait aussi taper le slowah intense, comme le montre «Don’t Leave Me Lonely», mais il va te le carboniser au final en sortant le scream des screams. Il termine avec «What Out Love Needs», un excellent groove de bonne mesure. King règne sur son empire du groove avec des airs magnanimes et une réelle bonté, comme le montre son portrait sur la pochette. Dans sa voix passent des accents de reggae, de Ben E. King, et de lointaines flavours de calypso.

         Lorsqu’on croise la pochette de Think About It pour la première fois, on s’exclame : «Quelle gueule de star !». Il démarre d’ailleurs cet album de star avec «My Girl», le hit d’une autre star, Smokey. Fantastique version ! Wardell Quezergue signe les arrangements, yeah yeah yeah. Puis le King passe en mode r’n’b avec «Here It Is», il frise le rampant d’Hi, il chante à l’insidieuse. Et la température continue de grimper avec «Do Your Feeling». Il renoue avec sa fascination pour James Brown. C’est immensément bon, say it baby say it, il insiste, do it baby do it, il creuse le dig de do you feel it, il tape ça en crabe. C’est rare qu’un crabe soit aussi beau dans le funk. Il enchaîne avec un solide shoot de Malaco r’n’b, «It’s Not What You Say». King est bel est bien le roi de Jackson, Mississippi. Et puis en B, il tape dans l’Otis avec une cover magistrale d’«Hard To Handle», il y fait son Wilson Pickett, avec une fabuleuse niaque royale de King. C’est du pur Southern Soul de power maximal, le King sait claquer son mama I’m sure to handle it !

         Well Done sort en 1971 sur Chimneyville Records, le label créé par Tommy Couch & Wolf Stephenson, les futurs boss de Malaco, qui en avaient marre de voir Wexler rejeter leurs enregistrements. Mais Atlantic va quand même distribuer Chimneyville. Tiens pourquoi un nom comme Chimneyville ? Dans le gros Malaco Story book, Wolf Stephenson explique que la ville de Jackson dans le Mississippi fut détruite en représailles par les Nordistes pendant la Guerre de Sécession, et comme il ne restait plus que des cheminées dressées dans cet océan de ruines, l’infortunée bourgade fut rebaptisée Chimneyville. Le King attaque son Well Done avec un groove digne d’Hi, «Movin’ On Strong». Fabuleux ! Il fait encore un peu de Soul d’Hi plus loin avec «Can’t Give It Up» et boucle son balda avec «I Feel Like Dynamite», mais il ne passe pas en force, il passe au smooth, il fait du James Brown en douceur et ses petits cris sont adorablement wild.  On passe hélas à travers la B, et il faut attendre «Very Well» pour frémir un peu. Le King renoue avec le groove de charme et il devient vite envahissant, il chante comme une superstar, il est all over the very well, doux et tendre comme un agneau, superbe d’ahhhhahahh et derrière, les filles se pâment dans l’ouate du satin royal. 

         On retrouve Wardell Quezergue dans le studio Malaco pour Body English, un Chimneyville paru en 1977. Donc ça groove énormément, ce que montre d’ailleurs «I Really Do Love You». On finit par être habitué à ce groove royal. L’album est gorgé de son, les gens du Malaco rhythm section ne sont pas des manchots, mais les hits se font rares. Le King revient à son cher hard funk en B avec «Stop Look & Listen». Il y excelle. Puis il repasse en mode groovy pour «Doing That No More» et «So True». Encore une fois, c’est un son à part, ni Hi, ni Stax, ni New Orleans, c’est le son Malaco, coco, ponctué par un beau so true, pôt pôt pôt, comme joué au sousaphone. Un énorme bassmatic porte «We Gotta Hang On In There» - Hang on in there/ Don’t leave me baby - King Floyd aurait pu devenir King. On salue bien bas l’excellente qualité de sa Soul, et dans les backing vocals de «Can She Dot It Like She Dances», on retrouve Dorothy Moore et Jewell Bass.  

Signé : Cazengler, King Kon

King Floyd. A Man In Love. Pulsar Records 1969 

King Floyd. King Floyd. Cotillon 1971

King Floyd. Think About It. ATCO Records 1973 

King Floyd. Well Done. Chimneyville Records 1971 

King Floyd. Body English. Chimneyville Records 1977 

 

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J’étais content, j’étais heureux. Vendredi 05 juillet, je tapais les deux derniers mots, les deux plus beaux de la langue française ‘’Damie’’ et ‘’Chad’’, de la dernière chronique de la dernière livraison de la saison, j’étais en vacances. J’avais oublié que le 04 juillet est le jour de la Déclaration d’Indépendance des Etats Unis, et que Thumos, j’aurais dû me méfier, a quelque peu l’habitude de faire paraître un de ses opus à cette date. Manière de rappeler qu’un pays se doit d’essayer d’atteindre à l’idéal platonicien d’une République qui œuvrerait à rendre ses citoyens heureux plutôt que de les asservir. Toute allusion aux dérives actuelles (et passées) de la grande Amérique ne saurait être le fait du hasard.

CYNICS

THUMOS / SPACESEER

(Piste numérique / Bandcamp / 04 - 07- 2024)

La couve est la reproduction d’un tableau de Jules Bastien-Lepage (1848 – 1884)  sobrement intitulé Diogène. Œuvre qui tranche dans sa production habituelle avant tout constituée de scènes rurales que l’on pourrait qualifier de naturalistes. Ne fut-il pas l’ami d’Emile Zola. Peut-être vaudrait-il mieux le qualifier d’impressionniste de la pauvreté, ce n’est pas la diffraction de la lumière pour la lumière qui l’intéresse, il l’utilise pour auréoler ses personnages, souvent des humbles, d’une douce luminosité qui les projette sur le devant de la scène. Les amateurs de Victor Hugo gardent en mémoire son portrait de Juliette Drouet réalisé en 1883, année de sa disparition.

Le titre de l’EP, un split de quatre titres, barre en grosses lettres noires toute la couverture : Cynics, difficile de cacher le sujet choisi par Thumos.

Spaceseer : The Stone Cut Out of the Mountain : dans notre livraison 568 du 29 / 02 / 2022 nous présentions Feral Moon de Spaceseer, musicien très proche de Thumos, il est aussi crédité  comme collaborateur à part entière The Course of Empire, une des œuvres majeures de Thumos qui parut, extraordinaire coïncidence le 04 juillet !  The Course of Empire, inspiré par une fameuse suite de cinq tableaux dus au peinte américain Thomas Cole, conte d’une manière symbolique la création et la mort d’un Empire. Faire paraître cet opus le jour de la fête nationale américaine se doit d’être interprété d’une manière symbolique et politique. Un avertissement critique adressée aux élites et au peuple des USA sur la mauvaise pente sur laquelle s’est engagé le pays…  Ronflements de moteur l’on pense à une machine, mais en relation avec le titre nous préférons entendre le roulement d’une pierre qui dévale une montagne, le noise n’est jamais gratuit, certains penseront à autre chose, un monument, un immeuble, en train d’être édifié, un chantier en pleine activité... Dans notre France voltairienne la relation au deuxième livre dans l’Ancien Testament   de Daniel ne sera pas automatique, et encore moins avec le Livre de Mormon… Tout au plus évoquera-t-on Sisyphe d’Albert Camus poussant son rocher vers le haut d’une montagne pour, arrivé au sommet, le voir retomber tout en bas dans la vallée… C’est pourtant plutôt de cette manière que ce morceau se doit d’être compris. Que peut faire le simple citoyen pour remettre son pays dans le droit chemin, pas grand-chose mais qu’il fasse son possible, il est peu probable que Dieu décroche un gros rocher à la montagne (ainsi qu’il est chanté dans de nombreux gospels) pour faire barrage à la catastrophe annoncée, mais chacun peut apporter sa petite pierre… Thumos : Antisthenes : notre philosophe est réputé pour avoir fondé, sinon inspiré, au travers de son disciple Diogène, l’Ecole Cynique, hormis quelques bribes il ne nous reste pratiquement rien de son œuvre, pour ma part je le considère comme ces îlots formés par l’entassement des graviers et des alluvions emmenés par la réunion de plusieurs rivières. Ayant vécu entre 440 et 362 il se trouve aux confluences de la sophistique et de la philosophie, sa pensée est aussi bien l’héritière de Gorgias que de Socrate. Il est difficile de trouver deux auteurs dont l’attitude devant l’existence soit aussi antithétique que Gorgias et Socrate. Gorgias le glorieux qui aime d’autant plus la beauté, la faconde, le style qu’il  nie l’essence de l’êtralité du monde et Socrate le gratteur qui cherche à dépouiller toute représentation superfétatoire pour ne garder que le squelette de la pensée en mouvement. Si Platon a annexé dans ses dialogues le personnage de Socrate, il n’en a pas moins rédigé son oeuvre  en tenant compte de l’exigence survivaliste et littéraire de l’écriture de Gorgias. Vu le titre de ce mini-album, il est clair que c’est la vision d’Antisthène fondateur de l’éthique Cynique que Thumos a privilégiée. Phoniquement la relation avec les deux participations de Spaceseer est évidente, vous vous en rendrez compte une fois l’écoute entière de l’opus terminée. Le son se fait plus fort, imaginez l’action du sel sur une blessure, l’on soigne le mal par le mal, quel besoin d’Antisthène lorsque l’on a la République idéelle de Platon, et quel besoin du disciple quand l’on a Socrate, parce qu’aux grands mots les grands remèdes, lorsque le fer est tordu il est nécessaire de le remettre droit, après la mort de son maître Antisthène n’a-t-il pas traîné en justice les accusateurs de Socrate, l’heure est grave tout comme la musique. Très beau morceau d’une infinitude majestueuse. Thumos : Diogènes : Diogène (413 – 423, il vécut assez longtemps pour être offusqué par le soleil d’Alexandre le Grand) est l’incarnation jusqu’à la carricature du Cynique. Le cynisme est une sorte de nihilisme intégral  qui vise avant tout toute fatuité humaine sans porter la moindre considération aux institutions les plus sacrées de ce parangon sociétal qu’était pour les Grecs la Cité. Le cynique ne pète pas plus haut que le cul d’un chien. Il bafoue tous les usages, toutes les coutumes, toutes les attitudes de la bienséance… Diogène méprise les hommes et ne professe pas une plus grande estime pour lui-même. Avec sa lanterne allumée en plein midi il recherchait un homme digne de ce nom… Nous remarquons qu’il ne prit même pas la peine de chercher un Dieu. Diogène fut le fabuleux histrion d’un théâtre d’ombres sociétal dans lequel les individus se disputent pour jouer les meilleurs rôles… Diogène enseignait, n’est-ce pas là un suprême orgueil, à ses concitoyens de ne pas être dupes, ni d’eux-mêmes, ni des autres. Pourquoi Diogène, avec Antisthène l’on a commencé à régler les comptes avec les instigateurs, qu’il fit comparaître en justice, de la mort de Socrate. Toutefois le mal était beaucoup plus profond, ce ne sont plus les commanditaires que le cynisme veut éliminer, il ne suffit pas de s’attaquer nommément  à des individus mais à la lèpre morale généralisée qui corrompt les citoyens, les gonfle de leur fausse importance et les métamorphose en ballons de baudruche, l’on a besoin du chien le plus cruel pour qu’il plante ses crocs dans ces poupées boursoufflées, la musique devient de plus en plus violente, elle décape l’esprit des hommes, Thumos utilise la bougie de la lanterne de Diogène pour calciner les saletés de leurs âmes, elle agit comme le feu sacré qu’alluma Téthys pour brûler les chairs mortellement  humaines d’Achille. Musique des sphères en colère. Spaceseer : Waxing Crescent : allusion aux cycles de la lune, précisément à ce que nous appelons chez nous le croissant de cire, l’idée est celle du recommencement d’un cycle, retour à l’Arcadie initiale de la Course de l’Empire, tapotements divers, bruits de fond, c’est encore du bruit mais l’on pressent une ordonnance musicale, ce n’est plus le chaos, ce n’est plus le désordre, quelque chose est en train de se mettre en place, l’impression de voir surgir une structure, elle ne ressemble encore à rien de défini et encore moins de définitif, une intuition nous prévient qu’une volonté coordonnée est à la base de ce projet, de lointains sifflements de flûte, non ce n’est pas Amphion, c’est le travail coordonné de milliers d’êtres, chacun sait ce qu’il a à faire et surtout à quelle œuvre il s’adonne, un bourdonnement, c’est celui que l’on doit entendre à l’intérieur d’une ruche, c’est ainsi que nous l’imaginons ne serait-ce que symboliquement, chaque abeille aux ailes fragiles participant à la préservation de la Cité miellique. Une note d’optimisme généralisé.

         Les chiens de Thumos et de Spaceseer aboient, réveillée de sa léthargie la caravane humaine reprend son chemin.

Damie Chad.

 

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         J’ai toujours eu une grosse tendresse, depuis le jour lointain où j’ai eu connaissance de son nom, pour le Kraken. Une charmante bébête, certains textes la décrivent comme une île qui atteindrait seize kilomètres de long. Je ne pense pas qu’elle contiendrait dans votre aquarium. C’est un mot qui détruit les bases de la linguistique moderne selon laquelle il n’y a aucun rapport entre les sonorités d’un vocable et la chose qu’il désigne. Prononcez Kraken et vous entendez le monde qui craque entre ses féroces mandibules, avec en plus la dernière syllabe ‘’-ken’’ qui semble glisser interminablement au loin comme des tentacules géants qui s’enfuient jusqu’au bout des océans pour s’enrouler autour d’un porte-avions et l’entraîner inexorablement jusqu’aux fonds des abysses insondables…

         Non le groupe ne se nomme pas Kraken mais son unique album est un salut adressé au terrible monstre marin. Je l’ai repéré sur la chaîne You Tube de Daniel Banariba qui se complaît à collectionner les monstres soniques les plus répugnants qu’il traque sans discontinuer.

WITH MALICE

         C’est le nom du groupe. Ne lui appliquez point le sens que notre langue française moderne a octroyé à ce mot. Rien à voir avec un enfant malicieux. Rendons-lui sa force médiévale de malveillance diabolique, de stratégie délibérée de vouloir faire le mal pour le mal.

         With Malice n’existe plus depuis 2016. Venaient d’Edmonton capitale de l’Alberta au Canada. Avant de livrer son unique album, il a d’abord proposé un EP sans titre. Que nous écouterons en dernier.

