CHRONIQUES DE POURPRE 683 : KR'TNT ! 683 : DON NIX / MAIDA VALE / LARRY WALLIS / LINDA JONES / FONTAINES DC / THE COOPERS / ASHEN / NIGHTSTALKER

KR’TNT !

KEEP ROCKIN’ TIL NEXT TIME

LIVRAISON 683

A ROCKLIT PRODUCTION

FB : KR’TNT KR’TNT

27 / 03 / 2025

 

DON NIX / MAIDA VALE

  LARRY WALLIS / LINDA JONES  

FONTAINES DC /THE COOPERS

 ASHEN / NIGHTSTALKER

 

 

Sur ce site : livraisons 318 – 683

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Wizards & True Stars

 - Superso-Nix

         Par miracle, le fameux Road Stories And Recipes de Don Nix reparaît sous le titre Living High Laying Low. Non seulement il permet de se replonger dans les souvenirs passionnants de l’un des pères fondateurs du Memphis Sound, mais il permet aussi d’admirer l’une des plus belles photos de signature de contrat qu’on ait pu voir ici-bas : Don change la roue arrière d’une Cadillac tout en signant son contrat posé à terre. Assis par terre devant lui et adossé contre la bagnole, Denny Cordell, boss de Shelter Records, lit un journal et pointe un flingue sur Don. Et debout derrière Don se tient l’un de plus fabuleux dandys de la scène américaine, mister Tonton Leon en personne, en lunettes noires, cigare au bec et vêtu d’un costard croisé à rayures. Wow ! Voilà ce qu’on appelle une image ! Et elle donne bien le ton du livre.

         Don Nix vient de casser la pipe en bois, aussi recueillons-nous au bord du trou pour un ultime hommage.

         Comme Robert Gordon et Jim Dickinson, Don Nix fut un touche-à-tout de la scène de Memphis : il a démarré dans les Mar-Keys avec Packy Axton, Steve Cropper et Dickinson, puis il est devenu pote avec John Fry d’Ardent, Jim Stewart de Stax, Furry Lewis du blues et Leon Russell du Wrecking Crew - John Fry was the grandfather of Memphis music. Il y a trois personnages importants dans ma vie, en matière de music business : Leon Russell, John Fry et Jim Stewart. Leon m’a appris à produire, John Fry m’a donné la clé de son studio, de sorte que je pouvais aller y travailler quand je voulais. Jim Stewart m’a engagé comme producteur et compositeur et a fait paraître quatre des albums que j’ai produits - C’est sans doute Jerry Wexler qui donne la meilleure définition du Nix : «A pioneer mover-and-shaker (and one of the finest of the breed) [Nix] came out of the Memphis/Muscle Shoals matrix along with compeers like Steve Cropper, Packy Axton and Jimmy Johnson - These country-friend originals who took the left turn to the blues. And who left their incredible mark on American root music.» Voilà ce qui s’appelle un hommage. Don Nix peut être fier de ce coup de chapeau. Il évoque d’ailleurs le Memphis Sound à sa manière : «C’est un son qu’on ne pouvait pas mettre en boîte pour l’emmener à L.A. ou New York. Ce n’était pas seulement un son. C’était surtout des gens - les écrivains et les musiciens de Memphis - qui l’incarnaient.» Il cite alors les noms de Sam Phillips, Dewey Phillips, Jim Stewart, Estelle Axton et Willie Mitchell - C’est un son qui a explosé à la face du monde, mais dans les années soixante-dix, il était en train de mourir. Si vous me posez la question, je vous répondrai qu’il fut mortellement blessé le jour où Martin Luther King se fit descendre et depuis, le Memphis Sound n’en finit plus d’agoniser - Don raconte qu’après l’attentat qui coûta la vie au Dr King, les rapports de voisinage avec la population noire devinrent compliqués.

         Il avait aussi d’autres amis, et d’ailleurs, c’est là-dessus qu’il termine son livre : «Mes meilleurs amis sont tous morts - George Harrison, Joe Cocker, Duck Dunn. Et la liste s’allonge. La musique a été toute ma vie. C’est que j’ai le plus aimé. J’ai eu le privilège de jouer avec le Stax band, le Wrecking Crew, avec mes amis à Muscle Shoals et tous les mecs d’Apple. Personne n’a eu une vie meilleure que la mienne. J’aurais pu mourir voici quinze ans, content d’avoir vécu tout cela.» Mais Don vit encore et on trouve son portait dans l’excellent Memphis Soul de Thom Gilbert. Il est même plutôt bien conservé.

         À la différence de Jim Dickinson, Don Nix n’est pas un écrivain. Mais il fait des photos. Il dispose en outre d’une bonne mémoire et d’un caractère bien trempé : il décide en effet très tôt qu’il fera ce qu’il veut de sa vie et qu’il ne recevra d’ordres de personne. Il traîne avec Packy, Duck Dunn et Steve Cropper et monte sur scène pour la première fois en 1958. Il précise aussi que sa mère avait du sang indien dans les veines et son arrière-grand-père était un métis Cherokee qui servit dans le 5^e de Cavalerie de Caroline du Sud pendant la Guerre de Sécession.

         Il consacre des pages émouvantes aux derniers jours de Dewey Phillips, à Furry Lewis dont il fut particulièrement proche, à Joe Cocker qu’il côtoya pendant des mois, à John Mayall dont il fait un portrait sidérant, celui d’un homme de la Renaissance qui construisit sa maison de Laurel Canyon de ses propres mains. Mayall n’est pas seulement musicien : il est aussi tailleur de pierre, charpentier, il coud lui-même ses vêtements et adolescent, il vécut dans une maison en bois qu’il avait aussi construite de ses propres mains. Dans sa maison de Laurel Canyon se baladaient des filles nues. Comme Tonton Leon et David Crosby, Mayall pratiquait l’hédonisme, un mode de vie dont raffolait aussi Don. Un autre portrait sidérant, celui de Jeff Beck dont il fait la connaissance à l’époque de Beck Bogert Appice. Il ne supporte pas les deux Yankeees et il demande à Jeff comment il fait pour les supporter. Jeff lui répond que c’est une décision de son management, et même s’il n’est pas très content de se projet, il se dit décidé à jouer le jeu. Mais Don remarque que Jeff est un homme infiniment triste. Il paraît déprimé la plupart du temps, sauf quand il joue.

         Comme Don a commencé par écumer les États-Unis d’Amérique avec les Mar-Keys, il regorge d’anecdotes et de road stories, comme par exemple ce souvenir de Lee Dorsey sur scène qui était tellement bourré qu’il fallait le faire asseoir pour qu’il chante quatre ou cinq chansons. Mais même soûl comme un Polonais, Lee chantait encore mieux que les autres. Les Mar-Keys ont aussi la chance d’accompagner Chuck Berry qui les prend à la bonne, sans jamais leur adresser la moindre parole. Don voit donc la naissance de Stax à Memphis, avec des nouvelles têtes qui traînent dans les parages, un jeune étudiant nommé Booker T. Jones, et un certain Isaac Hayes qui travaille à l’usine d’emballage de viande. C’est aussi l’époque ou Furry Lewis est balayeur municipal. Son parcours va de South Main à Beale Street, il pousse sa poubelle à roulettes et trimbale une guitare. À l’époque où Don réussit à le convaincre de venir enregistrer en Californie, Furry a 73 ans, une patte en moins, il fume à la chaîne et boit comme un trou.

         Don fait aussi un bout de chemin avec Dale Hawkins qui ne dort jamais et qui ne peut pas rester en place plus de deux minutes. Trop d’amphètes - Il avait une Cadillac Coupe deVille et conduisait comme un dingue. Je n’avais jamais rien vu de tel. Il racontait des histoires et agitait les bras comme un pasteur - Pages fantastiques aussi consacrées à ce vieux Tonton Leon, l’un des producteurs les plus courus d’Hollywood, qui travailla avec Frank Sinatra et les Beach Boys. Don voit germer l’idée de Mad Dogs & Englishmen. Il voit même Tonton Leon voler le show à Joe Cocker qui au départ devait tourner avec le Grease Band, ceux qu’on voit dans Woodstock, mais comme Henry McCulloch et les deux autres n’ont pas pu obtenir leurs visas, Denny Cordell qui manageait Joe demanda à Tonton Leon de monter vite fait un groupe pour la tournée prévue. Pour Don, the Shelter People fut l’un des meilleurs groupes d’Amérique - It was without a doubt the best band west of the Mississippi.

         Don eut aussi l’immense privilège de produire Albert King. Il ne fallait pas importuner Big Albert, car il écartait le revers de son veston pour montrer qu’il portait un calibre 45. C’était sa façon de dire que la discussion s’arrêtait là. Big Albert ne savait ni lire ni écrire, mais Don réussit à le mettre à l’aise avec ça, d’autant que Big Albert ne voulait pas que ça se sache. Quand Isaac Hayes lui colla les paroles d’une chanson qu’il venait d’écrire sous le nez, Big Albert quitta le studio. Il fallait donc ruser pour travailler avec lui. Un soir, Don lui dit : «Albert, je sais que tu ne sais ni lire ni écrire, mais si je savais jouer de la guitare comme toi, je m’en foutrais de ne pas savoir lire ou écrire.» Big Albert l’observa un moment et Don pensait qu’il allait sortir son flingue pour le descendre. Mais un grand sourire éclaira son visage : «I like you, Don. You all right.» Et Don ajoute : «Je n’oublierai jamais cet instant.» Eh oui, il venait de gagner la confiance de Big Albert, et pour le mettre à l’aise en studio, il se cachait derrière une banquette pour lui souffler les paroles des chansons. Quand Jim Stewart vit ça, il lança : «On aura tout vu !» (Now I’ve seen everything). Big Albert raffolait tellement du stratagème qu’il demanda à Don de mettre les paroles des chansons bien évidence dans la cabine de chant, de sorte que tout le monde pût croire qu’il savait lire, et Don bien sûr continuait de lui souffler les paroles en cachette. L’album de Big Albert que produisit Don Nix et pour lequel il écrivit huit chansons est le fameux Lovejoy. Il existe un autre album de Big Albert enregistré à Muscle Shoals et produit par Don qui n’est jamais sorti. Comme d’ailleurs un album des Swampers aussi produit par Don, et dont il avait l’air d’être fier.

         Don rappelle qu’il adorait Muscle Shoals, qui se trouvait à trois heures de route de Memphis. Il a aussi la chance de travailler avec l’un de ses héros, Freddie King, a big man with a smile to match that immediately put us at ease.

         Puis il monte les Alabama State Troupers avec Tarp Tarrant, le batteur qui a joué 13 ans pour Jerry Lee, Clayton Ivey aux keyboards, Wayne Perkins et Tippy Armstrong aux guitares. Il ajoute un deuxième batteur, Fred Prouty, qui jouait chez Rick Hall, et Brenda Patterson aux backing vocals - It was a hell of a band - Pour la photo, ils posent tous devant une église baptiste. Comme l’écriteau indiquait «The Mount Zion Middle Baptist Church», il baptisa son groupe the Alabama State Troupers with the Mount Zion Band And Choir. Le double album The Alabama State Troupers paraît sur Elektra en 1972. Attention, ce n’est pas un album facile. Don Nix propose en effet un capiteux mélange de country blues et de gospel, qui sont pour lui les racines du Memphis Sound. On entend donc Furry Lewis sur une face entière. Ce vétéran du Beale Street Sound joue fin et claque des petits coups de bottleneck. On l’ovationne. L’homme est d’une extraordinaire gentillesse - Hank you - Il chante le blues traditionnel des années vingt - And I went to the gypsy/ To get my hambone done - et il se moque gentiment des racistes dans «I’m Black» - Some people don’t like that colour/ But I sure like mine - On se régale de cette leçon de country-blues et de cette diction à l’ancienne. En D, on tombe sur une série de boogies ‘sudistes’. On y entend ce démon de Tarp battre le beurre et Brenda Patterson chante dans les chœurs de Zion. C’est du gros boogie rock seventies surchargé de chœurs de Zion. On se croirait chez Tonton Leon. Par contre, Don Nix commet une erreur : il met en avant Jeanie Greene pour chanter le gospel rock de «My Father’s House» et ça ne marche pas du tout, mais alors pas du tout. On sent les limites de la voix blanche. Jeanie n’a pas l’allant d’une Mavis. On trouve encore du gospel en B, notamment ce vieux classique repris par les Staples, «Will The Circle Be Unbroken». Don Nix respecte bien les fondamentaux du Memphis Sound System, malheureusement, c’est lui qui chante et pour chanter le gospel batch, il vaut mieux disposer d’une vraie voix et avoir la peau noire. Et quand Jeanie Greene reprend le lead dans «Mighty Time», même chose, elle se vautre. Il lui manque deux choses essentielles : le groove et la Soul. Brenda est un peu plus wild, comme on le constate à l’écoute de «Jesus On The Main Line». Elle s’énerve toute seule et cherche à incendier la plaine, mais tout le monde n’est pas Bonnie Bramlett. Voilà enfin un hit en B : «Yes I Do Understand», un gospel batch poppy joliment amené par la joyeuse assemblée. Excellent ! Et puis en C, Don Nix s’en va chevaucher dans la Sierra. S’ensuit un peu plus loin «Heavy Makes You Happy», un boogie-rock encore une fois digne de Tonton Leon. Ça sent bon la grosse équipe, le surnombre et les vétérans de toutes les guerres. Don Nix termine avec «Iuka», un gros boogie blues dans l’esprit de ce que faisait Johnny Winter. Il y va au guttural. On se croirait presque sur Johnny Winter And Live.

         Il existe un autre album de Don Nix sur Elektra : l’extraordinaire Living By The Days paru en 1971. Tout est bien, là-dessus, ce qui semble logique étant donné que les Swampers accompagnent le vieux Don qui d’ailleurs dit d’eux : «The best backing-band at the point, maybe the best ever.» Par contre, on se demande pourquoi il porte un uniforme yankee sur la pochette. C’est une véritable insulte aux Rebs. Pur chef-d’œuvre que cet «Olena» qui sonne comme un vieux rock’n’roll, mais Claudia Linnear (sic) et Kathi McDonald font des chœurs de folles. Comme dans Mad Dogs & Englishmen, elles amènent une énergie hors normes. Il faut bien reconnaître que les Alabama State Troupers sont formatés sur Mad Dogs & Englishmen. On assiste à l’envol des guitares de Wayne Perkins et Jimmy Johnson. Un vrai festival ! Et ça continue avec l’«I Saw The Light» de Furry Lewis, fantastique partie de gospel batch avec les Mount Zion Singers derrière. Pure énormité que cette sinner prayer d’Hank Williams. S’ensuit un balladif de rêve intitulé «She Don’t Want A Lover», so solid stuff à l’Américaine, ultra-joué et harcelé par une guitare en embuscade. Quelle ampleur ! Cet album semble relever de l’indéniabilité des choses. Nix ressort le «Going Back To Iuka» qu’il avait composé pour Albert King, c’est joué au wild beat de Muscle Shoals. Ces mecs sonnent comme des punks et David Hood va même jusqu’à doubler dans les virages. Ils partent carrément en mode Stax de killer Stax - I’m going back to Iuka/ Back to where I belong - Ils repassent en mode gospel pour «Three Angels», encore une pure énormité. Les Mount Zion Singers, c’est quand même autre chose que le gospel choir des Stones dans «You Can’t Always Get What You Want» ! Mais ce sont les Stones qui ont décroché la timbale. On tombe ensuite sur un rock de mountain man des Appalaches, «Mary Louise», suis-moi, pilgrim, je vais te montrer le grizzly, pur jus d’Americana à la Nix. On retrouve les filles dans «My Train’s Done Come And Gone». Claudia et Kathi ! C’est du heavy balladif de Lord knows I’ve been gone way too long when I was weak/ She helped to make me strong, avec du solo de slide américain, Nix nique tout et derrière les filles t’explosent la rondelle des annales.

         Paraît aussi en 1971 sur Shelter Records - le label de Denny Cordell et Tonton Leon - le premier album de Don Nix, In God We Trust. Il pose déguisé en cowboy sur une pochette traitée dans le design du billet vert. Au moins, on sait qu’on est en Amérique. Ce disque très orienté gospel ne pouvait que dérouter les amateurs de rock. Mais il vaut le détour, car Don Nix y réussit un sacré tour de passe-passe, avec le morceau titre qui fait l’ouverture du balda. On a là un vieux coup de country rock joué au violon de saloon. Attention, Don Nix joue avec les mecs de Muscle Shoals : Barry Beckett, Eddie Hinton, David Hood, ils sont tous là. Don Nix sait entretenir la flamme d’un cut, pas de problème. Il dispose de cette puissance intrinsèque. On entend bien David Hood bassliner sur «Golden Mansions» et derrière, les filles de Mount Zion sont superbes. Grâce à ces musiciens exceptionnels, Don Nix trouve l’élan du gospel. «I’ll Fly Away» est sans doute l’hit de l’album. «He Never Lived A Day Without Jesus» sonnerait presque comme du Neil Young, mais en moins pleurnichard. C’est une fois de plus un parti-pris de gospel church chic. On retrouve «Iuka» sur cet album. David Hood y enroule bien sa gamme.     

                     Paru sur le sous-label de Stax Enterprise, Hobos Heroes And Street Corner Clowns date de 1973. À cette époque, Don Nix voyage à travers le monde et il enregistre un peu partout, à Londres, à Memphis et à Muscle Shoals. Avec cet album, il va plus sur le balladif. Mais il n’hésite pas à taper dans l’heavy blues avec «Black Cat Moan». Sur ce genre de chose, il est extrêmement crédible. Il chante avec un joli sens du raunch. Le coup de génie de l’’album est une version de «When I Lay My Burden Down» qu’il dédie à Fred McDowell. Il propose tout simplement un raccourci du Memphis Sound et même de l’Americana du Deep South. Il démarre en blues de cabane branlante et finit en gospel batch, et comme Claudia Lennear traîne dans les parages, eh bien ça explose. Fantastique exercice de style ! Il faut aussi écouter «Look What The Years Have Done», un balladif très impressionnant. Cet homme sait écrire des chansons, c’est indéniable. Voilà un balladif parfait au plan mélodique et bien saxé sur le pourtour.

         En 1976, Gone Too Long paraît sur Cream Records, le label d’Al Bennet qui a racheté Hi Records. Attention, c’est un très bel album. Il s’y niche ce qu’on appelle des Beautiful Songs, à commencer par «Goin’ Thru Another Chance» qu’il chante d’une voix de vétéran du Memphis Sound. Il s’arroge toutes les prérogatives. Sa pop ne peut que plaire. Don Nix semble cultiver un goût pour l’envol. Il sait donner de la voile. Il fait partie des grands prêtres de l’Americana, dans ce qu’elle présente de plus rootsy. George Harrison traîne dans les parages et ça s’entend. Autre merveille : «Forgotten Town», un balladif visité par la grâce. Il chante avec brio. La basse enrichit considérablement le backing, avec une excellente enfilade thématique. Le mec joue en continu, avec un sens aigu de l’a-priori. Et puis, Don Nix finit l’album avec l’excellent «A Demain». Il duette avec une Française. Nix explore l’empire du slowah et la fille n’en finit plus d’allumer la romantica - Et puis un beau matin/ Tu recevras ces mots/ Je t’aime, je t’attends, viens - C’est à la fois infernal et somptueux, et elle ajoute - Nous oublierons alors que le temps a passé. Par contre, il se vautre avec une reprise trop empesée du «Feel A Whole Lot Better» des Byrds. Il en fait une sorte de gospel pop avec des chœurs vengeurs. Curieux parti-pris. Il tape aussi dans le «Backstreet Girl» des Stones. Il en fait du gospel avec une basse bien montée dans le mix. Sacré Don, il ne rate pas une seule occasion de se faire remarquer.

         Skyrider parut en 1979 sur Cream, le label d’Al Bennett. On y retrouve bien sûr l’habituel mélange des genres nixien. Le morceau titre sonne comme un gros boogie-rock richement drapé d’orchestrations et des chœurs southerny. Don chante toujours avec un bel aplomb. On le voit ensuite taper dans la grande prétention poppy avec «Nobody Else». On voit aussi l’idéaliste poindre sous le cuir du desperado buriné par les années de vie sauvage sur la frontière. Et bien sûr, il règne ici un léger parfum de gospel batch. Dans «Maverick Woman Blues», Don évoque la Nouvelle Orleans. Il y rocke son shake et lâche du bon set me free. Disons que ça reste bon esprit, même s’il pompe le riff de «Get Ready». Même chose avec «Do It Again» : le riff est connu comme le loup blanc des steppes, mais on ne s’étonne plus de rien. Don propose ce qu’il a de meilleur en magasin, un funk rock sudiste un peu hybride et intéressant. On y retrouve d’ailleurs les Memphis Horns et tout le tralala. Don joue un petit coup de sax, histoire de nixer le mix. En B, il revient avec «I’ll Be In Your Dreams» à son vieux dada : le slowah de printemps, bien aéré et judicieusement orchestré. Il monte «All For The Love Of A Woman» sur le modèle de «Let’s Work Together», mais il y met une telle énergie qu’on lui donne l’absolution. Don Nix te nique ça bien, c’est un vieux routier, il avait déjà écumé toute l’Amérique au temps des Mar-Kays. Le guitariste est un bon, il s’appelle Rob Kendrick. Guitariste idéal pour un gaillard comme Don qui n’est pas né de la dernière pluie.       

         Voilà trois bonnes raisons de rapatrier Back To The Well paru en 1993 : la première s’appelle «Out On The Road Again», un vieux boogie blues qui part sur un fantastique dady’s gone fishing. Don is back on the chain gang, il claque le beignet de la caillasse du meilleur son, comme il l’a toujours fait. Ce démon sait déverser un jus de boogie et l’autre démon qui gratte ses poux s’appelle Billy Crain. On a là l’un des meilleurs sons du Deep South. La deuxième raison s’appelle «Waiting For The Help». Don revient à son cher gospel batch, c’est un enragé, un mordu de la racine. Plus elle est sèche et ardue, plus il exulte. C’est ultra-joué. Derrière, les filles gueulent sweet Jesus et ça riffe au cul de slide. La troisième raison s’appelle «Fool’s Paradise», un extraordinaire slowah océanique. Don est à ses heures perdues un charpentier du songwriting, il connaît l’art des mortaises et il sait poser des toits de chœurs, et là, dans ce cas particulier, quel toit ! Encore du son dans «Dance Chaney Dance». Nix nique tout à dix kilomètres à la ronde. Il embarque son monde dans le tout venant, ce qui le rend héroïque et donc sacré. Avec «Plastic Flowers», il avertit : Don’t put plastic flowers on my grave ! Il se met en colère. Il sait aussi taper le vieux coup d’r’n’b, comme le montre «Cruise Control» - You better slow down - Et il termine avec l’excellent «Addicted To You». Il tape ça au vieux jus de nixitude - I don’t drink/ I don’t smoke - mais il a un problème avec le groove de cette fille, surtout son sweet love. Don Nix ne prend pas les choses à la légère, il joue ça au funk de groove de blues.   

         Paru en 2002, Going Down. Songs of Don Nix est un classique indispensable. Pourquoi ? parce qu’il s’y niche des duos exceptionnels, notamment avec Bonnie Bramlett. Elle commence par venir exploser «Right Where You Want Me». Elle ramène toute son énergie criante de vie. Elle part à l’assaut du groove d’une voix pincée de reine du rodéo. C’est monté sur des accords de Stonesy. Quel fantastique exercice de style ! Elle revient groover le blues de «Same Old Blues». Steve Cropper sort sa plus belle Tele et Dan Penn radine sa fraise. Quel festin de rois ! Tout est allumé de l’intérieur. Steve Cropper joue au clair de lune pendant que Bonnie mouille sa syllabe et l’écrase dans le gras du menton. Elle s’arrache les ovaires et sonne comme une mama black, yeah, elle racle tout dans la salive, elle est bien la pire de toutes, la plus grande chanteuse blanche du monde. Elle revient illuminer «Like A Road Ready Home». Il faut voir comme elle shake son shook. Elle chante ça au meilleur chaud du South, elle chante pour de vrai et Steve Cropper joue comme un dieu grec. Autre duo des enfers avec Dan Penn dans «Palace Of The King». Un black nommé Audley Freed joue lead, il joue à l’exacerbette de la belette. Dan rocke son going down to Dallas. Il sait le faire, mais à la mode black, de l’intérieur du menton, il fait de l’hot de hutte - Going back to Dallas/ Living In The Palace of the King - Leslie West vient jouer le fameux «Going Down» avec Brian May. En fait, ils sont quatre leads sur cette reprise éculée. Bonnie est au fourneau et Max Middleton au piano. Ça tourne au vertige guitaristique, les leads coulent ensemble comme des vieux claquos oubliés. Dommage que Don n’ait pas la voix. Les leads vont se repaître de la charogne de Going Down pendant six minutes. Tous les solos sont gorgés de sève. Sur «Going Back To Iuka», Tony Joe White joue lead et Mayall claque des coups d’harp. Le pompon, c’est Billy Lee Riley. Don a de sacrés potes ! - You know the train that I ride/ I ride it all nite long - Fantastique Billy ! Il amène une autre profondeur. On retrouve Leslie West dans «Lying On The Highway» (il n’a rien perdu de sa grosse niaque), et Billy le héros dans «Everybody Wants To Go To Heaven».  

         Sur la pochette d’I Don’t Want No Trouble paru en 2006, Don Nix est assis en salopette dans son jardin avec son dalmatien. Il semble posséder une belle petite maison à deux étages équipée du porch traditionnel, cette fameuse avancée qu’on retrouve à tous les coins de rue dans les chansons du Deep South. C’est là que se grattent les jolies mélodies au clair de la lune. Don nous refait le coup de l’heavy blues gospellisé avec «Hurt Somebody». Il ne risque pas de se faire une entorse à la cervelle. Nix n’est pas homme à forcer le destin. Il ramène tout le gospel batch qu’il peut dans son heavy blues et franchement, c’est très bien vu. Il fallait y penser. Il reste encore plus traditionnel dans les autres cuts, comme par exemple «Memphis Man» qu’il tape au vieux boogie de r’n’b rock’n’roll. Il ne risque pas l’embolie. Mais c’est bardé de son. L’animal s’y connaît, en la matière. Boogie rock toujours avec un «Snack Dab» bardé de chœurs de filles. Il est vrai qu’à son âge, Don ne va pas s’amuser à réinventer la poudre et encore moins le fil à couper le beurre. Il faut le voir tartiner son «Hole In The Sky». Ça sonne comme n’importe quel rock de vieux renard sur le retour. C’est même sur-produit. Nix y gueule comme un veau qu’on amène chez le boucher. En écoutant «One Step Ahead», on voit bien qu’il connaît toutes les ficelles du son. Le cut dégouline de son moderne, mais certainement pas de modernité. C’est ultra-joué au bottleneck d’heavy dude. Don y va de bon cœur. C’est ce qui fait sa force. On pourrait même ajouter que ça nous dépasse. Ils se prend aussi parfois pour un pionnier («Just About Had It»), et là ça devient compliqué. Il s’amuse aussi à jouer des boogies qui ne servent strictement à rien («Subject To Change»). On le voit même faire son vieux renard de charme («Crazy From The Heart»). Une fille chante ça avec lui, mais elle se révèle bien meilleure que lui. Il est encore capable de taper du très gros son, comme on le constate à l’écoute d’«Addicted To You» qu’il prend en mode gospel batch. C’est sa came.

         On trouve aussi dans le commerce un album intitulé Passing Through. Don qui ne se refuse rien l’a enregistré chez Malaco. Il adore butiner toutes les mythologies régionales. Il démarre l’album avec un solide balladif, «Sit Down On Your love». Don a toujours de l’avenant. Il n’a aucun problème ni avec les impôts, ni avec la santé et ni avec Dieu. Il y va du tac au tac. Don est un amateur de big sound et d’horizons. Il adore aller loin vers l’Ouest, là où les montagnes lèchent le cul du ciel. Comme l’hydravion d’Howard Hugues, le cut met du temps à décoller, mais il finit vraiment par s’arracher de la surface du lac. Don tape dans le devenir de l’Americana. Il ne vit que pour l’ampleur, personne ne pourra jamais lui enlever ça. Ses cuts fondent bien en bouche. Comme la plupart de ses chansons, «She’s My Rock» sonne bien, même terriblement bien. Chaque fois, Don frise le Nix universaliste. Sa pop convainc. Et puis voilà «Roads». Il faut comprendre qu’avec Don Nix, on est dans le très gros truc. Une sorte de perfection. Son balladif prend la gorge et on tousse d’aise. C’est une sorte de délire technologique du groove sentimental. Fuck, comme ce mec est bon, même son solo de flûte passe comme une lettre à la poste. On ne peut pas dégommer Don Nix. L’homme est puissamment bon. Il amène le morceau titre au gospel batch. On y sent le poids d’un pathos énorme. Il tape un instro superbe avec l’«I Don’t Know Why I Care About You» joué au Grand Jeu de Malaco. Puis il renoue avec l’art de la grosse compo en s’interrogeant : «Where’s The Problem». Don a un don, indéniablement. Donc, ça semble logique qu’il s’appelle Don. Il boucle avec «I Belong To My Songs». Il y explique qu’il appartient à ses chansons et s’éclipse dans les fumerolles d’un balladif édifiant.

Signé : Cazengler, Nix ta mère

Don Nix. Disparu le 31 décembre 2024

Don Nix. In God We Trust. Shelter Records 1971  

Don Nix. Living By The Days. Elektra 1971                      

Don Nix. The Alabama State Troupers. Elektra 1972

Don Nix. Hobos Heroes And Street Corner Clowns. Enterprise 1973

Don Nix. Gone Too Long. Cream records 1976

Don Nix. Skyrider. Cream Records 1979        

Don Nix. Back To The Well. Appaloosa 1993    

Don Nix. Going Down. Songs of Don Nix. Evidence 2002   

Don Nix. I Don’t Want No Trouble. Section Eight Productions 2006

Don Nix. Passing Trough. Section Eight Productions 2008

Don Nix. Memphis Man. Living High Laying Low. Mojo Triangle Books 2015

 

 

L’avenir du rock

 - MaidaVale live in style in Maida Vale

 (Part Two)

         Lorsqu’ils voient arriver l’avenir du rock, les habitués du bar interrompent leur conversation. La ramasse de ce vieux schnock leur fait presque pitié. L’avenir du rock commande son double jaune sans glaçons, le siffle cul sec et en commande un deuxième aussi sec. Il adore faire jaser les cons. Et ça marche à tous les coups. En voici qui s’approche :

         — Dis donc, avenir du rock, dans ton état de décrépitude avancée, tu crois vraiment qu’c’est raisonnable de siffler des jaunes comme ça ?