HAIL KRAKEN

WITH MALICE

(CD – 2015)

Jessy Leduc : Vocals / Alex McIntosh : Drums / Ryan Kippen : Guitar / Jonathan Schieman : Bass

Hail kraken : le début est magnifique, bruits de vagues, chants de cachalots, hordes vengeresse de Moby Dicks enragées, par la suite z’y vont sans malice et franco de port, ne sont pas là pour enfiler des perles, plutôt des carcasses d’épaves pour offrir un collier à Poseidon, vocal, batterie, guitares saccadées comme des chœurs de marins wagnériens, plus des grondements et des heurts apocalyptiques, non ce n’est pas un calamar géant inoffensif si j’ose dire, un véritable monstre surgi des abysses sans fond du temps  d’un roman de Lovecraft, Le sort du malheureux navire est vite fixé, en moins de quatre minutes l’est englouti et l’équipage bouffé jusqu’aux os. Hall of extinction : jusqu’à ce titre l’on était à peu près tranquilles, sûr l’on pense qu’ils s’énervent un peu, qu’ils vous brandissent des riffs de guitares comme s’ils agitaient le drapeau de la destruction à la tête des hordes mongoles, un bateau de plus ou de moins sur cette terre, pardon sur cette planète bleue, on ne va pas en faire un fromage, on s’en gondole, oui mais les lyrics nous détrompent, les japonais ont inventé Godzilla pour nous avertir des dangers de la bombe atomique, là vous pouvez rire jaune, ça n’a pas marché, nous sommes après le big bang, pas le premier, l’ultime, la race humaine a été réduite à l’état de fossiles, en tout cas ils nous fournissent une bande-son du génocide final particulièrement vraisemblable, prennent leur pied, on se demande, vu le plaisir sonore qu’ils y exposent si ce ne sont pas eux qui ont appuyé sur le bouton. Filth : pourquoi tant de haine, pourquoi accélèrent-ils encore le rythme, et pourquoi cette batterie branchée sur trois milliards de volts, et ce chanteur qui vomit tant de hargne, pas la peine de tant se fatiguer puisque nous sommes tous morts, l’humanité reléguée dans le tableau des espèces disparues. C’est qu’il y a pire que l’extinction généralisée. C’est qu’il existe une raison au suicide collectif de la race humaine, prenons un cas au hasard, tiens, toi le lecteur, sois franc, sans doute es-tu même passé à l’acte, n’as-tu jamais haï quelqu’un, un de tes proches par exemple, au point d’avoir envie de le tuer, de l’égorger comme un cochon, et de te réjouir de son agonie. Maintenant vous comprenez pourquoi  With Malice est si violent. Puisque tu es capable de tuer ton voisin, inutile de jouer les Cassandre, de nous avertir que nous l’Humanité courons à notre perte, les armes bla-bla, l’écologie bla-bla, le réchauffement bla-bla, oui tout cela nous menace car c’est fiché au fond de toi. Espèce d’immonde saleté. Tout arrive à cause de toi.  Vengeful maniacs : hi ! hi ! vous croyez être sain et sauf, With Malice a radié l’espèce humaine et votre foi en la grandeur de l’Homme qui n’est qu’un assassin, vous pensez que plus rien ne peut vous arriver, n’oubliez jamais que l’on peut trouver pire, pire que les horreurs terrestres, agent Chad vous exagérez ! Pas du tout il reste encore la zone sombre des cauchemars. Parfois ils sont insupportables et vous vous réveillez, il semble que With Malice s’est dépêché de terminer ce morceau, même pas trois minutes, à fond de train, le batteur a dû courir pour le rattraper et lorsqu’il est arrivé sur le quai la locomotive du vocal et le tender des guitares lui sont passés sur le corps, je vous résume la situation, le gars est tout heureux, se délecte du bon tour qu’il vient de jouer à une centaine de personnes, il les a enterrées vivantes, mais voilà qu’elles s’agitent sous la terre, se débarrassent de leur gangue glaiseuse et l’acculent dans un coin du cimetière. Ces gars-là font attention à notre santé mentale, ils ne nous disent pas comment l’histoire finit.

Necrotic soul : profitez-en c’est le quart d’heure philosophique, de Natura Humanis, de la nature humaine, bon les gars ne vous font pas un cours ennuyeux comme la mort sur la morale de Kant, ils appliquent la technique orientale, plus qu’un long discours rien ne vaut un bon exemple. C’est ce qui marque les esprits. La chair aussi. Parce que voyez-vous, notre âme nécrotique est d’instinct attiré par les âmes pures à qui elles font subir les derniers outrages, viol, torture, assassinat, si par hasard la victime en réchappe, elle n’a plus qu’une hâte, c’est sans doute pour cela que le morceau est si rapide, se venger au plus vite, aussi bien sur son bourreau que sur un innocent. La vérité est que notre âme est meurtrière, que nous nous délectons de la mort des autres. Ce doit être ce que l’on appelle une vision pessimiste. Writing assembly : pas de panique, si la philosophie ne nous apporte aucune aide salutaire, il nous reste le secours de la religion. A la violence avec laquelle le prédicateur fait son sermon, avec cette batterie qui frappe sans répit, sa basse knoutique, et sa guitare qui assène ses riffs comme des coups de trique vous comprenez que nos frères d’Avec Malice ne font aucunement confiance à la colombe du Saint-Esprit pour vous apaiser, le message ne passe pas, personne ne l’entend, personne ne l’écoute, pas plus le prédicateur que les ouailles. Et Dieu dans tout ça. Figurez-vous que personne n’y pense. Gnosis : enfin on va tout savoir ! Sont fair-play, nous expliquent pourquoi le message  de Dieu ne passe pas. Même qu’ils laissent un long espace instrumental pour nous permettre d’apprécier la subtilité de leurs propos. Ils n’accusent pas directement le Grand Manitou mais ils laissent entendre que le message n’est pas clair. D’un côté c’est l’amour, c’est bon, c’est bien, on a envie d’y croire mais de l’autre côté c’est la longue liste infernale des punitions qui vous attendent. Dieu vous refile le Bien et le Mal dans la même pochette-surprise. Comment voulez-vous que l’Individu se dépatouille avec ce cadeau empoisonné. L’Individu est un être faible, comment trancher le nœud de cette contradiction si ce n’est par la violence ! Carving : comment font-ils, ils ont encore de l’énergie. C’est vrai que pour le dernier morceau ils ont décidé de régler le problème définitivement, de le prendre à bras-le-corps, puisque Dieu ne répond pas, ils vont le chercher dans le seul endroit où il se trouve. Nous assistons donc à une dissection in vivo, le sujet pensant se saisit de son scalpel et décide de savoir ce qu’il a dans le ventre, je vous épargne les détails, par exemple les viscères qui rampent sur le plancher. Incroyable mais véridique, à part de l’hémoglobine qui coule de partout, il n’y a rien d’autre. Ah, si autre chose, j’allais oublier, ça fait mal, très mal – essayez si vous ne les croyez pas – la douleur si forte, si violente, si insupportable qu’elle est divine. S’arrêtent là ne prononcent pas un mot supplémentaire. Comme vous n’êtes pas idiot vous en tirez la conclusion qui s’impose. Si Dieu est douleur, faire du mal à autrui est de l’ordre du divin.

         Vous pouvez écouter With Malice en faisant la vaisselle (vous pouvez du coup quitter votre petite amie, mais cela vous regarde), bref vous n’êtes pas trop attentifs et vous dites : un bon groupe de hard, un peu bourrin, toujours à faire un max de bruit, des gars qui ne se posent pas de problèmes métaphysiques, vous êtes totalement à côté de la plaque, sont beaucoup plus finauds que vous ne le croyez, écoutez les lyrics, ils allient brutalité et subtilité, cerise le gäto Cat Zenglerien, ils vous exposent une problématique, la déroulent jusqu’au bout et vous laissent le droit d’en tirer les conclusions. Celles qui selon vous s’imposent !

         Mais il temps d’écouter le premier EP :

WITH MALICE

(Bandcamp : Octobre 2012)

Davis Hay :  vocals / Alex McIntosh : drums / Brent Bell : guitar / Ryan Kippen : Guitar / Jonathan Schieman : bass.

         La couve n’est guère pharamineuse à mon humble avis…

Singular : le son n’est pas le même, longue introduction, guitare ramassée et fusante, la voix mixée devant, leur reste trois minutes, trois strophes et deux refrains pour raconter l’histoire de l’humanité, des anciens cultes à la société de consommation le film est toujours le même, tout est fait pour enfermer les esprits  libres et originaux en des croyances ou des comportements appropriés, soit par la force ou la séduction, l’ensemble sonore donne l’impression d’un serpent fuyant qui parvient toujours à ses fins, est-ce pour s’échapper ou prendre à revers ses futures proies. La guitare de Brent se redresse tel un cobra prêt à frapper. Pas d’échappatoire sinon en soi-même.

Gnosis : (lyrics différents de ceux de l’album) : tout de suite la voix, noire, gorgée de grognements et l’instrumentation qui balaie derrière, le même batteur mais pas du tout la même manière de battre le beurre, moins de roulements, davantage de tapotements, ce qui était raconté depuis l’extérieur dans le premier morceau est maintenant exposé de l’intérieur. L’esprit, le jugement dirait-on en employant un vocabulaire philosophique, est en butte avec la réalité, vide et folie au-dedans, mais il est encore plus dangereux de regarder au-dehors, le spectacle n’est jamais neutre, la chose vue vous attaque, elle est-là pour vous détruire. Avec ses deux premiers titres l’on s’aperçoit que With Malice avait un projet des idées et un son. La fin du morceau tordue par un essorage guitarique et une explosion vocale est jouissive. Vengifull maniacs : (la dernière strophe est plus explicite, des précisions sont apportées sur la manière dont les enterrés vivants se vengent : ils aspergent d’essence leur tortionnaire et le brûlent vivant) : à monde cruel musique forte et chant teinté d’une ironie noire, qui nous oblige à interpréter le sens de ce morceau d’une manière différente, la guitare ânonne et se grippe, le final confirme notre intuition, l’esprit n’a pas résisté au spectacle du monde, il débloque totalement, crazy world ! Wasteland : terre en friche, notre terre gaste de Perceval, mais ici le Graal n’y est pour rien, le coupable est le feu nucléaire, l’on comprend maintenant pourquoi la vision de ce monde de désolation a rendu fou notre héros, comme des hélices d’avions qui tournent sur elles-mêmes sans faire avancer l’appareil, Davis parle plus qu’il ne chante, le spectacle est trop hallucinant, le background semble tourner sur lui-même, serpent qui essaie de se mordre la queue pour coïncider avec lui-même sans y réussir. Dans un dernier effort Davis nous apprend que la mort a triomphé.

         Ce premier EP était prometteur. Le chanteur et le guitariste partis, le reste du groupe a continué. Avec les deux nouveaux venus, ils ont repris le matériau de ce premier opus et en ont fait autre chose. Différent mais sans rien trahir, ni renier. Dommage qu’ils n’aient pas continué…

Damie Chad.

 

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C’est leur premier disque. Un truc zen. Faites-moi confiance, un grain de grind vous détendra, signez-moi un tchèque en blanc. Oui ils viennent de Prague. Comme Kafka, comme Rilke. Dès que j’ai vu la couve, avant même de les écouter j’ai voulu en savoir plus. Je suis arrivé après la bataille. Sur leur Face Book, le dernier post daté de 06 / 10 / 2022 indique qu’ils avaient décidé de se séparer.   Dommage, tant pis, on les écoute quand même, ces gars me ressemblent, ils sont parfaits.

THROUGH

PERFECITIZEN

( CD : L’Inphantile Collective / L’C 013 / 2013)

J’en vois certains qui tiquent, ce collectif leur semble bizarre, c’est juste une maison de disques, sise à Prague, un experimental/grindcore/metal label comme elle se définit, je vous l’accorde à la réflexion il est des chances pour que ce soit davantage zinzin que zen. Par contre ils arborent un joli logo, une espèce de wagon-trolleybus qui répond au nom éminemment valéryen de Neonarcis.

Belle pochette qui vous explique le titre de l’album, une main qui tâtonne sur une paroi de verre. Serions-nous tous prisonniers d’une immense cage de Faraday sociétale, à moins que ce soit notre cerveau qui soit incapable de communiquer avec l’extérieur.

Tomáš Mleziva : guitars, bass / Olda Kamenetski : vocals / Jarda Haž : drums / Hjalli : samples.

Avant de commencer l’écoute deux courtes notules : eux-mêmes se définissent musicalement comme un groupe ‘’extreme blast core, death grind band’’. La deuxième est une question à laquelle nous ne répondrons pas : pourquoi en règle générale les groupes de Metal nous emmènent-ils souvent en des univers post-apocalyptiques dans lesquels la survie s’avère au mieux aléatoire, sur d’autres planètes où l’on doit se confronter à de redoutables monstres, voire en d’étranges fantaisies peuplées de créatures informes et infâmes. Parfois c’est le Diable en personne qui s’occupe de notre propre engeance, ou alors nous plongeons dans les époques les plus noires de notre civilisation…

Genesis : épouvantables sonorités, hurlements et crépitements battériaux frénétiques, Olda donne de la voix, dans les années soixante on lui aurait offert une boîte de pastilles Valda pour soigner son cancer de la gorge, si vous cherchez une semblance mélodique vous ne trouverez pas, lignes brisées, montagnes russes, crêtes tranchantes, pentes verglacées, bruits divers entre siphons d’évier et ustensiles ménagers divers et égoïnesques, mais pourquoi tant de déglingueries sonores, vous ne me croirez pas, parce qu’il est heureux, oui il est content et satisfait : normal il est libre. Libéré ! De quoi, de qui, demanderont les esprits curieux. Mais de ce dont vous êtes restés prisonniers. De vous-mêmes. Oui, il est sorti de lui-même, par extraction, il est nu comme un ver, désormais il vous sera impossible de lui prendre la moindre chose. Non, aucune allusion à des costumes de soie ou à un épais portefeuille bourré de grosses coupures, soyez moins matérialistes, n’a plus rien, l’est fauché, son cerveau est totalement vide, même son âme s’est envolée l’on ne sait où. A poil, totalement dehors et dedans. Reset the chaos : rien que le titre fait peur, l’est sûr que pour vos oreilles ce sera difficile de supporter ce chant épileptique, ce tabassage battérial perpétuel et ces bruits de fond qui s’installent tout devant, qui vous empêchent de penser, à tel point que quand ça stoppe brutalement vous n’espérez plus qu’une chose, que ça reprenne illico, je vous rassure ça repart immédiatement, en pire, attention aux membranes de votre cervelet qui risquent de subir de fortes trépanations. Faut écouter ce kaos comme une préparation mentale, pour comprendre quelque chose, ses effets sur votre personnalité par exemple, il faut l’expérimenter. Exemple, en règle générale vous vous méfiez des serpents, mais voir un cobra de huit mètres de long dans votre salon c’est différent, ça change les perspectives, ici ce n’est pas un reptile qui sort de sous le fauteuil sur lequel vous étiez assis, non vous êtes convoqué à une séquence de décervelage. Oui mais c’est moins rigolo que dans Ubu, car dans cet extracteur géant il y de l’abus, tous vos désirs, tous vos espoirs ont été extirpés de votre tête, vous êtes devenu un citoyen perfectionné rivé à sa chaîne de travail, attention pas de charloteries, vous n’êtes pas dans un film, rentrez dans le rang de l’uniformité, soyez comme les trois singes, ne dites rien, ne voyez rien, n’écoutez rien (avec ce vacarme vous n’aurez pas de mal à suivre la troisième injonction !). Accordance : pressurisation phonique, on augmente le volume et le rythme, c’est pour votre bien, cela vous empêche d’être pris à partie par de mauvaises pensées, voire de leur entrouvrir la porte, le mieux est d’accepter, fais ton boulot, rejoins sans tergiverser le rang des esclaves, sois un rouage, que dis-je une pièce indistincte, encore mieux une vis uniforme de la machine qui te broie et que tu es devenu, le vocal, moulinette folle, te hache à la machette, transforme la moindre de tes envies en charpie sanglante. Le concassage faiblit quelques instants pour qu’on l’entende couler au fond de la fosse d’aisance. Souviens-toi, tu n’es plus toi. Tu n’es plus. Enfonce-toi cette vérité dans la tête qui ne t’appartient plus.  Electrification : merveilleuse fée électricité, on l’entend siffler dans les tuyaux qui alimentent la machine que l’on a branchée sur ton cerveau. Remue-ménage dans tes synapses, coupures, recrudescence d’influx, c’est ce que l’on appelle le courant-alternatif, tabassage vocal sur ton occiput, le résultat est superbe, l’on entend par deux fois trois secondes les inflexions d’une véritable guitare, tes pensées déviantes ont été remises dans le droit chemin, tu avais besoin d’une petite révision (à coups de marteau). Tout est bien qui finit mal. Assimilation : quelle douceur, quel calme, quelle paisible atmosphère, l’on est tellement bien qu’il faut tendre l’oreille pour entendre, enfin un peu de bruit, rien de chaotique, même si peu à peu ça redevient un tantinet agité  surviennent des plages de plénitude, tout compte fait l’on n’est pas si mal ici, suffit de s’y faire, d’entrevoir la réalité du bon côté, maintenant l’on me certifie que je suis un citoyen parfait, dans un monde lui aussi insurpassable, la coopération doit marcher des deux côtés, dommage pour ceux qui sont morts et qui n’ont pas eu la possibilité d’atteindre à cette communion de l’Unique avec la Globalité, la parfaite égalité, qui aurait pensé qu’elle pouvait être atteinte si rapidement, le bonheur communautaire à portée de main… Tu vois on a eu raison d’insister. Emballé, c’est pesé. Les bons prix à payer font les bons amis. Our place : ça ronronne, l’on est dedans, l’on est au chaud, l’on suit le rythme, c’est aussi l’occasion de faire le point, de visualiser la situation, l’on réside dans le système qui nous empêche d’être nous, attention des discordances clinquantes nous avertissent qu’il est des sentes dangereuses, les pieds de notre pensée nous y engagent, est-ce vraiment malgré nous, le bruit s’atténue, ce n’est pas que son ait baissé, c’est qu’on ne l’écoute plus, qu’on ne l’entend plus, c’est que notre pensée monopolise notre attention, elle résonne dans le vide, certes nous sommes prisonniers du système mais nous sommes aussi le système, nous sommes la cage et en même temps la clef de la cage.  Productivity : alerte rouge, alerte noire, tout le système est en état d’alerte, les ordres sont hurlés, heureusement tout est prévu, il se régule de lui-même à heures fixes, c’est le moment de la kommandatur, pas d’affolement suffit de serrer les boulons et de purger les circuits, même pas question de gravir un Everest sonique, pas d’affolement, on continue sur la lancée, merveilleux système qui s’auto-régule à la perfection. Une machine qui se répare toute seule. Aucun grain de sable ne saurait s’entremettre. Ça y est, tout est au point. Ça roule. Tout fonctionne. Dubitation : grondements intérieurs, le ver est dans le fruit, les mots se bousculent, il rampe à toute vitesse, de temps en temps les pensées exultent, de temps en temps l’élan retombe, alors la solution se présente, prendre les armes, détruire le système, bousculades dans la tête, le son résonne sur lui-même, barbotage musical, le cerveau et les pensées défilent à toute vitesse, que faire, comment faire, suis-je prêt à tout, suis-je sûr de moi-même, tout va trop vite, tout tourbillonne, le cerveau n’est-il pas lui aussi une machine que je ne peux arrêter, alors je pète un câble et je hurle. Through : une mélodie qui devient folle, un serpent que la batterie hache en milliers de tronçons, tout s’emmêle, tout s’entremêle, nous sommes hors de la machine puisque nous sommes dans la réalité de notre société, la machine est-elle en nous ou hors de nous, ou plutôt ne suis-je pas la machine à moi tout seul et toi aussi n’es-tu pas la machine à toi-tout seul, c’est à devenir fou, la solution est là, seul je n’arrêterai jamais la machine, mais à deux, mais à plusieurs, mais à tous, mais à nous, ne parviendrons-nous pas à la casser. Un dernier hurlement. Fin de la bande, la machine s’arrête. Oui mais l’autre ? Nous ne sommes pas encore de l’autre côté.

         Un peu éprouvant pour les tympans fragiles. Toutefois l’impact s’amoindrit tout de même lorsque l’espoir d’un arrêt de la machine apparaît. Deus ex humana machina ! Des tchèques certes, mais j’entrevois en eux des adeptes de la philosophie déconstructiviste française. Derrida et consorts. Beaucoup d’analyses, de démonstrations, de démontages, mais peu d’efficience dans la réalité. Une dés-analyse du système ne le détruit pas. La déconstruction n’est-elle qu’une reprise du machinisme cartésien, voire de Malebranche qui tenta de faire de Dieu le moteur de la machine animale. Ne sommes-nous pas dans une resucée incapacitante du nihilisme ?

         Perfeccitizen a encore commis deux disques : Corten (2015), Humanipulation (2002), je ne les ai écoutés qu’imparfaitement, trop rapidement. Il m’a semblé, j’aimerais faire erreur, qu’ils n’ont pas réussi à sortir du cercle de leur machine mentale et systémique, nous ne saurions leur en faire reproche, au moment de la naissance du capitalisme (un mot qu’ils remplacent par système) moderne, au début du dix-neuvième siècle en Angleterre, les ludistes, eux non plus n’ont pas réussi à arrêter son extension en cassant les métiers à tisser.

         La critique est facile, la révolution beaucoup plus difficile.

Damie Chad.

 

*

         Cette livraison kr’tntique se termine. Que choisir parmi les nouveautés. La plus terminale de toutes. Ce sera donc :

PLEROMA MORTEM EST

MONOVOTH

(K7 – CD : Trepanation  Recording)

N’est-on pas toujours seul lorsque l’on se confronte à la mort. L’on ne sera donc pas étonné de trouver un seul mnovothoring comme principal artifex : Lucas Wyssbrod : composition, guitars, bass. Martin Visconti :  mise en place des drums.

La couve est d’Andrea Navarro, son instagram : Andreanavarroartista dévoile une artiste surprenante aux confluences de diverses sensibilités… Par quel miracle peut-on aborder autant de noirceur que de clarté… Elle est le Yin et le Yang.

J’avoue avoir été attiré par le titre en latin. Facile à traduire : Mortel est le plérôme. Ce qui nous laisse perplexe et suscite un plein d’interrogations quant à l’interprétation de l’opus. De quelle plénitude s’agit-il : de celle de l’homme mortel ou de celle des éons immortels chers aux gnostiques. L’analyse de l’artwork ne nous aide guère : l’on ne peut s’empêcher aux figurines des jeux de cartes les plus simples (Roi, Reines, Valets) qui ne possèdent ni haut ni bas puisque tous deux sont interchangeables. Pourtant ici tout est différent, entre le gisant et le vertical, entre l’horizontal et l’accroché, dans tous les cas supposés :  l’impossibilité d’accéder au même cercle.

Peu d’indices à notre disposition : l’opus est composé de six titre, six instrumentaux, qui dévoilent le noir et cèlent la clarté des mots. Il est présenté avec un texte qui nous indique les rayons d’impédance et d’action qui sous-tendent chacun des six morceaux. A vrai dire les références philosophiques explicatives nous semblent en contradiction avec le titre de l’album, n’ayons pas peur des mots : elles nous déçoivent franchement. Les argentins -  Monovox est argentin – seraient-ils en retard d’un demi-siècle dans leurs références philosophiques…

Grata Mors : guest  guitars : Sebastian Barrionuevo : voici donc une mort agréable, statistiquement parlant nous sommes prêts à parier que nos concitoyens ne la jugent pas de la même manière… ce qui est sûr c’est que nos lecteurs sans en avoir entendu une seule note ne pensent pas que cette œuvre soit un tantinet joyeuse, ils ont raison, dès la première assourdance funèbre, ces graves et grasses sons de basse, c’est le glas annonciateur de mort qui résonne, suivi d’une magnifique et lyrique amplification majestueuse qui nous projette déjà dans l’autre monde, drone music certes mais ce n’est jamais tout à fait le même motif qui revient, l’est magnifiquement assorti de résonnances nouvelles, lancinantes et changeante, un peu comme la peau d’un serpent sinueux qui à chacun de ses méandres varie de teinte par le seul fait qu’il ne forme pas le même angle avec le rayon du soleil (noir) qui se pose sur lui. Monovoth place ces instants fatidiques sous le signe de l’étreinte, est-ce la mort qui étreint le vivant ou le mourant qui est encore étreint par la vie. Au lieu du verbe étreindre irions-nous jusques à employer l’expression faire l’amour, si proche en notre langue de faire le mort. Comme dit le proverbe : chacun fait comme il peut. Ainsi peut-on traduire grata mors par la mort reconnaissante. The Air Between Gardens : feulements de tambours, de l’air qui passe entre les jardins, mais de quels jardins s’agit-il et que vient faire cet air, ce qui est certain c’est que le son dramatise la scène, jusqu’à ce que la crise éclate, les derniers moments, les dernières fibres sectionnées qui préfigurent l’arrachement, la séparation du monde des vivants, les proches penchés sur le cadavre encore chaud et le mort déjà dans l’au-delà, l’affliction d’un côté et le sourire du masque du sphinx immuable qui s’est posé sur le visage du décédé tel un masque, à moins que ce qui soit essentiel soit ce troisième élément, cet air subtil qui passe, parcourt et arrose l’entre-deux du jardin des morts et du jardin des vivants, un trait d’union séparatif, le garden n’est-il pas ce qui garde, le gardien de l’enclos, celui dont est chassé, celui vers lequel on se dirige. Un jardin à chaque bout du chemin. Clamor Resonat : synthés Federico Ramos : douceur sonore et résonnante, ce qui subsiste de nous après notre passage, ces ondes subtiles, ces battements d’ailes d’oiseau du cygne évanoui qui n’ont pas fui, qui sont restés, qui bruissent et qui parlent, cet inaudible qui dicte, qui affirme notre présence alors que nous ne sommes plus, peut-être le plus beau morceau de cet opus qui en compte six, avec dans sa seconde moitié, l’autre moitié de l’envol dont on ignore tout mais que l’on pressent symétrique comme les deux ailes du papillon mort, l’une bat encore de ces anciens mouvements et l’autre immobile qui remue dans une sphère inatteignable aux vivants, bientôt il est si loin que l’on ne l’entend plus alors que l’on ne l’a jamais entendu.

Somnia : sombreur ce qui reste sont nos rêves, des projections de nos désirs avec lesquelles nous peignons et repeignons sans cesse notre destin, nous le voulons aussi doux que cette mélodie aussi tendre que cette brise qui nous emporte de l’autre côté, la seule chose que nous emmenons est cette figurine de nous que nous appelons destin, la plénitude de notre destin ne décline-t-elle pas notre mort, est-ce ainsi que l’on doit entendre le titre, les rêves nous ont précipités en nous-même, en notre vie, et hors de nous-même en notre mort. Collisions of souls : la batterie frappe de plat et d’estoc dans un film de cape et d’épée passé au ralenti, quel grabuge, tout destin se forge dans le fracas des volontés vives qui s’entrechoquent, peut-être de l’autre côté en est-il de même, nous heurtons-nous à d’autres âmes n’est-ce pas notre destin le seul viatique que nous emportons avec nous, le drone insiste de plus en plus fort, le motif de notre vie n’est-il pas leitmotiv de notre mort.  Denique Mors : vocals  Linseay O’Connor : donc la mort, il faut bien en passer par-là, il faut bien en finir avec ça. Reprise du même thème, serait-il envisageable qu’un autre survienne, ne sommes-nous pas ensablés dans ce même motif depuis le début, un éclat de batterie tonitruant, des guitares qui fondent comme un aigle sur sa proie, serait-ce un éclat de révolte métaphysique, inutile et perverse dixit Mallarmé, l’on sort les grandes draperies noires, les épais rideaux funèbres, l’attirail majestueux, des sons qui claudiquent, des cordes qui grincent, quelque chose se déglingue, le moteur dronique ne tourne plus rond, il bat de l’aigle, il bat de l’aile, tel un avion obligé de se poser, non plus sur la terre de la mort mais  en lui-même sur les morts de la terre, il atterrit, il roule, il quitte la piste, il cahote sur un terrain irrégulier, il perd une aile sur un gros rocher, il va trop vite, l’on pressent la tragédie, on subodore, on prévoit, on voit, on connaît la fin, crash final, crash landing. Sur quelle terre, sur quel jardin au juste ?

         Si l’on s’en rapporte à la notice explicative qui est fournie, faut s’en tenir aux visions sartriennes et camusiennes. Vous voyagez sur cette terre avec pour seule valise votre mort, n’espérez rien de plus. Tout se passe dans l’aval de la mort. En amont, en amort, il n’y a rien. Ce qui est bizarre, ce n’est pas qu’il n’y ait rien, c’est tout le mal que Monovoth s’est donné durant tout son opus à nous parler de la mort puisqu’elle n’est rien.

Damie Chad.

 

 

CHRONIQUES DE POURPRE 652 : KR'TNT ! 652 : BUZZCOCKS / COSMIC PSYCHOS / HOMER BANKS / EBO TAYLOR / GHOST WOMAN / ROCKABILLY GENERTAION NEWS 30 / BILL CRANE / AIVVASS / SERPENT NOIR

KR’TNT ! 

KEEP ROCKIN’ TIL NEXT TIME

LIVRAISON 652

A ROCKLIT PRODUCTION

FB : KR’TNT KR’TNT

O4 / 07 / 2024 

 

BUZZCOCKS  / COSMIC PSYCHOS

HOMER BANKS / EBO TAYLOR / GHOST WOMAN

ROCKABILLY GENERATION NEWS

BILL CRANE / AIVVASS / SERPENT NOIR

 

 

Sur ce site : livraisons 318 – 652

Livraisons 01 – 317 avec images + 318 – 539 sans images sur :

http ://krtnt.hautetfort.com/

 

 

Wizards & True Stars

- Alors, ça buzz, cock ?

(Part Three)

 

         As-tu vraiment besoin de lire un livre pour savoir que Pete Shelley est un Wizard & une True Star ? Non, mais tu le lis quand même. Pourquoi ? Parce que Sixteen Again - How Pete Shelley & Buzzcocks Changed Manchester Music (And Me) est un book de fan à l’état pur. L’ex-Fall Paul Hanley est même un fan de la première heure. Comme pas mal de kids à Manchester, il est tombé en 1976 sous le charme des Buzzcocks. Il faut se rappeler que Spiral Scratch eut à l’époque autant d’impact sur les becs fins en herbe qu’«Anarchy In The UK» et «New Rose».

         Bon, c’est vrai, Paul Hanley n’est pas Nick Kent. Ni Andrew Loog Oldham. Il se contente de rester fan et ne cherche pas à devenir écrivain. Il n’a pas vraiment de style, juste une bonne mémoire et une grosse énergie. Il est en outre extraordinairement bien documenté. Le book grouille d’infos. Et la cerise sur le gâtö, c’est qu’Hanley cite Pete Shelley en permanence, et là on se régale, car Pete Shelley est avec John Lydon le meilleur «théoricien» du punk. Pour lui, le punk c’est de l’art - Le punk m’a permis de justifier le bruit que je faisais. J’ai toujours pensé que Devoto et moi étions comme Gilbert & George. En voyant les choses sous cet angle, tu peux faire tout ce que tu veux et appeler ça de l’art - Il formule une évidence. Pete Shelley a créé et vécu le punk comme Tzara et Picabia ont créé et vécu Dada. C’est exactement la même approche. Ailleurs Pete Shelley rend hommage au génie provocateur de Johnny Rotten : «À l’époque, dire au public d’aller se faire foutre, c’était extraordinaire. Mais aussi hilarant. On a perdu de vue l’aspect comédie du punk. D’une certaine façon, le punk était le Théâtre de l’Absurde, il fallait  provoquer pour obtenir une réaction. Les Pistols ne tenaient qu’à un fil. On sentait que ça pouvait s’écrouler à tout moment.» Le regard que porte Pete Shelley sur le punk est d’une finesse extrême. Il en fut l’acteur, le pionnier, mais aussi l’observateur. C’est un peu comme si seuls son regard et celui de John Lydon comptaient, certainement pas celui des journalistes rock, mis à part Nick Kent, bien sûr. Pete Shelley rend le plus bel hommage qui soit aux Pistols : «Il y avait une mélodie, ce n’était pas du bruit pour du bruit, c’était viscéral, très chargé, très vivant. En les voyant jouer, Howard et moi avons décidé que s’ils pouvaient jouer comme ça, on pouvait aussi le faire. Alors on s’est attelé à la tâche : transformer notre rêve en réalité.» Il rappelle plus loin qu’au premier gig des Pistols qu’il ont organisé Howard et lui à Manchester, il n’y avait que 42 personne, mais ce gig a transformé la vie de ces 42 personnes qui après ont opté pour des activités créatives. Et Steve Diggle ajoute qu’à la première répète des Buzzcoks, avec Pete et Howard, ils étaient tous les trois motivés par ce gig des Pistols - The feeling that you don’t need money, you just need ideas - C’est tout l’esprit de Spiral Scratch. Pas de moyens, mais un EP révolutionnaire. Et Pete de surenchérir : «La seule chose qu’il faut se rappeler, c’est que le punk était une idée.» 