         L’avenir du rock rote, et en commande un troisième.

         — C’est pas passe que t’es l’avenir du rock qu’y faut mépriser l’peuple !

         L’avenir du rock fait signe au patron :

         — Hep ! Patron ! Chuis à marée basse !

         Un autre habitué vole au secours du premier :

         — Pourquoi qu’tu causes encore à c’te vieux pédé ? Tu vois donc pas qu’il est bon pour la déchetterie ?

         — Non mais r’garde-moi comment qu’il est attifé avec ses godillots et son pal’tot ! C’est-y pas une honte de voir des vieux chtars pareils !

         — Y paraît qu’y va encore aux putes !

         — Arrhhhhh ! Sont pas dégoûtées les putes !

         — Y paraît même qu’y va encore voir des concerts de rock !

         Et là, l’avenir du rock se tourne vers les deux cons et leur balance, histoire de leur clouer le bec :

         — Vale que Vale !

 

         Lorsqu’il se trouve coincé dans un plan délicat, l’avenir du rock parvient toujours à tirer son épingle du jeu. Et plus c’est délicat, meilleur c’est. MaidaVale, c’est exactement ça : le Vale que Vale du rock. 

         C’est quand même pas mal de revoir les quatre petites Stockholm girls de MaidaVale dans un endroit plus ramassé, au fond d’une cave. Ça leur donne encore plus de power. Au Club, c’était bien, mais dans la cave, c’est mille fois mieux. Tu retrouves cette section rythmique infernale, directement inspirée de celle de Can, même dynamiques, même goût pour l’hypno explosif, la grande brune sur la Ricken s’appelle Linn, et la fille spirituelle de Jaki Liebezeit au beurre s’appelle Johanna. Rien qu’avec ça, t’as de quoi t’occuper. Johanna bat un beurre à la fois fin et puissant, elle fait parfois des petites grimaces animales, des rictus carnassiers, comme si elle laissait monter en elle un torrent d’adrénaline. T’en finis plus de la voir battre le beurre du diable. Et là-bas au fond, Linn mouline un bassmatic de rêve en secouant quasiment tout le temps les cheveux. Et là, tu sais que t’assistes à un vrai concert de rock. Ça joue ! Pour leurs deux copines, c’est du gâtö, la petite Sofia gratte des poux bien psyché sur sa Strato immaculée, elle tourne comme un manège, tricote des gammes gorgées d’écho et revient sur des power chords de la pire espèce, comme si elle enfonçait son clou dans la paume du beat. Dans le feu de l’action, elle reste incroyablement présente, car c’est bien d’un feu de l’action dont il s’agit avec MaidaVale, elles savent kicker les jams. Le son ricoche bien sous la voûte en briques

de la vieille cave. Et puis t’as Matilda au chant, elle montre un goût particulier pour les crises de Méricourt et les coups de tambourin. Tu lui donnerais le bon dieu sans confession, tellement elle est dans le coup, tellement elle rocke le boat, tellement elle shake le souk de la médina, c’est une rockeuse hors normes, elle chante de tout son corps, et là mon gars, ça rocke, t’es plus en face d’un groupe de branleurs à la mode. MaidaVale c’est le real deal, mais pour le savoir, il faut les voir sur scène.

         Elles tapent bien sûr dans leur dernier album, l’excellent Sun Dog et attaquent avec «Give Me Your Attention» qui n’est peut-être pas le meilleur choix. Sur scène, ça ne marche pas, mais sur l’album, tu les vois foncer en rase-motte. Elles aménagent de grands ponts hantés par la space guitar. Tu n’en finis plus d’admirer la section rythmique. Elles enchaînent sur scène avec un «Control» plus Kraut, et même assez caverneux, Kraut de nez et d’esprit, avec une couche de keyboard par dessus. On sent poindre l’ambition. C’est avec «Wide Smile All Is Fine» que Linn commence à voler le show avec un beau thème de basse. T’as du mal à frémir avec «Daybreak». Elles cherchent la lumière avec «Pretty Places». Elles développent toujours une certaine richesse instrumentale, une réelle prégnance de la pertinence qu’on peut aussi qualifier de latence de l’essence. Voilà pourquoi il faut les prendre très au sérieux. Matilda chante «Faces (Where is Life)» d’une petite voix pointue et enchaîne comme sur l’album avec «Fools», beaucoup trop proggy. Elles visent le Big Atmospherix, mais on préfère quand ça prend feu. Elles finissent leur set avec des cuts de Madness Is Too Pure, «Transe» et «Gold Mind» et un «Perplexity» qui n’est pas sur le CD, uniquement sur l’LP. Bizarrement, elles ne jouent pas «Vultures», le dernier cut de l’album. Dommage, car la ligne de basse est un régal. Linn est la star du groupe, elle nourrit le son sur sa Ricken, elle laboure le Kraut en profondeur. Elle est la Millet du Kraut.

Signé : Cazengler, Maida Vain

MaidaVale. Le Trois Pièces. Rouen (76). 4 mars 2025

Concert Braincrushing

MaidaVale. Sun Dog. Silver Dagger 2024

 

 

Wizards & True Stars

- Wallis the question ?

 (Part Two)

         Quand en décembre 2019 Larry Wallis a cassé sa pipe en bois, nous lui avons rendu ici même un hommage en forme de tournée des grands ducs : Pink Fairies, Motörhead, Mick Farren, Deviants, Shagrat et solo. C’était bien le moins qu’on pût faire.

         Étant donné que vient de paraître une compile Cleopatra aussi gorgée de richesses qu’un galion espagnol en mer des Caraïbes au XVIIIe siècle, nous allons récidiver, car écouter la bombe qu’est Police Car/ The Anthology, ça équivaut à écouter Larry Wallis pour la première fois. Et pour rester dans la facilité des métaphores : attachons nos ceintures.

         Tiens on va commencer par pondre un nouvel adage : Larry, ça tombe sous le sens. T’as le son d’entrée de jeu, avec le morceau titre et Larry qui feule dans le sonic storm «I’m a police car». Diable, comme on avait adoré le single Stiff à l’époque. D’ailleurs, Cleopatra a repris quasiment le même visuel pour sa pochette, la strato en moins. Dans ses liners, Roger Morton qualifie Lazza de true gentleman - He was one of the last true gentlemen in rock’n’roll - Morton s’échauffe lorsqu’il évoque l’arrivée de Lazza dans les Pink Fairies - Playing one of the most electrifying rock’n’roll guitar of the era, fast, loud and filthy as fuck - Rien de plus vrai. Cette compile ne te laissera pas respirer, car voilà qu’arrive «Leather Forever» qui sonne comme l’hymne du rock anglais, monté sur un glorieux bassmatic. Ça stompe dans toutes les backs alleys de London town. Non seulement Lazza est un crack du boom-hue, mais il compose des hits à la queue-leu-leu. Son «Meatman» en est l’un des exemples les plus frappants, il cisaille son heavy boogaloo à la base, il le fait danser au sommet d’un balancement d’heavy dude. Quel exploit ! Et ça dégénère, ça vire cro-magnon et ça s’envenime salement. Il pose sa wah comme une cerise sur le gâtö. Tout ce qu’il touche, il le transforme en or du rock : il fait d’«Old Enuff To Know Better» un fantastique shoot d’old enuff. C’est vraiment l’Enuff qu’on a envie d’écouter. Il gratte son «Crying All Night» à l’oss de l’ass de Ladbroke Grove. Quelle fantastique démesure underground ! Il s’emballe avec «I Think It’s Coming Back Again» et bat Motörhead à la course avec «Story Of My Life». Il y déboule avec une ferveur spectaculaire ! Ça dépote en permanence, chez Lazza, il sait aussi faire du Saints, mais sans la voix de Chris Bailey («I Can’t See What It’s Got To Do With Me»). Il refait son Pink Fairy dévastateur avec «Don’t Fuck With Dimitri» et fout le feu à la ville avec «Mrs Hippy Burning». Tout prend feu, avec lui. Feu encore avec «When The Freaks Hang Out». Il taillade son «I Love You So You’re Mine» à la scie sauteuse. Wild Lazza joue à la vie à la mort, et cette façon qu’il a de se rattraper au vol ! Son truc, c’est vraiment se cisailler à la base. Il pond une petite stoogerie ici et là («Downtown Jury») et rend un bel hommage aux Stones avec un cover de «Street Fighting Man». La compile s’achève avec un cut de Shagrat (pas le meilleur Shagrat) et un UFO, dont on se serait bien passé. Morton annonce d’autres volumes à paraître. Wait and see.  

         Dans l’actu, tu retrouves aussi une belle compile Cleopatra de Motörhead, Lemmy & Larry Wallis : The Boys Of Ladbroke Grove. Tu peux te jeter dessus sans problème, car elle grouille de puces. Et des grosses ! T’en vois pas d’aussi grosses tous les jours. À commencer par cette version live at the Roundhouse d’«On Parole», c’est Motörhead à son sommet, avec Phast Eddie et Philthy Animal, c’est l’un des blasts les plus géniaux de l’ère fumante du blasting, et Philthy te bat ça si sec, franchement t’en reviens pas de cet over-power, tu comprends mieux pourquoi Motörhead fait partie des cracks du boom-hue. C’est bien sûr Lemmy qui se tape la part du lion dans cette compile explosive. Il fait une version de «Twist & Shout» qui bat toutes les autres à la course, accompagné cette fois par Scott Ian et Gregg Bissonette. Sans doute a-t-on là l’une des plus grosses covers du siècle passé, et t’as en plus des chœurs de candy avarié ! Stupéfiant ! Avec Mick Green et les Upsetters, Lemmy tape ensuite dans «Blue Suede Shoes», et oh boy, ça joue à la pure Méricourt, Lem is on fire ! Sans doute la plus belle cover de «Blue Suede Shoes», infernale, bien rentre-dedans. Lem fout encore le souk dans la médina avec «Paradise». Mick Green monte au braquo du Paradise. S’ensuit un «Keep Us On The Road», c’est le Motörhead de l’âge d’or, avec Fast Eddie et Philthy, Lem fout le feu au souk de la médina. Live 78, t’as pas idée ! Lem tient la dragée haute au blast. T’as bien sûr ta dose de proto-London punk avec le «Lone Wolf» des Pink Fairies, ce ne sont pas ceux de Lazza, mais ceux de Paul Rudolph, avec Alan Davey et Lucas Fox. Et Lazza dans tout ça ?, demande Jacques Chancel. Lazza arrive avec son «Police Car». Classique intemporel, mais face à Lem, il fait un peu pâle figure. On le retrouve plus loin avec George Butler et Andy Colquhoun pour «Crying All Night», et c’est bien bardé de barda. Bon, t’as deux versions de «Leather Forever», avec la grande clameur invulnérable. Lazza a encore du son à gogo, mais vraiment à gogo, sur «I Think It’s Coming» et plus loin «Seeing Double». Il n’en finit plus de foncer dans le tas. Il brûle de tous ses feux, et cut après cut, il entre dans la légende. Viva Lazza ! 

Signé : Cazengler, Larry WC

Larry Wallis. Police Car/ The Anthology. Cleopatra 2024

Motörhead Lemmy Larry Wallis. The Boys Of Ladbroke Grove. Cleopatra 2023

 

 

Inside the goldmine

- Lindanaïde

         Comment s’appelait-elle, déjà ? Ah oui, Baby Jam. On la surnommait la reine de la nuit. Pas très grande, très brune, elle parlait d’une voix un peu rauque et les connaisseurs la qualifiaient de brune sensuelle. Elle était pourtant casée et mère de famille, mais elle aimait trop la vie pour rester tranquille à la maison et regarder des conneries à la télé. Baby Jam couchait les gosses, puis elle annonçait à son mec qu’elle sortait faire un tour avec une copine. Pas de problème. Il était du genre conciliant. Il l’aimait assez pour comprendre qu’elle avait besoin de vivre selon ses besoins. C’était pour lui le seul moyen de ne pas la perdre. Elle prenait l’ascenseur et retrouvait sa copine au pied de l’immeuble. Puis elles partaient toutes les deux en vadrouille. Elles adoraient ça, l’aventure, le hasard des rencontres, la fréquentation des oiseaux de nuit. Personne n’a jamais vu Baby Jam dans les bras d’un autre mec. Les rumeurs allaient bon train, les gens racontaient qu’elle baisait avec n’importe qui, mais il n’existait absolument aucune preuve. Sa copine et elle faisaient une sorte de tournée des grands ducs, retrouvant dans les bars de nuit des copains et des copines, et tout ce petit monde finissait au Gibier de Potence, une sorte de cabaret perché sur la colline qui dominait la ville. Le Gibier fermait à quatre heures du matin et on y buvait du rhum arrangé à volonté. Chacun s’arrangeait avec la vie et profitait de la nuit. Baby Jam trônait au bar et se faisait payer des verres. On l’entendait rire, elle parlait de tout et de rien. Parfois un mec la draguait, ça l’amusait beaucoup, elle laissait faire jusqu’à un certain point, puis pour le calmer, elle lui expliquait gentiment que sa gueule ne lui plaisait pas, alors tout rentrait dans l’ordre. Tout ce cirque a duré quarante ou cinquante ans. Aujourd’hui, Baby Jam a pris un sacré coup de vieux, elle porte des lunettes à monture écaille et du rouge à lèvres. Elle tire ses cheveux bruns vers l’arrière pour se donner un petit air d’assistante de direction, mais sa gouaille est intacte. Tu la trouveras au bar du Gibier en train de siffler des verres de rhum tiède jusqu’à la fermeture. Elle attendra, comme elle l’a fait toute sa vie, qu’une bonne âme veuille bien la prendre en charge pour la déposer chez elle.

 

         Pendant que Baby Jam savourait sa liberté, Linda Jones tentait de faire carrière. L’accomplissement d’un côté, l’abrègement de l’autre. Destin enviable d’un côté, destin tragique de l’autre.

         Contrairement aux Danaïdes, Linda Jones ne fut pas condamnée à remplir un tonneau percé. Elle fut condamnée à autre chose : l’obscurité. Lorsqu’elle cassa sa pipe en bois en 1972, elle n’avait que 28 balais. Elle était quasiment inconnue aux États-Unis. Seuls les Anglais la vénéraient. C’est la raison pour laquelle on la retrouve sur l’une des meilleures compiles de Northern Soul, celle de Rhino. David Godin parle d’une «enigmatic quality».

         Son premier album s’appelle Hypnotized, un fat Loma de 1967. Tu donnerais ton père et ta mère en échange de «You Can’t Take It», un heavy r’n’b qu’elle fait décoller à coups d’you can’t take, elle te chante ça à l’efflanquée miraculeuse. Elle est encore très raw sur «I Can’t Stop Loving My Baby», elle est aussi directive que l’Aretha de l’âge d’or. Et en B, tu tombes sur une autre perle noire en forme de Beautiful Song, «If Only (We Had Met Sooner)», une Soul soûlante qui te donne le tournis.

         Elle sort deux albums en 1972 :  Your Precious Love et Let It Be Me. Le premier est de toute évidence son meilleur album. Il grouille de puces. Elle attaque son morceau titre en ouverture de balda avec une stupéfiante énergie. Linda est la reine de la hurlette de Hurlevent. Elle chante encore «Don’t Go (I Can’t Bear To Be Alone)» au sommet de la Soul, avec une indicible audace. Elle brûle d’authenticité. Elle brasille de Soul, son «Stay With Me Forever» est extravagant d’intensité. Elle brasille à sa façon, ni comme Aretha, ni comme Brenda, c’est encore autre chose. Alors attention, car tout explose en B : si tu veux écouter l’un des plus beaux albums de Soul, c’est là, dès «Not On The Outside». Elle se veut océanique, avec des flux et des nappes d’orchestration, alors elle le devient. Elle tape un beau «Dancing In The Street» et boom, elle te roule le «Let It Be Me» de Gilbert Bécaud dans sa farine. Elle le travaille au corps de manière spectaculaire. Elle te transforme encore la Soul avec «I Can’t Make It Alone», elle en fait un tir de barrage, elle te la plombe en or, elle te la pétrit à Petra, elle te l’élève dans la hiérarchie, bref, elle sait tout faire. Elle se dirige vers la sortie en faisant son Aretha dans «Doggin’ Me Around», mais pas avec le même fruité de glotte, Linda est plus sèche, plus âpre, et plus violente dans sa hurlette. Elle ne laisse aucune chance au hasard, elle pousse à la roue, elle défonce la rondelle des annales, elle a du cran. Logique car c’est une crack. 

         Et donc sur Let It Be Me, on retrouve fatalement le «Let It Be Me» de l’album précédent. Elle est sans doute la seule à savoir monter au ciel from scratch, c’est-à-dire sans élan. On ne reconnaît pas l’hit de Bécaud. Elle en fait de la Soul. Fantastique présence encore avec «Fugitive From Love». Such impact dit Diamond Jim Sears au dos de la pochette. Eh oui, que peut-on dire de plus ?  Le coup de génie de l’album se planque en B : «I’m So Glad I Found You», un fantastique shoot de Soul des jours heureux, elle rivalise de good timing avec Brenda Holloway, elle ajoute sa tripe au walking beat. Encore jamais vu un truc pareil. Linda forever !

         Malgré les liners de David Godin et de Tony Rounce, Never Mind The Quality… Feel The Soul n’est pas un très bon album. C’est enregistré dans l’Ohio en 1970. Elle tape un vieux coup d’«If I Had A Hammer» qu’elle attribue à Sam Cooke, alors que c’est signé Pete Seeger. Elle aime bien son Hammer, on sent la vieille Soul Sister pleine de réflexes et pleine de jus. Puis elle fait son éplorée avec «That’s When I’ll Stop Loving You» - my latest recording - Elle gueule dans son micro, c’est la règle du jeu, mais ça devient pénible. Elle reste en mode heavy froti avec «For Your Precious Love». Elle s’y connaît en bosses dans les pantalons serrés, comme Carla quand elle chantait avec un Otis en rut dans la chaleur de Memphis. Elle rappe un peu et déroule son écheveau de lemme tell something I can’t say. Puis elle rend hommage aux Falcons avec une cover d’«You’re So Fine», mais elle est essoufflée. Sa cover ne vaut pas tripette, comparée à celle d’Ike & Tina. Elle finit avec un gros clin d’œil à Wicked Pickett et «I Found A Love».

         La compile que concocte Kent avec Precious - The Anthology 1963-72 ressemble à un passage obligé. Tony Rounce te sert Linda sur un plateau d’argent - Black American music has never had a singer with the extraordinary vocal power of Linda Jones - Te voilà prévenu. Rounce parle même de full-on fire. Il dit aussi que certains voient Linda comme, «simply, the greatest female soul singer of all time.» Il ajoute qu’on peut la mettre au même niveau qu’Aretha, Gladys Knight, Irma Thomas and others of similar calibre. Parcours classique, gospel dans les églises, puis petits boulots ineptes dans des usines avant de rencontrer George Kerr, un doo-woper new-yorkais qui fit partie des Serenaders. Kerr l’entend chanter et comprend aussitôt qu’elle a du talent. Il rassemble la crème de la crème new-yorkaise pour accompagner Linda en studio, notamment Cornell Dupree au bassmatic et Bernard Pretty Purdie au beurre. En 2014, Rounce demande à Purdie s’il se souvient de Linda - Yeah, Linda Jones. Big gal. Very good. Very loud - Après un premier single sur Atlantic, Linda se retrouve sur Red Bird, en bonne compagnie, puisqu’il s’agit de Leiber & Stoller. Kerr sort l’effarant «You Hit Me Like TNT» sur Red Bird, mais Leiber & Stoller déclarent forfait, à cause des embrouilles de leur associé George Goldner qui joue aux courses et qui doit beaucoup trop d’argent à la mafia. Kerr fait alors la tournée des labels new-yorkais. Il va taper à la porte de Brunswick, mais on lui dit qu’ils sont délocalisés à Chicago et trop occupés à lancer Barbara Acklin. Le mec de Brunswick est gentil, il donne à Kerr l’adresse de Ron Mosseley chez Warner Bros. Kerr fait écouter «Hypnitozed» à Mosseley, et Jerry Ragovoy qui passait dans le couloir entend ça et dit : «That’s a hit!». «Hypnotized» sort sur Loma, un R&B subsidiary de Warner Bros.   

         Dès l’«Hypnotized» d’ouverture de bal, cette coquine de Linda fait vibrer sa glotte effrontément. On trouve hélas à la suite quelques singles de peu d’intérêt, Linda propose une espèce de Soul de MJC mal foutue, elle braille dans son micro. Elle y va de bon cœur. On ne peut pas lui enlever ça. Elle se bat pied à pied avec une Soul de débutante et boom, ça explose enfin avec le fameux «You Hit Me Like TNT» sorti sur Red Bird, un stupéfiant hit de juke, et là on dresse l’oreille. Il faut la voir ponctuer son texte sur le beat. Et voilà que s’ouvre un formidable festin de Soul, avec à la suite du TNT l’effarant «Give My Love A Try». C’est le début de la période Loma qui dure deux ans. Avec «Give My Love A Try», Linda explose autant que Lorraine Ellison ! Elle déborde encore de répondant et de super jus avec «A Last Minute Miracle», un fast r’n’b porté par des chœurs puissants. Elle le porte à la force de la glotte. Elle replonge ensuite dans l’heavy Soul de circonstance avec «What’ve I Done (To Make You Mad)». Elle se bat avec une énergie extraordinaire. Elle chauffe encore son «My Heart Needs A Break» avec un aplomb extraordinaire. Cut après cut, elle se révèle imbattable. C’est avec ce hit que prend fin la période Loma. En 1968, Warners vend plus d’albums que de singles et décide de fermer Loma. Linda est virée avec tous les autres. Kerr reprend son bâton de pèlerin. Il enregistre Linda et vend les cuts à des petits labels. La voilà encore par-delà la Soul avec «I’ll Be Sweeter Tomorrow», sorti sur Neptune, un label monté par Chess avec Gamble & Huff. Elle incarne tout le ruckus du Soul System, elle est dévorante, complètement all over. Elle monte encore à l’apogée de sa clameur avec «That’s When I’ll Stop Loving You», qui est en B-side du single Neptune, elle le porte à l’extrême pointe de la Soul. Elle semble dominer le monde. Pas de chance, Gamble & Huff ferment Neptune pour lancer leur prestigieux Philadelphia International.

         Elle finit par enregistrer sur Turbo, un petit label du New Jersey. On arrive dans le terrain miné des coups de génie avec «Can You Blame Me?», wild Linda y va au yeah yeah, elle ne lâche rien, elle n’en finit plus de remonter le courant, et elle te retombe dessus à bras raccourcis avec «I Do», elle hurle ça dans la plaine, Soul Sister pure et dure, ah il faut l’entendre hurler à la lune. Encore un cut gorgé de son avec «I Can’t Make It Alone» signé Goffin & King, et ça monte encore d’un sacré cran avec «Not On The Outside», elle a cette faculté de s’élever à la force de la glotte, elle se pâme dans un excelsior inexorable, Linda Jones est une géante. Et puis t’as encore cet «I’m So Glad I Found You» extraordinairement groovy, elle y va la cocotte, elle défonce les portes d’airain du palais de la Soul, elle fait la fête à elle toute seule et chante à la folie. Encore une compile dont tu sors rincé. Vraiment rincé.

Signé : Cazengler, Lindabîmé

Linda Jones. Hypnotized. Loma 1967

Linda Jones. Your Precious Love. Turbo Records 1972

Linda Jones. Let It Be Me. Turbo Records 1972  

Linda Jones. Never Mind The Quality… Feel The Soul. Sequel Records 1997

Linda Jones. Precious. The Anthology 1963-72. Kent 2016

 

L’avenir du rock

 - Fontaines de jouvence

 (Part Two)

         Tous les témoignages concordent. Tous, sans exception. Lawrence d’Arabie, Stanley et Livingstone, Sylvain Tintin, Richard Francis Burton ont tous croisé l’avenir du rock dans le désert et sont catégoriques : il est complètement givré. Irrécupérable. À force de marcher pendant des mois et des années sous un soleil de plomb, il a fini par perdre la boule, ce qui paraît logique.  Tous ont essayé de converser avec lui, de lui redonner le goût des échanges courtois, le goût des petits commérages, tous ont essayé de lui apporter un peu de réconfort moral, de lui redonner foi en lui, foi en l’avenir, foi en Dieu, foi en l’être humain, foi en la gauche républicaine, foi en la science, et quand il répondait qu’il préférait le pâté de foi, nul ne s’en offusquait, car, par 60 degrés à l’ombre, une boutade se dessèche et meurt aussitôt. Tous sont unanimes pour dire qu’il vaut mieux le laisser errer dans son coin, tous affirment que de vouloir lui porter secours ne servirait plus à rien. Les témoins vont même plus loin, affirmant que ça lui rend service de le laisser errer dans le désert, que ça lui donne un certain cachet, car sa peau se parchemine. Son visage est tellement hâlé, disent certain, que ses yeux de fouine paraissent délavés, comme s’ils étaient clairs, ce qui n’est évidemment pas le cas. Cette errance lui permet en outre de conserver sa ligne, au moins il ne risque pas de ventripoter comme la plupart des mâles de son âge, tous ces lascars qui se plaignent de grossir alors qu’ils bouffent comme des vaches, de toute façon, ce n’est pas l’avenir du rock qui ira critiquer les gros lards, car il rate jamais une occasion, même dans le désert, de rappeler que les gros sont les meilleurs, notamment le gros Black et Leslie West. Le pire, c’est qu’il ne parle plus que de Fontaines, dans une région où elles n’existent pas. Bref, tout le monde le croit foutu. Si l’avenir du rock entendait tous ces cons, il serait mort de rire.

 

         Les Fontaines dont il parle sont bien sûr les Irlandais de Fontaines D.C. Il n’est pas le seul à prêcher dans le désert : Stephen Troussé en tartine six pages dans Uncut. C’est pas rien. Il commence par qualifier leur quatrième album Romance d’astoshing, et parle même  d’«apocalyptic sci-fi stadium rock». Ah ces journalistes ! Ce qui rend les Fontaines éminemment sympathiques, c’est leur trouille de la gloire. Le chanteur Grian Chatten prévient tout de suite : «I’m not mad keen to get that big.» Et il ajoute, haletant : «I really, really don’t want us to turn into dickheads.» On ne sait pas qui il vise à travers ça, mais il vise, c’est sûr. Chacun mettra les noms qu’il voudra. Mais il sait que la gloire arrive. Pourquoi ? «Because we’re really good.» Troussé parle d’un «winning charm and modesty», même s’il frôle l’absurdité.  

         Quatre albums en cinq ans, ça va vite. Troussé parle d’une «volicity that puts their peers to shame» et de «quantum leap». Il a du vocabulaire, l’ami Troussé, puisqu’il qualifie Dogrel d’«astonoshing rush-and-push debut», A Hero’s Death d’«assured consolidation», puis Skinty de «staggering, surreal letter of love and poison». Mais Troussé se surpasse en qualifiant «Starburster» d’«huge rambling panic attack that sounded like Korn covering Happy Mondays’ ‘Wrote For Luck’». Il qualifie aussi Carlos O’Cornell de «flame-haired guitarist and conceptualist» des Fontaines. Dans son élan, Troussé se met à sortir les comparaisons oiseuses : il compare Romance à l’Ocean Rain des Bunnymen, au Disintegration des Cure, à l’OK Computer de Radiohead, et d’autres qu’on ne va pas citer pour éviter de gaspiller de la place. Il se dit encore frappé par le «Technicolor» des cuts de Romance. Il parle enfin d’un album cinematic.  

         Il a raison, Romance est vite bardé ! Les DC sont les rois du barda. Comme ils visent la démesure, les Fontaines s’en donnent les moyens. Mais les premiers cuts manquent de magie. Ils labourent la bouillasse d’une pop épaisse. Et puis tout à coup, ça swingue dans les voiles : le mec chante son «Here’s The Thing» au doux tordu et ça percute. Voilà l’Irish power, Grian Chatten chante à la déconnade et ça explose de grandeur. Oh yeah, il chante à l’évaporée dévastatrice et mine de rien, il rentre dans le chou d’un lard très fumant, ça groove dans l’épidermic, ça rocke le booty, aw quel fantastique racket d’Irish finish ! S’ensuit une belle montée en neige nommée «Desire». Ça redevient sérieux, tu commences à te prosterner. T’as pourtant déjà entendu cette surenchère de la démesure chez Adorable, mais les Fontaines plongent très loin au fond du Desire, ils battent tous les records du Grand Bleu. T’es estomaqué. On les voit encore chercher leur voie avec «Big». Grian Chatten appuie bien son chant, il a le bon timbre, pas de problème, un timbre pas trop oblitéré. Il ne manque aucune dent au timbre. Irish power pop ! Ils font les Pixies avec «Death Kink» et tout re-bascule dans l’excès qualitatif avec «Favourite» qui sonne comme un vieux hit insistant. Ah comme Grian Chatten chante bien ! Cette pop ne pardonne pas. Il chante à l’accent tranchant. Pur genius !

         C’est vrai que l’album sonne comme une grande aventure. Conor Curley raconte plus loin dans Uncut qu’il tire son énergie du cinéma, un art qu’il juge plus puissant que le rock et la littérature. Chatten dit aussi qu’il est «bored of talking about music, bored of talking about books.» Il dit chercher une nouvelle voie et se dit obsédé par Mickey Rourke dans Rumble Fish.

         Les Fontaines sont aussi partis en tournée américaine avec Artic Monkeys. C’est drôle comme leurs références ne sont pas bonnes. Chatten dit avoir flashé sur Blur à Wembley. Au moins avec Dean Wareham, on parle des vrais trucs, c’est-à-dire Lou Reed et le Velvet. Là on est dans autre chose. Il s’agit sans doute d’un problème générationnel.