         Pour un kid de Manchester, les Buzzcocks, The Fall et Joy Division constituent la Sainte Trinité. Mais il précise que The Fall et Joy Division parlaient à sa cervelle alors que les Buzzcocks parlaient à son cœur. Il sentait en outre une certaine vulnérabilité et une chaleur dans les chansons de Pete Shelley, des qualités qui n’étaient pas vraiment de mise chez les autres punksters.

         Et pouf, c’est parti. Première grosse influence de Pete Shelley : les Beatles ! Il apprend à jouer et à composer en bossant sur le songbook des Beatles - J’ai appris en jouant sur les chansons des Beatles, puis j’ai étudié celles de T. Rex, puis celles David Bowie et du Velvet Underground. J’ai appris en jouant along with the records - Le premier groupe qu’il voit sur scène, c’est celui de Marc Bolan, en 1973, puis Bowie. Il est au premier rang. De son côté, Howard Devoto ne se nourrit que de Bowie, de Velvet, de Stooges et de Roxy. Howard et Pete étaient donc faits pour s’entendre. Kindred spirits, comme on dit en Angleterre.

         Alors il leur faut un nom pour le groupe. On demande à Julie Covington qui fait Dee, dans le TV show Rock Follies, pourquoi elle veut jouer dans un groupe. Alors Dee dit : «It’s the buzz, cock», cock étant nous dit Hanley un terme affectueux dans le Nord de l’Angleterre. Pas de connotation sexuelle. On peut dire cock aussi bien à un mec qu’à une gonzesse. Alors ça va, cock ? - Buzzcock has never actually been a slang term for a sex toy - Hanley a raison de redonner ces précisions : cinquante ans d’ignorance crasse ont conduit pas mal de gens en France à croire qu’on parlait de bite avec Buzzcocks.

         Maintenant, Howard et Pete ont besoin d’un bassman. C’est là que Steve Diggle entre en lice. Un Diggle qui toute sa vie sera marqué par des accidents. Grave accident de voiture à 17 ans, son pote Alan Hughes y casse sa pipe en bois et là, Steve Diggle jure qu’il va vivre to the full, et ça veut dire entrer dans un groupe - C’est là que j’ai juré de former the best fucking band I could and I’d do it for him - c’est-à-dire pour Alan Hughes. On reviendra sur les accidents un peu plus loin. Steve Diggle les collectionne.

         Maintenant il leur manque un batteur. Voilà John Maher, 16 ans, grand fan de Blondie. Il a même appris à battre le beurre en écoutant Clem Burke sur le premier Blondie. Il voit l’annonce dans le Melody Maker et rejoint les Buzzcocks. Une fois de plus, on se régale car Hanley donne tous les détails de la plus fascinante des phases qui est celle de la formation d’un groupe. Et quel groupe !

         Comme tous les apprentis sorciers, les Buzzcocks commencent par taper des covers : «I Can’t Control Myself» des Troggs, «Steppin’ Stone» des Monkees, «Don’t Gimme No Lip Child» des Pistols, «I Love You Big Dummy» de Captain Beefheart. Jolis choix. Pete Shelley casse sa Stairway en deux lors d’une répète et il prend l’habitude de jouer sur une demi-Stairway, alors les Buzzcoks deviennent le groupe with half a guitar. Il faut voir les docus d’époque en noir et blanc. C’est wild as fuck ! À l’époque, Devoto ne jure que par les trois albums des Stooges. Tout le reste l’ennuie profondément. Quant à Pete Shelley, il aime bien dire que sans Marc Bolan et Michael Karoli de Can, il n’aurait jamais appris à jouer de la guitare. Il adore aussi Bowie qui n’en finit plus de citer le Velvet, Iggy & The Stooges et William Burroughs dans ses interviews.  Voilà donc le terreau dans lequel les Buzzcocks plongent leurs racines.

         En octobre 1976, ils payent 45 £ pour 4 heures au studio Revolution, à Cheadle Hulme, une banlieue de Stockport, au Sud de Manchester. Ils enregistrent leur répertoire. Puis Pete Shelly monte New Hormones, le label du groupe, pour pouvoir sortir Spiral Scratch. Il faut un petit budget pour produire et fabriquer l’EP. 300 £ ! Ce sont les parents de Pete, Johnny et Margaret McNeish qui filent le blé. Pete dit que son père a fait un emprunt pour sortir les 300 £. Pete dit à son père que c’est une bonne idée et qu’il peut lui faire confiance - Je ne crois pas qu’il ait attendu que je le rembourse - Ils enregistrent en décembre 1976 chez Indigo, un studio 16 pistes installé dans le centre de Manchester. Ils profitent d’un prix réduit, car ils enregistrent le 28, entre Noël et le Jour de l’An. Ils enregistrent en live, mais avec des écrans de séparation - Everyone could play as loud as they wanted - John Maher indique que Pete s’est inspiré du «Canyon Of Your Mind» des Bonzo Dog Doo-Dah Band pour gratter les 2 notes de son solo sur «Boredom». La séance d’enregistrement dure trois heures. C’est vite plié. Pour la pochette de Spiral Scratch, ils choisissent un polaroid pris, nous dit Hanley, sur les marches de la statue de Robert Peel, in Piccadilly Gardens. Ils récupèrent les EPs chez le fabricant puis font des envois. Et ça marche tout de suite. Le Rough Trade shop en réclame 200. Les Spiral Scratch partent comme des petits pains. On en voit même en Normandie, alors t’as qu’à voir ! - It spiralled out of control ! - Les 1 000 premiers exemplaires sont sold-out en 4 jours. Avec l’argent des ventes, Les Buzzcocks en font represser d’autres. Howard Devoto offre une copie de Spiral Scratch à Iggy et lui dit : «I’ve got all your records. Now you’ve got all mine.» Ils en sortent en tout 16 000 ex, puis ils arrêtent les frais. Et c’est là qu’Howard Devoto jette l’éponge !

         Quand il quitte les Buzzcocks, c’est dit-il parce qu’il se lasse du train-train des concerts où on joue toujours les mêmes cuts. Et puis, il ne se sent pas aussi motivé que les autres. Pour Steve Diggle, c’est une bonne aubaine. Il passe de la basse à la guitare et ça devient autre chose, dit-il, avec deux guitares.

         Et puis, tu vas tomber sur le témoignage de Walter Lure qui était en Angleterre à l’époque, extrait qu’Hanley tire de To Hell And Back. Walter voit les Buzzcocks sur scène et explose de rire, bon, il dit que c’était a good band, mais il est plié de rire en voyant la guitare sciée en deux, it looked ridiculous, et il jouait si fort que le chanteur était obligé de tout hurler, et en plus ils fonçaient à 200 à l’heure, it was so fucking funny. Mais Walter ajoute qu’ils vont vite s’améliorer.

         C’est l’occasion ou jamais d’écouter un fantastique bootleg, Time’s Up, paru sur Voto quelque part dans le temps. On y retrouve les coups de génie de Spiral Scratch, of course, mais aussi une belle cover de «Can’t Control Myself». Pur jus de Chester sound, bien foutraque, mal coiffé, avec des carottes dans les cheveux. C’est là que le pah pah pah des Troggs prend tout son sens : ça devient moins poppy et plus raw des pâquerettes. Avec «Friends Of Mine», Howard nous sort son meilleur cockney strut. Fantastique dynamique ! Le cut exulte, avec la basse qui broute le pré carré. Une vraie brouette de brouet ! En B, ils pondent l’un des grands standards de punk-rock mélodique avec «Breakdown». Howard va chercher son cockney d’institut technologique et on tombe ensuite sur l’ineffable «Time’s Up» hanté par des chœurs de génie. C’est l’un des hauts lieux du rock anglais. On peut dire la même chose de «Boredom», avec son solo sur deux notes pendant que le bassmatic voyage dans sa mesure. Utter punk ! Bodum bodum ! C’est tarabusté à la basse de petite vertu alors que Pete reste sur son tili-tili-tili. Just perfect.

         Le groupe va ensuite prendre sa vitesse de croisière. Steve Diggle est passé à la gratte et Garth Smith arrive avec sa basse. Andrew Lauder qui a adoré Spiral Scratch signe les Buzzcocks sur United Artists. Le problème c’est que Garth est colérique et il s’en prend principalement à Pete qui n’a peur de rien, ni de personne. Hanley nous emmène en tournée avec le groupe et on assiste à tout le ramdam d’une tournée punk en Angleterre, sous les crachats. Sur scène à Leeds, Garth insulte les gens. Après le concert, le groupe monte dans la bagnole pour quitter la ville et quelqu’un tape à la vitre, alors Garth baisse imprudemment la vitre et il prend un tas en pleine gueule. Paf ! Pete : «He wasn’t the world’s luckiest man.»

         Toute la grandeur des Buzzcocks repose sur Pete et ses compos. Il crée un genre qu’on peut qualifier de fast power-pop, et qui va inspirer nous dit Hanley des tas de gens, notamment les Undertones, Ash et Green Day - L’idée n’était pas de sonner comme les Sex Pistols, dit Pete, qui redit à la suite sa passion pour Can et Neu! - C’est l’occasion ou jamais de réécouter ce qui est sans le moindre doute le meilleur album des Buzzcocks, Singles Going Steady. T’en prends plein la barbe dès «Orgasm Addict» et cette fantastique énergie de chant de délinquance juvénile. Art total et modernité fulgurante, voilà les deux mamelles des mighty Buzzcocks. Pete te singe l’orgasme, ahhhh ahhhhh, et ça débouche sur «What Do I Get», le hit fondateur de l’Occident chrétien, un hit qui repose sur la dalle d’un rumble de basse. Tu as là du pur génie civilisationnel. Pete te chante comme le roi des décadents. Te voilà une fois encore au sommet de ce que peut te proposer le rock anglais. Pete est encore plus décadent sur «I Don’t Mind», punk genius d’aïe aïe aïe. Toute l’énergie punk est là. Il amène son «Love You More» au I’m in love again, les autres font oh oh, et tu vois Pete monter son love you more au sommet de l’Ararat, alors tu fais oh oh avec les autres. Ça enchaîne aussi sec sur l’intro mythique d’«Ever Fallen In Love». Pete entre dans le chou du lard à l’émotion pure. Les Cocks buzzent encore à 100% sur «Promises», avec le fast & furious How could you ever let me down. T’es toujours au sommet du genre et t’es encore plus au sommet avec «Everybody’s Happy Nowadays», sans conteste leur plus beau hit de résonance universelle, avec le refrain du diable, l’expression pure et dure du génie atomique de Pete Shelley. L’impact de Buzzcocks est le même que celui des Beatles. «Everybody’s Happy Nowadays» est imbattable, c’est l’un des plus grands singles de l’histoire du rock anglais, avec «Arnold Layne», «Anarchy In The UK», «Jumping Jack Flash» et «Strawberry Fields Forever». Pas la même chose avec «Harmony In My Head» : Steve Diggle chante, il passe en force et il a derrière lui tout le power des Buzzcocks. Et ça repart en B en mode wild as punk avec «What Ever Happened To?», pur Buzz blow-out de Chester punk. Puis le filon va se tarir. La fin de la B est moins glorieuse. On passe à travers la plupart des cuts, sauf «Lipstick» que Pete attaque à la pointe de la glotte. Il en profite pour récupérer la carcasse du «Shot By Both Sides» qu’il a filé à Howard Devoto. Il tape ça au chat perché excédentaire. Pete Shelley est l’un des chanteurs les plus fascinants d’Angleterre.  

         Puis il va s’épuiser, déprimer et menacer de quitter le groupe - J’étais très désillusionné. I really wanted to hit Buzzcocks on the head - it had become too much of a burden - Il existe aussi une tension entre Steve Diggle et lui : ils composent tous les deux, mais Pete passe ses compos en priorité. C’est Diggle qui compose «Harmony In My Head», mais Pete vole le show avec sa guitar line. Les tensions, oui, mais aussi tout le bataclan qui va avec la vie sur la route. Steve Diggle : «On était comme les empereurs de Rome qui ne voyaient pas que the place was burning down. We were having the orgies, and the drink and drugs, the coke binges and now it was crystal meth and the first signs of heroin.» Pendant les sessions d’enregistrement, la dope coule à flots - Cocaine, acid and heroin were the order of the day - Pete se souvient que c’était «quite chaotic. On allait en studio et on attendait que les drogues arrivent, où qu’elles fassent effet. I dropped a tab of acid every day that I worked on ‘Are Everything. I was in ‘the zone’, so to speak, on every part of that song.» Steve Diggle se souvient que le recording «was insane» - We were tripping so much we didn’t know what the fuck we were doing - Steve Garvey confirme tout le bullshit : «Bosser avec Martin Hammett était un désastre. Steve et Pete prenaient du bon temps parce qu’ils étaient totalement fucked up on all kinds of shit.» Personne ne prend la mesure de la pression que subit Pete en tant que leader du groupe. Il n’est pas taillé pour ça. Steve Garvey : «Composer hit après hit n’était pas facile pour lui, and he got into some heavy drugs.» Pete ne se rase plus et ne fait plus aucun effort pour plaire aux gens. Ils se retrouvent un jour en studio sans compos, sans producteur et Steve Diggle perd patience : «Pete allait mal, physiquement et mentalement. Je n’ai pas été surpris quand il a demandé à nous voir dans sa chambre d’hôtel pour annoncer qu’on allait prendre un an de congés et recharger nos batteries.» Belle façon d’arrêter les machines. Mais en 1981, John Maher, Steve Garvey et Steve Diggle reçoivent un courrier officiel du management : les Buzzcocks n’existent plus. Maher le prend mal et fait la gueule à Pete pendant des années. Pour Steve Diggle, c’est un coup de fourbasse et de lâche.

         Et comme toujours, après le split vient la reformation, en 1988. Même Pete est content.  Le moteur est bien sûr un gros billet. Pete et Steve espèrent alors que les 8 ans passés ont apaisé les ressentiments et éteint les volcans. Mais la tension entre Pete et Steve existe toujours. Terrible fights, dit Steve Garvey. Steve Diggle veut plus de compos à lui sur le nouvel album. Puis Tony Barber et Phil Barker entrent dans le groupe en remplacement de John Maher et Steve Garvey, démissionnaires.

         C’est avec cette nouvelle section rythmique qu’ils enregistrent Trade Test Transmissions qu’Hanley qualifie de «most musically satisfying album» de la reformation. Il ajoute que «Who’ll Help Me To Forget» est «the best one the re-formed group ever recorded.» Mais après «Do It» et «Innocent», on devait se taper une interminable série de cuts médiocres, suivis de deux bonnes surprises : «Energy», un vrai standard punk, où Pete enfonce l’E d’Energy et soigne ses chutes, pendant que derrière les autres font oh-oh, le tout arrosé d’un killer-solo d’anthologie qui arrive en dérapage contrôlé. Puis «Crystal Night», amené par une intro monstrueuse et chanté avec une morgue épouvantable. Morceau du même niveau qu’«ESP» ou «Everybody’s Happy Nowadays», classique demented qu’on réécoute plusieurs fois d’affilée pour faire durer l’extase. Peu de groupes savent provoquer une telle excitation. Pete Shelley détient ce pouvoir magique.  

         En 1998, ils enregistrent Modern, dont on a dit grand bien ici même en 2014, après avoir vu le groupe sur scène à Saint-Germain-En-Laye. Et puis en 2001, Steve Diggle se paye un horrible accident de scooter en Grèce qui lui abîme la main gauche, au point qu’il doute de pouvoir un jour regratter une gratte. On lui fixe un plaque dans le poignet, et ça marche. Il vient tout juste de refaire l’actu avec un autre accident de scooter : dans Mojo, tu tombes sur une photo de Steve scalpé. Il vient de se payer un nouveau scoot crash-boom ! - I had a bit of a scooter accident in Highgate - Comme il a un trou dans le scalp, il rase tout le reste - It symbolises a new start - Le onzième album est répété, il ne reste plus qu’à l’enregistrer. Juin ou juillet, dit-il. Holloway Road, mais pas chez Joe Meek. Steve profite de l’article pour dire qu’il voit arriver la fin des haricots : «I’m in the fast lane now. You can see the end of life in some ways.» Eh oui, Steve, toutes les bonnes choses ont une fin, même les Buzzcocks. S’il pense encore à Pete ? Ben oui, mais il faut avancer, dit-il. «You’ve got to keep moving, otherwise I’d be in a fucking lunatic asylum.» De toute façon, il sait qu’il va le revoir, son pote Pete - I’ll be seing him before I know it - Il annonce aussi qu’il ressort un book, ce sera le deuxième : on l’attend de pied ferme.

         En 2014, les Buzzcocks enregistrent The Way, et Steve Diggle prend progressivement la main dans le groupe. Il compose une bonne moitié des cuts et ce sont eux qui flattent vraiment l’oreille. Pete Shelley semble traverser une mauvaise passe. Et pourtant son «Keep On Believing» qui fait l’ouverture du balda sonne comme un gros classique de power-pop à la buzz-buzz. C’est joliment roulé dans la farine de basse. Il faut dire que Chris Remington est un fucking dynamic bass master ! C’est idéal pour l’avenir du buzz-buzz. Avec «People Are Strange Machines», Steve prend la main. On voit bien qu’il ne vit que pour ça et rien ne pourra jamais l’empêcher de grimper sur scène avec sa Tele. Sacré punch. Ses compos restent incroyablement solides. Toujours du Steve avec «In The Black» et son vieux cocotage mancunéen. Il adore les sentiers battus du rock anglais. Son truc n’est pas de surprendre, il se contente de jouer du rock et d’envoyer des refrains élégants bardés de chœurs classiques. Il connaît toutes les ficelles et notamment celle du stomp qu’il sort pour «Third Dimension». C’est le stomp qu’il te faut. Steve connaît les bons stratagèmes. Brillant, efficace et venant d’un mec comme Steve Diggle, bienvenu. Pete Shelley revient au punch cockney avec «Out Of The Blue» Il n’a rien perdu de son mordant. Il sort là une belle compo un brin heavy, allumée aux riffs gras et aux remontées de teintes gluantes. S’ensuit un petit coup de génie signé Steve Diggle : «Chasing Rainbows/Modern Times» qui sonne comme un hymne. C’est amené par un beau brouet d’accords et paf, Steve nous pond le hit du disque. Édifiant ! C’est là que se niche la grandeur des Buzzcocks.

         Et puis voilà : Pete casse sa pipe en bois en 2018, en Estonie. Alors Steve Diggle décide de continuer le groupe. Il a la bénédiction de Pete, qui est venu le trouver après l’un des derniers shows qu’ils ont fait ensemble - Il m’a dit : ‘Je veux juste me retirer, Steve. Mais je veux que tu continues. Tu as ma bénédiction.’ Et je lui ai dit : ‘Tu ne peux pas arrêter maintenant, on a encore des tas de trucs à faire.’ Ça m’aide beaucoup d’avoir la bénédiction de Pete, mais la situation est très étrange. Thing is tough. Pete est mort, et si je ne continue pas le groupe, ses chansons vont mourir elles aussi.

Signé : Cazengler, triple Buzz

Buzzcocks. Singles Going Steady. United Artists Records 1979

Buzzcocks. The Way. BUZZP 001 2014

Buzzcocks. Time’s Up. Featuring Howard Devoto. Voto

Paul Hanley. Sixteen Again - How Pete Shelley & Buzzcocks Changed Manchester Music (And Me). Route 2024

 

 

L’avenir du rock

- Cosmic Trip

 (Part Two)

         Toujours intéressé par les conneries, l’avenir du rock décide pour se distraire de monter ce qu’il appelle «un coup faramineux». Il sait qu’il va dépasser les bornes, mais il y va quand même. Ceux qui l’approchent d’assez près savent qu’il est un peu caractériel, et que ça fait partie de son charme. Il part du principe qu’il faut savoir faire le con, car sinon, à quoi servirait la vie ? Pour mettre son «coup faramineux» en œuvre, il commence par se déguiser en femme. Allez hop, la perruque, le rouge à lèvres, le sous-tif bombardier, le haut minimal panthère, la mini-jupe en cuir, les bas résille et les talons hauts. Cette crapule d’avenir du rock ne lésine pas sur la décadence. Ça fait partie du jeu. Allez hop, il monte dans sa bagnole et prend la direction du motel de Norman Bates, là-bas, à la sortie de la ville. Allez hop, il se gare devant le bureau du motel. Il voit bien la maison sinistre en surplomb, avec la momie de la mère de Norman Bates derrière le rideau, à l’étage. Allez hop, il entre, cling cling, il tape sur la sonnette de la réception et Norman Bates arrive, allez hop, l’avenir du rock se fait inscrire sous le nom de Marion Crane et se suce un doigt comme s’il suçait une moule pour aiguiser la libido de Norman Bates. Allumé, Bates lui propose de partager sa modeste gamelle. La fausse Marion accepte et ajoute d’une voix frelatée et en se caressant les seins qu’elle va d’abord aller prendre une bonne douche bien chaude. «Le cul propre, telle est ma deviiiise !», glapit-elle d’une voix de délinquante juvénile. Elle voit un petit filet de bave couler au coin de la bouche de Bates. Allez hop, elle file dans la chambre en tortillant du cul, allez hop, elle commence à se désaper. L’avenir du rock sait que Bates va arriver avec son grand couteau de cuisine à la mormoille. Allez hop, il arrive, tire le rideau de douche d’un coup sec et, ahhhhhhh !, pousse un cri d’horreur, en découvrant l’anatomie de Marion Crane.

         — Mais vous zêtes pas une gonzesse !

         L’avenir du rock éclate de rire :

         — Je ne vous plais pas, madame Bates ? Profitez donc de cette belle bite !

         Norman Bates qui est déguisé en vieille ne rigole pas. Il a même l’air très con, avec sa perruque cendrée de traviole et son tablier en dentelle.

         — Ici on fait Psychose, lance-t-il d’une voix de vieille dame indignée. On n’est pas chez les tantes ! 

         — Non, Psychose, c’est fini, Norman. Ras le bol ! Maintenant, c’est Cosmic Psychose !

         L’avenir du rock fait bien sûr allusion aux Cosmic Psychos. Il ne rate jamais une occasion de vanter les mérites d’un bon groupe. Il prend parfois des voies détournées pour parvenir à ses fins, mais le résultat est toujours intéressant. Les Cosmic Psychos sont ce qu’on appelle aujourd’hui un vieux groupe, mais par le diable, ils ont tout l’avenir du rock dans leur poche.

         Soleil de plomb sur les quais de Seine. Pas un temps à aller voir jouer les Cosmic Psychos au P’tit Bain, mais t’y vas quand même. Et puis les Cosmic à Paris, c’est un événement. Pourquoi ? Parce que c’est un groupe qui n’a enregistré que des bons albums, souvent critiqués par les ceusses qui ne les ont pas écoutés, comme toujours. Les Cosmic sont même victimes d’un préjugé : dans des conversations, on a souvent entendu des gens les qualifier d’australobourrins, cousins des australopithèques, vagues descendants des australowilsonpiquettes des abyssinies abyssales, alors que non, grave erreur, les Cosmic ont une délicieuse tendance à sonner comme Motörhead. T’en connais beaucoup des groupes capables d’un tel prodige ? Ils font du No Sleep Till quand ils veulent. Ils sonnent comme une charge de cavalerie quand ils veulent. Ils tagadadent à travers notre imaginaire comme la Brigade Légère lancée à l’assaut des lignes russes, ils bam-balament à un niveau qu’on voir rarement, c’est-à-dire pas assez souvent, et là, t’as le vrai bam-balam, celui de Ross Knight, ce géant qui ferraille frénétiquement ses cordes de basse et qui réussit miraculeusement à contrôler son corps et à poser son chant, car les Cosmic, ça part au quart de tour et ça fonce comme un train fou, ou une Brigade légère, c’est comme tu veux. Il faut juste retenir la notion de vitesse et d’ultra-power, comme chez Motörhead. Ni punk ni hard-rock. Pur rock blast. Le blast, ils ne vivent que pour ça, comme les Lazy Cowgirls à la grande époque, comme Rocket From The Crypt ou encore les Drippers et les Coachwhips, l’un des premiers groupes de John Dwyer, comme la faramineuse Broke Revue de Dan Melchior, trois quatre et ça part. Boom !

 T’en prends plein la barbe. Pas un hasard non plus si le batteur porte un T-shirt Zeke. Par contre, John McKeering ne porte pas de T-shirt Zeke. Il préfère opter pour un infâme T-shirt bleu clair troué et passé par-dessus une bedaine à la King Khan (en trois fois pire) et un short rouge, celui que portent les beaufs au camping de Fécamp.

But my Gawd, McKeering joue comme un dieu sur sa gratte trafiquée. Il ne va pas chercher forcément le Fast Eddie Clarke, personne ne peut aller chercher le Fast Eddie Clarke, il va chercher le Cosmic sound, il croise un son incroyablement incendiaire et mélodique avec les riffs que cisaille Ross Knight sur sa basse ultra-saturée.

C’est complètement irréel de bruit et de fureur. Gigantic, comme dirait Kim Deal. Ils livrent un set d’une violence superbe, sans jamais baisser de niveau, la qualité du set est telle qui tu comprends mieux pourquoi ce groupe est devenu légendaire. Ton imaginaire peine à suivre, mais il suit quand même, comme s’il trouvait un second souffle, et tu entres en osmose avec cette comatose incendiaire, ce mec Ross n’en finit plus de percuter les cordes qui ne cassent toujours pas, tu te demandes pourquoi, ah mais quel ferrailleur du diable, il dégouline des mains, et gratte des riffs australiens complètement inconnus, avec une étrange position de la main droite. Bel équivalent de Lemmy.

Et puis t’as la qualité des cuts. Ils attaquent avec «Pub» tiré de Go The Hack, leur deuxième album, l’album au bulldozer qui les résume si bien, et c’est un peu comme si la messe était dite, mais on en veut encore. Alors t’as tous ces cuts demented qu’on retrouve sur le live Slave To The Crave, «Custom Credit», «Rip & Dig», et l’apocalyptique «Lost Cause». Ils nous refont quasiment l’excellent live Hooray Fuck - Live At The Tote qui s’appelle aussi I Love My Tractor et qui pourrait bien être leur meilleur album. Nitro à l’état pur. On y retrouve le «Pub» dévastateur, Ross Knight gueule comme un Bob Mould devenu fou. Tu y retrouves aussi «Nice Day To Go To The Pub» avec un Ross on fire. Il prend «I’m Up You’re Out» en frontal. C’est dingue comme ces mecs savent tenir la distance. On pourrait qualifier leur style de «tout droit». Ou de boom-badaboom. Ou de tout ce qui te passe par la tête, tellement c’est bon, tellement ça parle à ta cervelle. Chaque cut est pulsé dans les règles du pire lard fumant. Leur passion pour le bulldozer prend ici tout son sens. Cette violence ricoche dans le son, comme le montre «Dead In A Ditch». Ils élèvent la violence sonique au rang d’art sacré. Encore une belle envolée avec «Quater To Three». Ils savent très bien ce qu’ils font. Grosse accointance avec the real deal. Les accords de McKeering rayonnent dans la chaleur du blast. Chaque cut sonne comme une invasion barbare. Ils cherchent chaque fois le maximalisme de la violence sonique et parviennent à la maîtriser pour en faire une sorte d’anti-art radical, comme le fut Dada en son temps. Et ils terminent leur set avec «David Lee Roth» - Suck me off ! - Puis ils se tournent, baissent leurs frics et te montrent leurs culs.

         Par contre, ils ne tapent aucun cut de Mountain Of Piss, leur dernier album. Coup de pot, il est au merch pour un billet de 20 alors qu’il en vaut 100 sur Discogs. Commence par retourner la pochette, et tu reverras leurs culs, tels qu’ils les montrent juste avant de quitter la scène. En plus, l’album est sacrément bon, t’as dans les pattes un big album de power trio : magnifique son de basse et beurre du diable de Dean Muller. «Accountant Song», c’est en quelque sorte l’intraveineuse du diable. Ils te grattent «Bleeding Knuckles» sous le boisseau de la fuzz bass et John McKeering ramène ses power-poux. C’est d’ailleurs lui qui chante «Dickson» - I’m going down to Dixon/ I know you come in with me too - Et ils bouclent leur balda avec la belle descente au barbu de «Dunny Seat». Fabuleuse accroche, le riff ne te lâche plus. C’est vraiment digne de Motörhead. Ils te collent le morceau en ouverture de la B des cochons. T’as l’impression d’écouter un rock très ancien, très établi, avec son odeur de salle et sa clameur anglaise. C’est ce qu’on appelle le fumet britannique. S’ensuit un «Munted» embarqué au tagada de Dean Muller et Ross Knight attaque «Rude Man» à la basse fuzz. Crois-le bien, le vieux Ross sait driver un beat. Les trois larrons partent ensemble sur «Sin Bin». Quelle énergie et quel power !

 Signé : Cazengler, Comique Psycho

Cosmic Psychos. Le Petit Bain. Paris XIIIe. 28 juin 2024

Cosmic Psychos. Mountain Of Piss. Go The Hack Records 2021

 

 

Inside the goldmine

 - Homérique Homer

         Les souvenirs d’Homais remontent à loin, environ cinquante ans. Nous ne savions pas qui était ce mec assis au fond de la pièce, dans la pénombre. Il ne parlait pas. Il portait des lunettes, une tignasse bouclée bien fournie et des vêtements noirs. Il s’entourait de mystère, ce qui n’est pas toujours très indiqué, lors de premières rencontres. On peut mal interpréter ce mystère et le voir comme du mépris. Les quelques personnes rassemblées dans la pièce papotaient gaiement. Homais gardait le silence. Personne n’osait s’adresser à lui. Le cirque dura un bon moment, jusqu’à la tombée de la nuit. Vint l’heure de quitter les lieux et en descendant les escaliers menant à la rue, nous échangeâmes quelques sarcasmes :

         — C’est qui cet abruti qui dit rien ?

         — Chais pas. Un super con.

         — L’a dû être un serpent dans une vie antérieure.

         Nous apprîmes un peu plus tard qu’il s’appelait Homais, comme le pharmacien de Flaubert. Comme il s’était maqué avec l’une des frangines de la smala. On fut amené à le croiser ici et là, mais il affichait toujours le même genre d’attitude, s’ingéniant à battre froid et à éviter méthodiquement toute amorce de conversation. Il cultivait l’antipathie avec un naturel désarmant et on s’amusait presque de voir son visage se transformer comme celui du portrait de Dorian Gray. Il devint rapidement affreusement laid, son vissage s’affaissait sous une épaisse broussaille de cheveux d’un gris très sale, et derrière des lunettes à grosses montures noires, ses gros yeux cernés brillaient d’un éclat reptilien. Il inspirait une sorte de répulsion. Pour parfaire ce panorama cauchemardesque, il portait en permanence une barbe de trois jours qui valorisait jusqu’au délire une bouche horrible, rouge et tordue. À l’instar du pharmacien de Yonville, Homais exerçait un métier de santé publique : gynécologue. C’est par le torche-cul local que nous apprîmes la fin logique de l’histoire d’Homais. Comme toutes ses clientes passaient à la casserole et qu’il les menaçait pour qu’elles gardent le silence, elles décidèrent de se venger. On retrouva Homais occis dans son cabinet, ligoté sur le fauteuil gynécologique, sans pantalon. On lui avait coupé sa petite paire de couilles pour la fourrer dans sa bouche rouge et tordue. 

         Inutile d’ajouter qu’Homais se situe aux antipodes d’Homer. Encore une fois, l’analogie systémique permet de rapprocher les destins pour mieux les opposer. Homer ? Il s’agit bien sûr d’Homer Banks, personnage légendaire aux yeux des amateurs de Northern Soul et de Soul tout court. On croise Homer à tous les coins de rue, surtout sur la belle compile Wrap It Up, qu’Ace consacre au prophète Isaac. Homer est donc un blackos de Memphis. C’est Miz Axton qui l’embauche pour composer des cuts chez Stax. Homer va composer «A Lot Of Love» que va pomper goulûment le Spencer Davis Group («Gimme Some Loving»). Homer compose pas mal de hits pour des tas et des tas de gens infiniment respectables, notamment les Staple Singers.