         C’est O’Connell qui sauve les meubles en avouant qu’il a produit le nouvel album de Peter Perrett, The Cleansing. Et Perrett se dit fasciné par la voix de Grian Chatten - They’re lucky to have a singer with such an iconic voice. A Voice is everything - Peter Pan sait de quoi il parle. O’Connell devient rudement intéressant lorsqu’il aborde la question de la culture irlandaise : «Il y a beaucoup plus dans notre histoire que les prêtres et les curés. The weirdness of pagan Ireland.» Puis il fait l’éloge des groupes de sa génération, «us, Gilla Band, Lankrum», et de «something very irish about dissonance as a concept.» Et bien évidemment, l’article finit par se casser la gueule avec l’irruption des Spice Girls et de U2. C’est là que Chatten sort son fameux prêche contre les dickheads. Il se sent devenir narcissique, talking about myself, et bien sûr il sent que c’est le problème.  

         Avant de conclure, il est bon de rappeler que Skinty Fia est un album raté. Ils font illusion le temps d’un «Big Shot» très Radiohead, mais les compos ne sont pas au rendez-vous. Il ne reste que la voix de Grian Chatten, cette voix intéressante au timbre profond, avec de jolis effets de baryton sur le so cold d’«How Cold Love Is». Mais globalement, rien n’accroche. Ils sont dans le manque à gagner, dans le laissé pour compte, dans le solde de tout compte, ils tentent encore de viser l’horizon avec «Roman Holiday», mais l’album devient un radeau de la Méduse. C’est la damnation du cerf, ils n’ont absolument aucune compo. Rien. Que dalle. C’est le l’arty-gros foutage de gueule et ça ne reprend vie à la fin qu’avec «Nabokov» qui est bien écrasé de son. Quelle tragédie. Cet album a dû traumatiser leur destin. 

Signé : Cazengler, Fonteigne d’ici

Fontaines D.C. Skinty Fia. Partisan Records 2021

Fontaines D.C. Romance. Xl Recordings 2024

Stephen Troussé : Last of the new romantics. Uncut # 330 - October 2024

 

*

         La teuf-teuf fonce à donf. Pourquoi donc ? Parce qu’elle emprunte la 619 qui vous emmène à Troyes. Dont on peut dire qu’en France elle est l’équivalente rock de la mythique road 66. Un don des Dieux ! Moins longue que Le Don Paisible de Mikhaïl Cholokov mais au bout de la route, comme à la bataille navale, la case Trois B s’avère gagnante à tous les coups. Comment cela se fait-il, je n’en sais rien, faudrait demander à Béatrice la patronne par quel stratagème elle se débrouille pour ramener systématiquement  de bons groupes. Peut-être a-t-elle la main verte, mais sûrement the main feeling rockabilly.

         Remarquez ce coup-ci elle avait deux bonnes cartes dans son jeu. Luky Will est déjà venu 3 B...   Le deuxième as depique elle ne le tenait pas dans sa menotte toute mignonnette, elle nichait dans la poigne la plus féroce du rocker le plus intrépide, vous avez reconnu Jerry Lou, le pianiste fou, une photographie sur laquelle l’indomptable Jerry Lee Lewis arborait fièrement le premier CD de Luky Will.

         Autant dire que je ne m’attendais pas une douce veillée de colonie de vacances, mes prédictions ont été comblées au-delà de toute espérance. L’est vrai que 3 B recevait la visite  d’un sacré groupe de coupeurs de têtes.

THE COOPERS

3B

(Troyes / 21 – 03 – 2025)

            Suis surpris dès mon entrée au 3 B. Peu de monde. La moitié des tables désertes. Une demi-heure plus tard je suis effaré. D’où sort cette foule ! Jamais vu autant, une marée humaine, tellement de presse que l’accès au bar sera interdit pendant tout le concert à ceux qui squattent les places près des musiciens, debout, chaises, et même assis par terre ! Ce n’est tout de même pas une soirée folk qui est prévue.

         Z’arrivent sourire aux lèvres, s’installent sans se presser, la pression monte, profitons du premier instrumental, un Chicago Blues mid tempo, un tantinet funky, ce n’est pas la tornade que l’on attend, mais non de Zeus, pas besoin de sortir de Polytechnique pour se rendre compte que l’on est devant de sacrés musiciens. Tout au fond Kevin, à l’affût derrière ses fûts, frappe mollement, mais quelle étrange décontraction, l’est toujours prompt à ouvrir ou clôturer n’importe quelle séquence, à sa droite c’est plus grave, je ne parle pas du bassiste, l’a une moustache terriblement sympathique, mais chaque fois qu’un de ses doigts touche une corde de sa basse, non, ce n’est pas une upright, plutôt une upsound, vous avez un son profond et moelleux, du chocolat fondu, est-ce pour cela qu’il est surnommé Pepito, juste devant lui, sous son chapeau, Lucky et sa Gretsch rouge-sang, tout ce que l’on peut dire c’est qu’il maîtrise salement sa bécane sanglante. Enfin à droite, Bruno aligné contre le mur, enfoncé dans le recoin vous pouvez ne pas le voir, mais pour l’entendre pas de problème, paisiblement assis sous sa casquette, ses doigts n’arrêtent pas de ricaner, chaque fois qu’il les pose sur son clavier, c’est comme s’il instillait un brin de folie foutraque dans l’ambiance qui ne parle pas à tourner à l’orage dès le deuxième morceau.

         Faut comprendre, l’amateur très moyen de rockabilly connaît la plupart des morceaux, mais ils ont une manière très spécifique de les interpréter. Ne vous filent pas les titres à tire-larigot à la queue-leu-leu, bonjour-bonsoir voilà le boulot, non ils ne récitent pas leur leçon, ils interviennent à chaque instant, vous les reconstruisent, vous les dégobillent sans retard, mais vous les ressortent totalement métamorphosés. C’est qu’ils possèdent une arme invincible mais souterraine, ils swinguent comme aucun autre groupe de rockabilly, z’ont la pulsation primitive, mais ils ne le montrent pas, partent du principe que chaque morceau doit être mené comme un round de boxe, mais avec quatre boxeurs qui chacun à leur tour sort son uppercut dévastateur.         

 Lucky, il joue la surprise attendue, suspend son jeu, tourne la tête à droite eut à gauche comme s’il ne se rappelait plus de ce qu’il lui faut faire, mais quand il envoie le riff vous supputez dans votre pauvre cervelle la seconde exacte où il va le relâcher, pas maintenant, ni après, ni avant, à l’instant précis où il veut ( ne s’appelle pas Will pour rien), sur son Folsom Prison Blues vous donne une sacrée leçon sur la notion de la liberté de l’artiste, quand il veut, où il veut, il vous pose le bibelot à l’endroit exact où vous n’aurez jamais escompté qu’il soit là. Avec lui chaque écoute d’un seul morceau devient une aventure sonique.

Autre tactique. Celle de Kevin. Il tapote dans son coin. Vous pensez qu’il joue à la belote avec un comparse imaginaire. Le gars loin de tout, retranché dans son quant à soi. Ses camarades se retournent vers lui. Qu’est-ce que tu fous Kevin, on ne voudrait pas te déranger mais si tu faisais un petit truc ça nous aiderait bien, alors il leur adresse un petit sourire, le même que Napoléon avait jeté à Murat pour lui signifier qu’il pouvait mener la charge de ses douze mille cavaliers contre l’infanterie russe à Eylau, mais Kevin c’est la décharge, la canonnade en quinze secondes il vous jette le morceau par terre, l’emporte tout sur son élan,  rasé rasibus, et hop il vous refigure le building qui sort de terre transfiguré de pied en cap, vous impose sa vision du monde, et vous convenez qu’elle est beaucoup plus efficace que la vôtre. Ensuite mine de rien, il joue l’élève innocent qui n’a rien fait, ni vu, ni pris, l’œil aux aguets, prêt à repartir en guerre dès que nécessaire.

Bruno, sur son piano Yamaha, l’est comme vous qui de temps en temps parsemez du parmesan sur votre plat de pâtes, distribue quelques notes pour accompagner, c’est sans préavis qu’il lance la galopade effrénée sur son clavier, ce qui ne l’empêche pas parfois, un doigt à demi replié de s’obstiner sans trêve sur une note qu’il doit avoir envie de détruire l’on ne sait pas trop pourquoi, c’est un peu comme l’étincelle, chère au président Mao Tsé Toung, qui était censée mettre le feu à toute la plaine, en tout cas avec lui, ça marche à tous les coups, le morceau accélère comme une fusée interplanétaire, z’avez l’impression qu’il penche d’un côté et que dans la seconde qui suit tout va s’effondrer happé par cette maudite descente vertigineuse, d’autant plus que l’air de rien Kevin tout en continuant à battre son beurre, attrape le clavier d’une main et le soulève pour accentuer la pente fatale, genre de facétie qui n’empêche pas Bruno de  continuer sa dégringolade de notes infinies.

Pépito met le paquet, à sa façon. N’attaque jamais de face. L’est comme ces motards qui se positionnent au cul de votre voiture et vous poussent à accélérer sans fin. Choisit un de ses camarades, et hop il se colle à lui, en toute innocence, un véritable boutefeu, vous avez l’impression qu’il suit la cadence, il l’englobe d’une sonorité voluptueuse, il suscite le désir d’une course éperdue et c’est parti jusqu’au bout de l’avenue, quand l’autre s’arrête il stoppe aussi sec pour mieux rappuyer sur l’accélérateur, l’a une préférence pour les Gretsch de Lucky, il passe à l’orange et la rouge ne l’arrête pas. 

Le cercle se referme. Will ne se contente pas de sa guitare. Il mène le jeu. Au vocal, faut l’entendre débouler Good Golly Miss Molly, l’a le gosier de fer et de foudre, parfait pour  arracher les dégringolades sublimes, descendre les torrents foudroyants de Blue Suede Shoes et éparpiller  les éclats de grenade de Great Balls of Fire aux quatre coins du monde. En plus un véritable entertainer, en trois réparties il dope la salle qui n’en finit plus de hurler. D’un geste souverain il arrête la furie générale pour la catapulter un quart de seconde plus tard dans un grandiose tumulte.

Trois sets de feu. Etourdissants. Effervescents. Excaliburants. L’ordonne à tous de se lever et de danser. Et tout le monde obéit Dinguerie absolue le You Never Can tell de Chuck Berry avec Bruno et son piano bordel-line…. Béatrice la Patronne indique que l’heure… il est temps d’arrêter l’émeute. Les instruments sont posés à terre. Lucky s’empare du micro court se réfugier dans la densité du public, s’empare du micro et pratiquement a cappella il entonne I Saw The Light le gospel sacrilège d’Hank Williams que nous reprenons tous en chœur… c’est reparti pour trois classiques, l’on termine comme dans les années 70 avec un petit Johnny B. (very) Goode…

C’était la fin. Pas du tout, maintenant l’on passe aux riffs les plus célèbres, genre l’on fait feu de tout bois de Téléphone à Smoke on the Water…

Je m’arrête ici, pour que vous ne soyez pas jaloux. Merci à Béatrice et  aux Coopers. Ce n’était pas une soirée inoubliable mais un rock-choc immémorial.

Damie Chad.

 

*

Ashen continue sa route. Profitent du printemps pour déposer un œuf dinosaurien dans nos pupilles, une nouvelle vidéo explosive. On ne les compte plus, sans compter Smell like Teen Spirit, ce fut Sapiens, Hidden, Outler, Nowhere, Angel, Chimera, Desire, toujours pas d’album, mais une stratégie qui porte ses fruits, Outler, commis par un groupe français, vient d’être crédité d’un million de vues sur Spotify. Voici donc le dernier opus, le dernier obus :

CRYSTAL TEARS

ASHEN

(Official Music Video / Mars 2025)

OUT OF LINE MUSIC

Bastien Sablé a dirigé la vidéo qu’il a scénarisée en compagnie d’Ashen. Le site de Bastien Sablé est à visiter. Il a réalisé de multiples clips pour de nombreux (et nombreuses) artistes de la nouvelle variété française. De mirifiques décors, des mises en scène inspirées, dommage, selon mes goûts de rocker endurci, que les musiques ne soient pas souvent à la hauteur images qui les accompagnent.

Mais pour celle-ci, la transcription mouvante de la  beauté formelle des hallucinations cryptiques échevelées est si parfaitement adaptée à l’univers spirituel darkside et à la violence fragmentale de la musique du groupe, que l’ensemble symbiotique s’inscrit sur les murs charbonneux de  notre nuit mentale en traits de feu sanglants significativement aussi éphémères qu’éternels…

Où sommes-nous ? Dans une des sombres galeries des Indes Noires de Jules Verne, ou en un endroit encore plus dangereux, à ras-de-terre et de cendres des Champs Phlégréens, juste à la l’orée du porche de la caverne qui selon les Anciens conduisaient aux Enfers, au Royaume de la Mort, à moins que cette ombre noire qui chemine précautionneusement, son bras levé supportant un flambeau de lumière indistincte, ne soit un être humain vivant déjà mort. Cette ombre animale que l’on entraperçoit une demi-seconde ne serait-elle pas celle de Cerbère, le chien obturateur rendant impossible toute remontée.

Devant une muraille de schiste noir, le groupe joue, se démène, se trémousse assène la musique sous forme de lingots de plomb noircis, il crie, il hurle, il clame, il geint, il gesticule, il joue… son rôle de chambre noire de Chenonceau, Clem, l’Orphée mythique, n’est déjà plus qu’une âme, les vestiges remuants de ce qui a eu lieu, le vertige rampant de ce qui n’est plus, la dague est plantée dans le sol, en éclat de quartz, un éclair blanc de robe de reine morte, l’épée où se jeter et se percer le cœur, le groupe en transe paroxystique, et Clem qui s’approche précautionneusement, de la fleur de lys, de l’incisive géante d’un monstre antédiluvien, la forme blanche de la lance du Graal, folie noire, fantôme de pierre, albâtre qui grandit démesurément, le toucher, la toucher, est-ce lui, est-ce elle, cette Excalibur proéminente dont la lame froide arde et illumine, mais avant se reposer, se concentrer en soi, se poser les bonnes questions, faut-il s’adresser à lui, à elle, à soi-même, à cette énigme translucide, alors que l’on dit que la Mort est blanche, et ce menhir illuminatif, qui est-il ? Pourquoi ne serait-il pas moi. Serait-il l’autre. De l’autre côté du miroir. N’aurait-il pas la forme d’un cœur. Immortel puisqu’il ne bat plus. Confrontation avec l’autre de soi-même. Gerçure et brûlure à la jointure. L’orchestre exorcise sa fureur. Bersek de lui-même. Hurlement. Qui meurt là, qui tombe et s’affale sur la pierre druidique, qui titube et s’appuie sur le pilier christique. Communion. Extrême-onction sacrificielle. Le groupe massacre-t-il de désespoir sa musique noisique. Plus personne. Ne reste plus, sublime, immarcessible, que l’épée blanche qui semble s’élever vers le ciel. Serait-elle la représentation de l’aile d’un ange rilkéen. Celui élémental qui descend.

Damie Chad.

Nota-Bene : L’œuvre au noir, la forme blanche n’évoque-telle pas la forme oblongue d’un cercueil, peut-elle être éblouissance. En quoi le tout se résorbe-t-il ! La forme blanche est-elle l’épée de la séparation ? De cet autre côté de nous-même que nous sommes et ne sommes point. Notre somme additionnelle n’est-elle égale qu’à la silhouette du 1 maladroitement tracée, cette frontière qui ne délimite qu’un même et unique royaume. Toute la douleur existentielle de cette dichotomie de nous-même qu’aucun scalpel de pierre ne parviendra jamais à séparer de nous-même car notre vie s’apparente si bien à notre mort que nous sommes tout aussi bien que nous ne sommes pas, ce tout que l’on voudrait ne pas être ou ce rien que l’on voudrait être.

Une lecture plus simple, l’adieu à l’androgynie que l’on a été, que l’on a cru être et que l’on n’est plus. Cette coupure de l’autre qui n’est que la coupure de soi-même d’avec l’autre. Vouloir être dans une unique solitude et n’être plus que la solitude de soi-même. Un moins Un égale toujours Un. L’illusion posthume du 2. Le Un est toujours seul, séparé de sa propre multiplicité.

Pour aider à réparer la fracture, Platon disait que l’on ne pouvait passer du Un au Deux, sans quoi le Un reste seul. L’a préconisé le principe de la dyade qui n’est autre que la reconnaissance du Deux, non pas en son unité, mais en sa dépendance à l’autre qui reste l’Un, ce qui de fait de la dyade le principe de la reconnaissance de la multiplicité infinie, qui n’est autre que le ravalement du Un, non pas en sa Unicité, mais en simple fraction élémentale de la répétition du Même.

Le Même n’étant que la négation de l’unicité du Un. Or un Un qui n’est pas unique nous oblige à vivre  l’équivoque relationnel avec tout autre. A nous atomiser avec le n’importe quoi. Une espèce de suicide collectif métaphysique en quelque sorte. Commis par un seul.

Damie Chad.

 

*

Vous avez des mots et des titres qui vous attirent plus que d’autres. J’avoue avoir pas mal barjoté sur le Midnight Rambler des Stones mais là je suis servi : un groupe qui se nomme Nightstalker, mais qui très vite aggrave son cas, ils sont grecs, d’Athènes, sont cités dans la mouvance de Rotting Christ, quant au titre de l’album jugez-en par vous-même,

RETURN FROM THE POINT OF NO RETURN

NIGHTSTALKER

(Heavy Psych Sounds Sounds Records / Mars 2025)

         En langue anglaise ‘’starlker’’ désigne un rôdeur dont il vaut mieux se méfier, l’on ne sait ce qu’il manigance mais vous êtes sûr qu’il ne travaille pas au bonheur de l’humanité, il désigne aussi un chasseur lancé sur une piste qui n’appartient qu’à lui. Stalker c’est aussi le film du réalisateur soviétique – il eut quelques ennuis avec le régime – Andréi Tarkowski. Une étrange histoire d’un stalker mystérieux qui guide au travers d’une zone désolée et interdite deux voyageurs, un écrivain et un professeur, vers une mystérieuse cellule où vous atteindriez l’horizon zénithal de  l’absolu de vos désirs profonds… Le film est sorti en 1979, il a trouvé une étrange résonnance dans la zone interdite située autour de la centrale nucléaire de Tchernobyl explosée en 1986 dans laquelle certaines espèces animales semblent avoir développé une espèce d’armure biologique contre les radiations atomiques… Si vous partez du principe que l’Homme n’est qu’une espèce animale parmi tant d’autres, toutes les cogitations vous sont permises… Stalker est aussi le nom du blogue littéraire de Juan Asensio adonné à la dissection du cadavre de la littérature…  

         Le retour au point de non-retour doit-il être considéré comme une régression ou une avancée. Une deuxième chance ou la peur de s’enfoncer dans la logique d’un cheminement. De toutes les manières l’idée du retour n’implique pas-t-elle la notion de l’origine quel que soit le sens de votre marche qui, même si vous revenez sur vos pas, en reposant systématiquement chacun de vos pas dans vos propres empreintes vous oblige à dessiner l’idéelle figure d’un cercle nietzschéen…

         La pochette vaut le détour. Cette espèce de ville endômée, endoomée par une calotte humaine protectrice et emblématique – appréciez au-dessous l’espèce de péristyle morcelé, ces colonnes qui furent la fierté des cités grecques antiques et par-dessus le capillaire village rural  exhaussé sur les déclivités crâniennes du crâne, poussé tel un rêve, qui ne veut pas mourir et s’accroche désespérément aux superstructures de cet exo- squelette tombal et génital.   

Cette couve est d’Alexander Von Wieding, un illustrateur qui a beaucoup travaillé en  packaging et notices diverses en relation avec la production industrielle, amateur de blues depuis 2006 il s’est spécialisé pour la production de pochettes d’albums. Son Instagram regorge de photos de couves pour des groupes et des chanteurs dont j’ignorais l’existence. Idéal pour mesurer le gouffre de votre ignorance, car l’intérêt pour les images vous empêche de vous attrister sur vos manques de connaissances.

Nightwalker fut fondé en 1989. Ce disque est leur septième album, ( + deux lives et quelques simples),

Andreas Lagios : bass / Dinos Roulos : drums, percussions / Tolis Motsios : guitares / Argy : vocal, lyrycs, percussions.

Dust : si vous vous  attendez à une sereine méditation sur la poussière que vous êtes et sur la poussière que vous deviendrez, c’est râpé, la batterie bouscule vos synapses, des tourbillons sonores précipitent vos circuits cérébraux en une espèce de surdopéisation de vos neurones préférés.  Plus de chair  vous êtes comme sur la couve réduit à l’os de vos prétentions, comme quoi tout se passe dans votre tête, au-dehors tout se rétrécit, Argy vous prévient, tout a une fin, même ces jours que vous avez longtemps crus heureux. En quatre courtes strophes il vous indique le début de la catastrophe. Une seule consolation la guitare de Tolis, toujours ça de pris sur l’ennemi. Heavy Trippin’ : dur, dur docteur Arthur, un peu de méditation, la basse de d’Andreas vous y invite, mais les camarades haussent le niveau sonore, l’introspection silencieuse c’est terminé, pratiquement une confession publique obligatoire, modulée d’un vieux fond bluesy salement malmené, c’est beau comme du Verlaine mais ça remue comme Le Bateau Ivre de Rimbaud, vous avez vécu dans un rêve, du toc de chez toc-toc qui refuse la réalité, qui oublie le malheur de ses congénères, qui ne pense qu’à sa petite quiétude personnelle, c’est fou comme le temps s’allonge indéfiniment lorsque l’on tourne et retourne en soi-même, alors qu’autour de vous tout se désagrège à une vitesse supersonique. Il est temps de prendre les décisions qui s’imposent. Pour vous consoler les quinze dernières secondes du morceau sont superbes. Jamais entendu une semblable coda à décoder.

Uncut : je vous rassure, ils ne sont pas tombés dans un trip à l’acoustique, l’électricité ronronne à fond, à gros flocons, si vous ne me croyez pas vous avez une vidéo, en studio et sur scène, de vrais rockers ils jouent au billard à trois boules, pas à l’amerlok, toute la différence entre un traité d’Aristote et un roman naturaliste, ce dernier est bien plus simple mais nécessite moins d’aptitude intellectuelle, s’amusent aussi au flipper et z’ont des groupies à foison. Ce qui est un peu à contre-courant du scénario aujourd’hui fortement  conseillé parce qu’après qu’Andras nous a appris ce que l’on peut faire avec une basse, l’Argy, ce n’est pas de l’argile, l’est dur comme du granit, vous congédie sa copine sans fioriture, le temps des simagrées et des faux-semblants c’est terminé, pour les féministes concentrez-vous sur la machine de guerre de ce groupe, ils n’ont peut-être pas inventé le lait en poudre, mais c’est si puissant et si beau que dans vos cerveaux ils font pousser l’herbe qui nourrit les vaches.  Return from the Point of No Return : encore une vidéo, vous voyez l’Argy se livrer à ses petites activités matinales un peu de sport, un peu de bourbon, finit par se rouler un joint aussi gros qu’un bâton de maréchal, vous voyez le groupe jouer et

surtout vous entendez la mayonnaise, elle vous emporte sur le haut sommet de l’Empyrée, le Dinos, l’a la frappe dinosaurienne, vous berce dans les roulements incessants de ses toms, ne cédez pas à l’hypnose musicale, Argy est en train de mettre de l’ordre dans son existence, confond un peu son balai avec un char d’assaut, mais faut ce qu’il faut, ou vous êtes capable de retourner au point de non-retour ou vous ne l’êtes pas. Sachez repérer les cris en sourdine. L’art du hurlement souterrain n’est pas donné à tout le monde. Un morceau qui fait place nette. Shipwecked Powder Monkey : attention de l’eau dans les écoutilles, sont comme fatigués d’écoper, se reprennent vite, z’ont intérêt maintenant à se magner car ça entre par gros paquets, voici les temps de l’incertitude le moment où l’on s’aperçoit de l’équivalence de nos actes, que l’on fasse ceci ou cela, le résultat est identique, maintenant le groupe fonce en piqué et en escadrille, les choses t’échappent, vous filent les derniers enseignements, tu n’y peux rien, l’existe un point où l’avant devient l’après, à moins que ça ne soit juste le contraire, tu te dois avancer, mais c’est le temps qui te rattrape et te dépasse.  Guitare en chappe de plomb te percent les oreilles, te bercent dans ton incomplétude, dans ton impuissance programmée. Shallow Grave : cette basse trop grave, plus basse que la terre que tu as creusée pour enfouir tes rêves et ta volition,  voici donc le slow des grandes glaciations, la musique dodeline, au bout de la mort une renaissance, un rite de passage, les tisons de la guitare te réchauffent la musiquen se redressent tel un serpent prêt à se battre, fais le tour de tes anneaux mémoriels, ne te laisse pas enfermer dans le cercle vicieux de tes habitudes. Reviens à toi. Extrais-toi de ta propre tombe. Falling Inside : le retour en soi, une pierre qui dévale la colline, qui tombe, qui n’en finit pas de tomber, de plus en plus vite, le rythme s’accélère, il est trop impétueux pour que tu aies le temps d’avoir peur, le groupe explose littéralement, un élan dévastateur, créateur, tout au fond tu trouves ce que tu cherchais en vain depuis longtemps. En toi-même. Te voici redevenu toi-même. Tout voyage est intérieur. Tu es le retour et tu es en même temps le non-retour pour ne pas stagner. Flying Mode : le son est lourd, il ne trébuche pas, il s’amplifie, le tout est de ne pas s’appesantir en soi, de ne pas se confiner en une morale étriquée du bien et du mal, la zique prend son envol, faut savoir s’envoler, le chant devient encombré de parcelles de gai savoir, vivre ses rêves c’est déjà vivre, le cheval fou de la batterie trottine allègrement, bientôt il galope ardemment, rejoint par le reste de la horde, crinières pâmoisantes de guitares, toujours de l’avant, cris de joie, de victoire et de triomphe. Si vous restez à les écouter vous ne les rattraperez jamais.

         Enthousiasmant. A écouter attentivement, peuplé d’idées musicales inédites. Un groupe au sommet de son art. Testamentaire en le sens où les héritiers viendront boire. Source vive.

         Tellement bon que j’ai voulu en écouter davantage, j’ai choisi un titre choc :

DEAD ROCK COMMANDOS

(Small Stone Records / 2012)

Pas tout à fait au hasard, d’abord une pochette d’Alexander Von Wieding qui n’est pas sans préfigurer un demi-quart de siècle à l’avance celle de Return from the point of no return, un peu moins réussie toutefois, quel sens donner à ce trognon de pomme déposé entre les mâchoires de cet animal monstrueux aux dents hyper développées de tyrannosaure, si ce n’est celle d’une éthique rock qui consiste à croquer la vie à pleines incisives mais en privilégiant uniquement les  meilleurs morceaux. N’est-ce pas normal que Kr(tnt ! qui vous propose chaque semaine les aventures de l’Avenir du Rock dans le désert d’Egypte se penchât aussi sur ces commandos du rock décédé, un titre d’autant plus énigmatique que si l’on en croit nos oreilles le cadavre en pleine forme s’agite beaucoup pour un moribond. 

Go get some : choc de zinc dézinguant, z’en remettent une couche et c’est parti pour le rock’n’roll, le vocal qui klaxonne comme une trompe pour vous avertir que l’avalanche déboule sur vous, trop tard vous êtes déjà enseveli dans les neiges éternelles, une guitare non décarbonée signale l’endroit de votre passage, de l’autre côté de la montagne noire. N’ayez crainte seulement une métaphore afin de vous inculquer la rudesse de l’art tonitruant de vivre rock’n’roll. Pas difficile vous cherchez à crever la gueule ouverte mais vous recracher les pépins de la mort pour ceux qui les ramasseront et s’en nourriront. Codicille de dernière importance : ou le rock ou le néant. La vie appartient aux excités. Soma : nouvelle somation. Vous la lancent à la balle dum-dum.  Très agréable, musicalement parlant si vous aimez le rentre-dedans, délectable aussi si vous suivez les conseils, pardon les ordres. Un combat au corps à corps, jouissance sexuelle tous azimuts, une guitare qui hennit de plaisir et le reste e la bande qui enfonce le clou dans les cercueils de chair. Dead Rock

Commandos : vous avez une vidéo pour vous aider à comprendre, le printemps qui s’éveille, la nature presque frémissante, déboulent en courant, tous habillés de noir, un moment pour comprendre qu’ils sont poursuivis, qu’ils sont vont être rattrapés, on se saisit d’eux, on leur recouvre la tête d’un voile blanc, sont emmenés sur les lieux de leur exécution, brutalement on les libère et on les place derrière leurs instruments, morale de l’Histoire, il y a commandos et commandos, les uns détruisent la planète et lobotomisent les populations et les autres se servent de leur musique pour se défendre et survivre. Riffs noirs et sombres à grandes enjambées vous assomment, eux aussi sont des commandos, les commandos du rock. Ceux qui cherchent à tuer le rock, ceux qui se battent pour qu’il survive. Le texte est beaucoup plus politique qu’il n’y paraît. One million broken promises : pompent plus vite et plus énergiquement que les shadocks, normal ce sont des shadrock, n’en profitent pas pour rejeter la faute exclusive sur le reste du monde, reconnaissent leurs torts, ils boivent, ils se droguent, reconnaissent qu’ils ont peur, qu’ils se dépatouillent mal, parce l’ombre de la mort les terrorise et que l’on meurt toujours seul. Rarement entendu une si grande probité intellectuelle chez les groupes heavy et metalleux. En plus ils vous l’assènent sans ambages et surtout sans repentir ni fausse honte.