         Pour se faire une idée précise du talent fou d’Homer, le plus simple est encore d’écouter un bon Best Of, l’excellent Hooked By Love - The Best Of Homer Banks, paru en 2005. C’est le coup de cœur immédiat, dès «Hooked By Love», eh oui, Homer chante au gut de raw, il crée son monde à l’Hook. Encore une énormité avec «60 Minutes Of Your Love», il tape ça au heavy raw de r’n’b, il est à la fois explosif et éclatant, c’est l’école Stax. Il s’intéresse encore à l’amour avec «A Lot Of Love», et crée le fameux riff de «Gimme Me Some Loving». Cette pétaudière est typique d’Homer. Plus loin, tu vas croiser «Round The Clock Lover Man», il reste très classique, très Staxy, pas loin de Sam & Dave, pour lesquels il a d’ailleurs composé. Il fait du pur hot de Staxy pour Tobrouk. Ce démon d’Homer des Caraïbes génère du pur jus de raw, son r’n’b accroche bien («I Know You Know I Know», «I’m Drifting»). Il sait encore se montrer fabuleux d’explosivité avec «Sometimes It Makes Me Want To Cry», ah il faut voir comme il t’explose le sometimes, c’est incroyable de down the drain. Il se vante ensuite d’être un «Lucky Loser» - I’m a lucky loser/ Yes I am - Homer, c’est la crème de Stax. Il utilise le wild r’n’b pour poser la question : «(Who You Gonna Run To) Me Or Your Mama ?». Il veut savoir : alors, tu vas chez ta mère ou chez moi ? Homer restera dans les mémoires comme le prince du pré carré. Pas n’importe quel pré carré : celui du raw.

         Il existe un autre album qu’Homer enregistra en 1977 avec son pote Carl Hampton, sous le nom de Banks & Hampton, le fameux Passport To Ecstasy. Ils adorent la Soul des jours heureux, comme le montre l’excellent morceau titre. Ils se complaisent aussi dans le heavy satin jaune, comme le montre «Believe». On y assiste à un joli développement de chœurs de gospel. Sur la pochette, on les voit porter des beaux costards et des bagouzes. En B, ils passent au big r’n’b avec «We’re Movin’ On». Just perfect. Ils reviennent à la Soul des jours heureux avec «Get On Up Shake Some Butt», c’est un dancing groove bien violonné à la Barry White, très chaud et très back, puis ils tapent en plein Barry White avec «Loving You». Ils s’enfoncent à deux voix dans le lard du groove magique.

Signé : Cazengler, Banks postale

Banks & Hampton. Passport To Ecstasy. Warner Bros. Records 1977

Homer Banks. Hooked By Love. The Best Of Homer Banks. EMI 2005

 

 

Ebo est beau

         On l’attendait comme le messie de l’Afro-beat. Ebo Taylor est arrivé sur un fauteuil roulant, poussé par son fils Henry. Dès le début du concert, ça sentait la fin des haricots. Le pauvre Ebo n’est plus que l’ombre de lui-même.

Dommage, car autour de lui joue l’un de ces fabuleux orchestres d’Afro-beat dont l’Afrique, et le Ghana en particulier, ont le secret. Si tu veux groover, c’est là. Certainement pas chez les punks. L’Afro-beat ghanéen est aussi joyeux et propulsif que celui de Fela Kuti au Nigeria. D’ailleurs Ebo et Fela se connaissaient bien, d’après ce que raconte Wiki, la pipelette du village. C’est le fils Henry qui mène la sarabande aux keyboards, le fils William qui gratte une basse cinq cordes, et le fil Roy X qui gratte des poux délicieusement liquides sur sa demi-caisse. Ils sont tous magnifico. Ils créent un monde et t’es là pour ça.

         Mais ça ne se passe pas comme tu l’avais imaginé. Le spectacle est terrible car tu as d’un côté cette effarante source de vie, et de l’autre un vieil homme aux portes de la mort, prostré dans son fauteuil, qui n’a même plus la force de chanter dans le micro installé devant lui. C’est la première fois qu’on voit la vie et la mort ainsi rassemblées sur scène. Du coup, ça donne au set un cachet particulier. Paradoxalement, le côté tragique n’apparaît pas chez les Africains, c’est autre chose. On a l’impression que le fils Henry fait du business, il n’en finit plus de sortir son père Ebo de sa torpeur. C’en est presque comique. Chez les blancs, ce serait révoltant.

Chez les blacks, c’est cocasse. Incroyablement cocasse. Et pendant que cette farce se joue sous nos yeux, l’orchestre tourne comme un gros moteur exotique. Le black aux percus bat tout Santana à la course. Au fond, t’as un black qui bat un beurre virulent et même inexorable, et de l’autre côté deux mecs aux cuivres qui font un véritable festival, surtout le tromboniste qui passe des solos hallucinants de swing. T’en reviens pas de voir des cakes pareils sur une scène normande ! À la vie à la mort ! Cette fois on est en plein dedans. Seuls les Africains peuvent te proposer un cocktail aussi capiteux. 

         Palaver ? Tu peux y aller les yeux fermés, si t’aimes l’Afro-beat. C’est le dernier album en date d’Ebo qui chante au revienzy de paradis africain. Ces mecs groovent comme des anges du paradis. C’est un peu comme si t’arrivais à la fin du mythe et que tu découvrais un monde. Il faut le voir l’Ebo groover son «Make You No Mind», cette belle Africana gorgé de cuivres et de poux miraculeux. Et puis tu as ces extraordinaires solos de sax et de trompette. Tu ondules des hanches sur «Abebrese». Te voilà dans la cour des miracles, alors tu tortilles du cul. Le riff d’orgue est assez punk, avec une incroyable verdeur de la clameur sourde. Elle te brise le cœur. Supremo groovyta ! L’Ebo chante «Nyame Dadow» dans le creux d’un chou-fleur étincelant, tu ne le quittes pas des yeux, l’Ebo, il chaloupe avec les copines. L’Ebo et ses blackettes donnent une idée assez juste de ce que pourrait être le paradis. Tout y est facile et doux, et tu sens monter en toi la petite marée de bien-être.

         Si tu tapes au hasard dans sa discographie, tu vas tomber sur Appia Kwa Bridge, un album au son plus dur, qu’on pourrait qualifier d’heavy Africana. Il y durcit le ton. On s’attache plus particulièrement à «Yaa Ampensah». L’Ebo fouille le beat de l’Afrobeat avec des poux délicieux. Il colle bien au papier. Quel cake ! Sa mélodie chant est un enchantement, l’Ebo est un orfèvre, un artisan de la victoire. Et puis quand tu écoutes «Assondwee», tu réalises qu’il s’agit là du Black Power originel. Te voilà à la source du fleuve. Il a derrière lui tous les pouvoirs, t’as même le solo de jazz liquide. Mais c’est avec le morceau titre qu’il groove to the max. Il redore le blason de l’Afrobeat, avec toute la belle clameur du continent noir. Tu ne bats pas ça, Sam.

         Oh et puis, t’as Yen Ara, avec ce beau portrait d’Ebo sur la pochette, sous son petit chapeau. Ses fils Henry et Ray X sont déjà là. Les percus du diable aussi. Quelle majesté ! Coup de génie avec «Mumudey Mumudey». L’enfer, c’est l’Afrobeat. T’as pas idée ! Droit au cerveau. L’Ebo groove des hanches et toi aussi. C’est la clameur des origines. Excelsior + solo de trompette = big bang originel. Demented, baby ! Mudy/ Mumudy ! Ebo a le diable au corps. Il te groove le squelette et un solo de sax arrive en dérapage contrôlé dans l’Afrobeat, t’as en plus tous les congas de Congo Square, ça sort tout droit des forêts inexplorées. Encore du fondamental avec «Krumandey». C’est effarant de revienzy. Ebo y va au call my name. Percus + solo de trompette, toujours pareil. Hey les garagistes, prenez des notes ! Ebo fait du bon boulet et un certain Justin Adams groove sa Jazz Guitar.

Signé : Cazengler, ÉpaBo

Ebo Taylor. Le 106. Rouen (76). 14 mai 2024

Ebo Taylor. Appia Kwa Bridge. Comet Records 2012

Ebo Taylor. Yen Ara. Mr Bongo 2018

Ebo Taylor. Palaver. BBE Africa 2019

 

 

Evil Ghost Woman

         Ghost Woman en concert, pas forcément le bon plan. Tu vois arriver sur scène deux nouveaux candidats au désastre, le Canadien Evan Uschenko et sa compagne Ille. Duo. Doom. Johnny casquette. Va pas bien. Zéro contact avec un public clairsemé. Cherche des noises à la noise. Elle bat un beurre métronomique. Vise l’hypno. T’es pas Can, baby. Mais elle persiste et signe. L’hypno. La fête à Nono. Hyp hyp hyp pas hourrah. On croirait voir les Kills. Aussi insignifiants. Au bout de cinq six cuts, tu ne sais toujours pas ce qu’il faut en penser. Du bien, du mal. Tu vas devoir faire ton Nietzsche et trouver une solution par-delà le bien et le mal. Trouve. Vite, car le temps passe.

Alors focus sur la gratte. Il gratte des poux intéressants. Tu t’intéresses. Tu fais ce qu’on appelle en langage pédagogique un focus de faux cul. Tu te forces. Mais tu restes sur l’impression que ces duos font tous la même chose. Ils montent leur soupe en neige. L’Evan groove à l’intérieur de sa neige de soupe. Il sait traîner un solo dans la boue sibérienne. Tu admires sincèrement quelques éclairs lumineux. Tu dis bravo aux éclairs. Et tu te réjouis à l’avance, car tu vas les retrouver sur Hinsight Is 50/50, qui est leur troisième album, celui qui est promu pour la promo à Nono. La promo à Nono vaut mieux que la fête à Neu-Neu, pas vrai ?

         Ils portent bien leur nom. C’est vrai qu’ils ont quelque chose de fantômal. Hyp hyp hyp hypno, des fois ça prend. Comme ils bénéficient d’un bon buzz, ils en profitent pour rallonger la sauce de la soupe en neige. L’Evan gratte quelques incursions sauvages. On le voit aussi noyer ses portées dans la disto. On a parfois l’impression d’entendre du vieux rock indé des années antérieures. En attendant, il navigue dans ses Sargasses. Gros son, c’est vrai, mais zéro modernité. Inventer la roue ou le fil à couper le beurre, ça ne l’intéresse pas. Nos deux Ghosts sortent parfois les muscles, mais nul ne sait où ça les mènera. Il n’empêche qu’ils y vont de bon cœur. Foncer, ça ne leur fait pas peur. L’Evan sait foutre le feu. Sous la casquette se planque un petit pyromane. Son truc, c’est le Big Atmospherix. Tu fais des efforts pour le prendre au sérieux. Ça veut dire que sa musique ne s’impose pas automatiquement. Il faut attendre une heure pour adhérer au parti. L’Evan cultive un goût particulier pour les apothéoses abyssales. Ils bouclent leur set avec ce qui pourrait bien être «Buick», un fabuleux groove hypno qu’Ille bat au tom bass à la tension extrême. Là oui, ça devient faramineux. Il y va au I’m sacred of myself/ And everyone else, c’est assez Velvet dans l’esprit. Te voilà convaincu in extremis.   

         Sur Hinsight Is 50/50, c’est elle qui chante «Ottessa», et ça vire electro-pop de girl group. Alors ça flirte avec le juke ! Le morceau titre est solide comme un morceau titre d’albâtre, et son «Juan» vire en bouquet d’apothéose. Il sait ménager ses effets. Le hit de l’album est bien sûr «Buik», un pur hommage au Velvet.

         Leur premier album sans titre date de 2022. Rien d’écrit nulle part dans le digi. Tu te débrouilles avec le son, Sam. L’Evan ne vit que pour l’entre-deux eaux, celui qu’on a déjà entendu des milliers de fois. Il frise un peu le Steely Dan dans «All The Time», ce qui vaut pour un compliment. Et sur «Do You», il fait son Oasis. Globalement, l’Evan ne t’apprend rien. Il se contente d’exister. Mais tu t’ennuies toujours quand tu n’apprends rien. Le dernier album des Pink Fairies (Screwed Up) et les deux Third Mind que tu écoutes le même soir t’apprennent des choses. Pas l’Evan. Il ne cherche pas à créer la surprise. Il reste dans la charité bien ordonnée, comme sur scène. Puis l’album finit par se réveiller avec «Behind Your Eyes», plus psyché et plus insidieux. Même assez persuasif. Il bouffe à tous les râteliers, mais dans son cas, ce n’est pas un reproche. Il ramène sa petite gratouille dans le fond du tatapoum d’«All Your Love». C’est assez boom boom et plutôt bien vu, assez Velvet tordu dans l’esprit. Beau vertigo ! Et le «Screaming» qui suit est assez bien foutu, groovytal, inspiré et serpentin. Alors là, ouiiiiiiiiiii ! (avec une voix de femme au moment fatidique).

         Anne If paraît un an plus tard. Et bien sûr, c’est leur meilleur album. Pochette inerte, pas d’infos, pas de rien, juste un track-listing au dos. Débrouille-toi avec le son. Il arrive très vite avec un «3 Weeks Straight» bien lesté de plomb. Ça frise même l’heavy stomp ghosty. Easy going ! Beau et puissant à la fois. L’Evan adore gratter ses poux. Il ne vit que pour ça. Il se joue dessus dans «Broke», il fait ses layers. C’est elle qui vole le show dans «Street Meet», elle bat ça si sec, elle tend bien l’hypno à nœud-nœud. S’ensuit un «The End Of A Gun» bien claqué du beignet. C’est vraiment excellent. Tu te régales. L’Evan graisse les trames d’«Arline» et surveille ses arrières. Il combine ses ambiances dans «Down Again». Un bon esprit règne sur cet album, ce que vient encore confirmer «Tripped». Cette fois il sonne comme Lanegan, il traîne la savate dans le gutter, il réussit une grosse opération d’osmose avec la comatose. Bravo !

Signé : Cazengler, Ghost Ridé

Ghost Woman. Le 106. Rouen (76). 22 mai 2024

Ghost Woman. Ghost Woman. Full Time Hobby 2022

Ghost Woman. Anne If. Full Time Hobby 2023

Ghost Woman. Hindsight Is 50/50. Full Time Hobby 2023

 

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Une odeur désagréable émane de la boîte aux  lettres. Le facteur facétieux aurait-il vomi dans le coffret aux missives. Non, ce n’est la fragrance imbibée d’alcool de ces échappées stomacales que dans mon Ariège natale l’on nomme un renard. Analysons, se dégage de cette émanation pestilentielle une senteur fortement poivrée, cela me dit quelque chose, et hop en une fraction de seconde mon cerveau restitue la scène, je suis en quatrième et sur l’estrade de la salle de musique, en train d’interpréter Si tu n’étais pas mon frère (je crois bien que je t’aurais tué) d’Eddy Mitchell, la voix du prof s’élève : je n’ai jamais aimé Les Chaussettes Sales !