Children of the sun : la vidéo vous évitera de croire qu’après une crise mystique subite le groupe se soit converti à l’idéologie hippie. Musique franche et directe assénée à pleines bouches, à pleins instruments, vidéo superbement mise en scène, toute simple mais pétillante d’intelligence, rock bien sûr mais avant tout une superbe pantomime des relations humaines, une traduction de cette complicité entre les individus qui les relie tels qu’ils sont avec toutes leurs différences. Les petites ironies de la vie, pour reprendre un titre de Thomas Hardy. Suffit de ne pas croire en la petite fleur bleue. Back to dirt : face B. Une lettre de bienvenue à un nouveau-né, elle n’est pas rédigée par Madame de Sévigné, la batterie vous met les points sur les i, la basse froisse le papier, le vocal bien fort pour que l’on n’ait pas besoin de le lui répéter quand il aura grandi, la guitare lui scie les planches pour son futur concert, on ne lui cache rien au petitou, il sort du trou de sa mère, il finira dans un trou de la terre, pour le reste débrouille-toi comme tu veux, un conseil fais-toi tout petit, et essaie de vivre jusqu’au jour de ta mort. Tu y passeras comme nous tous. Une tendresse en fer forgé. Keystone : une seule clef de voûte pour tenir une vie à peu près droite : le rock’n’roll. Qui balance pas mal avec des appuyés au forceps. Parce que t’es rock, t’en prends plein la gueule, tu t’en fous tu as toujours un temps d’avance sur les autres, mais surtout sur toi-même. C’est ainsi que je ne suis plus moi-même puisque je suis devenu moi-même. Me reste encore à apprendre à aimer. Rockaine : une guitare torturée, elle a dû écouter Jimi Hendrix, quel kaos dans sa tête, le moment du doute, tu t’es sorti de l’enfer pour entrer dans un autre, la batterie joue à l’éléphant dans le magasin de porcelaine, la basse repeint les murs en noir, obstination d’un pachyderme dans la toundra glacée qui essaie de trouver en lui-même un pâturage d’herbe fraîche, l’est pas près de brouter tout à son aise. The boogie man plan : mauvais plan. Encore plus violent que le précédent. Fait le point, l’a peur de tout, du quotidien et de l’exceptionnel. Un coup de projecteur sur Dead Rock Commando, encore une fois le groupe se démarque des autres, certes les instrus vous baladent dans un hachis parmentier saignant, vous aurez du mal à reconnaître vos oreilles embringuées dans ce vortex, mais au contraire de tous les groupes, il ne se cache pas derrière les mots, l’a la trouille de lui-même et encore plus des talibans. Talibang, le mot résonne, un défi civilisationnel, la déjante du rock’n’roll  face à la laideur du monothéisme sociétal. The underdog : entrée en fanfare, accueillez le héros, l’outsider que plus personne n’attendait plus, le voici, le voilà, il revient du vingt-quatrième dessous, faut entendre comme la batterie tape des mains, la guitare exulte, la basse monte haut, attention, les acclamations se voilent, l’outsider vous donne sa propre leçon de survie, vivez cachés, faites-vous oublier, rentrer dans un trou de souris, de toutes les manières pour les jeunes générations c’est trop tard. Affirmatif . Cinq sur cinq. Elles ne survivront pas.

         Musicalement, très brut de décoffrage. Du solide. Du résistant. Du béton armé. Peu d’imagination, mais c’est avec des pierres unidimensionnelles que l’on a bâti les pyramides. Question moral, il va descendre plus bas que les talons de vos santiags. Noir de chez noir. Ne vous reste plus rien à vous mettre sous la dent. Ah ! si un vieux trognon de pomme fossilisé. N’espérez rien. Claque rock. C’est que l’on appelle l’énergie du rock’n’roll ! A vous injecter en intraveineuse chaque soir, même dose au petit matin. Vous aurez de quoi opposer au cauchemar qui se profile à l’horizon. Médicamentation rock’n’roll du bon docteur :

Damie Chad.

 

CHRONIQUES DE POURPRE 664 : KR'TNT ! 664 : TCHOTCHKE / DARTS / JACKIE DESHANNON / LIVERBIRDS / CHRIS CLARK / BEE DEE KAY DRIVES THE U.F.O. ZZZ + MARY / ASHEN / ACROSS THE DIVIDE / AUSTIN OSMAN SPARE

KR’TNT ! 

KEEP ROCKIN’ TIL NEXT TIME

LIVRAISON 664

A ROCKLIT PRODUCTION

FB : KR’TNT KR’TNT

07 / 11 / 2024

 

 

TCHOTCHKE / DARTS / JACKIE DESHANNON

 LIVERBIRDS / CHRIS CLARK

BEE DEE KAY DRIVES THE U.F.O. ZZZ + MARY

ASHEN / ACROSS THE DIVIDE

AUSTIN OSMAN SPARE

 

 

Sur ce site : livraisons 318 – 664

Livraisons 01 – 317 avec images + 318 – 539 sans images sur :

http ://krtnt.hautetfort.com/

 

 

L’avenir du rock

 - Tchotchke de choc

         — Comment pouvons-nous te choquer, avenir du rock ?

         — Ça risque d’être très difficile...

         — Si on te traite de gros con, ça va bien te choquer, non ?

         — Pas le moins du monde. C’est un fait que j’assume avec fierté.

         — Alors si on te traite de petite bite, tu vas blêmir, non ?

         — Vous ne connaissez pas les privilèges de l’hermaphrodisme, bande d’ignares...

         — Ah tu vas le prendre vraiment très mal si on te traite de sale juif !

         — Pfffff, c’est d’une banalité qui frise l’indigence, ou pire encore, le manque d’imagination. Comment veux-tu que ça puisse me choquer ? Par contre, si tu me traites de sale nègre, là, oui, c’est intolérable.

         — Bon alors, on va te clouer le bec pour de bon en te traitant de sale beauf...

         — C’est effectivement ce qui peut arriver de pire à un être humain. Chaque fois que t’en croises un, t’es partagé entre deux façons de réagir : le dégoût ou la compassion. Les beaufs se reproduisent comme les rats, ça prolifère, t’en as partout, même dans ta famille et tes cercles rapprochés. Tu soulèves une pierre sur le bord du chemin et tu les vois grouiller. Spectacle dégoûtant ! Les beaufs c’est ça, mais si tu traites de beauf quelqu’un qui ne l’est pas, ça ne sert à rien. C’est une injure gratuite, qui fait autant d’effet qu’une balle à blanc. C’est un coup d’épée dans l’eau. Désolé d’avoir à vous dire ça, les amis, mais votre notion de choc est complètement dépassée. Aujourd’hui, on ne parle plus de choc mais de Tchotchke. Attention, amigos, ce n’est plus du tout la même chose. 

         T’arrive devant la scène avec la gueule enfarinée. Trois petites gonzesses déboulent sur scène. Tu ne sais même pas comment elles s’appellent. Bof, une première partie des Lemon Twigs, ça devrait pas être trop mal.

Devant toi, la petite bassiste s’applique et ramène, par sa seule présence, toute la fraîcheur du monde dans le set. Là-haut, sur son estrade, la batteuse/chanteuse allume ses cuts un par un, et là-bas, de l’autre côté, la guitariste gratte sa Strat sans effet, elle reste en mode clairette. On l’aura compris : zéro frime.

Tout est dans les chansons. En fait, elles jouent une pop très dépouillée, mais au fil des cuts, tu sens comme le poids d’un envoûtement sur ta pauvre vieille cervelle. Tu comprendras mieux plus tard, quand tu apprendras qu’elles ont enregistré leur album chez les frères d’Addario, ce qui est un sacré gage de qualité. Il est parfois bon de ne rien savoir quand tu vois un groupe sur scène. Tu juges sur pièces. C’est bon ou c’est pas bon. Les Tchotchke, c’est bon, et même super-bon. Cut après cut, elles étendent leur empire et ça te monte vite au cerveau.

La batteuse s’appelle Anastasia Sanchez, elle navigue exactement au même niveau que Curt Boettcher, elle sait vriller son chant pour créer de la magie pop, notamment sur «Oh Sweetheart One», ce chef-d’œuvre de candy pop collante et dégoulinante de candeur, monté sur une structure d’une ahurissante simplicité.

Derrière son micro et ses fûts, Anastasia vrille des couplets d’une indicible beauté. Tu vas retrouver cet objet d’art pop indubitable sur leur album sans titre. L’autre merveille du set s’appelle «Dizzy», qui sonne comme une fabuleuse descente dans le lagon d’argent de la pop, ces trois gonzesses sont aussi ambitieuses que les Lemon Twigs, elles flirtent elles aussi avec le génie pop de Brian Wilson. Elles tapent plein de merveilles qui ne figurent même pas sur l’album, franchement, t’en reviens pas de toute cette qualité. T’as l’impression que le monde pop s’enfonce dans la médiocrité, et tout à coup, les Tchotchkettes et puis les Lemon Twigs te remettent les pendules à l’heure. Alors tu reprends espoir. Grâce à ces deux groupes, les Byrds, les Beatles et Brian Wilson restent d’actualité. Ils sont aussi précieux que l’air qu’on respire.

         L’album sans titre des Tchotchke est une petite merveille, cela va sans dire. T’es tout de suite dans le haut de gamme avec «You’ll Remember Me», belle pop ambivalente, d’essence impérissable, elles disposent de cette faculté extraordinaire à savoir vriller le chant pop. C’est du Brill d’obédience vertigineuse, quasi spectorienne sur le bonus track. Anastasia chante comme une reine de Nubie blanche. On recroise ces deux coups de génie que sont «Dizzy» et «Oh Sweetheart One», mais tu vois aussi Anastasia swinguer «Come On Sean» à la pointe de la glotte, et sur «What Should I Do», tu entends les frères d’Addario. Ce fantastique cut de salubrité publique sonne comme un hit du Brill. On croise aussi ce «Don’t Hang Up On Me» joué sur scène, une pop d’essence cristalline et aérienne. Elles s’en donnent toutes les trois à cœur joie, franchement c’est un bonheur que de les voir sur scène chanter cette merveille d’exubérance. Et comme l’album est bien produit, tu retrouves tout le punch de la version scénique. Nouveau coup de Jarnac avec «Whish You Were A Girl» : fantastique shoot de Brill, ah on peut dire qu’elles Brill au firmament, Anastasia mène sa pop flamboyante qui explose en solaces d’excelsior au moindre refrain. Et avec «Longing Delights», tu retrouves toute la folie des Lemon Twigs dans cette apothéose de pop wilsonienne.

Signé : Cazengler, le poids des mots, le tchotchtk des fautes

Tchotchke. BBC. Caen (14). 25 septembre 2024

Tchotchke. Tchotchke. Tchotchke Records 2022

 

 

She Darts it right

 - Part Three

         Sur scène, les Darts restent imbattables. Incompressibles. Irréprochables. Indéfectibles. Inévitables. Immédiates. Inoculables. Infaillibles. Irrésistibles. Immatures. Infectueuses. Impondérables. Indémodables. Intarissables. Indubitables. Mais prenons garde, car à force de plasticité gaga, elles finiront par nous insupporter autant que les Fleshtones. Pas besoin de sortir de Saint-Cyr pour savoir que le gaga est un genre dramatiquement limité, surtout le gaga-dorgua, celui des Fuzztones et des Lords Of Altamont en particulier. Les gangs de gaga-dorgua passent leur vie à vouloir briser une routine qu’ils ne briseront jamais, car la routine est leur spécificité. La routine d’orgua est leur ADN. Seuls Question Mark & The Mysterians ont su briser le sort de la routine gaga-dorgua. Ils ont dû pour ce faire verser 96 larmes. Cry cry cry.

         Un set des Darts s’avale d’un trait, pas de problème. Comme tous les sets, celui des Darts connaît des hauts et des bas, de beaux hauts dirons-nous, et des bas pas beaux. Jusques là, rien de nouveau. Fidèle à sa tradition, Nicole Laurenne multiplie les antics, à défaut d’être la reine du rodéo, elle est celle des cabrioles, elle bat même Jake Caveliere à la course, elle adore s’allonger au sol et faire tomber son Farfisa sur elle, elle adore empêcher sa guitariste de jouer en l’enlaçant comme un boa constrictor, elle adore sauter sur place, d’ailleurs, elle ne fait que ça, elle est très athlétique, incapable de rester calme plus de trois secondes. Elle observe bien le rituel du gaga-dorgua qui consiste à chasser les temps morts, tout doit sautiller en permanence, l’énergie doit couler à flots, ça doit pulser dans les tubulures, ça doit couiner dans les circuits. C’est drôle comme ce genre parvient à survivre, malgré ses limites. On continue d’aller voir ces groupes sur scène et, pire encore, on continue de ramasser les disks au merch. Cette manie pourrait s’apparenter à une bonne petite pathologie. T’es là, et dans les moments de grande intensité, tu te demandes pourquoi t’es là. T’en sais rien. Tu vois tout ça de l’extérieur. Tu ne peux pas faire semblant d’être le fan que tu n’es plus.

Alors tu observes, essayant désespérément de ne pas trouver le spectacle (dans son ensemble) grotesque. Quel sens ont les Darts aujourd’hui ? C’est en te posant ce genre de question que tu peux espérer y voir plus clair.

         Au pire, le set te fatigue. Au mieux, il te remonte un peu le moral. Dans l’in between, ça grouille de considérations :

         — Ouais, c’est bien de perpétuer la tradition.

         — Ouais, tant que des groupes comme les Darts monteront sur scène, le cœur du rock continuera de battre.

         — Ouais, elle en fait un peu trop, mais il vaut mieux en faire trop que pas assez.

         — Ouais, ça fait vingt ans qu’elle se maintient à niveau.

         — Ouais, elle est l’une des meilleures dans son genre, aussi bonne que la Flavia des Courettes et la Jackie des Jackets.

         — Ouais, les Darts, ça darde !

         — Ouais, c’est sûr qu’on va retourner les voir le mois prochain. Encore une bonne soirée en perspective ! Ouais ! Mille fois ouais !

         — Ouais, avec les Darts, c’est du zyva automatique. Tu ne te poses des questions qu’une fois arrivé sur place.

         Effectivement, tu te prends au mot et t’y retournes. Cette fois, dans ton spot préféré, au Petit Bain, là où ça rocke le boat pour de vrai. Quand elles déboulent sur scène, elles balaient le souvenir des deux premières parties, c’est tout de suite américain, c’est tout de suite en place, c’est tout de suite les Darts, c’est tout de suite wham bam, c’est tout de suite «Underground» et tout de suite suivi de «Graveyard», c’est tout de suite du 100 à l’heure, c’est tout de suite mal barré pour les canards boiteux, c’est tout de suite claqué du beignet, c’est tout de suite exactement la même set-list qu’à Rouen un mois auparavant, alors tu n’as plus qu’à te laisser porter, elles font tout le boulot, tu veux ta rasade ?

Elles te la servent sur le meilleur des plateaux d’argent, et t’as une salle bourrée de fans. Au moins ceux-là ont payé. Nicole Laurenne ressort tout son bataclan, la course sur place, le dos au sol avec le Farfisa sur le ventre, et toute la fantastique présence scénique dont elle est capable. Elle rampe pas mal, elle semble en donner encore plus aux Parisiens et puis c’est dit-elle le dernier set d’une tournée qui a commencé au mois d’avril. Le centième ! Elle devrait en avoir marre, mais elle y va. Elle est encore meilleure qu’avant, et le set des Darts prend du relief, le jeu de scène est bien rôdé, t’en veux pour ton billet ? Tiens-en voilà pour ton billet.

Ça rocke à outrance, les deux bras droits de Nicole Laurenne s’en donnent à cœur joie, elles voyagent pas mal sur scène, et derrière, la petite  Mary Rose aux cheveux verts bat un beurre de tous les diables, elle ne fait pas dans la dentelle. Nicole Laurenne communique bien avec le public, elle a fait des progrès en français. Et puis elle a cette façon de lancer les cuts qui tape chaque fois en plein dans le mille, la main droite sur le clavier et, face au public, elle court sur place en secouant les cheveux. Elle court très vite, on a même l’impression qu’elle accélère.

Et au bout d’une heure de bons et loyaux services, elles finiront de gaver les oies : t’auras exactement le même rappel qu’à Rouen, avec «Love Tsunami», «Shit Show» et «Liar». Ensuite ? Eh bien ensuite, tu sortiras de là sonné et ravi. T’auras vu trente-six chandelles et, last but not least, t’auras aussi vu le real deal des girl-groups contemporains. Et t’auras bien mérité un dernier tonic à la cantine.

         Et les disks dans tout ça ?

         Avec Snake Oil, tu t’aperçois que Christina Nunez vole bien le show avec son fat bassmatic, notamment dans le morceau titre d’ouverture de bal. Les Darts sont folles : elles attaquent à la stoogerie avec un bassmatic pétaradé. Ah comme elle patate bien, la grosse Christina ! Elle est mixée à l’avant du son et ça lui donne de sacrées coudées franches. Les Darts adorent filer tout droit, comme le montre encore «Love Tsunami», et on assiste toujours au même déroulé. Nicole Laurenne compose tout, elle contrôle tout le monde des Darts. Même le merch, c’est elle. Elle tape son «Love Song» en mode Big Astmospherix assez hellish. Avec «Underground», on assiste à un fabuleux déroulé périphérique, elle rafle la mise à coups de put it down, elle adore faire exploser ses cuts, en studio comme sur scène. Avec elle, ça se remet en route vite fait. Elle tape son «Donne Moi Tout» en français. Dommage que le chant soit noyé dans la morasse. Les derniers fans de gaga-dorgua vont forcément bien se régaler avec cet album qui a pour principal mérite celui d’exister.  

         Comme elles traversent une grosse crise de productivité, elles sortent un tout nouvel album : Boomerang. Pochette superbe, avec une sorte de graphisme crypté. Ambiance murs tagués du CBGB. Elles repartent de plus belle à la conquête du Mondo Bizarro, elles enfoncent bien leur clou dans la paume de la routine et attaquent au gros tatapoum. Il faut attendre «Pour Another» pour frémir sincèrement. Belle attaque de bassmatic invasif. Elles développent un fantastique heartbeat. Christina Nunez gratte un sacré thème, il faut bien admettre qu’elle est l’une des cracks du bassmatic moderne. Puis les Darts replongent dans leur fontaine de jouvence avec un «Liar» classique mais bienvenu, et ça explose plus loin avec «Photograph». C’est encore Christina qui attaque ça en coupe réglée. Pas de pitié pour les canards boiteux ! Darty for real ! Elle lâche encore un bassmatic de destruction massive sur «Hell Yeah». En fait, c’est elle, la grosse, la star des Darts. Belle énormité encore avec «Night». Toujours cette fantastique énergie pulsative, même dans les cuts lents. Le turbo processeur est de retour avec «Welcome To My Doldrums» : basse pouet pouet et drive d’orgua, véritable effusion d’effervescence, c’est brillant et dévastateur. Du coup, t’as hâte de les revoir sur scène. C’est comme si tu ne pouvais plus t’en passer.

Signé : Cazengler, Dark

Darts. Le 106. Rouen (76). 22 septembre 2024

Darts. Le Petit Bain. Paris XIIIe. 19 octobre 2024

Darts. Snake Oil. Alternative Tentacles Records 2023

Darts. Boomerang. Alternative Tentacles Records 2024

 

 

Wizards & True Stars

 - Shine on De Shannon

 (Part One)

         On va profiter d’une petite actu sur la belle Jackie DeShannon pour lui consacrer un Part One plus que bien mérité. S’il en est une qui entre de plain-pied dans la cour des Wizards & True Stars, c’est bien elle. Dans Record Collector, Lois Wilson indique que la belle Jackie atteint l’âge canonique de 83 balais et qu’elle se produit encore - Still performing - Elle a fait ça toute sa vie. Elle dit ne pas se souvenir d’un seul instant où elle ne composait pas, ou ne chantait pas.

(Sharon Sheeley & Eddie Cochran)

         Pas compliqué la vie : il suffit de devenir pote avec les Beatles quand ils font leur première tournée américaine en 1964. Puis t’as les Byrds et les Searchers qui reprennent tes compos. Alors ça devient easy. «When You Walk In The Room», c’est elle, et la naissance du folk-soul-rock de Laurel Canyon, c’est encore elle avec, justement l’album Laurel Canyon. C’est assez con à dire, mais il n’existe pas de blonde plus légendaire que la belle Jackie. Elle a aussi pas mal tapé dans Burt («What The World Needs Now Is Love»). Elle est très prématurée, elle se fait connaître à l’âge de 13 ans sous le nom de Sherry Lee, et à 16 ans sous le nom de Jackie Dee. En 1960, elle signe un publishing deal avec Liberty et devient pote avec Sharon Sheeley, la poule d’Eddie Cochran, qui a déjà pondu des hits pour Eddie et Ricky Nelson. Cot cot ! Elles bossent ensemble, Jackie fourbit la mélodie et elles tapent les lyrics ensemble. Mais son deal chez Liberty n’est pas bon. Ils veulent la voir composer, pas chanter. Elle parvient quand même à enregistrer un premier album en 1963. Elle y tape trois covers de Dylan. Elle voulait faire tout l’album avec des covers de Dylan, mais les mecs de Liberty n’ont pas voulu. Pourquoi ? Parce qu’ils n’ont rien pigé à Dylan. On y reviendra dans un Part Two, car cet album est un gros morceau. Elle raconte aussi qu’elle a dû se battre pour enregistrer le «Needles & Pins» de Sonny Bono et Jack Nitzsche - Liberty didn’t like that song either. They thought it was strange. But I put my foot down this time. I knew I had to do it - Eh oui, elle a eu raison de tenir bon. C’est l’un des plus beaux hits d’Amérique. 1963 ! Elle est déjà très en avance sur son temps. Le seul qui la comprenne, c’est Jack Nitzsche. Ensemble, ils écoutent Malher, Stockhausen, Wolf et Robert Johnson. Il n’y a pas de hasard, Balthazar. En 1963, les Searchers sont à Hambourg avec les Beatles et Cliff Bennett. Ils découvrent «Needles & Pins». Flash immédiat - We were awestruck by the song - La même année, ils tapent leur cover de «When You Walk In The Room». Pendant la fameuse tournée américaine des Beatles en 1964, le public hue les premières parties, même les Righteous Brothers. La seule qui tient le choc, c’est la belle Jackie.   

         En 1965, elle rencontre Burt. Elle flashe sur «What The World Needs Now Is Love». Mais Burt ne veut pas lui filer la chanson. Pourquoi ? Parque que Dionne la lionne n’a pas voulu l’enregistrer - she turned it down - Pareil pour Timi Yuro qui l’a aussi refusée. Hal David insiste. Burt cède. Ce sera le hit que l’on sait. Et bien sûr, Dionne la lionne va se dépêcher de l’enregistrer.

         En 1966, les Byrds accompagnent la belle Jackie quand elle enregistre «Splendor In The Grass». Croz : «Jackie was amazing. She was an inspiration and she was fun. She’s a one-off original.» Les Byrds tapent une belle compo de Jackie sur leur premier album, «Don’t Doubt Yourself Babe». C’est l’année où Los Angeles explose - So many clubs on Sunset. It was wonderful - C’est là qu’elle enregistre le fabuleux Laurel Canyon. Derrière elle, on retrouve Dr John au piano, Barry White dans les chœurs. Elle ouvre la voie pour Joni Mitchell et Carole King.

         Elle quitte Liberty en 1970, et Capitol lui bousille son Songs en 1971 (on y revient plus loin). Elle débarque ensuite sur Atlantic. Wexler l’envoie aussitôt à Memphis. Elle enregistre Jackie chez Chips. Autour de Chips, Arif Mardin, Tom Dowd et Wexler s’entassent dans la cabine. Les Memphis Boys assurent le backing de Jackie superstar. Pour les becs fins, Jackie navigue exactement au même niveau que Dusty in Memphis. Pareil, on y revient dans un Part Two.

         Voilà-t-y pas qu’Ace réédite son album de covers de Ray Charles, Nothing Can Stop Me. Liberty Records Rareties 1960-1962 - I’m really proud of them - Elle explique qu’à l’époque elle savait tout faire, du Burt, du Ray Charles, du Needles, du Dylan, et son label voulait qu’elle reste dans un genre bien défini, alors qu’aujourd’hui, dit-elle, on demande aux artistes de se diversifier. Elle prend l’exemple de Rod The Mod - Back then, my diversity was a curse. But I was actually ahead of the curve.

         Alors oui, on saute sur Nothing Can Stop Me. Liberty Records Rareties 1960-1962. Elle est en effet très jeune sur la photo de pochette. Mais elle chante son Ray d’une voix rauque, presque black. Elle est très sauvage. Elle aurait pu taper du rockab. Avec «I Got A Sweetie», elle claque un gospel black de petite vertu. Par contre, elle force trop son «What’d I Say», elle y va au tell you mama de bonne bourre. Elle jette toute sa niaque dans la balance de «Georgia On My Mind» et devient fabuleuse d’à-propos dans «Hallelujah I Love Her So». Yes I know ! Elle s’en sort vraiment avec les honneurs. Comme toujours chez Ace, les bonus grouillent de puces. On la sent folle de Ray. On la voit twister près du juke sur «Stand Up & Testify» et son «Baby (When Ya Kiss Me)» est de très haut niveau, fast & battu sec, avec des violons. On est frappé par la qualité des interprétations et des orchestrations. Elle devient folle avec «That’s What Boys Are Made Of» et ça se termine avec l’heavy pop de «Don’t You Feel Sorry For Me», fantastique cut d’époque avec le solo de sax et les clap-hands.

         Chez Ace, on ne fait jamais les choses à moitié. Nos amis anglais ont entrepris de compiler tous les singles de Jackie sur trois volumes. C’est très consistant, très passionnant et recommandé pour les longues soirées d’hiver. Le volume 1 couvre la période Liberty - qui était aussi le label de Bobby Vee, de Johnny Burnette et d’Eddie Cochran - de 1960 à 1963. Certains morceaux sortis du contexte des albums redeviennent des bombes, d’où l’intérêt de ce genre de compile. On note aussi que les premiers singles de Jackie sonnent comme ceux des Coasters et de Brenda Lee. Elle faisait sa gutturale des cavernes. Elle bricolait un rock de fille et elle se battait bien avec son micro. Elle a commencé à virer jerk avec « Ain’t That Love » qu’elle prenait d’une voix fêlée et qu’elle chantait comme une bête fauve. Elle révélait son animalité. Elle prit à partir de là l’habitude de se racler la gorge et de se faire passer pour une méchante. Elle enregistrait aussi pas mal de slows super-frotteurs qui ont dû favoriser l’éclosion du baby-boom américain. Avec « Needles And Pins », on entrait enfin dans le vif du sujet : elle devenait l’inventeuse de la pop moderne. Elle tirait ça d’une voix de meneuse qui cinquante après impressionne toujours autant. Elle montrait au passage sa passion pour le gospel avec « Oh Sweet Charriot » et balançait un hit de r’n’b digne des Supremes, « Till Ya Say You’ll Be Mine » qui explosait de vigueur éclatante. Et bien sûr on avait à la suite l’éclair de génie du Walk In the Room, avec ses tambourins et ses maracas, un point de repère dans l’histoire du rock.

         Avec le volume 2, on monte en puissance. Il est à cheval sur Liberty et Imperial, et couvre la période qui va de 1964 à 1967. On y retrouve cette monstruosité punk, cette énormité de jerk de cave qu’est « It’s Love Baby ». Sur « Don’t Turn Your Back On Me », Jimmy page bat le riff. Complètement légendaire. « A Lifetime Of Loneliness » est une merveille de Burt mélodiquement parfaite. Riche car travaillée dans l’essence même du capiteux. Elle remonte au signal pour fracasser le plafond de verre. Cette fille là, mon vieux, elle est terrible ! On assiste à une montée d’intensité quasi-orgasmique. Puis elle chante « I Remember The Boy » à la cantonade. Elle montre sa puissance en tapant dans le haut de la mélodie. Elle s’y révèle la fabuleuse shouteuse qu’on va retrouver ensuite au fil des albums. C’est ferrailleux, solide. Elle dégouline de classe. Elle joue son folk-rock princier en montant dans les octaves et elle fait sauter tous les bouchons. Monstrueux. On retrouve le fabuleux « Come And Get Me » de Burt et « Splendor In The Grass », où les Byrds l’accompagnent. Avec tous ces singles extraordinaires, elle atteint son âge d’or. Ce volume est le plus dense des trois.

         Le volume 3 couvre la période 1967-1970, jusqu’à la fin de son contrat avec Imperial. On la sent attirée par le son hollywoodien, car elle commence par sortir une série de singles trop produits (« Changin’ My Mind », « It’s All In The Game » et « I Keep Wanting You »). Avec « Me About You », on la voit embobiner la mélodie. Elle joue à la superstar hollywoodienne, elle mène sa barque et tout le monde se prosterne à ses pieds. Elle fait rêver l’Amérique blanche. « Effervescent Blue » est une pure merveille insolite chantée à la manière de Diana Ross. C’est d’une classe extrême. Elle s’y révèle l’égale des grandes shouteuses de jazz. Elle brise les mythes sur ses genoux. On retrouve le beautiful folk-rock de « Laurel Canyon » et ce furieux hit qu’est « What Is This », tout secoué de guitares. « Always Together » est une belle pièce lumineuse qu’elle éclaire de sa voix. Imbattable. C’est à ce genre de single qu’on voit la grandeur d’une interprète. Elle a une façon particulière de monter son feeling dans la lumière de l’harmonie. Encore une pure merveille avec « Keep Me In Mind », mid-tempo élégant et mélodique, prodigieusement inspiré et qu’elle amène à sa façon pour en faire une pop étrangement veloutée et artistement décolletée. On retrouve aussi l’éclat de « Brighton Hill » qu’elle passe au filtre hollywoodien. Elle ne s’arrête jamais. Elle enfile les hits comme des perles. Les gentils compileurs d’Ace ont aussi pensé à mettre l’effarant medley « You Keep Me Hanging On/Hurt So Bad », version ultime et mortelle randonnée, elle en fait de la charpie, comme le fit le Vanilla Fudge. Les trois derniers singles sont faramineux : « It’s So Nice » (hit soul), « Mediterranean Skies » (incroyablement moderne pour l’époque) et « Bird On the Wire ».

         Dans sa collection « Songwriters », Ace a bien sûr pensé à bricoler un volume Jackie DeShannon qui s’intitule Break-A-Way. Ça commence avec la version endiablée de « Break-A-Way » d’Irma Thomas, qui est accompagnée par un batteur drôlement énervé. On tombe ensuite sur le « When You Walk In The Room » des Searchers qui fut l’un des groupes préférés de Mark E Smith. Idéal pour les soirées sixties. Hit parfait. Ces mecs-là avaient tout l’arsenal : l’énergie et les harmonies vocales. Cher reprend « Comme And Stay With Me ». Elle préfigure Chrissie Hynde. Cher est sublimement punkoïde, même si la chanson vire poppy avec des clochettes à tous les coins de rues. Cher était une vraie hargneuse. Elle connaissait tous les secrets du frisson. Mais on trouve aussi pas mal de déchets : les reprises des Fleetwoods, d’Helen Shapiro, de Dick Lory, de Brenda Lee, de Peter James et de Dobie Gray ne volent pas haut. « Carrying A Torch » par Wynona Carr vaut le détour, car c’est magistralement interprété. La valse des déchets se poursuit jusqu’à la reprise de « Splendor In The Grass » par les Boys et leur gros son gloomy, mais c’est facile, car la chanson est bonne. Les Boys sonnent comme des Byrds, mais ce sont des filles. On a là un pur joyau de Californian Hell. Fabuleuse reprise de « Should I Cry » par les Concords. Leur version est complètement dévoyée. S’ensuit un autre chef-d’œuvre, « Thank You Darling » repris par Rick Nelson, chanteur exceptionnel. Autre merveille : « Would You Come Back » par Eddie Hodges, traitée au laid-back alcoolisé du matin difficile et joliment ramassé dans le titubant. Une autre perle avec « Day Dreaming Of You » par les Fashionnettes, exercice de style admirable signé par un girl-group kitschy. C’est aux Byrds que revient l’insigne honneur de refermer le cortège avec une version exceptionnelle de « Don’t Doubt Yourself Babe » qu’ils traitent à la mode de l’apothéose. On en n’attendait pas moins des Byrds.          

         Le volume 2 consacré à la songwriteuse vient de sortir : She Did It. The Songs Of Jackie DeShannon Volume 2. Comme le précédent, cet album dégage un petit parfum de dynamite. S’il en est une qui sait écrire des chansons, c’est bien Jackie. Les volumes Ace jettent une lumière crue sur les grands artistes. Elles sont un complément indispensable à la discographie de ces artistes, surtout dans le cas de Jackie. C’est à Dorothy Morrison que revient l’honneur de taper dans « Put A Little Love In Your Heart », un gros r’n’b monté sur la basse. Dorothy se montre digne des géantes de Stax. On retrouve un peu plus loin le grand Dave Berry et « I’ve Got My Tears To Remind Me », avec l’énergie du Swinging London. Pure merveille d’antiquaire. Brenda Lee tape dans « My Baby Likes Western Guys » et elle y va au guttural. Elle s’arrache tout, mais on salue la beauté du geste. On retrouve la grandeur des Ronettes pour « He Did It » vieux hit sixties sha-la-la-té et extrêmement juteux. Gros choc émotionnel avec Marianne Faithfull qui reprend « With You In Mind » au gothique moyenâgeux. Elle en fait même un peu trop et se prend pour Guenièvre. Par contre, les Righteous Brothers ne rigolent pas. Dans leurs pattes, « Burn On Love » devient une monstruosité, ils chauffent la tambouille et multiplient les renvois de voix au loin. Avec Jackie, on retrouve l’équation magique Spector/Righteous. Encore une merveille oubliée : « Each Time » par les Searchers. Fantastique écho. Ces mecs de Liverpool auraient mérité d’exploser comme les Beatles. Et puis on tombe sur la perle de l’album : « The Greener Side » par Tammy Grines. Véritable énormité, elle chante à la ramasse du dévolu. Pur génie. Tammy Grines est terrifiante de classe. Encore un génie avalé par l’oubli : PJ Proby. Il tape dans « The Other Side Of Town ». Il grimpe très vite dans les violonades. PJ est le roi indétrônable des stentors. Puis on tombe sur « Till You Say You’ll Be Mine » chanté par Olivia Newton John qui bénéficie d’une prod à la Spector. Incroyable mais vrai. La fête se poursuit avec « I Shook The World » par Bob B Sox & The Blue Jeans, pur r’n’b de grande cuvée, vrai hit de juke, mais ça on le savait depuis longtemps. Delaney Bramlett chante « You Have No Choice » tout seul comme un pauvre malheureux et Rita Coolidge vient nous rappeler avec « I Wanted It All » qu’elle fut l’une des grandes chanteuses américaines. Même chose avec les Carpenters et « Boat To Sail », pure merveille pop qu’il faudra bien un jour redécouvrir. C’est l’avantage des compiles bien foutues (comme les sont quasiment toutes les compiles Ace) : on voyage à travers l’histoire du rock et on fait de belles rencontres. Alors on se dit : Oh il faudra que je revienne ici. Et là !

         Vient de paraître All The Love - The Lost Atlantic Recordings, des morceaux pilotés par Jerry Wexler et qui ne figurent pas sur les deux albums Atlantic de Jackie, Jackie et Your Baby Is A Lady. Elle attaque avec « When I’m Gone », un fantastique balladif sensible. Ne prenez pas Jackie à la légère, c’est une femme fantastique. Elle sait tenir un mid-tempo avec intégrité. Elle a autant de classe que Dylan. Elle sait driver un hit. Encore un beau balladif avec « Drift Away ». Et elle passe à la country-motion avec « All The Love That’s In You ». Elle chante un peu comme Vanessa Paradis, elle est marrante. En fait, elle cherche le petit hit de la joie et de la bonne humeur. Elle nous sort là le joli groove des jours heureux, chanté à la petite voix sucrée et c’est orchestré de main de maître, on peut faire confiance à Tom Dowd et Arif Mardin, l’A-team de Jerry Wexler. On sent aussi une fantastique aisance sur ce joli folk-rock qu’est « Grand Canyon Blues ». Avec « If You Like My Music, », Jackie fait autorité - My music ! - Elle tient à préciser les choses sur un gros fond de nappes d’orgue. On tombe plus loin sur « Spare Me A Little Of You », un fantastique balladif pulsé à coups d’acou. Puis elle reprend le fameux « Don’t Think Twice It’s Alright » de Dylan. Courage ma fille ! Tiens bon la rampe ! Jackie est très forte. S’ensuivent quatre bonus pour le moins exceptionnels : un « Sweet Sixteen » de fantastique allure, un « Flamingos Fly » d’incommensurable ampleur, un « Santa Fe » qui sonne exactement comme un groove de rêve et « The Wonder Of You » qui va ta laisser seul, définitivement seul.

         Après le re-parution des Lost Atlantic Recordings, voici celle des Complete Capitol Recordings, une sorte de nouveau passage obligé. On y retrouve tout ce qui fait la grandeur de cette artiste, à commencer par l’immense « Stone Cold Soul », une compo signée Mark James. C’est l’époque où Jackie enregistre à Memphis, chez Chips Moman et il faut entendre cette country Soul prodigieusement inspirée. Reggie Young joue des déluges sur sa guitare et Tommy Cogbill multiplie ses triplettes de Belleville sur le manche de sa basse. On a là une pure énormité et cette folle de Jackie s’accroche au Stone à coups de yeah-eh-eh. Allez, on va dire qu’on a là la meilleure pop de tous les temps. Chips laissait entendre que ces sessions avec Jackie comptaient parmi ses préférées. Magnifique version du « Child Of Mine » signé Goffin & King. Elle chante au timbre sucré, quasi-nubile, et passe sans crier gare au timbre fêlé. Elle regorge de feeling et Reggie Young fait des prodiges sur son acou. Elle tape ensuite dans un cut d’Emmit Rhodes, « Love Till You Die » et renoue avec le génie dans « Seven Years From Yesterday », un shoot d’heavy pop de Soul of American, joué sous un certain boisseau, à la Bobbie Gentry. Elle chante sa Soul avec la foi du pâté de foi et ça donne le Memphis swamp. En réalité, elle fait ce qu’elle veut, sa voix lui permet toutes les audaces. Elle tape plus loin dans George Harrison avec « Isn’t It A Pity ». Elle reprend sa voix nubile pour clamer isn’t it a pity/ Isn’t it a shame, elle atteint des profondeurs réellement dramatiques. Le plus stupéfiant de toute cette histoire, c’est que l’ensemble des cuts enregistrés chez Chips ne vont pas plaire à Capitol. Hop, à la fosse ! Ils rejettent ce «Sweet Inspiration» pourtant signé Dan Penn & Spooner Oldham. C’est pourtant du pur Deep South genius - I need a sweet inspiration - C’est du gospel batch de Memphis, il ne manque plus que les Edwin Hawkins Singers. C’est Johnny Christopher, l’un des songwriters d’American, qui signe « Johnny Joe From California ». C’est un hit, et pourtant il finit lui aussi à la fosse. Le monde à l’envers ! D’autant qu’elle le pousse à fond. Il faut bien dire que tout est extrêmement produit, ici, Chips ne rigole pas avec l’American mood. « Now That The Desert Is Blooming » et « Sleeping With Love » sont d’authentiques modèles productivistes. Reggie Young gratte à l’arrière et c’est embarqué au big heavy Memphis sound. « Gabriel’s Mother’s Highway » est un cut d’Arlo Guthrie, elle embarque ça aux chœurs de gospel et passe à Van Morrison avec « And It Stoned Me », nouveau shoot de Memphis Sound sur le compte du Van. Chips en fait une fois encore une merveille productiviste. Mais comme tout cela ne plait pas à Capitol, elle doit enregistrer l’album Songs à Hollywood et là, ce n’est plus du tout le même son. On a quelque chose de beaucoup plus commercial. Le « West Virginia Mine » déjà enregistré à Memphis retombe sur Songs comme un soufflé. Un violon y remplace le piano de Bobby Emmons, c’est chanté au bazar de l’Hôtel de ville. Atroce. « Bad Water » sonne comme du rock US m’as-tu-vu à la Dolly Parton et dans « Ease Your Pain », Capitol balance des chœurs de gospel d’Hollywood, autant dire du Walt Disney. Ça n’a pas d’âme, pas de chien, pas de rien. L’album a tous les défauts du coup foireux : prod sèche, pas de grain, l’anti-Chips. Merci Capitol ! 

Signé : Cazengler, Jacky Dechochotte

Jackie DeShannon. You Won’t Forget Me. The Complete Imperial/Liberty Singles. Vol. 1. Ace 2009

Jackie DeShannon. Come And Get Me. The Complete Imperial/Liberty Singles. Vol. 2. Ace 2011

Jackie DeShannon. Keep Me In Mind. The Complete Imperial/Liberty Singles. Vol. 3. Ace 2012

Break-A-Way. The Songs Of Jackie DeShannon. 1961-1967. Ace Records 2008

She Did It. The Songs Of Jackie DeShannon Volume 2. Ace Records 2014

Jackie DeShannon. All The Love - The Lost Atlantic Recordings. Real Gone Music 2015

Jackie DeShannon. Stone Cold Soul - The Complete Capitol Recordings. Real Gone Music 2018

Jackie DeShannon. Nothing Can Stop Me. Liberty Records Rareties 1960-1962. Ace Records 2024

Lois Wilson : Lady of the canyon. Record Collector # 558 - June 2024

 

 

Bye Bye (Liver)birds

         Pas le book du siècle ni le girls-group du siècle, pas non plus la compile du siècle ni les covers du siècle, mais bon, l’un dans l’autre, tu passes un bon moment avec les Liverbirds de Liverpool. Les deux survivantes du groupe, Mary McGlory (bass) & Sylvia Saunders (beurre) ont croisé leurs souvenirs pour pondre - cot cot - une autobio : The Liverbirds. Our Life In Britain’s First Female Rock’n’Roll Band. L’idéal est de croiser ces souvenirs croisés avec l’écoute d’une solide compile Big Beat des Liverbirds parue en 2010, From Merseyside To Hamburg - The Complete Star-Club Recordings.

         La grande force du book est qu’il te ramène à l’aube de l’âge d’or du rock anglais, lorsque tout se passait à Liverpool et au Star-Club de Hambourg. Comme l’éditeur a dû leur demander d’entrer dans les détails, elles ne t’épargnent rien du contexte socio-économique du working-class system de Liverpool : les familles, les jobs des parents, l’eau courante/pas l’eau courante, les zécoles, les zozos et les zinzins des zazimuts. Mary et Sylvia sont intarissables. Ce n’est pas que tu t’ennuies, mais bon, t’es là pour le Star-Club et la Cavern. Mary s’y rend avec ses cousines Veronica et Rita, et qui-qu’elles voient sur scène ? Les Beatles ! Et t’as John Lennon qui annonce au micro : «This is another song that we wrote ourselves.» Et là Mary nous explique : «As the band ripped into ‘Please Please Me’, the audience went into a frenzy.» Alors les filles décident qu’elles veulent faire ça : jouer du rock sur scène. Elles vont trouver les Remo Four qui sont eux aussi au pied de la scène et leur demandent où ils achètent leurs instruments.

         On est en 1963. Sylvia a 16 ans. Elle se pointe chez le marchand Rushworth & Dreaper’s. Elle dit au vendeur qu’elle veut une batterie - I’d like a kit of drums - Elle flashe sur un kit noir et blanc. Le vendeur l’observe et lui demande comme elle va payer. «I’ll pay weekly.» Il lui demande son âge. Sixteen. Le mec lui dit qu’elle ne peut pas. Soit daddy soit mummy. Il lui file le formulaire. Sylvia rentre chez elle et colle le formulaire sous le nez de sa mère : «Mother, sign that.» La mère répond : «What now, Syl?». Et Syl ne se déballonne pas : «Me and Val are gonna form a group. We’re going to play rock’n’roll.» Et la mère fait : «Oh, all right.» T’es à Liverpool, amigo, chez des gens éclairés.

         Val, c’est Valerie Gell, la guitariste qui a cassé sa pipe en bois en 2016. L’autre guitariste, la blonde Pamela Birch a aussi cassé sa pipe en bois en 2009. Des quatre, Val est la plus douée : elle peut jouer les cuts des Shadows et le «Peter Gunn» de Mancini. Le groupe devait s’appeler les Squaws, puis elles ont choisi les Liverbirds qui sont des oiseaux d’acier fixés sur un bâtiment du front de mer. La légende dit que si les Liverbirds s’envolaient un jour, Liverpool disparaîtrait.

         En 1963, tous les kids de Liverpool veulent monter des groupes. Le succès des Beatles fait des ravages dans toutes les couches de la société, surtout chez les plus pauvres - Même si vous veniez d’un milieu pauvre, vous pouviez avoir un vie différente - Elles bossent tant et si bien qu’elle finissant par jouer six fois à la Cavern. Elles n’aiment pas Lennon qui est un provocateur : il affirme que les filles ne savent pas jouer de guitare. John Wiggins, le copain de Sylvia, a un jour collé Lennon au mur parce qu’il avait été trop insultant. T’apprends des tas de petites choses comme celle-ci. Le regard des filles sur les Beatles est extrêmement intéressant.

         Mary doit lâcher son boulet chez Hunters, une usine à viande froide. Elle n’a pas le courage d’aller annoncer sa démission, aussi envoie-t-elle son père. Son père revient et lui annonce qu’elle a fait une grosse connerie, parce que le boss a dit qu’elle avait un bel avenir dans la viande froide. Mary est sciée : «A big future in cold meats?».

         En novembre 1963, elles jouent au Co-op Ballroom de Nuneaton avec des débutants, les Rolling Stones. Le Jag a 20 piges. Les gosses bombardent la scène de petits pains fourrés à la crème. Les Stones parviennent à éviter les missiles, sauf Charlie coincé derrière sa batterie. Mary dit qu’il finit le show couvert de crème. C’est moins pire que d’être couvert de glaviots, after all.  Et grâce aux Stones, les Liverbirds passent de la Beatlemania à un son plus raunchy - a grittier, bluesy direction - Elles vont vraiment commencer à taper dans Bo et dans Chucky Chuckah. Elles jouent aussi au Club a’Gogo de Newcastle, dont les stars locales sont les Animals, pareil, avec du gritty plein les pattes. En février 1964, elles jouent avec un «new band called the Kinks». C’est Ray qui leur dit que Sheila, la cousine de Mary, n’est pas bonne, et il leur présente Pam, «wearing a black cap, striped jacket and Chelsea boots.» Pam la blonde, qui flirte avec Ray Davies, et qui remplace Sheila. Les Loverbirds sont enfin au complet : Sylvia, Mary, Val & Pam. Elles peuvent partir à la conquête du Star-Club.

( Assis à son bureau Manfred Weissleder)

         Elles partent à Hambourg au moment où Brian Epstein s’intéresse à elles. Trop tard. Elles sont déjà dans le bateau. Pareil, Larry Page qui s’occupe des Kinks leur fait aussi une offre qu’elles déclinent. C’est le boss du Star-Club, Manfred Weissleder, qui va s’occuper d’elles.

         Et là, on entre dans l’un des endroits les plus mythiques de l’histoire du rock. Sylvia et Mary regorgent de détails fascinants sur le Star-Club. Elles nous apprennent que les barmaids sont les stars du Star-Club. Si elles t’ont à la bonne, ça va marcher. Dans le cas contraire, tu peux renter en Angleterre. Si elles aiment un groupe, elles allument les lampions au-dessus du bar. Le premier soir, les Liverbirds se retrouvent sur scène devant 2 000 personnes ! C’est énorme ! Alors, elles mettent le paquet - It was like something ignited and the audience went wild - Comme à Liverpool. Ça explose dans la salle. Elles démarrent avec «Road Runner». Mary et Pam courent sur scène en jouant - Pam looked like a big glamourous cavewoman.

         Tu retrouves ce «Road Runner» sur la compile. La cover est tout simplement fabuleuse, le son est sec et Sylvia bat un beurre terrific.

(Klauss Woorman en 2018)

         Et le sexe dans tout ça ? Sylvia est la première à en parler : «Même si Mary et moi avions fait le vœu de rester vierges jusqu’au mariage, on a vite changé d’idée et je fus la première à craquer. En décembre 1964, j’étais au pieu avec Klaus Voorman, my first love.»

         En matière de girl-bands, les seules concurrentes sont Goldie & The Gingerbreads, des Américaines. Elles sont restées un mois au Star-Club, en attendant leurs visas pour l’Angleterre, où elles étaient invitées par les Stones et les Animals qui les avaient vues à New York dans une party chez Warhol pour la superstar fashion icon Baby Jane Holzer. Mary indique cependant que Goldie & The Gingerbreads avaient un son trop «bombastic power pop» pour le Star-Club qui en pinçait plus pour le rock’n’roll. Les Allemands préféraient les Liverbirds.

         C’est Manfred qui les emmène en studio enregistrer leur premier album. Il a monté son label pour promouvoir les groupes qu’il programme sur scène. L’album des Liverbirds (Star-Club Show 4) est le quatrième, après les Searchers, les Rattles et Lee Curtis & The All-Stars. Elles démarrent avec un premier single, une cover du «Shop Around» de Smokey, qu’on retrouve bien sûr sur la compile Big Beat. Elles tapent là dans l’œil du cyclope et y ramènent toute l’énergie des Pirates - Oh yeah you’d better shop around/ Yeah - Leur deuxième single est un gros clin d’œil à Bo, «Diddley Daddy», qu’elles font bien rampant - Yeah Bo Diddley/ He’s a gun slinger/ He rides again - Tu retrouves tous les cuts de Star-Club Show 4 sur la compile, à commencer par ce «Talking About You» de fantastique allure, avec du Merseybeat clair et net et sans bavure, et un fabuleux solo de clairette. Fantastique cover de «You Can’t Judge A Book By Looking At The Cover» : niaque incroyable, bassmatic dynamique à l’anglaise, et Pam au let’s go yeah ! Leur «Johnny B Goode» est assez imbattable, énergie du diable et section rythmique stupéfiante.

         Leur deuxième album, More Of The Liverbirds, est encore plus impressionnant, car elles tapent dans des hits superbes : «For Your Love» des Yardbirds (belle crise de craze), «Around & Around» (irréprochable), «Peanut Butter» de Chubby Checker, hey c’mon now !, «Oh No Not My Baby» de Goffin & King (cover gorgée de feeling), «Heatwave» (elles font bien Martha), «Long Tall Shorty» de Don Covay (wild sound, ça vaut largement les Milkshakes), «He’s About A Mover» de Doug Sahm (en plein dans l’œil du cyclope texan), et puis tu croises aussi sur la compile une cover de «Before You Accuse Me», où elles sonnent comme des Américaines, avec tout le chien de Liverpool - Before you accuse me/ Take a look at yourself - Et si tu adores Bo, alors tu vas te régaler de «Bo Diddley Is A Lover». ça vaut tout Lord Rochester. Yeah yeah Pam Birch !

         Sylvia couche aussi avec Bob Garner, qui joue avec Tony Sheridan et qui ira ensuite rejoindre les Creation. Elle aime bien Bob, mais comme elle dit, ils sont, elle et lui, so busy touring it didn’t last. Les Liverbirds se mettent à tourner dans l’Europe entière et deviennent des big stars. Elles sont au hit-parade allemand avec «Diddley Daddy» et «Peanut Butter». Pam la blonde chante tout ça merveilleusement. C’est aussi elle, nous dit Sylvia, qui insiste pour taper une cover d’«Heatwave». C’est encore l’époque où on a le droit de conduire bourré sur la route, et Johnny Kidd, nous dit Sylvia, aimait boire un coup et prendre le volant. Bing ! Car crash sur la route.  Johnny Kidd était une star énorme au Star-Club.

         Elles voient aussi Jimi Hendrix jouer au Star-Club trois soirs de duite. Elles sentent que le son change, «moving from beat pop to psychedelic sounds.» Le rideau se lève sur un Jimi qui claque le premier accord de «Foxy Lady». C’est aussi le big time pour les drugs. Mary en voit à gogo backstage, des amphètes qui ne coûtent rien ou presque, «known as the Preludin and Captagon» et qu’on va surnommer les «Prellies», que les Stones appelaient aussi «Mother’s Little Helper». Elles retrouvent d’ailleurs les Stones à Dortmund, elles sont au bar de l’hôtel et Brian Jones qui arrive demande à Pam si elle a de la coke. C’est la tournée Between The Buttons. Pour Mary, ce souvenir est important, car c’est la dernière fois qu’elle voit Brian Jones vivant.

         Puis le groupe va entamer son déclin. Il ne reste plus que Pam et Mary dans les Liverbirds quand elles partent au Japon. Chris et Dixie ont remplacé Val et Sylvia. Le dernier concert des Liverbirds a lieu en août 1968. Sylvia se souvient que les Liverbirds sont arrivées à Hambourg en 1964. Elles ne devaient rester que six semaines et elles sont restées quatre ans, pendant lesquels elles ont enregistré deux albums et fréquenté Chucky Chuckah, Jimi Hendrix, Johnny Kidd, the Remo Four, the Big Six, testé les drogues et le sexe. Quatre ans de paradis. Le Star-Club qui avait ouvert ses portes en 1962 les fermera 14 mois après la fin des Liverbirds, au jour de l’an 1969, «the very last day of the sixties.» Comme Sam Phillips et d’autres géants avant lui, Manfred Weissleder «had lost interest».

         Bon alors, après, les Liverbirds font des gosses, enfin, celles qui sont mariées. Puis elles se reforment et on les qualifie d’«original punks». Elles participent à la Big Beat Party, à Hambourg, avec Gerry & The Peacemakers, les Troggs, Dave Dee Dozy Beaky Mick & Titch, Ian & The Zodiacs, Lee Curtis, les Pirates sans Johnny Kidd et Screaming Lord Sutch. C’est la formation originale des Liverbirds qui déboule sur scène, Val, Pam, Sylvia et Mary, avec Barbara pour filer un coup de main sur les solos.

         Puis Pam qui a toujours fumé 40 Dunhills par jour chope un petit cancer et casse sa pipe en bois au moment où on lui enlève un poumon. Val va ensuite valdinguer dans les décors. It’s only rock’n’roll. 

Signé : Cazengler, livide bird

Mary McGlory & Sylvia Saunders. The Liverbirds. Our Life In Britain’s First Female Rock’n’Roll Band. Faber & Faber 2024

The Liverbirds. From Merseyside To Hamburg - The Complete Star-Club Recordings. Big Beat 2010

 

 

Inside the goldmine

 - Quelle Clark !

         Baby Click dansait tout le temps. Même quand il n’y avait pas de musique, elle papotait en se dandinant d’un pied sur l’autre et en hochant la tête sur un rythme qu’elle était la seule à entendre. Au début, ça t’épatait, tu enviais son feeling. Wouah Baby Click tu danses le jerk au Palladium ! De toute évidence, elle était restée ancrée dans les sixties. En plein trip Teenie Weenie Boppie ! Ses fringues, ses expressions, ses sourires, ses enthousiasmes, sa ligne, tout était sixties. Pas un poil de graisse. Une vraie jerkeuse. Un corps magnifique. Pour elle, la vie consistait à jerker. Jamais un mot sur son histoire sentimentale. Rien sur son parcours professionnel. Devenue retraitée, elle était restée incroyablement désirable. Quelques mecs lui tournaient encore autour, mais ça la faisait rire de bon cœur, et hop, elle se mettait à danser et à claquer des doigts. Elle adorait quasiment tout : la Soul, le funk, le garage quand il était dansant, la pop, bien sûr, on l’a aussi vue danser sur des trucs compliqués, mais elle avait cette facilité qui lui permettait d’adapter les mouvements de ses jambes et de ses hanches à toutes sortes de déboires rythmiques, et plus tu la voyais hocher la tête sur le beat, plus tu l’admirais. Admirer une femme, c’est une façon déguisée de la désirer. Mais tu savais bien au fond que ça n’irait pas plus loin. Pourtant, c’est toujours elle qui revenait à la charge, qui proposait des plans, des voyages et des soirées, elle restait à l’affût de tout ce qui pouvait être intéressant, elle multipliait des situations de proximité, les bises d’adieu dans les parkings étaient parfois tendancieuses, et elle accepta même un jour de venir boire un verre à la maison au retour d’un trip parisien, mais au moment de basculer dans l’irréparable, elle demanda à écouter des choses qu’elle aimait à la folie, «T’as pas Sam & Dave ?». Alors on sortait le stock de Stax et ça repartait pour une heure ou deux de jerk endiablé, elle tombait la veste et jerkait toute seule jusqu’à l’aube. Puis elle te remerciait pour cette excellente soirée, faisant bien sonner l’«excellente», et rentrait chez elle. Une heure plus tard, tu recevais un SMS te disant qu’elle était bien rentrée, qu’elle avait passé une excellente soirée et qu’elle avait hâte de récidiver. De toutes les allumeuses connues au bataillon, Baby Click était sans conteste la plus merveilleuse.

         C’est une façon comme une autre de prendre ses Click et ses Clark. Autant Baby Click est brune, autant Chris Clark est blonde. Alors on prend ses Clark mais pas ses Click, et on file chez Motown. Quoi ? Une blonde chez Motown ? Ça par exemple ! Eh oui, Chris Clark s’est pointée un beau jour de 1963 dans le bureau de Berry Gordy et lui a chanté on the spot une tonitruante mouture d’«All I Could Do Was Cry» d’Etta James. Troublé, Gordy l’a gardée. Mais avant d’essayer d’en faire une star, il va lui demander de bosser deux ans à la réception.

         Quelques singles sur VIP et boom premier album sur Motown en 1967, l’excellent Soul Sounds. Il faut la voir taper «Love’s Gone Bad», un hit signé HDH, elle est dans le bain jusqu’au cou, wild as Motown fuck ! Elle tape plus loin dans l’«If You Should Walk Away» de Frank Wilson, elle te le drive dans les règles, pas de problème. Elle finit ce brillant balda avec une cover de «Got To Get You Into My Life», elle pique sa crise de Beatlemania à la belle attaque, mais elle n’a pas le raunch de McCartney. En B, elle tape dans Smokey avec «From Head To Toe», elle a tout, les clap-hands et la classe qui va avec. Dernier smash de l’album, un «Until You Love Someone» signé HDH. C’est tout de suite happy comme pas deux - You can’t be happy/ Until you love someone - Ah elle y va, la White Negress, comme on la surnomme en Angleterre.

         Son deuxième album s’appelle CC Rides Again et sort en 1969 sur le label rock de Deke Richards, un jeune producteur blanc signé par Berry Gordy. Au dos, elle est grimpée sur un éléphant, une idée de Deke Richards. C’est un album de covers, dont la plus spectaculaire est celle d’«You’ve Made Me So Very Happy», l’hit de Brenda Holloway. Chris Clark n’a pas la niaque de Brenda, mais elle attaque au mieux de sa voix blanche de blanche - You treated me so kind - C’est sans doute l’une des plus belles chansons d’amour de tous les temps, avec celles de Piaf et d’Esther Phillips - I’m so glad you/ Came into my life - Et elle tartine avec passion - Thank you babe - Elle explose de bonheur. C’est le sommet du genre. Elle fait aussi une petite cover de «Spinning Wheel», elle n’a pas la niaque de David Clayton Thomas, mais elle s’y frotte bien, avec son bon feeling de blanche noircie. Et puis voilà la chanson magique, co-signée par Deke Richards et l’arrangeur Van De Pitte : «How About You». Chris Clark épouse la magie pop - Baby I love you/ How about you - C’est quasiment du Burt. Elle se vautre lamentablement avec «With A Little Help From My Friends», elle en fait de la petite pop, dommage, mais elle fait du «One» de Nilsson un jerk de fantastique allure. Elle écrase bien son champignon. Elle se frotte à ses risques et périls à l’«In The Ghetto» et tape son «Get Back» dans le fond de la casserole.  

         Le petit conseil qu’on pourrait donner aux fans de Chris Clark serait de rapatrier The Motown Collection : on y trouve les deux albums Motown pré-cités, et une montagne de cuts inédits. Encore une fois, on saute en l’air quand on découvre la qualité d’inédits comme «Ask My Girl». Quoi ? C’est un véritable coup de génie pop groové chez Motown et signé HDH. C’est incompréhensible qu’un tel smash soit resté dans un tiroir. Et attends, c’est le premier d’une série de 25. Le compileur en a rempli un CD entier. Encore un pur hit Motown avec «Everything’s Good About You». Du HDH encore avec «Take Me In Your Arms (Rock A Little While)» et voilà un hit signé Mickey Stevenson, «In The Neighbourhood». C’est une blondasse qui te claque le beignet de Motown. Ambiance «Something To Remember» (Ray Charles) avec «I Just Can’t Forget Him», et elle repart à l’assaut des charts avec «If You Let Me Baby», tout est bon, sur ce CD d’inédits, Chris Clark finit par sonner comme une black, elle chante parfois d’une voix fêlée et joue un peu avec le feu, elle n’est jamais très loin de la vérité. Et pouf, voilà qu’elle tape «Crying In The Chapel», elle se prélasse dans l’excellence de la chapelle. Plus loin, elle défonce encore la rondelle des annales avec un «He’s Good For Me» bombardé au bassmatic Motown. Chris Clark monte sur tous les coups. «Bad Seed» et «Something’s Wrong» t’envoient directement au tapis, elle y va au wild r’n’b d’I got to lose. Elle bascule à n’en plus finir dans le génie r’n’b. Tout est alarmant de véracité, ici. Elle excelle, cut après cut. Une vraie sinécure. C’est tout de même dingue que Chris Clark ne soit pas devenue superstar ! On s’en étonnera encore dans 10 000 ans. 