ROCKABILLY GENERATION NEWS N° 30

JUILLET  – AOÛT – SEPTEMBRE (2024)

         Les voici ! Non pas les sales, les Noires ! Avec Eddy Mitchell ! Jean-Louis Rancurel frappe un grand coup. Huit pages de photos inédites ! Les mythiques années 60, du début des Chaussettes à leur lente désagrégation, service militaire obligatoire… Rancurel raconte, factuel et réfléchi, nous on zieute les photos, le grand Schmoll, tout jeune, presque freluquet, belle prestance sur scène, s’affirme, devient un monsieur, prend de l’aplomb au fur et à mesure que le vedettariat le change… et puis l’on apprend des choses, Maryse Lecoultre, indispensable cheville ouvrière du magazine qui habitait à Noisy-Le-Sec, lieu de résidence d’Eddy et sa famille… flash-back personnel, une collègue de qui travail (voici plus de quarante ans, son prénom m’échappe) qui gamine habitait à Noisy, mitoyenne de la maison d’Eddy, qu’elle a bien connu par qui j’ai appris qu’Eddy avait un frère… J’ai été un grand fan d’Eddy pendant ma jeunesse, merci à Jean-Louis Rancurel. Belle idée cette série de documents inédits sur les pionniers du rock français, grâce à Jean-Louis Rancurel s’établit un beau trait d’union, une sorte de passage de témoin entre Rockabilly Generation et Disco-Revue la première revue de rock française…

         C’était un nom, une référence, on le citait avec respect, même si l’on n’avait pas entendu grand-chose de lui, un as de la guitare, une espèce de totem protecteur, on savait qu’il existait et cela nous faisait du bien, dur de le retrouver sur la page de gauche dès que l’on ouvre la revue, sur la photo l’est tout jeune, Duane Eddy nous a quittés fin avril de cette année, plus loin une page lui est consacrée, on apprend l’importance de Lee Hazlewood pour le début de sa carrière… On était gamin, il suffisait d’entendre le nom de Duane Eddy, qui sonnait si américain, que l’on comprenait que le rock’n’roll venait de là-bas…

         Julien Bollinger, celui qui a rédigé les deux numéros spéciaux sur Elvis, évoque Bob Wills, un pionnier d’avant les pionniers. L’est né trente ans avant Elvis, celui-là l’a fallu attendre longtemps avant d’épingler son nom, de déchiffrer quelques paragraphes et entendre sa musique, le roi du western swing, un musicien expert, lisez Julien Bollinger, en deux pages (avec photos) il vous dévoile tout un monde, another place, another time comme dirait Jerry Lee Lewis, plus près des racines…

         Vous en avez assez des vieux mecs, voici une jeune femme. Lil’Lou, elle se raconte, une belle personne, physiquement certes, mais surtout le regard qu’elle porte sur la musique, la country, le honky tonk, le hillbilly, le western swing, le rockabilly, la vie, les êtres humains, sa fille, son chat. Bien sûr elle évoque longuement son groupe les Cactus Candies, qu’elle fonde en 2015 avec son compagnon  Jull le guiar-hero de Ghost Highway, groupe qui évolue, qui permet des rencontres et des découvertes… Une grande chanteuse, ouverte à tous les styles, écoutez-la avec son ancien groupe les Pathfinders, vous découvrirez le rhythm and blues comme jamais aucune autre fille n’a  su le chanter par chez nous, ce n’est pas une star, une sensibilité, une personnalité, elle donne l’impression d’habiter en elle-même… Un être debout.

         Aïe ! Aïe ! Aïe !  Deux festivals, Good Rockin’ Tonitght (Bourg-en-Bresse), Boogie Bop Show (Mesnard-La-Barotière / Vendée), quand vous voyez les deux programmations, des jeunes, des vétérans, de tous les pays, vous regrettez de n’y être pas allé, les photos de Sergio vous font baver d’envie, vous êtes sûr que vous avez raté quelques concerts inoubliables. Pourquoi donc ces trois Aïe ! en début de paragraphe ? A  cause de ce magnifique printemps pluvieux ! Pas de panique, grosse humidité dehors, hot and dry dedans ! Par contre beau temps à Rock in Berry, in Toury.

Voilà, c’est tout ! Non pas du tout ! une nouvelle chronique sur la dernière page, Good Rockin’ News, le Teddy Cat’s Rockabilly Live, vous ne connaissez pas, achetez la revue, lisez la revue et vous saurez ! En plus ils viennent de fonder un label : Teddy Cats Records !

Numéro trente, sept ans d’existence, revue de plus en plus excitante !

Merci à Sergio Katz et à toute l’équipe !

Damie Chad.

1. S.: n’en voulez pas à mon prof de musique, plus tard il m’a tiré des pattes du Surveillant Général, ce qui m’a permis d’éviter de sérieux ennuis !
   

Editée par l'Association Rockabilly  Generation News ( 1A Avenue du Canal / 91 700 Sainte Geneviève des Bois),  6 Euros + 4,30 de frais de port soit 10,30 E pour 1 numéro.  Abonnement 4 numéros : 38 Euros (Port Compris), chèque bancaire à l'ordre de Rockabilly Genaration News, à Rockabilly Generation / 1A Avenue du Canal / 91700 Sainte Geneviève-des-Bois / ou paiement Paypal ( Rajouter 1,10 € ) [e-mail]. FB : Rockabilly Generation News. Excusez toutes ces données administratives mais the money ( that's what I want ) étant le nerf de la guerre et de la survie de tous les magazines... Et puis la collectionnite et l'archivage étant les moindres défauts des rockers, ne faites surtout pas l'impasse sur ce numéro. Ni sur les précédents ! 

 

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Sixième album enregistré par Eric Calassou sous le nom de Bill Crane. Bill Crane fut le nom de son groupe du temps où il habitait en région parisienne. Qu’il a quittée pour s’installer en Thaïlande. L’a passé plusieurs années à faire des photographies. Ce qui devait arriver arriva. La tarentule du rock’n’roll l’a repris. Devait être cachée sous les cordes de sa guitare qu’il a un jour effleurée sans y penser. Hélas l’antique malédiction du rock’n’roll lui est retombée  dessus. Que voulez-vous, rocker un jour, rocker toujours. Nous avons pris l’habitude de chroniquer ses nouveaux moreaux, EP’s et albums. Nous avons laissé passer le cinquième, nous en reparlerons à la rentrée prochaine.

Une démarche particulière, un homme seul face à tout le passé et tout le futur du rock’n’roll face à lui. Une œuvre souterraine qui creuse ses galeries très profond, le passé est une terre friable modulable à volonté et le futur un roc impénétrable. On ne ruse pas avec lui, on l’use avec obstination.

CRACKIN’UP

BILL CRANE

La pochette est une photographie d’Eric Calassou. Ne dites pas : c’est quoi au juste ce truc ? Eric Calassou ne représente pas les objets, il ne les donne pas à voir, pour cela vous avez vos yeux, il vous les pose sous le nez, de si près que vous ne les reconnaissez pas, c’est à votre cerveau non pas de les reconstituer, mais de les restituer dans le mystère de leur apparence. Eric Calassou vous envoie deux messages, le premier vous caresse dans le sens du poil : rien n’est simple. Le deuxième vous prend un peu à rebrousse-poil : rien n’est plus simple que vous. Un peu vexant pour la condition humaine, je vous l’accorde.

Come along : rien à voir avec le Come Along des Variations, si ce n’est qu’avec le rock c’est comme avec les pièces de base du Lego, tout le monde a les mêmes, mais chacun, dès qu’il s’écarte des modèles proposés en fait ce qui le différentie des autres. Une boîte à beat pour que chacun reconnaisse les battements des pattes de l’alligator qui s’approche de la rive, et la guitare qui s’abat sur vous comme un couperet de guillotine qui prend tellement de plaisir à vous trancher la tête qu’il vous découpe en tranches fines comme si vous étiez un jambon d’York, ensuite vous avez le trio de base qui entreprend sa parade nuptiale, la baby et le gars qui se fait tout sucre pour que la baby s’approche de lui, celui qui mène la danse c’est le désir, se pose où il veut quand il veut, alors le gars s’énerve sur sa guitare, et sa voix se liquéfie comme du sperme. Tout le drame métaphysique de la rock’n’roll solitude, le caméléon qui attend que la mouche se pose près de lui pour tirer la langue. Cracking up : Crackin’ up est aussi un titre de Bo Diddley, un des pionniers, élémental,  sémental et fondamental, l’a été repris par les Stones, écoutez sur Love You Live, pas tout à fait un hymne féministe mais nécessaire pour la sauvegarde viriliste. C’est la suite du précédent. L’acte  II. Le I n’a rien donné, alors le beat (je devrais écrire ce mot au féminin) devient plus obsédant et angoissant, il insiste, fait son baratin, sifflotements et sifflements, l’en remet une couche, le désir bleu triste vous peint la vie en rose tendre, quand il sait plus quoi dire, il fait la-la-la, de toutes les façons elle a compris, aux modulations finales, l’est arrivé au bout de sa faim. Party : si l’on devait me donner un dollar chaque fois que l’on rencontre le mot party dans les lyrics du rockab, je deviendrais riche. Pas de panique c’est du rock’n’roll, l’on vous montre tout, l’on ne vous cache rien. Coït intégral, le mec a allumé son portable et les copains l’entendent prendre son pied en direct. Un petit groove de guitare guilleret, l’on ne voit rien, mais le troisième œil fonctionne  à fond. D’ailleurs le gars à fond, fond de plaisir.

Am so : le retour de l’égo, deux c’est bien, un l’on est davantage soi. Âmes sensibles s’abstenir. Guitare glauque, la bête se réveille, croyez-vous que ce soit un hasard si des chiens poussent en douce des aboiements cerbériques, le vocal épouse toutes les nuances de la folie. Pas douce du tout. Ce n’est plus l’amourette c’est l’amou-rets. The killer awoke au moment où l’on s’y attend le moins. Le conte à l’eau de rose se termine en pulp fiction. 100 % Rock ! Une guitare cinglante est-elle obligatoirement une guitare sanglante ? Dance pretty baby : bien sûr surgit dans notre mémoire Pretty Pretty Baby de Gene Vincent, la mémoire des rockers est une brocante, à tous les stands l’on trouve un truc intéressant. Après le drame, retour à l’innocence, le rock‘n’roll est une pirouette, un pied de nez gesticulatif que la jeunesse adresse au vieux monde fossilisé. Tout dans le vocal, qui ne tient pas laisser sa place aux castagnettes de la guitare, la voix est profonde et grave. L’est vrai que souvent l’on danse sur un volcan. Come around the world : Normalement le rock c’est around the clock, quand il délaisse sa pendule pour faire le tour du monde, c’est qu’il y a un lézard dans l’horloge. Le même morceau que le précédent. C’est-à-dire complètement différent. Ici la musique à son importance, elle en deviendrait presque lyrique dans l’intro, le vocal ne brigue pas la première place, vient de loin, n’a pas le regard porté sur l’objet de ses convoitises, l’est déjà teinté de nostalgie. Dancin’ in the world : les cats sont comme des chats, des animaux nyctalopes, ils aiment l’ombre, dans le noir tout est permis, l’est nécessaire pour voyager jusqu’au bout de la nuit.  Guitare clinquante et persuasive, un vocal couleur de serpent qui ondule, chargé d’attrait et de mélancolie, yodle en douceur et en continu, tentant et inquiétant. The strange case of Mr Edward : je  me permets d’attirer votre attention sur l’architecture secrète de cet album, 3 + 1 + 3 + 1, à chaque fois une trilogie, désir pour la première, danse pour la deuxième, suivie d’un épilogue dramatique : Oui le cas de Mr Edward n’est pas commun, un individu qui bouffe ses mots, l’a du mal à s’exprimer, de lui émanent d’étranges et plaintifs chevrotements ou d’inusuels borborygmes, parle tout seul car il a l’air de penser qu’il est le seul à pouvoir se comprendre, comme par hasard l’on entend le chien qui aboie sur Am so, le genre de gars que vous n’aimeriez pas rencontrer la nuit, par contre écouter ce morceau vous procurera de douteuses sensations dont vous ne pourriez  dire qu’elles n'éveillent pas en vous de troubles aspects de votre personnalité que vous refoulez au plus profond de vous.

The vault of horror : d’après Wittgenstein le philosophe : ce que l’on ne peut dire, il faut le taire, vous ne saurez rien du passage à l’acte de Mr Edward sous la voûte de l’horreur, ce morceau est un instrumental : une guitare qui résonne comme une intro de film policier américain, une poursuite à tombeau ouvert, elle dépasse à peine les deux minutes, mais déjà vous avez compris que l’affaire sordide ne vous sera révélée qu’à la fin du film. Pas d’images, vous êtes obligé de construire votre propre scénario… L’eau à la bouche et rien à boire ! Save my soul : j’ai toujours douté des gens qui ont besoin de quelqu’un pour sauver leur âme, comment peuvent-ils être sûrs d’avoir une âme, cela me semble bien présomptueux : l’appelle sababy pour qu’elle lui rende service, y a comme un broutement de trombone sur ce morceau, rien que pour ce bruit de basse il faut l’écouter, le gars bêle après sa babe, la guitare semble se moquer de lui, normal celui qui demande de l’aide est un faible. Close my eyes : sortez votre mouchoir, c’est la dernière bobine, celle qui est censée vous faire pleurer ou réfléchir. Généralement les spectateurs jugent la deuxième opportunité trop difficile :  this is the end beautiful friend, la guitare vous plante des petits motifs émotifs dans tous les recoins émojiques, le gars fait son examen de conscience, se prend un peu pour Tommy des Who, fait son cinéma, son dernier film, que regrette-t-il au juste, sans doute lui-même, on ne peut pas lui en vouloir, on ferait, on fera, de même. Dancin’ : générique de fin, la musique plus forte. Que la vie. Que la mort. C’est un peu comme si le film recommençait au début. Avez-vous déjà vu un truc qui finit vraiment. En tout cas les albums de rock s’appellent tous : reviens !

         Superbe réussite, avec trois fois rien, une guitare et quelques bribes de lyrics éculés depuis la naissance du rock‘n’roll, Bill Crane vous rejoue la funeste histoire du rock’n’roll. Vous explique comment ce poulpe destructeur a étendu ses tentacules prédateurs dans votre existence. Tant mieux pour vous. Tant pis pour vous. N’en dit pas trop, préfère que chacun comprenne et raconte la légende noire à sa manière. N’oubliez pas, personne n’en ressortira vivant.

Damie Chad.

 

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Il n’y a pas de hasard. Ou alors tout est hasard. La vérité doit être entre les deux. Le problème c’est que la vérité n’existe pas. Bref mon œil est attiré par une image, tiens, on dirait une parodie des armoiries de la Grande-Bretagne. Honni soit qui mal y pense. Je lève les yeux et je sursaute, ceux qui ont lu ma recension du Volume 2 de l’Anthologie introductive à l’œuvre d’Aleister Crowley, se rappelleront que le livre s’achève sur l’influence de la pensée et du personnage de la Grande Bête sur les productions littéraires, cinématographiques et musicales contemporaines. En voici un parfait exemple.

SPIRITUAL ARCHIVES

OCCULT RITES I + II

AIVVASS

(Darkness Shall Rise Productions / Juin 2024)

Combien sont-ils ? Sur la photo : cinq. Mais le seul qui est crédité pour l’écriture, l’enregistrement, le mix et le master : Frater Thelis. Ne m’en demandez pas plus, sur la photo ils portent tous un masque, lui est au centre, sa robe noire agrémentée d’un soleil orange et invictus dans le triangle le désigne comme maître de cérémonie. Dernier détail : folk domm metal band de Germany. Vous pouvez maintenant poser vos questions, j’y répondrai avec plaisir dans la mesure de mes moyens.

Pourquoi l’album est-il surtitré comme ‘’Archives’’ ? : Parce ce qu’il s’agit de la compilation de deux EP’s, le premier Rites I paru en mars 2023 et le second : Rites II paru en juillet de la même année.

Que signifie Aivvass en langue germaine ? : Rien du tout, ce n’est pas de l’allemand, c’est le nom d’une personne un peu particulière. Si vous permettez j’éclairerai un peu votre lanterne, toutefois je ne pourrais vous apporte que de la lumière noire.

Aleister Crowley était tranquillou chez lui, au Caire, il vaquait à ses occupations favorites qui ne sont les mêmes que les vôtres. La scène se passe le 7 avril 1904, lorsqu’il entendit une voix derrière lui. C’était Aivvass, une entité, j’emploie ce mot mais Crowley laisse entendre qu’Aivvass se matérialise sous une forme évanescente, disons pétri d’une matière instable qui ne peut se maintenir trop longtemps dans un milieu qui n’est pas le sien, bref un être venu de loin  qui lui dicta ce qui allait devenir  Le Livre de la Loi. Ouvrage qui contient la base de l’enseignement de Crowley que  lui-même jivaroïsa en une formule quintessencielle : L’amour est la loi. L’amour sous la volonté. Un mix qui selon moi est composé d’un alliage improbable puisqu’il marie christianisme et Schopenhauer. Là n’est pas le débat.