Signé : Cazengler, Chris Clown

Chris Clark. Soul Sounds. Motown 1967

Chris Clark. CC Rides Again. Weed 1969 

Chris Clark. The Motown Collection. Motown 2005

 

 

 

 

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La teuf-teuf roule dans la nuit. Mais elle possède deux phares lumineux pour se guider, alors que moi les neurones de mon esprit pataugent dans la plus profonde des pénombres. Tout cela par la faute de Béatrice la patronne et son incroyable affiche, d’où a-t-elle sorti ce groupe au nom impossible, cela demande quelques éclaircissements, jugez-en par vous-même :

BEE DEE KAY DRIVES THE U.F.O. ZZZ & GUEST

3 B / Troyes / 02 – 11 - 2024

        Pas grand-monde, j’arrive de bonne heure, la salle se remplit doucement mais sûrement, la curiosité du public est en attente, à première vue, un groupe de rockabilly comme les autres, la contrebasse, la batterie, et la guitare en témoignent, avec en plus, goutte d’eau qui fait déborder le vase, ce saxophone argenté sur son perchoir. Les quatre musiciens apparaissent, pas de panique, l’on va tout savoir.

PREMIER SET

         Paniquons, pour du rockabilly c’est rudement fort, mais tellement bon. Un mur d’airain infranchissable. La guitare de Benny, d’habitude c’est lui qui règle (à merveille) le son des groupes qui passent au 3 B, est implacable, sèche, dure, genre no prisonners, derrière lui la baratte qui n’en rate pas une ne vous laisse aucune chance, quant à la up-right elle n’est pas à l’unisson, elle ne joue pas, elle pousse au crime. Jusque-là tout serait parfait. Mais nous allons vite apprendre qu’il existe un stade supérieur à la perfection. L’axe du mal existe, c’est le sax. Ce n’est pas un sax, c’est un sabre d’abordage, l’est le premier à se jeter sur l’ennemi, avez-vous déjà entendu un sax mugir avec cette force, mille cerfs en rut qui brament, il rauque et il rocke au-dessus de la normale, de l’anormal, dix mille gouttières de zinc qui s’effondrent, ce n’est pas l’appel de la forêt, c‘est le scalpel du diable, une tonitruance gargantuesque, un tel déluge sonique surhumain ne serait-il pas dû au changement climatique, la Bible s’est trompée, ce n’est pas la trompette du jugement dernier, c’est le saxophone de la mort irrémédiable pour tout le monde. En tout cas l’on adore et ce quatuor fastueux aussi, puisqu’ils enchaînent derechef un autre instrumental.

         Je l’ai remarquée dès que j’ai eu franchi le seuil, dans sa robe noire, chevelure rousse et visage impassible, elle m’a tout de suite rappelé la sombre silhouette de Moïra, la moire noire du Destin, sur la couverture d’un ancien livre de poche du roman éponyme de Julien Green, et là tout s’éclaire, en quelques mots Benny nous met au parfum pour ce premier set ils accompagneront, c’est ici que l’identité du guest est enfin révélée : Mary. Apparemment Mary n’a peur de rien, elle se pose tout tranquillou devant le micro en avant de nos quatre gladiateurs surphoniques comme s’ils étaient un orchestre à cordes de musique de chambre.

         Ne sont pas des mufles mais ils ne mettent pas de pantoufles à leurs instrus, un peu  moins de clinquanteries mais un son si épais que nul couteau ne saurait couper. Ambiances sixties, privilégiez le rumble au slow frotti-frotta langoureux. Vous pensez que Mary va poser sa voix sur ce magma de feu. Point du tout, elle impose son vocal avec une facilité déconcertante, sans forcer, sans peine, cette aisance incroyable tient à la densité de ses émotions et de la passion qu’elle porte aux titres qu’elle interprète, on la sent habitée d’une ferveur secrète mais palpable, elle ne chante pas, elle voue un culte à ce répertoire fondateur. Pas de simagrées, elle ne cherche pas à amadouer le public, c’est à prendre ou à laisser. Et le public du 3 B, qui s’y connaît un tantinet, n’en laisse pas une miette, chaque morceau est ponctué de longs applaudissements et de vifs vivats. Elle s’en ira comme elle est venue, avec une simplicité, une humilité de diva qui a accompli sa tâche, qui s’est acquittée d’une dette envers la musique qu’elle aime.

         Les cadors du quatuor reprennent les rênes pour deux ou trois morceaux. Je ne m’attarderai pas, nous revenons longuement sur eux pour le set suivant. Par contre je vous demanderai avec la plus grande insistance d’interdire à vos enfants la lecture du paragraphe suivant.

DEUXIEME SET

         Benny est revenu le premier. Il s’empare de sa guitare et s’évertue de répéter inlassablement une même note, une manière, pensions-nous naïvement, de rappeler au turbin ses trois copains attardés derrière le rideau des coulisses. Ils arrivent sans se presser et s’affairent en toute quiétude autour de leurs instruments.

         Le grand avec sa verte argentée et son saxo c’est Grant Seeflay, pas du genre à siffler la fin se la partie au plus vite, le mec assis au fond avec sa veste noire et son col blanc n’a pas l’air méchant se prénomme tout de même Terric ( vous êtes prévenu), accoudé sur sa contrebasse il porte le surnom d’un amie de Fantômette : Fi-Cell, z’oui mais c’est peut-être la corde pour vous pendre, bon ça y est ils rejoignent Benny de Jongh qui répète inlassablement la même note, attention, de plus en plus stridente, et les trois autres vous pondent en douceur et profondeur une purée de poix phonique des plus inquiétantes, l’ambiance se tend, si l’on y réfléchit un tant soit peu c’est un tantinet étrange, l’on se croirait dans un château en Ecosse perdu sur ce promontoire brumeux, près du lock Ness, les notes effilées comme un poignard maltais de Benny ressemblent de plus en plus à ce glas terrifiant qui résonne dans Le Mystère de Cloomber de Conan Doyle, c’est alors que l’Innommable se produit, une voix, non un borborygme dégoûtant d’Oran Outang dérangé surgit de nulle part, une espèce de grondement issu du gosier d’un lion préhistorique,  à mes côtés Jerry, mais oui vous connaissez le saxophoniste des Monarchs que nous avons vus au 3 B il n’y a pas si longtemps, ses yeux comme les miens, se portent sur les musicos, z’ont tous la boucle close et à des kilomètres du micro, en tout cas le monstre invisible insiste, sans doute un chat monstrueux de quinze mètres de haut, devant la peur d’une de ses petites filles une maman décide de rapatrier toute sa nichée à l’autre bout du café, elle n’a pas tort, c’est un truc à rattraper une jaunisse, d’autant plus qu’il semble s’instaurer une course entre les musicos et cette voix hideuse d’outre-tombe, ils ont beau augmenter le son, la bête immonde les couvre de ses tonitruances vomitoires, pire elle se rapproche, maintenant elle est tout près, les yeux de l’assistance se fixent sur le bas du rideau des coulisses, ils remuent salement, la bête nuisible et gévaudanique sort, elle se porte à quatre pattes sur le devant de la scène, je le reconnais c’était le mec à mes côtés qui mirait la prestation de Mary, l’a enfoncé le micro dans sa bouche, l’émet des barrissements d’éléphant en colère, il se relève, retire le micro de ses amygdales, et sourit à la foule. Ouf nous l’avons échappé belle. C’est donc lui Bee Dee Kay.

         Intro fabuleuse, Jerry qui a vu des centaines de concert me confie à l’oreille, qu’il n’a jamais vu une telle entrée en matière. Digne d’Hasil Adkins, de  Screamin’ Jay Hawkins, de Lord Sutch, de tous les embrochés de la cafetière du rock’n’roll. Maintenant que le prologue est terminé si vous croyez que vous allez redescendre vers le rockabilly carré et sans bavure comme le buffet que votre grand-mère astique toutes les semaines, vous êtes dans l’erreur. Ce n’est plus du rockabilly, ce n’est pas du rock’n’roll, c’est la folie du rockabilly et la fureur du rock’n’roll. De l’after-rockak, de l’after-rock, nos quatre mousquetaires instrumentaux ne jouent pas, et Bee Dee Kay ne chante pas. Ils miment. Ne criez pas parodie, contentez-vous du paradis. Ils connaissent tous les plans à merveille, ils vous édifient des palais sonores hallucinatoires,  Dee Bee s’amuse, vous a des poses pharamineuses, une seconde il est John Kay et à la suivante David Bowie, le mâle et l’androgyne, la brute et le truand, il n’est pas le bon parce qu’il le meilleur, le voici Elvis et Gene Vincent, ce coup-ci il se vautre sur le comptoir tel un Lux Interior, chacun y aura reconnu ses propres figures tutélaires du rock’n’roll, vous vous croyez en plein délire, et plaf un geste, et tout s’écroule, Terric d’un seul break envoie en éclats the wall of sound, Fi-Cell s’introduit dans la brèche tel un bulldozer, le saxo de Grand Seeflay tousse comme un tuberculeux, la guitare de Benny se transforme en lance-flammes pour réduire en cendres les derniers déchets, l’on est au cœur de catastrophe, à un millimètre de l’anéantissement, et hop ça repart comme en quarante, comme si de rien n’était, quelle maîtrise, quelle virtuosité. Ah le sourire d’enfant de Bee Dee ! ce grand gaillard aux tempes argentées, il batifole, il s’amuse comme un gosse qui casse son train électrique pour le transformer en soucoupe volante U.F.O. ZZZ, nous transporte sur une autre planète, celle du rock’n’roll, la vraie, la délirante, la fracassante, l’upercutante, celle de l’éternelle jeunesse du débordement vital.

TROISIEME SET

         Malgré l’heure tardive, nous aurons droit à un troisième set. Pas très long, le temps de revoir Mary nous offrant deux magistrale versions de Jezebel, et Funnel of love, le group prend son envol mais au troisième morceau Béatrice la patronne nous rappelle que sur la planète terre toutes les choses ont une fin. Hélas, les meilleures aussi.

         Lot de consolation j’ai récupéré leur unique 45 tours, nous reparlerons de Bee Dee Kay Drives the U.F.O. ZZZ dès la semaine prochaine !

Damie Chad.

 

 

*

         Depuis combien de temps suivons-nous Ashen ? Depuis toujours. Je ne vous donnerai pas de date, pour une fois vous serez privés de récapitulatifs. Il y a des groupes qui touchent à l’intemporel. Non pas parce qu’ils se prévalent d’obscurs mythes originels ou qu’ils s’en aillent cogner dans les obscures contrées du futur morturial dans le but inavoué que l’on puisse prendre connaissance de l’écho morcelé de leur choc intrusif dans l’inconnaissable, simplement parce qu’ils s’inscrivent dans le présent de la présence du monde dans lequel ils vivent, ou pour être plus exact, dans lequel ils tentent de survivre.

SACRIFICE

ASHEN (feat. ten56)

(Out Of Line Music / Official Visualizer / Juin 2024)

Pour une fois nous n’avons pas droit à une de ces vidéos mystérieusement attirantes et déchirantes auxquelles le groupe nous a habitués. Pour autant l’on ne nous a pas jeté un os sans viande en pâture, nous offrent un riche faisceau de symboles qui nous inclinent à de clivantes rêveries.

Un rouge que d’instinct l’on n’aime pas. Rouge cœur de taureau immolé en hécatombe sur l’autel propitiatoire. Les Dieux ont-ils accepté le sacrifice ? Sur ce fond voici un œuf. Un rouge éclatant. Triomphal. Ne serait-ce ces nervures cramoisies dont il est parcouru on reconnaîtrait en lui l’œuf d’Eros originel de la plus vielle mythologie grecque. Les lyrics qui apparaissent nous interdisent cette appropriation. C’est un œuf, certes, mais plein de son trop-plein, prêt à éclater. Ici il n’est point question d’ovule générationnelle, c’est œuf est une tête. Trop pleine, trop peine, prête à exploser. Cet œuf n’est pas neuf, il est mûr, il est arrivé à maturité, à son immaturité. C’est l’œuf de la folie, souvent il reste en nous stérile, il ne donne naissance à aucune créature, on l’oublie, on ignore qu’il repose dans le lit douillet de notre cervelle, dans laquelle éclosent nos pensées les plus sublimes. Il tourne sur lui-même dans son coquetier de bois, comme s’il était fier de lui, il nous dévoile toute son ovoïdité, comme si nous n’avions d’autres tâches à effectuer, si ce n’est de l’admirer.

Sans préavis, un deuxième symbole. La forme d’un avion furtif, une flèche d’indien, à moins que ce ne soit le trait empoisonné de Zénon d’Elée qui ne parvient jamais à sa cible, presque rassurant puisqu’il n’atteindra jamais la mort dont il ne nous transpercera pas, mais alors quelle est sa cible, à ce poignard effilé, à cette épée d’obsidienne, à ce sabre de samouraï destiné à porter le fatal coup du seppuku létal, lui aussi tourne sur lui-même, tel un missile qui cherche sa proie et s’obstine à calculer l’angle de la plus forte nuisance.

Un troisième objet, à croire que l’on scrute les vitrines d’un musée. Celui-ci possède un piédestal de marbre sur lequel est ancré un avant-bras couronné d’une main, paume ouverte, levée vers le ciel, arborant à son poignet un collier de perles de bois. Entre ses doigts elle tient un objet, elle tourne sur elle-même, il est difficile de se le représenter, serait-ce dans le cercle de fer forgé la silhouette d’un cheval, qui porterait un cavalier, de petite taille, serait-ce Alexandre le Conquérant sur Bucéphale, non plutôt le cheval noir de l’attelage platonicien de notre intelligence,  la monture rétive qui refuse de marcher droit, qui cherche à nous faire dérailler, certes nous ne sommes pas un train, mais notre esprit est censé suivre les rails du logos … même si parfois en toute inconscience nous piquons droit vers la folie.

Voilà, nous n’en verrons pas davantage. Nos trois symboles reviennent. Ne sont pas des marionnettes qui font trois petits tours et s’en vont, tournoient lentement d’une manière prémonitoirement menaçante, est-ce que le cheval d’orgueil  que nous avons aperçu une première fois fut une illusion d’optique, car maintenant nous reconnaissons entre les doigts un des cinq sigils affichés tout en haut de l’écran, seraient-ils appropriés aux cinq membres du groupe…

Damie, si tu nous parlais un peu du son et de la song, c’est tout de même un peu important en musique, écoutez l’on raconte que lorsque Attila est sorti du ventre maternel, dans son poing fermé il tenait un caillot de sang, eh bien les gars ce morceau ressemble à ce caillot de sang que le fléau de Dieu avait arraché en passant aux entrailles de sa mère, il palpite, l’on sent que rien ne pourra arrêter son rythme insatiable, une barbaque qui refuse de s’éteindre, à cette différence près, ce n’est pas de la viande qui bat mais de la folie, de la folie pure.  

Admirez la prouesse vocale de Clem, il ne chante pas, s’échappe de lui un gargouillement hideux de souffrance mentale, vous y croyez, vous le voyez recroquevillé sur lui-même, refermé en ses pensées délirantes comme une huitre schizophrène qui tenterait à tout prix de s’enfuir de sa coquille, il veut tout et n’importe quoi, le royaume souverain de sa solitude et le désir de s’exiler de lui-même auprès des autres qui le rejettent, à moins que ce ne soit lui qui  les expulse hors de sa misérable sphère d’appropriation du monde dont il refuse la présence. Quant à la musique vous ne l’entendez même pas, comment Ashen est-il parvenu à établir cette osmose visqueuse indissoluble entre vocal et instrumentation, à tel point que la musique chante et que la voix joue.  Salmigondis indiscernable, hachis indubitable, purée inépuisable, mais dès que ce bruit gloutouneux entre dans vos oreilles, il se transforme en nectar ouïtisque, il se produit une alchimie auditive qui métamorphose les stridences de la folie, les vacarmes expectorés par une âme malade, les ramonages hallucinatoires, en le chant des sirènes dont seuls de rares héros  homériques eurent  jouissance…

Ne croyez pas vous en tirer à si bon compte, ce mal-être exprimé par Ashen ne vous concerne peut-être pas, mais il vous donne un aperçu de ce qui se passe dans la tête de la génération actuelle qui entre dans l’âge adulte. Le monde qui les attend est kaotique. Ils en ont la prescience, ils en expriment la dureté imminente, trop courageux pour refuser le suicide, il ne leur reste que cette notion d’auto-sacrifice qu’ils acceptent car ils ne veulent pas endosser le rôle de victimes sacrifiées. Le monde est fou, mais le seul refuge qui leur soit encore accessible, le dernier rempart dérélictoire qu’ils peuvent lui opposer s’avère être leur propre folie.

Très fort.

Damie Chad.

*

Encore un groupe que nous suivons depuis longtemps. En octobre 2022 nous avions regardé leur vidéo Unforgotten, en février 2023 ce fut le tour d’Eternal suivi d’Another Day au mois de septembre, voici le tour de :

 ACROSS THE DIVIDE

AWAY

(Avalone Studio / Août 2024)

Rendons à César les lauriers qui lui reviennent. Alexandre Lhéritier est le responsable d’Avalone Studio, il s’est chargé de l’enregistrement du morceau.

Pour les images il nous est spécifié : IA generated vidéo. Sans plus. Il serait intéressant de savoir quelle part de liberté l’Intelligence Humaine aura laissée à l’Intelligence Artificielle. A moins qu’il ne faille inverser les termes de la question.

Le résultat est là : de belles images. Elles n’illustrent pas vraiment les paroles du morceau. Elles lui apportent même un plus que je qualifierai d’interprétation écologique du texte. A croire que le poids des mots est moins fort que le choc des images.

L’Intelligence Artificielle ne crée pas, elle produit. Entre nous, parmi les écrivains : peu créent et beaucoup produisent. Nous retrouvons le même pourcentage différentiel chez les peintres. Les premières soixante secondes sont splendides, vous ne savez pas où vous trouvez exactement, sont-ce des illustrations anglaises d’un livre d’enfants, sont-ce des images inspirées par les photos de la forêt de Mortefontaine chère à Gérard de Nerval, ou par des scènes du Seigneur des Anneaux, en tout cas notre Intelligence Artificielle connaît les bois de Watteau et toute la période romantique de la peinture occidentale… Nous aurions aimé qu’elle nous donne un aperçu de la manière dont nos descendants représenteront les arbres en l’an, barrez au choix la partie du mot qui ne vous convient pas, de dis/grâce 2524… Toutefois aurions-nous su entrevoir le futur en cette curiosité éloignée. Tout comme l’IA, nous procédons mais nous ne précédons pas.

Que nous conte la chanson ?  Une histoire banale. Celle de tout le monde. Du gars qui aimerait être ailleurs. Non pas aux Amériques, de lui-même, de sa vie étriquée, de son impuissance à être ce qu’il voudrait être, libre et supérieur, non pas aux autres mais à lui-même. Beaucoup d’espoir, beaucoup de rêve, mais encore davantage de doute et de peur… il aimerait que quelqu’un le rejoigne mais il ne possède rien… A la vue des images en nous armant de cynisme nous demanderions s’il vit dans les bois…

Des colères, des remontrances, des encouragements, les voix se succèdent, se répondent, s’entraident, se poussent en avant en un très bel oratorio. Symphonie vocale qui se marie magnifiquement au vert sombre des houppes, aux éclairs de feu orangé, aux instants impulsifs de notre vie ne sommes-nous pas des incendies dévastateurs sous les frondaisons de nos chairs intérieures. Tout homme n’est-il pas une forêt première qui brûle ?

J’aurais aimé écrire le contraire, parce que la maudite technique bla-bla-bla, parce que la singulière grandeur de l’Homme bla-bla-bla, parce que bla-bla-bla, je vous donne trois heures et je ramasse les copies, mais non je dois le reconnaître, ici les images artificielles, les paroles et les musiques humaines se confortent mutuellement, elles s’allument de reflets réciproques, elles se chargent de mystères et s’interpénètrent de telles manières que seules et séparées elle perdraient de leur force persuasive et de leur aura magique.

Across the divide nous surprend toujours.

Damie Chad.

 

*

         Les choses ne sont jamais difficiles. Certaines d’entre elles s’avèrent subtiles. Nous pénètrerons donc en notre sujet par l’évocation d’un groupe de rock. Blondie ! Les trognes des lecteurs s’illuminent. Ah ! Deborah ! Désolé, mais je voulais parler de Chris Stein. Vous préférez Debbie, je comprends, toutefois Chris est un mec intéressant. Tiens saviez-vous que Chris possédait un tableau de Spare ? Non, vous voudriez des détails, alors plongez-vous dans :

ŒUVRES

AUSTIN OSMAN SPARE

(Tome III)

Editions Anima / Octobre 2024

Nous avions déjà  krotntniqué les tomes I et II, parus en 2017 et 2021, ce troisième opus, cornaqué par VINCENT CAPES, s’annonce fastueux par le grand nombre de reproductions de dessins et de peintures d’OSMAN SPARE, un régal pour les yeux et l’esprit. Nous évoquerons tour à tour mais en un ordre qui ne suivra pas celui du volume les traductions de textes de SPARE établies par PHILIPPE PISSIER, ainsi que l’ensemble des diverses contributions éclairantes qui permettent quelque peu d’entrevoir la portée opérative de l’œuvre de celui qui reste, avec Aleister Crowley, un des plus grands représentants de la Magie du vingtième siècle.

Si vous n’éprouvez aucune accointance particulière avec la Magie, je vous conseille de débuter votre lecture par l’avant-dernier texte du volume.

LES ANGES FOSSILES

ALAN MOORE

         Les amateurs de bande dessinée et de Death Metal ont reconnu le célèbre auteur de From Hell. Né en 1953, Alan Moore n’en n’est pas moins relié à la personne d’Alexandre le Grand. Le lien qui les unit n’est pas tant l’admiration que notre dessinateur  porterait au Conquérant, la légende raconte que Philippe II de Macédoine ne serait pas son père, il serait né de l’étreinte de sa mère Olympias avec un de ses pythons – était-ce une énième métamorphose de Zeus - qui partageaient sa couche… Or Alan Moore s’est revendiqué adepte de Glykon, serpent mythique d’origine macédonienne adoré au deuxième siècle de notre ère par les romains. Voilà de quoi faire lever les yeux au ciel à bien des lecteurs qui auront vite fait de juger l’auteur de cet article, rédigé en 2002, comme un huluberlu, ne nous étonnons pas s’ils s’apprêtent à aborder le texte avec réticence.

         Ils seront surpris. Agréablement. Moore manie la verve avec autant de dextérité que le crayon. Il est aussi écrivain. Les pages qu’il consacre à la description des milieux occultes vous feront rire aux éclats. Le marteau d’Héphaïstos n’a aucun secret pour lui. L’a l’humour qui tue. Se refuse à prendre aux sérieux les agissements des occultistes modernes, les anges fossiles ce sont eux. Ne leur concède rien. Selon lui des magiciens de pacotille, engoncés dans l’imitation naphtalinatoire, s’avèrent totalement inopératifs.

         Après une telle charge, quel avenir pour la Magie. Moore ne se dérobe pas. La Magie ne saurait être ni une psychologie, ni une science. Ni autre chose. Sa seule chance de survie réside en un renouvellement de ses pratiques. Foin des rituels, remisez déguisements et tenues  au vestiaire, un peu d’inventivités et de création, chers mages ! La Magie doit être considérée comme un art majeur, musique, peinture, et celui le mieux approprié : la littérature. L’artiste n’est-il pas par essence celui qui suscite le désir… Vingt pages grand-format, d’une plénitude exceptionnelle.

TABLEAUX D’UNE EXPOSITION

DAVID TIBET

(2002)

         Musicien, poëte, féru d’occultisme, David Tibet fut inspiré entre autres  aussi bien par Blue Öyster Cult, sans doute un indice qui explique pourquoi son groupe Current 93 fut un des pionniers de la musique industrielle que par The Incridible String Band d’où sa dérive, ce mot ici dépourvu d’intention péjorative, néo-folk.

         Ce texte est très court. David Tibet visite une exposition de tableaux de Spare. Sa préférence va au tableau représentant un petit garçon beau comme Apollon. J’ai l’habitude d’avertir les lecteurs de ce blogue, méfiez-vous d’Apollon. Non prévenu David Tibet tombe dans le piège. La couleur des yeux du petit garçon change à chacun de ses regards. Il faut donc aussi se méfier des peintures d’Austin Spare. Jusqu’à la mort.

MIROIRS VIRTUELS EN TEMPS SOLIDE

GENESIS BREYER P-ORRIDGE

(1995)

Si Spare (1886-1956) peignit et écrivit, s’il fut un artiste pour reprendre le terme d’Alan Moore, il n’en fut pas moins un Mage. Dans cet article, P-Orridge analyse plusieurs œuvres de Spare, il ne se livre pas dans ses commentaires à une critique artistique, il n’examine les dessins qu’en dévoilant les desseins de leurs exécutions. En quoi ces œuvres sont-elles, au-delà de leur réussite graphique, des pratiques magiques ?  Spare ne cherche pas à agir sur les autres, ni pour les séduire, les influencer, s’attirer leur faveur, ou les maudire. La seule personne qui l’intéresse, c’est lui-même. Ses autoportraits en témoignent. Ce n’est pas qu’il veuille par stupide vanité se présenter sous ses plus beaux aspects. Soit il recherche les moments qui, notamment par la pratique de la magie sexuelle, lui ont permis d’atteindre des étapes de maîtrise fondamentale, soit il tente de parfaire par son dessin cette maîtrise magique en travaillant sur lui-même, en parvenant à atteindre des états de conscience de pleine puissance qui lui permette de s’affranchir de son incarnation historiale, pour pénétrer dans la dimension suivante. Certains collectionneurs ont éprouvé le besoin impératif de se débarrasser de dessins de Spare, car ils avaient l’impression d’une présence inquiétante dans ces feuilles de papier… Autosuggestion ?  Pensez à Honoré de Balzac, à Oscar Wilde, à Edgar Poe…  Puisque l’on parle de Maître Corbeau, pensons à cet opuscule de Ghemma Quiroga Galdo dans lequel elle tente de démontrer que l’auteur a tenté de rester en vie, de ne pas mourir, en inoculant son esprit, un peu comme l’on fait une transfusion sanguine, dans l’encre de ses livres…

Tout cela est bien beau, oui mais après ? P-Orridge sort le grand jeu. N’oublions pas qu’il fut l’initiateur de Throbbing Christle, c’est un rockeur, et il le prouve. Nous voici dans une méditation métaphysique de haute intensité. L’on change de niveau. A partir de Jean Cocteau l’on effectue la traversée du miroir. Bien sûr d’un certain côté les tableaux sont comme des miroirs, le rôle est inversé, ce sont eux qui nous regardent. Oui, mais qu’y a-t-il dans un miroir. Non, ce n’est pas vous, le miroir ne reflète que l’espace. Celui qui lui fait face, celui qui est en lui, le miroir permet de faire la jonction entre l’intérieur et l’extérieur. C’est ce que l’on appelle la traversée des miroirs. Evidemment tout va de travers, nous avons oublié le troisième comparse, l’élément primordial. Non pas l’éther, le temps. Le temps ne serait-il pas, non pas une espèce unissive d’espace-temporel, mais une fragmentation d’atomes de temps qui dispersés tous azimuts ont pour fonction de structurer l’espace. Sans temps vous n’avez plus d’espace. Vous n’avez que du vide. Vous n’avez plus rien. Vous pouvez même vous amuser à affirmer que vous avez tout, que vous avez le plein, puisque vous accédez à la surface non-réfléchissante du miroir. Celui-ci est alors envisagé non selon sa fonction mais selon sa chosité. ( Je renvoie le lecteur intéressé à la lecture de Qu’est-ce qu’une chose de Martin Heidegger ). Si tant est qu’il existe encore un miroir. Le temps est la chose la plus concrète de toutes les choses qui existent et dans le monde intérieur (les idées nouméniques) et le monde extérieur (la matière phénoménale). Le temps ne passe pas. C’est lui qui permet le passage. Vu sous cet angle, vous avez là la possibilité de passer par la mort d’une incarnation à un état autre.

AVENTURE DANS LES LIMBES

1944 – 45

AUSTIN OSMAN SPARE

        Une série de dessins de Spare que le lecteur aura intérêt à regarder longuement parallèlement aux tableaux commentés par P-Oridge. Pour notre part nous nous contenterons de réflexions générales quant à l’art de Spare. L’on évoque souvent Aubrey Beardsley lorsque l’on s’interroge sur Osman Spare. Beardsley le mignon, Spare le cru. Ce genre de synthétisation abrupte, je préfère d’autres parallèles. Par exemple ce qui rassemble et sépare Gustav Klimt d’Egon Schiele. Il ne s’agit pas d’opposer les tenants de l’Art pour l’Art aux partisans propédeutiques de l’Expressionisme. Simplement le constat que ces frères siamois artistiques diffèrent avant tout par la maniérisation érotique de la femme dont ces familles d’esprit usent. Et abusent, je rajoute ce verbe pour que les ligues féministes ne m’intentent pas un procès.

SATYROS DUX

1945

AUSTIN OSMAN SPARE

         Une deuxième série de dessins de Spare. A peine-écrivez-vous le mot femme que les satyres se radinent. Et cette fois-ci pas n’importe lequel, le chef. Il faut le dire : c’est plus fort que Picasso. Nous ne nous focalisons pas sur le trait, tous les personnages mythologiques du Catalan, ne sont que des ornements. Sont dans les tableaux pour faire antique. Au même titre qu’un tronçon de colonne. Chez Spare, les personnages ne se donnent pas systématiquement la peine de se mettre nu. Sont généralement habillés. Ces vingt dessins sont à lire comme une bande dessinée. A chacun d’imaginer son scénario. L’essentiel ne réside pas là. Ce serait oublier el Pintor. C’est lui donne corps et sens à chaque vignette. Nous ne nous risquerons pas à une lecture personnelle. D’autant plus qu’en toute fin du volume, quelqu’un d’autre s’en charge.

VISIONS DE DIONYSOS

2011

JOHN ZORN

         Le lecteur se rendra sur YT écouter The Satyr’s Play (Visions of Dionysus) Ode I, II, III, IV, V, VI, VII, VIII, IX, X composé en hommage à Austin Osman Spare. L’ensemble dépourvu de paroles ne m’a guère convaincu… John Zorn est un musicien d’avant-garde qui a beaucoup produit s’inspirant de toutes sortes de musiques populaires américaines du jazz au classique.

         Le texte est une espèce de poème-rituel divisé en huit séquences, vous le préfèrerez au disque, un peu disert, un peu répétitif, sans surprise… Des sonorités que je me permettrai de qualifier d’agrestes, en rien novatrices. Texte d’une autre texture, requérant plusieurs niveaux de lectures. Aussi bien sur la numérologie sacrée que diverses et rapides évocations, philosophiques, ésotériques, sophistiques… En quelque sorte il peut se lire comme une réponse aux volontés de dépoussiérages de l’occultisme traditionnel souhaité par Alan Moore.

RITUEL DE LA VENUE DU JOUR

AUSTIN OSMAN SPARE

         Avant tout l’on y sent l’influence évidente de Crowley, mais cette page ressemble à des notes écrites pour soi-même. Ce rituel malgré son imagerie égyptienne apparaît surtout non pas comme une invocation héliaque mais une adresse au soleil intérieur que chacun porte en soi.

DEDICACé A CELUI QUI VEUT

ET A CELUI QUI DEMANDE

(1951)

AUSTIN OSMAN SPARE

         Encore un texte rédigé pour soi-même et en même temps un avertissement au disciple. Spare ne fait pas l’aumône au disciple éventuel. Il   abhorre cette race de clones. Peut-être est-ce pour cela que l’on relève quelques accents nietzschéens dans le dernier paragraphe. Zarathoustra en pleine forme.

LE SABBAT DES SORCIERES

(1951)

AUSTIN OSMAN SPARE

         D’abord un texte de réflexion sur la nature du Sabbat. Rien à voir avec la Nuit de Walpurgis de Goethe. Le mot sabbat désigne l’acte sexuel pratiqué en tant que pratique magique. Ce à quoi elle permet d’atteindre. A lire les pages restantes l’on a l’impression que l’on se trouve devant des notes préparées pour un cours, Spare en professeur consciencieux qui réunit toutes les pièces afférentes au sujet afin de palier  toute demande hypothétique d’un étudiant ou d’une étudiante. L’on ne peut s’empêcher de penser qu’il ne croit pas vraiment en l’efficacité de son cours théorique. Il est nécessaire de s’affronter à la pratique.

DU MENTAL  AU MENTAL

ET COMMENT PAR UN SORCIER

(1951)

AUSTIN OSMAN SPARE

         Soyons héraclitéen : l’on ne se baigne jamais deux fois dans le fleuve de la pensée pour la simple raison que le fleuve de la pensée est partout, que l’on y est plongé en plein dedans, en plus il ne possède aucune rive… Pour une fois Spare se montre pédagogue. Il passe carrément aux applications techniques :  il vous démontre comment en deux ans vous pouvez devenir un as de la divination. Le courant de pensée de vos voisins se mêle à vos pensées. Un peu d’entraînement et un jeu de cinquante-deux cartes suffisent à répondre à toutes les questions d’un consultant inquiet pour son avenir. Cela n’a rien de magique au sens trivial du terme. Il suffit de le savoir et d’être conscient de ces confluences qui s’interpénètrent. Spare vous répète que c’est relativement facile… Les détails et les exemples qu’il fournit ne sont pas particulièrement stupides, mais vous quittez ces cinq pages en vous disant qu’il se contente de refiler le minimum, quelques encouragements, et puis vous êtes assez grand pour vous débrouiller par vous-même. Répétons-le, Spare n’est pas Crowley, il n’essaie pas de vous enseigner, de vous transformer, il respecte votre liberté. Le sorcier n’est pas un maître. Son but n’est pas d’instaurer envers vous un lien de domination ou de sujétion.

AXIOMATA ou MICROLOGUS

(1951)

AUSTIN OSMAN SPARE

         D’abord remercions Philippe Pissier pour la clarté de  la traduction de ce texte fondamental. Mini-logos : mon œil (d’Horus – et même d’horreur tant vous êtes saisi par la force de ce texte), maximus logos je vous l’assure. Je ne sais pas si le grand Friedrich accepterait que ces sept pages de fragments numérotés soient ajoutées en appendice à une édition du Gai Savoir mais elles n’amoindriraient  en rien la pensée du solitaire d’Engadine. Tout y est : Dieu, l’Homme et même le Surhomme. Un exposé, un concentré de gaya scienzia explosif. A lire ce texte crucial – pensez à l’idée  qui fut clouée sur la croix – la continuité entre la pensée magique et la pensée philosophique devient une évidence. Un phénomène de trans-capillarité de deux traditions d’appréhension de l’être et de la chose, de l’être de la chose et de la chose de l’être. D’où l’importance du Mot qui transporte et l’Idée et la Chose. Ce texte est un miroir qui permet la traversée de la transparence de deux modes de pensée que l’on présente communément comme antagonistes et irréconciliables. Logos Pontifex !

GALERIE

(Dessins, Croquis, Aquarelles, Peintures)

         Si les mots vous restent incompréhensiblement mystérieux regardez les dessins. Ce n’est pas un hasard si cette partie essentielle du volume est placée juste après le Micrologus. S’il est évident que chez Spare l’écriture cherche à éclaircir sa propre pensée et non à dispenser un enseignement, quel rôle a-t-il dévolu à l’exercice pictural, était-ce pour lui, vis-à-vis d’un public indélicat ou non auto-préparé, une manière d’obscurcir le but de ses entreprises, tant intimes qu’extimes, en leur offrant le trompe-l’œil ou le paravent de l’apparence première de ses opérations relatives aux choses magiques. Galerie présente plus de cent pages de dessins et de peintures effectués entre 1904 et 1956. S’il fallait résumer le travail magique de la peinture de Spare en deux mots, ce serait : nudité et portrait. Dans les deux cas, que ce soient les corps ou les têtes, il s’agit d’établir une projectivité pénétrative dans la chair ou l’esprit, de l’autre ou de soi-même, afin non pas de se les approprier mais en opérant un agrandissement de soi-même. Les dessins sont alors à considérer comme les écorces mortes de ce qui a eu lieu et pour les esprits avertis autant d’indices qui servent à concevoir et à comprendre.

         C’est fini… Non, ne faites pas les glavioteux, les treize pages de l’index des noms propres, elles ne sont pas fourrées en fin de volume, fourmillent de renseignements, si vous n’y apprenez rien, c’est que vous ne l’avez pas lu.

         Ce tome III est une petite merveille, vu la taille du mastodonte l’adjectif grande serait mieux approprié, quand on pense à Audrey Muller qui s’est chargée de la relecture, on la plaint, mais je crois que grâce à la présence de son chat roux (comme Osman Spare) à ses côtés on se dit qu’elle a bénéficié d’une véritable aide de sorcière.

         Ce livre n’est pas un livre de plus sur Spare, c’est un objet de première nécessité  pour apprendre à méditer, à réfléchir, à concevoir. Indispensable à ceux qui désirent être eux-mêmes. Et surtout plus qu’eux-mêmes.

Damie Chad.

 

CHRONIQUES DE POURPRE 644: KR'TNT 644: ERIC CARMEN / DAVE CRIDER / VIEUX FARKA TOURE / NOEL GALLAGHER / JAMES PETERSON / GARGUTS / FRACTAL GATES / ASHEN / ROCKAMBOLESQUES

KR’TNT !

KEEP ROCKIN’ TIL NEXT TIME

LIVRAISON 644

A ROCKLIT PRODUCTION

FB : KR’TNT KR’TNT

09 / 05 / 2024

 

 

Z’ATTENTION !

CETTE LIVRAISON 644 EST PUBLIEE AVEC QUELQUES JOURS D’AVANCE. N’OUBLIEZ PAS DE JETER UN COUP D’ŒIL SUR LA LIVRAISON 643 !

KEEP ROCKIN' !

 

 

ERIC CARMEN / DAVE CRIDER

VIEUX FARKA TOURE / NOEL GALLAGHER

JAMES PETERSON / GARGUTS

 FRACTAL GATES / ASHEN

ROCKAMBOLESQUES    

 

 

Sur ce site : livraisons 318 – 644

Livraisons 01 – 317 avec images + 318 – 539 sans images sur :

http://krtnt.hautetfort.com/

 

 

Non, Carmen n’est pas un opéra

         Aux yeux des amateurs de grande pop américaine, les Raspberries régnaient sans partage, ou presque. Régnaient à la même époque d’autres cracks, notamment Dwight Twilley et Todd Rundgren. Chacun dans leur coin : Twilley en Oklahoma, Rundgren à New York et les Raspberries à Cleveland. Eric Carmen vient de casser sa pipe en bois, aussi allons-nous lui dresser un petit autel de fortune, ainsi qu’il est d’usage sur ce bon bloggy blogah.

         Pourquoi ramassait-on les albums de Raspberries en 1973 ? Parce qu’on était bien informé. Bomp!, bien sûr, mais surtout Creem. Ces deux canards ratissaient l’underground de la pop américaine et nous servaient les infos sur un plateau d’argent. Il suffisait ensuite d’aller à la pêche, chez les disquaires parisiens qui vendaient ces gros cartonnés US qui nous faisaient tant baver. 

         L’idéal pour les ceusses qui n’ont pas d’étagères serait de commencer par écouter l’excellent Live On Sunset Strip, un Rykodisc de 2007. Parce qu’il s’agit d’un Best Of, avec un son spectaculaire. C’est là qu’on mesure la grandeur d’un groupe comme les Rasp. Ils attaquent avec deux authentiques coups de génie, «I Wanna Be With You» (tiré de Fresh) et «Tonight» (tiré de Side 3). On est frappé par le caractère brillant de cette power pop américaine. Wally Bryson, le guitar slinger d’origine, claque ça aux heavy chords de Cleveland. C’est ultra chargé de la barcasse. Tout aussi surnaturel d’excellence, voici «Overnight Sensation», c’est d’une grandeur qui dépasse la pop, et l’Eric va chercher les harmonies vocales des Beach Boys. Puis ils rendent hommage aux Who de «Pinball Wizard» avec «I Don’t Know What I Want». Power épouvantable d’I don’t know what I want/ But I want it now. Ils rockent la pop avec tout le tonnerre de Cleveland. On entend les carillons de clairette céleste de Wally Bryson dans «Should I Wait», et ça repart au front avec un «Party’s Over» bien tapé à la cloche de bois. Wally Bryson fout le feu au Sunset Strip. Plus loin, «Ecstasy» sonne encore comme un hit interplanétaire. Avec sa petite gueule d’ange, l’Eric est faramineux. Il y a quelque chose de saint chez cet homme, même quand il chante «I’m A Rocker». Ils terminent en mode heavy boogie blast avec «Go All The Way». Et soudain le ciel s’éclaire car l’Eric chante à l’éclat surnaturel. Il bâtit sa pop avec de l’heavy bastaing. 

         Grand souvenir de fascination en sortant du bac la pochette de Fresh, le premier Rasp sur Capitol. Quatre mecs beaux comme des dieux. Aussi beaux que les quatre Nazz ou les deux Dwight Twilley Band. Tous ces groupes alliaient à la beauté du son leur beauté physique, et il n’existait rien de tel qu’une pochette d’album pour sublimer ce phénomène. Tu avais dans les pattes l’objet parfait. On comprendra beaucoup plus tard qu’il s’agissait d’un art à son sommet : perfection à la fois visuelle et sonore. Le rock, quand il est bon, c’est exactement ça, une quête permanente de la perfection globale. Et quel classique ! Fresh from the start avec «I Wanna Be With You» ! Supremo del Carmeno ! Fantastique allure de wild popsters de Cleveland. Tonite ! Tonite ! La pop éclate au firmament des seventies. Exactement le même niveau que celui de Nazz et du Dwight Twilley Band. Et puis en plein balda, tu tombes sur «Let’s Pretend». L’Eric est un pretender, sa pop jaillit comme une fontaine au cœur du désert, sa pop vibre dans la chaleur comme uns source de lumière. En B, tu as encore deux smashing punkhits : «If You Change Your Mind» qu’Eric chante au filet fin, à la longe de babord, et l’effarant «Drivin’ Around», en plein dans les Beach Boys, avec le côté hard de Cleveland. C’est puissant, bien remonté des bretelles de drivin’ around. Pur pop genius. Les domt dah please sont ceux des Beach Boys dans «Do It Again».

         Leur deuxième album n’a pas de titre, alors on l’appelle le bleu. Deux cuts hantent Raspberries : «Go All The Way» et «I Can Remember» en B. L’Eric dote le premier d’une fantastique trame mélodique. Il module en plein air, il travaille sa mélodie au corps, comme le ferait Jimmy Webb. Quant au Remember, c’est une autre paire de manches. Il s’agit en fait d’une grosse compo, une mini-symphonie sertie en son cœur d’un thème mélodique. Alors il faut voir l’Eric se jeter dans l’écume de son thème. Il flatte sa muse qui est la haute pop, il sophistique pour épauler son désir de firmament. Ce Remember est de toute évidence son accomplissement. À l’entrée, on ne se méfie pas, car c’est posé au piano et chanté au doux du menton. Il pose bien les choses, et puis les violons t’embobinent, alors ça endort encore ta méfiance. Il a simplement besoin de temps pour l’élever. Tu passes un pont et soudain, le miracle s’accomplit. L’«I See The Light» qu’on trouve en A n’est pas celui de Todd. L’Eric l’enchante, il le module d’une voix chaude de beau mec. Avec «Don’t Want To Say Goodbye», il préfigure «All By Myself». C’est la même façon de monter sa neige jusqu’au sommet de l’Ararat. Il cède encore à son penchant pour le heavy boogie rock avec «Get It Moving», un peu dans l’esprit du «Back In The USSR» des mighty Beatles.

         Pour Side 3, Capitol leur paye une pochette découpée. Bel objet. Si tu veux voir les Rasp, il sont à l’intérieur, sous forme d’un petit patchwork de photos en noir & blanc imprimées sur la pochette papier elle aussi découpée. Trois coups de génie sur cet album éminemment rock’n’roll : «Tonight», «Ecstasy» et «Money Down». Ah ça rocke chez les Rasp ! Fabuleuse niaque clevelandaise ! C’est même stupéfiant d’éclat mordoré. On se croirait chez Nazz. En B, big Eric embarque «Ecstasy» à la pointe de la glotte. Il fond son ecstasy dans le miel fulminant d’un Fujiyama clevelandais. Rockalama modèle encore avec «Money Down». Power pur. Et puis tu as aussi «Making It Easy» bien tourné, bien monté, bien riffé. Les guitares de l’Eric et de Wally Bryson scintillent. Tu crois rêver face à tant de qualité. Tout est bardé de barda sur cet album. On pourrait encore citer d’autres exemples.

         Paru en 1974, Starting Over est le dernier album studio des Rasp. Ah il faut voir la classe des rockstars. Ils sont restés beaux tous les quatre. Tu as deux jolis clins d’yeux aux Beach Boys là-dedans, «Overnight Sensation (Hit record)», et en B, «Cruisin Music». Les deux basculent dans le burst-out de Beach-Boysmania, ça sonne très Surfin’ USA, très California good time. Oui, ils ont ce talent faramineux. C’est aussi dans ce balda que tu trouves la version studio d’«I Don’t Know What I Want», le clin d’œil aux Who monté que les accords de «Pinball Wizard». Juste avant éclate l’heavy rock à la cloche de bois de «Party’s Over». Pure énormité carmenique ! Et back to the big boogie classique avec «All Through The Night». Quelle énergie !

         L’omnivore n’a pas fait dans la dentelle avec Pop Art Live : un triple album bourré à craquer de dynamite. Six faces palpitantes, tous les hits sont là, plus des covers magnifiques des Beatles («Ticket To Ride» et l’infernal «Baby’s In Black», tapé au crack boom de Cleveland), plus une imparable cover du «Can’t Explain» des Who ! En plein dans le mille de la cocarde, t’as pas idée. Les Rasp démarrent en super-trombe avec l’explosif «Wanna Be With You», ça saute à coups de c’mon baby/ I just wanna be with you. En B, tu tombes sur la mélodie du paradis : «Go All The Way» et Wally Bryson te gratte les pires power chords d’Amérique pour lancer «Ecstasy». C’est quelque chose d’extravagant. En C, tu croises l’«Hard To Get Over A Heartbreak» et le solo tentaculaire de Wally Bryson, suivi de «Let’s Pretend», le hit magique qui annonce «All By Myself». L’Eric monte son power mélodique au sommet. Et ça continue en D avec l’«If You Change Your Mind» qui rentre en toi par tous les pores de la peau, par tous les ports d’attache, par toutes les portes ouvertes. En clair, tu n’en peux plus. Trop de beauté finit par t’aveugler. L’Eric est un magicien. Live, il devient encore plus fulgurant. Il termine sa D avec «I Can Remember», qui part en mode romantica pianotée, et soudain, ça explose en gerbes mélodiques à la Brian Wilson. Ça monte par vagues subliminales. Avec ceux de Brian Wilson et de Lennon/McCartney, les hits d’Eric comptent parmi les plus parfaits. Sur scène, ils parviennent à jouer les développements extraordinaires d’«I Can Remember», ça monte droit au firmament de la pop, l’Eric chante à l’éclat mordoré, il monte son Remember à la pointe d’une glotte rose et palpitante : te voilà confronté à la perfection, et le dernier refrain jaillit comme un saumon dans la rivière du bonheur éternel. Tu n’en peux plus de tant d’éclat. L’E est encore plus fabuleuse, avec l’heavy boogie des Rasping Rasp, «I’m A Rocker», et la fantastique aisance pop d’«It Seemed So Easy» qui sonne comme un hit des Byrds, aussi généreux en harmonies vocales. Sidérant ! Puis L’Eric rend hommage à The Choir qu’il qualifie de best band in town, avec deux covers, «When You Were With Me» et surtout «It’s Cold Ouside». Fantastique allure. Partout les Rasp foutent le paquet. En bout d’F, ils repartent de plus belle avec «Drivin’ Around/Cruisin’ Music», en plein dans les Beach Boys, pour finir avec le simili-Whoish «I Don’t Know What I Want», monté sur les accords de Pinball Wizard. Ce triple album va tout seul sur l’île déserte.

         On fit aussi main basse sur le premier album solo sans titre d’Eric Carmen, un Arista de 1975. En fait, c’est un album très rock, qui s’est vendu sur la foi d’«All By Myself», l’un de ces grands balladifs dont l’Eric s’est fait une spécialité. C’est vrai qu’on adorait ça à l’époque - When I was young/ I never needed anyone/ Making love was just for fun/ Those days are gone - En gros, il dit qu’à présent, il a besoin d’une poule dans sa vie. Mais à côté de cette superbe tarte à la crème, il aligne une belle série de big rockers : «Sunrise», «That’s Rock’n’Roll», et surtout ce «No Hard Feelings» claqué à la claquemure de Cleveland, avec de vieux relents de Stonesy. Son «My Girl» est franchement digne de Brian Wilson. Même sens de l’explosion de pop dionysiaque ! Il va encore t’en boucher un coin avec une cover d’«On Broadway», ce vieux smash signé Mann & Weil. L’Eric y met toute son âme de pop star iconique. Il y va au raw d’ange de miséricorde.

         Puis la carrière solo va suivre son cours avec Boats Against The Current, un Arista paru deux ans plus tard. Belle pochette et quelques perles, notamment ce «Take It Or Leave It» qui sonne comme de la Stonesy. Il pompe Keef. Tu te croirais sur Exile. On croit même entendre Rod The Mod accompagné par les Stones. On retrouve Bobby Keys aux horns, ce qui explique tout. Dommage que tout l’album ne soit pas de ce niveau. Il renoue aussi avec la passion pour les Beach Boys avec «She Dit It». C’est l’On The Beach raspberrien. Oh la qualité de la claque ! Mais le reste n’accroche pas. Il cherche toujours la voie du Seigneur Pop. Il ne parvient plus à renouer avec la grandeur des Rasp.

         Nouvelle tentative de renouement avec Change Of Heart paru l’année suivante. Le balda s’épuise et arrive en son bout avec une belle cover du «Baby I Need Your Lovin’» des Four Tops. Quelle joie d’entendre l’Etic chanter ça ! Pur genius productiviste. Deux belles surprises viendront consoler les nostalgiques des Rasp en B : «Hey Deanie», où l’Eric emprunte le riff de «Tumblin’ Dice», et «Someday» qui marque le grand retour de l’Eric On The Beach avec du tip-tip-tili emprunté aux Beach Boys de «Do It Again». Power intact ! Tip Tip Tili !

         Malgré son horrible pochette m’as-tu-vu, Tonight You’re Mine est un bon album. On trouve en B un «Foolin’ Myself» digne d’«All By Myself», une belle pop onctueuse qui d’une certaine façon reste imparable. Sinon, il joue un peu avec le feu dans «Hurts Too Much», il ramène le gros son de Totor et les castagnettes. Il tente encore le diable avec «Lost In The Shuffle» où il singe Chucky Chuckah dans un superbe boogie d’allure martiale. Il essaye de se monter digne des grandes heures du Duc de Berry. Mais à la moindre occasion, il retrouve ses hauteurs mélodiques, comme le montre «All For Love». Il adore l’altitude et la pureté de l’air. Beau retour en force en B avec «Inside Story». Il conserve cette fibre heavy rock aux frontières du glam. Top quality Carmen, même si très classique.

         Pas grand-chose à tirer d’Eric Carmen, un Geffen de 1984. On le voit cigarette a bec sur une pochette m’as-tu-vu, et ce n’est pas bon signe. Il montre toujours un goût immodéré pour le slowah languide et ultra violonné. Il reste très sentimental («Living Without Your Love») et peut durcir le ton («Come Back To My Love»). En B, on le voit renouer mollement avec les Rasp («You Took Me All The Way») et faire du Geffen d’époque avec «Maybe My Baby». C’est à tes risques et périls.  

         Il enregistre I Was Born To Love You en 1998. Ce sera donc son dernier album. Est-il passé de mode ? Pas vraiment, car il tape encore deux belles covers, le «Caroline No» des Beach Boys, et le «Walk Away Renee» de The Left Banke. Deux covers du diable, c’est-à-dire des covers magiques. Ah on peut dire que l’Eric adore la Rive Gauche. Il se fend aussi d’une Beautiful Song, «Isn’t Romantic», un cut délicat et fin, un brin bossa-nova, et vite bouffé par une grosse orchestration, sans doute l’hit du disk. Saluons aussi «I Was Born To Love You» qu’il chante d’une voix à peine voilée. L’Eric est resté beau et il cultive encore son goût pour la clameur éplorée. Mais il fait une musique à la mode. Son «Everytime I Make Love To You» rappelle l’«Etienne» de Guesh Patti. Gloups ! Mais il adore aussi rocker, comme le montre «Cartoon World», cette belle pop-rock d’éclat carmélite. C’est pour ça qu’il faut aller au bout des parcours, il est essentiel d’en avoir le cœur net. Il essaie encore de taper dans l’On The Beach avec «Top Brown Summer», mais ça ne marche pas à tous les coups.

Signé : Cazengler, Eric Camé

Eric Carmen. Disparu le 11 mars 2024

Raspberries. Fresh. Capitol Records 1972

Raspberries. Raspberries. Capitol Records 1972

Raspberries. Side 3. Capitol Records 1973

Raspberries. Starting Over. Capitol Records 1974

Raspberries. Live On Sunset Strip. Rykodisc 2007

Raspberries. Pop Art Live. Omnivore Recordings 2017

Eric Carmen. Eric Carmen. Arista 1975

Eric Carmen. Boats Against The Current. Arista 1977

Eric Carmen. Change Of Heart. Arista 1978 

Eric Carmen. Tonight You’re Mine. Arista 1980 

Eric Carmen. Eric Carmen. Geffen Records 1984 

Eric Carmen. I Was Born To Love You. Pyramid Records 1998

 

 

Wizards & True Stars

 - Les critères de Crider

         Pas compliqué : l’histoire du garage moderne américain repose sur 5 piliers : Billy Miller (Norton), Tim Warren (Crypt), Larry Hardy (In The Red), Long Gone John (Sympathy For The Record Industry) et last but not least, Dave Crider (Estrus).

         Alors ça tombe bien : vient de paraître un gros patapouf qui te raconte dans le détail l’histoire d’Estrus. Ouvrage déterminant, car placé sous la houlette du graphiste maison d’Estrus, l’intrépide Art Chantry. Dave Crider avait compris que la réputation d’un label reposait sur deux mamelles : l’image et le son. On trouve très peu d’exemples de ces deux mamelles dans l’histoire contemporaine. Citons un autre team de rêve : Drive-By Truckers & Wes Freed. Rien à voir avec l’esthétique des pochettes des early Stones : les photographes comme Gered Mankowitz shootaient pour le compte des labels.

         Ce graphiste génial qu’est Art Chantry a bossé sur l’identité graphique d’un label underground, et ça se situe à une autre échelle. L’identité graphique est un gros pari, une aventure en soi, il faut voir loin, tout en restant original. C’est en quelque sorte une ingénierie, on définit les bases d’un système visuel qui doit se débrouiller tout seul par la suite, et s’il tient la route, alors les déclinaisons sont un jeu d’enfant. Quand on a bossé sur des «gros chantiers» d’identité visuelle pour des industriels et des grands comptes, on sait l’importance que prend la réflexion initiale. La première condition est de plonger dans la «culture d’entreprise» et d’en tirer les principales caractéristiques. C’est que qu’Art Chantry a fait avec Dave Crider : il s’est plongé dans la culture de son client, et comme il l’indique dans sa préface, il s’est trouvé des tas de points communs avec lui, ce qui a grandement facilité les choses - Dave and I had a LOT of things in common - trashy taste, an interest in crappy music history, a love of forgotten art styles, and a fascination with the history of embarrassing underground American pop subcultures - Ils parlent tous les deux le même langage. Easy baby. Et comme Art Chantry est prodigieusement doué, alors roule ma poule. Il invente même un art graphique qu’on peut qualifier d’art gaga. On est aux frontières de l’art Dada. Chantry explique aussi sa méthode de travail avec Dave Crider : ils sortent tous les deux des crazy ideas jusqu’à ce qu’ils soient vraiment excités. Chantry voit Crider comme son client, et il dit que c’est une chance extraordinaire que d’avoir un client comme lui - because they’re extremely hard to find - Tous les graphistes savent de quoi il parle. Chantry dit avoir bossé 30 ans pour Estrus - It’s a REAL design collaboration at its finest. The best work of my career - Il ajoute plus loin qu’Estrus n’a jamais sorti un mauvais disk, et la cerise sur le gâtö apologique, c’est ça : «We’re not making product, we’re creating ‘cultural artifacts’.» Voilà la clé. Le gaga-punk comme cultural artefact. Tu sentais bien à l’époque que les albums Estrus sortaient de l’ordinaire. Et pour les passionnés de typo, l’œuvre d’Art Chantry est une mine d’or, comme le sera à la même époque l’œuvre de Neville Brody. D’ailleurs, dans le déroulé du book, il arrive à Chantry de commenter ses choix typo.   

         Au temps jadis, on raffolait tous d’Estrus et de ses Mummies, de ses Mono Men, de ses Makers et de tous les autres blasters. Chacun des cinq labels des tables de la loi avait ses têtes de gondoles, et tu tapais dans les catalogues au petit bonheur la chance. Ce fut le temps de l’abondance, avec les Gories, les Oblivians et les Lazy Cowgirls chez Crypt, El Vez, les Cynics et les Gibson Bros chez Sympathy, Hasil Adkins, les A-Bones et Daddy Longlegs chez Norton, et les Dirtbombs, The King Khan & BBQ Show, les Deadly Snakes, Reigning Sound, les Black Lips chez In The Red. Il en pleuvait de partout et tous ces albums avaient une sacrée particularité : ils sonnaient quasiment tous comme des classiques.

         Dave Crider n’a jamais quitté sa bonne ville de Bellingham, dans l’État de Washington, pas très loin de Seattle. Il louchait en particulier sur les «guitar-focused garage bands». En plus d’être le boss d’Estrus et donc un découvreur, il jouait dans les Mono Men, dont l’influence principale était alors les Nomads. Leur premier single est une cover de «Rat Fink A Boo Boo». Outre Crider à la gratte et au chant, on trouvait Ledge Morrissette (bass), Aaron Roeder (beurre) et plus tard John ‘Mort’ Mortensen (gratte/chant), à qui est dédié ce book. Les Mono Men démarrent en 1987 et splittent en 1997, pour se reformer en 2006 et aller jouer quelques shows en Espagne, et en 2013, pour quelques shows au Mexique et en Amérique du Sud. Quand Mort exprima l’envie de passer plus de temps avec sa famille, les Mono Men devinrent un trio et c’est ce trio qu’on entend sur le dernier album du groupe, Have A Nice Day Motherfucker.

         On trouve quelques belles pépites sur ce Motherfucker, notamment le «Back At You» de fin de balda, pièce pantelante d’heavy raunch dans laquelle Tim Kerr passe l’un de ces killer solos flash dont il a le secret. Il prend feu ! Et le Crid chante comme un beau diable. Il n’est pas avare de screams. Les Mono Men sont devenus un power-trio de fast punk comme le montre l’«Off My Back» d’ouverture de balda. Le Crid grimpe au somment de son lard fumant. Il fait encore tout le cirque du heavy sludge dans «Murder City Nights», avec du yah yah et du gratté de poux indicible. C’est une cover de Denis Tek. L’autre cover est en B : «Wimp», signé Alejandro Escovedo.  Le Crid la travaille à l’heavyness carabinée. Et puis tu as ce «Feel Alright» qui n’est pas celui des Stooges, mais c’est tout comme, car tapé aux accords protozozo. 

         Quand les Mono Men splittent en 1997, Crider remonte aussitôt Watts avec Roeder et deux autres mecs - with all fucks thrown out and all the levels at maximum volume - Malgré sa belle pochette, le Watts de Watts n’est pas l’album du siècle, loin s’en faut. Le Crid propose un rock high energy, une sorte de sur-power de super-sludge. On sent chez eux une tentation de Blue-Cheerisation. Tout est poussé dans le rouge, et chanté à la surenchère. Mais rien de nouveau sous le soleil exactement. Il attaquent leur B avec «Tarentula», une jolie dégelée boréale. Ça te dégage bien les bronches. Curieusement ils deviennent de plus en plus explosifs au fil des cuts. Ces mecs ignorent l’existence du mot ‘répit’. Et voilà qu’arrive enfin la perle tant attendue : «Sweet Invicta», quasi-stoogy dans l’intention et dans le propos, et le Crid crache des flammes. 