Crowley affirmera plus tard qu’Aivvas était son propre Ange Gardien Sacré. Ne riez pas, Socrate ne se vantait-il pas de posséder son propre Daemon… Généralement on élude ce problème en affirmant que c’est l’individu qui perçoit ses auto-projections quasi-somnambuliques désiro-intellectuelles qu’il s’adresse à lui-même comme si elles provenaient d’un tiers… Parfois quand on doute que notre individu ait une quelconque influence sur la marche de l’univers, l’on résout inconsciemment (perso je réprouve la notion d’inconscient, je parlerai plutôt de ruse instinctive de notre cerveau) notre nihilisme dépréciatif en affirmant que c’est l’univers qui exerce une influence sur notre petite personne dans le but d’exercer une influence sur lui-même. L’homme qui se châtie lui-même n’est que l’autre face de celui qui s’aime bien lui-même. (Pour mieux comprendre la phrase précédente voir la livraison 651). C’est ainsi que malheureusement naissent non pas les Dieux mais les religions.

Frater Thelis n’est pas un adepte de notre scepticisme, il prononce des rituels dans le but d’entrer en communication avec une couche éonique supérieure.

Aiwass : disons-le, ce premier morceau est épique, une force qui déferle sans fin, et au milieu de la survenue de cette monstruosité, une voix psalmodiante et hachée qui énonce l’appel qui a déclenché l’avalanche sonore. Cela s’appelle aussi chevaucher le tigre. Satan : changement sonore, après le Metal grondant, la guitare néo-folk, le récitant n’invoque pas le Satan de la Bible, il invoque le Satan de la Bible, celui qui a appris à l’homme qu’il n’est qu’un Dieu, terrible dualité de cet Adversaire du Dieu unique qui est un libérateur, les Dieux sont au-delà du Bien et du Mal, est-ce pour cela que les passages violents alternent avec les plus doux. Satan n’est qu’un des visages d’Aivvass.

Baphomet : laissons de côté l’idole hideuse que les Templiers étaient censés adorer ou alors tournons-la en son contraire, un être de lumière, la beauté de l’orchestration, le chant angélique, tout nous révèle que nous sommes en présence d’une êtralité parfaite qu’aucune dissociation ne saurait fragmenter, le couple alchimique réuni en un seul être androgynique.  Lucifer : le porteur de lumière, celui qui a libéré Crowley, une autre image d’Aivvas, il est celui qui a su s’opposer, celui qui détenait le savoir primordial, un double de Crowley, son Ange Gardien et quelque part Crowley lui-même. La musique allie sérénité et puissance, une antinomie kantienne spirituelle en action que rien jamais n’arrêtera.

         Etrange, à première écoute de cet EP s’est établie une connexion dans mon cerveau avec Eloa, la sœur des anges d’Alfred de Vigny, à priori rien à voir, si ce n’est de loin, des années que je n’ai pas relu ce texte, mais voici que je tombe ce matin sur une vidéo de Darkness Shall Rise Production consacrée au morceau Lucifer, et tout de suite la corrélation avec Eloa me revient à l’esprit. Je vous laisse libre de tenter l’expérience !

Un regard sur la pochette du premier EP, un seul être, et rien ne vous manque, ne possède-t-il pas tous les symboles, et n’est-il pas pour cela en lui-même un symbole, l’œil, l’épée, le serpent, les ailes angéliques et les cornes du diable. Tout le contraire de la deuxième, la sainte trinité en quelque sorte, Aivvass se dialectiquise, pour le personnage du milieu, ne dites pas : ‘’Je le connais c’est le Christ !’’, ce n’est pas tout-à-fait lui, l’est-là en tant que symbole représentatif d’Osiris, le dieu qui est mort (et ressuscité), la mort des Dieux correspond au changement d’ère. Crowley est persuadé que le message délivré par Aivvass annonce la fin de l’ère Chrétienne à laquelle doit succéder l’ère d’Horus, non pas l’ancien dieu égyptien mais celui engendré par la Nuit et le Diable. Ce nouvel Horus se trouve à la droite du crucifié, remarquez la beauté androgynique de l’effigie… A notre gauche, à première vue la Mort, peut-être le Diable. Toujours eu l’impression que chez Crowley la figure du Diable est une résurgence de son éducation chrétienne dont il n’a jamais su quoi faire dans son propre panthéon, je n’engage que moi, disons qu’il est la négativité de Ra, le dieu soleil suprême. Ne pourrait-on pas dire que les quatre rituels du premier EP sont adressés à quatre figures positives du Diable. Les Dieux sont-ils, chez Crowley, réversibles comme les symboles. Les Dieux possèdent d’autres masques que leur présentation habituelle, certains pensent que Crowley n’est qu’un monothéiste dont le Dieu porterait l’ensemble des masques de tous les Dieux créés par l’imagination humaine. Une espèce de sainte-trinité à la puissance mille.

Cruxificion : musique point torturée, exit le tragique, le dramatique, passion douce ! Parfait pour illustrer une vidéo champêtre sur le printemps avec les lapins qui courent dans l’herbe tendre, tout s’arrête, l’on entend les cloches sonner au clocher du village, serait-ce l’angélus, l’angélux, la lumière de l’ange. Qui passe. Witchcraft : ne pas traduire par le terme de sorcellerie très mal connoté en notre langue, la magie noire n’est pas la tasse de thé de Crowley, lui serait plutôt magick, rouge s’il fallait lui apposer une teinture alchimique. Il y a comme des reposoirs dans ce morceau, après de longues proférations dont le timbre épouse parfois une trame serpentique. L’on a l’impression que le rite s’effrite, qu’il laisse la place à une scansion transsique avant que l’écho mental du dôme créé ne retourne dans le silence. Cremation of care : il y a quelque chose de circassien dans ce rituel, l’on dirait plutôt une performance, une musique joyeuse pour accompagner  des images dévoilées au public - d’ailleurs il existe une vidéo – une manière de rappeler que si Crowley a beaucoup écrit il a aussi beaucoup peint. L’on ne connaît surtout que les images de son tarot, qui d’ailleurs ne sont pas de lui, rehaussées de couleurs vives, regardez toutes les planches, l’orange domine, non pas parce qu’il squatte un maximum de surface, mais parce qu’il miroite, il éblouit, il captive le regard, un soleil illuminatif. L’on pense aussi à la crémation finale de Crowley, comme s’il mettait une grande attention à ce que son corps, chair et esprit soit au ras de Ra. Danse de flammes. Prenez soin de brûler aussi les cendres des applaudissements. The Ghoul : reprise du groupe Pentagram : une sombre histoire d’une goule qui s’en vient faire l’amour avec les ossements d’une de ses précédentes victimes.  Le serpent se mord la queue, on se croirait un peu revenu au tout début du premier Ep, plus pour la voix que par la musique, les goules sont des espèces de vampires femelles qui se gorgent du sang et des forces vives des êtres masculins (sans exclusivité)… une manière comme une autre d’évoquer les pratiques rituelles et magickes axées sur la sexualité prônées et expérimentées par la Grande Bête. L’esprit et la chair forment un tout unique sensoriel. Qui se doit d’être exercé pour atteindre à une plénitude solaire zénithale. L’obscur n’est que l’autre face du soleil.

         Ce deuxième EP me semble plus diversifié que le premier. Sans doute ne suis-je pas en mesure de détenir toutes les clés d’ouverture. Mais rien ne vous empêche de forcer la serrure.

Damie Chad.

         Une dernière note : vous trouverez plus facilement Aivvass écrit Aiwass.  Une question de numérisation kabbalistique. En attendant sur la pochette visez les deux ‘’S’’ en forme de serpent.

 

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Les mots appellent-ils ce qu’ils désignent. Hier soir la chronique précédente s’est achevée sur le mot serpent. Or en ce début d’après-midi en ouvrant You Tube une vidéo s’offre à mon œil obstinément aigu. Chic un groupe français ! Sur bandcamp je m’aperçois qu’ils sont grecs. J’ai l’habitude d’accorder une certaine importance à tout ce qui vient de Grèce, même à un serpent noir.

DEATH CLAN 0D (44,1 mastering)

SERPENT NOIR

(Vinyl épuisé / YT / Bandcamp / 2020)

Etonnant de trouver cette mention que nous qualifierons   d’écologique et d’anticapitaliste sur un disque de l’Ordre du Dragon. En résumé vous n’avez pas besoin d’une fréquence supérieure à Khz 44,1 pour entendre pleinement un artefact sonore mis à votre disposition sonnante et trébuchante sur le marché. En effet toute norme supérieure inutile vous est évidemment facturée plus cher.

Freud n’aurait pas de mal pour nous apprendre que le crâne de la couverture représente la mort (Thanatos) et le signe phallique l’Eros. Je vous le sers à sauce grecque ; c’est le trident vindicatif de la neptuienne vitalité bestiale poseidonesque.

Yiannis K. : Rhythm guitars, lead guitars, chants, lyrics  / Kostas K. : Lead Vocals, chants / Johannes K. : Bass guitar / Cain Letifer. : Lead guitars / George C. : Drums, percussion / Lead vocals on Goeh Raeh : Thomas Karlsson /  

Pour mieux comprendre : lire La Magie Kabbalistique Qliphotique et Goétique de Thomas Carlsson fondateur de l’Ordre du Dragon. La goétie est l’art d’invoquer les démons. Serpent Noir se réclame de la Magie Noire.

The black knighthoof of OD : l’entrée aussi inquiétante que La porte des Enfers d’Auguste Rodin, quelque chose de droit, de debout, de bronze et de mort. L’Ordre du Dragon se donne pour but d’entrouvrir le portail funeste. La chevalerie noire est un peu comme l’âme maudite et intérieure de l’Ordre du Dragon Rouge. Une bulle, un bulbe, au-delà de l’espace et temps. Aux lisières du soleil noir de la Nuit. Cutting the umbilical cord of Hel : pluie de cendres et voix rocailleuses, couper le cordon de Hel, la Perséphone nordique, c’est renaître à la vie. Une porte est un passage qui se franchit des deux côtés. C’est ainsi que se regroupe  la fraternité chevaliers du Dragon. Le chemin est tracé, les ordres et conseils sont dispensés, la route est dangereuse, le vocal va si vite qu’il semble courir à sa perte ou sa victoire, qui sont une seule et même chose, les plus grands démons vous guideront, les fils de la Mort ne meurent plus, sur la fin du morceau de leitmotive de l’entrouvrement des portes se fait entendre. Hexcraft : imaginez un Botticelli maudit qui n’ait pas composé le Printemps, mais une saison d’outre-tombe qui sente le sexe, la mort et le feu. L’ordre du Dragon se recrute aussi au pays des hommes où l’on brûle damnés et hérétiques, les âmes qui ont traversé le feu des bûchers se métamorphosent en ardences phénixales, les filles de Hel dansent dans une Walpurgis de renaissance et de fécondation. Si le rythme est relativement cadencé au début il prend peu à peu l’allure d’un cheval fou lancé dans un galop d’épouvante. Les guitares comme d’incandescents fulgurances d’épées brandies… Grondement du vocal qui s’étire comme les tripes d’un chat qu’on éviscère. Asmodeus : the sword of Colachab : attention Coalachab est l’inverse du feu de l’arbre de vie sérophital qui débarrasse le monde de ses miasmes et de ses impuretés, il est le feu de l’arbre de mort qliphothal qui détruit pour le plaisir de détruire, pour répandre le mal et anéantir l’ordonnance divine, Asmodée est un des Démons les plus importants – il se murmure que c’est lui sous forme de serpent qui a séduit Eve…  Asmodée ouvre les portes de l’Enfer pour qu’à la tête de la Chevalerie noire il aille semer la mort sur terre, sans doute respecte-t-il un équilibre de la terreur, autant de braves aura-t-il menés, autant de morts dont il ramènera les âmes victimales de l’autre côté du portail infernal, chevaux ployant sous le poids des corps morts, mais Asmodée brandit son épée et les têtes volent, il est le grand Destructeur, avant de passer la porte il se retourne et regarde tel un visionnaire le grand carnage que lui et sa troupe ont opéré. Astaroth : the jaws of Gha’Agseblah : Gha’Agseblah s’apparente à ce que l’on pourrait appeler l’érotologie mystique : ne soyez pas surpris de la beauté soyeuse de l’intro, ni de la chute vertigineuse qui suit, les vocaux sortent leurs griffes de chat, vous êtes la souris, Astaroth est un démon de l’Enfer d’autant plus dangereux qu’il est double, un être répugnant à l’odeur fétidé, oui mais aussi la plus belle de toutes les déesses, l’Astarté phénicienne, sœur en beauté d’Aphrodite, et parente d’Inanna déesse de la mort mésopotamienne, elle vous accueille, elle vous vous sourit, elle vous caresse, elle est la passeuse, l’étoile noire de l’abîme, déjà vous êtes son enfant sur terre et c’est elle qui vous redonne vie pour servir dans les légions ténébreuses du Dragon. Avez-vous déjà entendu un morceau de Metal aussi fou. Astaroth sait vous séduire. Necrobiological chant of Tara : nécrobiologie, le terme est contradictoire, comment la mort peut-elle être biologique, porteuse de vie, c’est pourtant ce que laissent entendre les morceaux précédents, pour mieux l’illustrer voici un exemple de mythologie hindou, Kali, Ananta, Inanna eet bien d’autres déesses nommées dans les lyrics, elles sont toutes différentes comme chacun des jours de votre vie forment une seul existence, De Kali la tueuse à Tara la consolatrice, toutes vous font le don de la vie et le don de la mort. Et le don de la vie après la mort. Soit dans le cycle des renaissances, soit dans l’ordre du Dragon Rouge originel. Serpent Noir, ne serait-ce pas la langue du Dragon Rouge, vous étourdit de son assommance battériale, de son grondement vocalisé, et de ses guitares de feu.  Goeh Ra Reah : garm unchained : (ce titre signifie-t-il  si je m’en rapporte à mes infimes connaissances interprétatives hébraïques ‘’Calme, mauvaise odeur – voir Astaroth - la lettre dévoilée,), le texte s’apparente à  une reprise de tout le parcours effectué durant les six stations précédentes. Carlsson ne chante pas vraiment. Il explique et vaticine. La scène est prise de plus haut, d’autant plus étonnant qu’il s’agit de la descente dans l’Abîme, la focale temporelle est élargie, Virgile et Béatrice sont nommés  pour avoir passé la porte des Enfers. Le Christ aussi - si Dieu est mort, n’a-t-il pas franchi le long calvaire du  seuil appelé via Dolorosa – le véritable Seigneur n’est-il pas celui qui règne en maître : le Dragon Rouge… Serpent Noir déroule sa musique comme l’on étendait un tapis d’ordalie chez les Grecs. A vous de tenter l’expérience. L’alchimie ne vous fait-elle pas passer du noir au rouge, de la Mort au Dragon.

         (Il existe sur YT une Official Vidéo de ce morceau Enfin plutôt une projection engrammique rituellique destinée à émettre des effets psychiques. Comme sur les hypocrites recommandations qui accompagnent les publicités sur l’alcool je le ferais précéder de la mention : A consommer avec modération. Ceci n’est pas une mise en garde, juste une hypocrisie.

         Pour ceux qui veulent en sa-voir davantage : Serpent Noir, Complete Show au Klub le 23 mai 2023 in Paris, longue mélopée insidieuse lyrique et serpentine. Soleil rouge.)

         Voilà, maintenant vous possédez les éléments prémissaux qui vous permettront de briguer l’initiation dans l’Ordre du Dragon. Vous n’êtes pas obligé. Vous pouvez vous contenter d’écouter la musique. Du très bon Metal dont on forge les meilleures épées.

Damie Chad.