         À ce stade des opérations, on peut jeter un œil sur les quatre autres albums des Mono Men. C’est très instructif.

         Le premier paru en 1990 s’appelle Stop Draggin’ Me Down. Il démarre avec la belle énormité du morceau-titre qui est une sorte d’«I’m Not Your Stepping Stone» revu et corrigé par les Pistols. Très solide, chanté en mode protozozo par le Crid. Puis ça bascule dans la stoogerie avec «Right Now». Ils savent le faire. C’est Marx Wright qui chante. Pas la même voix. Sur chaque album des Mono Men se trouve une cover de choix. Sur Draggin’, ils ont opté pour l’«Aint’ No Friend Of Mine» des Sparkles, l’un des joyaux de la couronne. Le Crid le bouffe tout cru. Tu n’en reviens pas de les voir taper cette cover de génie. En B, on croise d’autres merveilles, à commencer par l’indestructible «Dead End», suivi d’un «That’s Her» bien campé sur ses jambes. Et puis voilà «Girl», un heavy rock de Bellingham charpenté à la main. Ils ne mégotent pas sur les mortaises et la cheville ouvrière.

         De toute évidence, Wrecker! est leur meilleur album. Ça n’arrête pas. T’en prends plein la barbe, du début à la fin. Ça grouille de puces, tiens, dès «Your Eyes», quasi-protozozo, avec l’enfer sur la terre, le Crid chante et ça pue tout de suite le génie qui ne fait pas de quartier, yaaaah ! Le «Last Straw» suivant est absolument parfait, voilà le gaga sauvage dans toute sa splendeur. Le Crid reprend le chant sur «One Shot». Avec lui, tout est plus heavy et plus pulsatif qu’avec Mort, l’autre chanteur. Cette fois, les Mono Men sonnent comme les Pink Fairies. Bon, Mortensen sait aussi balancer du gaga flamboyant, il fait claquer son «Took That Thing» comme un étendard. On arrive au cœur du Mono System avec deux covers de choc : l’«He’s Waiting» des Sonics (joli Sonic shoot of sort) et le «Swampland» des Scientists, bel hommage du Crid au cat Kim. Fantastique fournaise bien étalonnée et tisonnée au waooouuuh d’in my heart. En B il tapent un bel instro dans l’esprit Linky, «Tomahawk», du Wray de Wray. Nouvelle cover, cette fois du «Remind Me» des Outsiders. Fulgurant ! Le Crid outside les Outsiders avec tout le power des Mono. Il donne au cut un éclat incomparable, c’est d’un power quasi surhumain. Il termine cet album qu’il faut bien qualifier de faramineux avec «I’m Hangin’», chanté à deux voix au renvoi d’ascenseur sur les accords de Gonna Miss Me. 

         On trouve encore un peu de protozozo sur Skin & Tonic : «Waste Of Time». Le Crid sait bien aggraver les choses, bien plus que Mort. C’est encore lui qui chante le «Mystery Girl» d’ouverture de balda. Il est encore au micro pour «Haxed», un classic Mono d’haxed on you, avec une descente au barbu catégorielle. Dommage que le Crid ne prenne pas tout au chant. Il est quand même plus convainquant que le copain Mort. Par contre, que dalle en B. Rien.

         10 Cool Ones n’est pas sorti sur Estrus mais sur Scat. C’est un album de reprises, avec une belle poule à poil au recto de la pochette et quatre belles photos des Mono au verso. Les Mono ne font pas dans la dentelle de Calais puisqu’ils attaquent avec «Kick Out The Jams». Ils dévorent le MC5 tout cru. Crouch Crouch. Ils enchaînent avec le «54-40 Or Fight» de Dead Moon, ils foncent dans le tas du panier de crabes, mais ils perdent complètement la finesse de Dead Moon. On ne peut pas tout avoir. Ils restent dans le haut de gamme avec une cover d’«You’re Gonna Miss Me», bel hommage à Roky, le Crid étale bien son pâté de babeyhh, c’est sauvage as fuck, les babeyhh du Crid sont les pires de tous. Et dans la foulée, ils tapent dans «The Way You Touch My Hand», suprême hommage aux Nomads, Heavy power Monolithique ! On ne sauve qu’une cover en B, celle de Gravel, «As For Tomorrow», amenée à la grosse cocote graveleuse, avec un fantastique jeté de poids dans la balance, et même de jeté de poids dans la gueule de la balance !

         Ne pas faire l’impasse sur Shut The Fuck Up, un mini album de 1993, car c’est un hommage à Link Wray, via «Phantom On Lane 12» (du Wray de Wray, assez Crampsy dans l’esprit et bien dévoré du foie), et en B, une cover de «Rumble», en plein dans le mille de la menace. L’autre cover de choc est le «Mr. Eliminator» de Dick Dale. Quant à la «Little Miss 3-B», elle est envenimée par un effarant solo stoogien. 

         En feuilletant le fat Estrus book, on retombe sur tous ces visuels qui nous faisaient jadis tant baver. Le Ritual Dimension Of Sound des Mortals, par exemple. On retrouve aussi la trace d’un très grand Estrus record, le Break-A-Bone de Gravel. Eh oui, le mec insiste pour rappeler que c’est un très bon album.

Gravel est le prototype du coup d’éclat d’Estrus, l’indicateur du flair génial du Crid. Break-A-Bone grouille de puces, à commencer par «Lone Ride» bardé de barda. Bryan Elliott sait tartiner sa purée. C’est Max la Menace avec une guitare électrique. Fantastique plasticité du son, et du beurre en particulier sur «Bucket Of Blood». On descend dans les entrailles de Gravel avec «As For Tomorrow», c’est un power-rock prodigieusement inspiré, bien gras, bien épais, Break-A-Bone est l’un des meilleurs albums de cette époque riche en big riders, mais c’est Gravel, un diamant de power pur. Chaque fois que tu réécoutes Break-A-Bone, tu t’en fais des choux gras. En B, tu as encore deux blasters : «Sleepless Night» (niaque épouvantable, les montées de fièvre te submergent le bulbe), et «In Your Eye», avec un son plein comme un œuf. Même les balladifs comme «Halfway» sont bardés de barda. Gravel charge sa barcasse au maximum des possibilités de la rascasse. On remercie chaleureusement le Crid pour cet album parfait.

         Gravel sort l’année suivant un deuxième et dernier album, No Stone Unturned. Pochette parfaite, mais l’album est hélas un peu moins dense que le précédent. Le coup de génie est l’«Erase» d’ouverture de balda. T’es pris à la gorge dès les premiers jets de purée graveleuse, on assiste à un fantastique écroulement des falaises de marbre dans le lagon d’argent, il chante du nez à la Kurt et Rick Parritz gratte les poux du diable. Ses poux sont tellement liquides qu’ils coulent tout seuls. On assiste plus loin à un gros battage dans «Sand In Your Eyes», ça bat les poux en neige. Ces mecs ne portent pas des chemises à carreaux pour rien. Ils prennent à la va-comme-je-te-pousse une petite cover du «Pissing In A River» de l’early Patti Smith, et en B, ils sonnent comme The Bevis Frond sur «Yesterday». Même entrain mêlé de désenchantement. Rien de plus heavy que le morceau titre - I’m looking high/ Looking low - Très beau et perforé de part en part par les killer solos du féroce Parritz.

         L’autre coup de génie Estrusien, c’est bien sûr les Mortals. Les Mortals sont mortels, il est bon de le rappeler. Trois albums, à commencer par l’effarant Ritual Dimension Of Sound. Beaucoup de son, car c’est un groupe à deux grattes, James Grapes en lead et Denny Brown aussi en lead, avec, en guise de cerise sur le gâtö, un chanteur exceptionnel, Steve The Tongue Gatch. C’est glorieux dès «I Want More» et ça bascule dans le génie sonique avec «World Turns On», monté sur les accords de «Gloria», mais tapé en mode fast blast de protozozo enragé. Ça te percute littéralement de plein fouet. Ce balda est tout bêtement sidérant, un killer solo flash arrive en dérapage contrôlé dans «I Dream She There». Les Mortals sont les rois de la planète Estrus. Encore du killer solo flash dans «Leaving For Good». Il bouclent leur balda avec un «Disintegration» bien contrebalancé et incendiaire à la fois. En B, Gatch prend «Paralyzed» à ras des pâquerettes. C’est le roi du vol plané mal intentionné. Et avec «She’s So Dangerous», ils flirtent avec le génie protozozo des Pretties. Même approche de la niaque. Ils finissent avec un «I Am Alive» emporté par un tourbillon de wah, du jamais vu.   

         Bulletproof est un album un peu moins dense que le précédent, mais si tu l’écoutes jusqu’au bout, tu vas tomber de ta chaise avec «This is Life», un cut tapé au riff enroué et fabuleusement volubile. Ah quelle farce ! Superbe allure. Riff insistant à la «Cold Turkey». Encore de la fantastique allure avec le «Turn Away» d’ouverture de balda, gratté à la cocote sévère, dévoré par le bassmatic carnivore et trucidé par un killer solo flash. Franchement, que demande le peuple ? Ils passent au pur protozozo avec «Psychole». Ce démon de Gatch chante comme un vieux protozoaire du Midwest et se noie dans une mélasse magique. On croise aussi un «Zodiac» gratté à la menace sourde. Et comme le montre encore «What I Need», ils ne vivent que pour la dégelée. 

         Mais le mieux est à venir : Last Time Around, qui est en fait une compile. Art Chantry fait tourner la typo d’Around sur la pochette. C’est le «Disintegration» tiré de Ritual Dimension qui t’accueille à bras ouverts. Une pure stoogerie ! Encore une stoogerie avec «Wasting My Time» - You’re wasting my time baby/ You’re wasting my time - Cette compile est aussi le paradis des covers. Boom avec le «Looking At You» du MC5, claqué à la mortadelle des Mortals, avec un bassmatic en roue libre. Derrière le tir de barrage ça voyage énormément ! Ils tapent aussi le «Crazy Horses» des Osmonds, un cut aussi repris par les Dictators et Electric Six. Deux autres covers de choix, le «Stay Clean» de Motörhead et l’«I’m Branded» de Link Wray. Ils bardent le Linky de tout leur barda, ils rajoutent des poux sur les poux. Encore une cover explosive : le «Making Time» des Creation. Avec cet hommage suprême, ils restituent tout l’éclat du same old song. Retour à la stoogerie en avec «Coming Down» digne de Dirt, aw c’mon. «Everybody Else» démarre comme un clin d’œil aux Kinks d’«I’m Not Like Everybody Else», et ça bascule dans le puissant gaga sauvage. Le morceau titre qui boucle la B est une fait une cover des Delvettes. Une fois de plus, le bassmatic lui dévore le foie.

         Chantry et Crider aiment beaucoup les stripteaseuses et les jolis seins, alors ils développent une belle ligne graphique à base de seins nus, ce qui colle plutôt bien à l’esthétique gaga telle qu’on la phantasme. Les seins sont faits pour être exhibés, certainement pas pour être cachés. Puis arrivent comme une marée les Mummies, les Phantom Surfers et les Trashwomen. L’Estrus book s’emballe encore avec les fameux ‘Garageshock’ de Belligham, c’est-à-dire les soirées Estrus qu’organisait Crider dans un club local, le 3-B, tenu par Aaron Roeder, où tout était permis - A kind of fuck you attitude, nous dit Roeder - Toutes les affiches te font baver, tous les groupes Estrus sont là, année après année, dans les années 90, et voilà les mighty Makers, l’un des fleurons d’Estrus, photos de scène et tout le bataclan. Et commencent à apparaître des cracks comme Tim Kerr, et Chet Weise des Quadrajets.

         Pour les Drags, Chantry déterre une vieille typo, the old headliner typeface ‘Interlock’ utilisée dans les années 50 et 60 : les caractères s’interlock entre eux. Art Chantry se passionne aussi pour les Fireballs Of Freedom. Pour lui, la pochette de Total Fucking Blowout devait être «IN YOUR FACE and MELTING IT. WHAW!». Les CAP, c’est lui. Alors il utilise «a day-glo orange type tone with a Japanese rubber stamp kit» et une photo «of a badly damaged mannequin with headhones having been totally FUCKING BLOWN OUT». Voilà comment Art Chantry commente ses pochettes parfaites. Crider s’éprend aussi des Supercharger de San Francisco, qu’il qualifie de «definitive offering of 90s lo-fi trash budget rock.» Les Makers incarnent d’une certaine façon l’apothéose d’Estrus. L’Estrus book qualifie d’explosive le «Middle Finger album». Puis voilà les Nomads et les Japonais de Teengenerate, puis les Flaming Sideburns en Finlande et les excellents Thundercrack, en France. Le mec de Guitar Wolf (qui n’est pas sur Estrus) dit tout devoir à Goner et à Matador.

         Puis en janvier 1997, l’entrepôt d’Estrus prend feu. Tout part en fumée : les archives, le mail order, le matos des Mono Men, les masters tapes et la collection personnelle du pauvre Dave Crider. Il va s’en relever, mais à quel prix ! Il faut tout reprendre à zéro. Les groupes vont faire des benefits pour aider Estrus à se relever. On se souvient de l’incident comme d’une énorme catastrophe, à l’époque.

         Après la fin des Mono Men et de Watts, Crider monte les DT’s, «a hard soul combo» avec Diane Young-Blanchard, l’ex-Madame X. Le groupe va durer 17 ans et tourner dans le monde entier. Les albums de DT’s fonctionnent un peu comme la vitrine du pâtissier : ils font envie. Alors tu entres avec les yeux plus gros que le ventre.

         La peau de serpent d’Hard Fixed n’est pas signée Art Chantry. Le son change du tout au tout avec la voix de l’ex-Madame X. Elle fait sa Janis. Le Crid se tourne résolument vers le son qu’il préfère, celui des seventies. Plus aucune trace de gaga sur cet album. Il arrose copieusement «On The Ground» d’accords fiers comme des guerriers apaches. Cette fois, les DT’s sonnent exactement comme les BellRays. Même sens de l’émeute urbaine. Sur «Breakdown», l’ex-Madame X a toutes les qualités : «I got style/ I got Soul/ I got fire.» Pas mal quand même. Mais ils peinent à défrayer la chronique. En B, ils continuent avec «The Hurt Is Over» de taper dans un genre déjà éculé par tant d’abus. Tout est classique sur cet album, bien tiraillé au tire-bouchon. Leur «Eyes To The Sun» est littéralement cavalé ventre à terre, en mode Charge de la Brigade Légère au Far-West, oh yeah, elle y va l’ex-Madame X ! Elle est encore plus spectaculaire sur «Chopper», elle grimpe sur la barricade et gueule comme une égérie face aux Versaillais, les ennemis de la liberté, alors elle gueule de toutes ses forces et ça finit par devenir stupéfiant. Ah il faut avoir écouté ça au moins une fois dans sa vie !

         C’est Art Chantry qui designe la pochette de Nice ‘N’ Ruff (Hard Soul Hits! Vol. 1). Comme l’indique le titre, c’est un big cover album, bien gorgé de Crid. Premier blast, le «Ninety Nine & A Half (Won’t Do)» d’Eddie Floyd & Steve Cropper. Cette heavy cover staxy et blanchie leur va comme un gant. C’est puissant, gorgé de ninety nine oooh. Ils tapent ensuite dans l’excellent «Price Of Love» des Artistics, c’est gorgé de Soul blanche. Ils restent dans le haut de gamme avec «The Hunter» d’Albert King, mais leur cover trop blanche de marche pas. Ils tentent le coup encore avec le «Pagan Baby» de Fog, mais c’est trop chanté à l’arrache, alors ils passent à côté du Creedence. Mais que de son, c’est la grosse cavalerie du Crid et d’Endino. En B, ils restaurent leur règne avec l’imparable «Big Bird» d’Eddie Floyd & Steve Cropper. Fantastique, ça marche à tous les coups. Ils tapent plus loin dans le «Move Over» de Janis. L’ex-Madame X est en plein dedans. C’est exactement la même. Ils terminent ce parcours magistral en rendant un hommage tonitruant à Roky : «Don’t Slander Me», avec le Crid en embuscade. C’est le Texas storm transplanté dans le Pacific Northwest Boom, avec un killer solo flash de Crid le héros. 

         Gros travail sur le typo pour la pochette de Filthy Habits, mais ce n’est pas signé Art Chantry. C’est le Crid qui s’est amusé sur son ordi. L’album ne sort pas non plus sur Estrus mais sur Get Hip Recordings, ce qui revient à peu près au même. Et au dos, le Crid toujours égal à lui-même déclare : «Thanks to our friends... everyone else fuck off.» Il a raison, au fond. En même temps, souvenir d’un contact chaleureux avec lui, via le site Estrus, lorsqu’il fallut rapatrier les albums encore disponibles chez lui et qu’on ne trouvait pas chez Born Bad. Deux belles stoogeries se nichent sur Filthy Habits, «April Holeso» et «Lights Out». Derrière l’ex-Madame X, le Crid joue les accords de «Down In The Street». Elle lâche des c’mon solides comme le roc. Elle y va la Diana ! C’est d’ailleurs «Lights Out» qui referme la marche de la B. Le Crid te gratte ça sec et net et sans bavures. Il gratte comme un démon, il fait son Ron Asheton et croise les descentes de bassmatic. Le reste est plus classique, avec un «Freedom» assez Nashville Pussy dans l’esprit, et un Crid qui prend feu dans les virages. L’ex-Madame X restera une grande shouteuse devant l’éternel. Elle mène bien sa barcasse de Sugar Pie dans «Sugar Pie».

         En 2015, Dave Crider monte Machine Animal, «a four-piece ‘Bonehead Rock’ band». Deux singles sur le marché : «Live In Wreck/Devil Woman» et «Lame/Danger Explosives». Ils font du classic rock hardy des années de braise. Très Nashville Pussy dans l’esprit. Ils se spécialisent dans le big heavy Animal Machine Sound. On perd complètement le Crid génial des Mono.

         Avec Dave Crider et Art Chantry, l’autre héros de la saga Estrus n’est autre que Tim Kerr. C’est lors d’un concert des Mono Men au Crocodile Cafe de Seattle, en 1992, que Crider rencontre Tim Kerr. Rencontre déterminante car Kerr allait contribuer à la légende d’Estrus au moins autant qu’Art Chantry. Kerr le cake se trouvait alors à Seattle pour enregistrer le premier album de Monkeywrench, Clean As A Broke-Dick Dog, sur Sub Pop. Et ça commence vraiment à chauffer à la page 200 du book avec une photo de scène des Monkeywrench, tu vois Mark Arm au chant, et Kerr sur sa demi-caisse jaune, en chemisette à carreaux, déplumé mais avec la gueule de Robert Duvall. Crider a déjà flashé sur les underground heroes Poison 13 - too blues for punk, too punk for blues - Ça clique entre eux et ils papotent toute la nuit, partageant une admiration commune pour Thelonious Monk. Avec Tim Kerr, Crider va trouver un son. C’est Kerr qui enregistre le «Middle Finger album» des Makers et qui développe leur son. Il réédite l’exploit pour les Dexateens de Tuscaloosa, Alabama, qu’il entraîne comme il a entraîné les Makers «into wild batshit-crazy feedback orgies». Tim Kerr : «Those first two Dexateens records are still some of my favourite things I’ve done.» C’est lui aussi qui enregistre les Fireballs Of Freedom. En studio, il invite les groupes à s’abandonner - to cut loose and just go fuckin’ bananas - à la recherche d’une «dynamic of insanity and noise». Tim Kerr les aide à basculer dans le deconstructed rock and punk. Le mec des Fireballs en témoigne : «On essayait de faire un truc à l’opposé de tous les autres, and Tim understood that. Il est d’Austin et on adorait tous les weird bands from there, like the Butthole Surfers and Big Boys. We were freaks on the scene. So was Tim.» Pas étonnant qu’Estrus ait brillé au firmament de l’underground. Comme Guy Stevens en Angleterre, Tim Kerr encourage les groupes à tout casser : «Shout and scream and make mayhem.» C’est encore lui qui produit Estrella 20/20 : «Avec les groupes japonais, the very first note of the very first song is the grand finale, and we go up from there. That’s how it should be. Tu vas voir les Cramps. The Cramps are great. Lux stands on his amp at the end of the set, but why didn’t he do that on the first song?».

         En plus, Tim est modeste. Il demande toujours à son copain Crider de ne pas le créditer comme «producteur» sur les disks, il veut juste «guidance councellor» ou «coach» - «Producer» has so much fucking baggage to it that has nothing to do with me - Allez hop, Mooney Suzuki et Gasoline ! Il pousse le bouchon de la modestie assez loin, car il affirme que c’est un honneur pour lui que d’être sollicité par un groupe. Pire encore : il ne coûte pas cher. Vraiment pas cher. Il considère que le groupe a déjà claqué du blé en déplacement et en location de studio. Il se contente généralement du remboursement de ses frais de route, et il dort par terre s’il le faut - I didn’t mind sleeping on the floor - Et puis, il adore les groupes qui échappent au garage, comme les Fireballs Of Freedom - That’s absolutely not garage - Et il ajoute, pour que les choses soient bien claires : «The Quadrajets, they think they play Southern Rock, but it’s the most fucked-up, crazy thing. Lord High Fixers didn’t fit into the garage label either.We were playing jazz mixed with soul. There wasn’t that formula kinda thing going on. It’s probably why Dave and I are family.» Voilà la  clé d’Estrus : l’ouverture d’esprit. Tu tournes la page et tu tombes sur une autre photo de scène de Tim Kerr, cette fois avec les Lord High Fixers, qui furent en leur temps l’un des plus grands groupes de rock américains.

Signé : Cazengler, Estrousse (de toilette)

Chris Alpert Coyle & Scott Sugiuchi. Estrus. Shovin’ The Shit Since ‘87. Korero Press 2023

Mono Men. Stop Draggin’ Me Down. Estrus Records 1990

Mono Men. Wrecker! Estrus Records 1992

Mono Men. Shut The Fuck Up. Estrus Records 1993

Mono Men. Skin & Tonic. Estrus Records 1994

Mono Men. 10 Cool Ones. Scat Records 1996

Mono Men. Have A Nice Day Motherfucker. Estrus Records 1997

DT’s. Hard Fixed. Estrus Records 2004

DT’s. Nice ‘N’ Ruff (Hard Soul Hits! Vol. 1). GP Records 2005

DT’s. Filthy Habits. Get Hip Recordings 2007

Watts. Watts. Estrus Records 1999

Machine Animal. Live In Wreck. Valley Kings Records 2016

Machine Animal. Lame Danger Explosives. Ghost Highway Records 2018

Gravel. Break-A-Bone. Estrus Records 1992

Gravel. No Stone Unturned. Estrus Records 1993

Mortals. Ritual Dimension Of Sound. Estrus Records 1992

Mortals. Bulletproof. Estrus Records 1994

Mortals. Last Time Around. Estrus Records 1996

 

 

Pas de parka pour Farka

         L’Afrique débarque en Normandie, avec l’un de ses plus brillants ambassadeurs, Vieux Farka Touré, le fils d’Ali. Comme chacun sait, Ali Farka Touré révéla le secret des racines du blues dans Du Mali Au Mississippi, un docu tourné par Martin Scorsese, à partir d’un scenar de Peter Guralnick. Pardonnez du peu. Ce docu est aussi le premier des 7 épisodes de la série The Blues, produite par le même Scorsese. On retrouve aussi l’Ali sur l’un des plus beaux disks de blues des temps modernes, Talking Timbuktu, où il duette avec son fan numéro un, Ry Cooder. Donc quand le fils d’Ali débarque en ville, on va le voir vite fait. C’est la moindre des choses. Après, tu peux décider de rester chez toi à regarder une grosse daube à la télé. Mais tu vas rater quelque chose. 

         Bizarrement, quand tu vas voir jouer les Africains, tu marches sur des œufs, alors qu’au contraire, tu devrais danser et t’abandonner. C’est délicat l’Afrique. C’est fragile. C’est précieux. C’est raffiné. Tu as des instruments qui remontent à la nuit des temps. Contente-toi de les entendre, pas la peine de chercher à mémoriser leur nom. L’arlequin en costume tribal gratte une espèce de guitare primitive taillée dans un petit bout de bois. C’est Bo Diddley Della Francesca dans la forêt vierge. Mais Bo Diddley Della Francesca en costume d’Arlequin. Même Picabia n’aurait jamais pu imaginer un plan pareil. Et encore moins Picasso qui aimait tant peindre les Arlequins.

         Te voilà à la croisée des chemins, ces musiciens qui sont six sur scène avec le fils d’Ali jouent une musique qui te «parle» en profondeur. Si ton corps bouge, c’est sans ton consentement de petit cul blanc amidonné. Tu vois l’Arlequin danser d’un pied sur l’autre et tu fais la même chose sans t’en rendre compte. C’est une maladie contagieuse, l’afro-beat. À côté de lui, le bassman en boubou blanc joue le groove sur une Jazz Bass à 5 cordes, il ne fait rien de plus que ce que tu sais déjà, mais il le fait à l’Africaine, du bout des doigts, sans vraiment toucher les cordes. Jamais tu ne sauras jouer comme ça, à l’effleurement primitif d’ongles roses. L’effleurement primitif ne marche que si tu as les percus africaines. Les deux cracks du beat remontent aux origines de l’humanité, l’un est derrière une batterie et l’autre derrière une calebasse, et ça swingue dans la moelle des os, ça swingue dans les bois de tes cornes, ça bat le beat originel, te voilà aux origines du monde. Bizarrement tu ressens exactement la même chose lorsque tu écoutes John Lee Hooker ou Junior Kimbrough. Ces gens-là transmettent des sons qui remontent à la nuit des temps, avant que n’existent les villes et le fucking web. Était-ce un temps de pureté originelle ? On ne le saura jamais, mais on aime bien l’idée, c’est en tous les cas l’image que véhicule cette musique dénudée, ramenée à l’essentiel, et en même temps persiste l’impression d’une foison. Foison car deux guitares, plus l’instru primitif de cet Arlequin qui te fascine à force de balancer d’un pied sur l’autre. Capiteux mélange de beauté originelle, de dénuement saharien et de vie rudimentaire, s’il est une musique qui te fait voyager, c’est bien celle-ci. L’Afro-beat bat comme un gros cœur.

Contrairement au rock, cette musique ne charrie aucun relent de subversion ou de rébellion, c’est complètement autre chose, il règne dans ce son une idée parfaite de l’harmonie, c’est une autre façon de voir les choses ou de ressentir le monde. L’Afrique nous dit un peu à sa manière à quel point l’occident s’est égaré : après tant de siècles de violence et de barbarie politico-religieuse, les kids du XXe siècle ont dû inventer une autre forme de barbarie pour se rebeller contre l’ordre établi issu d’un long processus civilisationnel complètement erroné. Il faut comprendre par-là que la civilisation occidentale est tragiquement imparfaite. Alors que la musique africaine, reflet d’un processus traditionnaliste, est parfaite. Si on veut en savoir davantage sur cette évidence, alors il faut voir les films de Jean Rouch, notamment Jaguar et Moi Un Noir.

         Vieux Farka Touré ne fait pas d’ethnologie sur scène. Il amène de la joie de vivre et un son frais comme un gardon du Niger. Tous ces blackos sourient en jouant, il leur arrive parfois de tourner en rond sur eux-mêmes lentement, pied à pied, on a le temps, le cœur bat, la terre tourne, Diabara suit son chemin, Vieux Farka passe des solos qui ressemblent à des rivières de diamants, il s’approche de toi et te sourit, il a ce sourire incroyablement enfantin, il est mille fois plus radieux que ne le fut jamais cette cloche de Louis XIV dans son costume d’apparat, le Roi Soleil, c’est Vieux Farka Touré, il rayonne, il darde de mille feux, il chemine sur les traces de son père, ni plus ni moins, il porte le même message, le même chant, la même plainte issue de fond des âges et tu comprends que cette musique renferme une vraie part de vérité.

         Il faudrait aussi saluer Strange O’Clock, le petit couple blanc qui jouait en première partie. Elle chante et tape sur une calebasse elle aussi et prend parfois des poses théâtrales, alors qu’elle n’est pas obligée. Ils explorent eux aussi cette région de l’Ouest africain, elle évoque surtout le Burkina. Son compagnon reste assis pour gratter sa Tele. Il porte un chapeau de cuir et des bottes de baroudeur. Il s’appelle Christophe Balasakis et il joue un blues africain d’une extrême limpidité. L’ambiance est afro, mais chez lui le blues prend le dessus. Il joue avec un tact qui impressionne. Ce mec est prodigieusement doué. Il échappe aux comparaisons, comme s’il jouait avec un style unique. C’est en quelque sorte une révélation. On aurait presque hâte de les revoir, avant qu’ils n’aient terminé leur set. 

         Oh et puis tu as ce très bel album, Les Racines ! Bien positionné dans l’Afrique dès «Gabou Ni Tie», avec toute l’énergie du son, aussitôt la vie, dès la vraie attaque, ça grouille si merveilleusement. Chaque cut se met en route comme une caravane joyeuse, ces musiciens te ramènent aux origines du monde, avec le flûte de Pan de «Ngala Kaourene». Et puis voilà qu’apparaît au détour du casque ce morceau titre d’une beauté terrible, bien illuminé par les petites dégelées du Vieux Farka. Ce thème mélodique plane dans la légende africaine, traversé par des rivières de diamants. Avec «Be Together», tu as une espèce de fête au village sous le boisseau, un truc intense et léger à la fois, une beauté existentielle, tu as là-dedans tout le Mississippi Sound, tout Junior Kimbrough, toute la mémoire de la savane. Cette musique goutte de jus, l’électricité est si belle, elle sonne dans l’écho du temps, ça grouille comme une tribu. Dans «L’Âme», on reconnaît une mélodie du papa, un joli maléfice malien. Maléfique, «Flany Koanre» l’est aussi, très formel, très malien, en attente dans le temps, le son ne bouge pas, tout est figé, sauf les notes. Et puis tu vois «Lahidou» se poser comme une architecture dans les sables du désert, avec une voix qui survole les structures lumineuses comme un immense oiseau mythique. Les notes sont en liberté. «Ndjehene Direne» repart à l’assaut d’on ne sait quoi, puisqu’il n’existe pas d’assaut chez les Maliens. Pourquoi ? Parce que pas de donjons. Et pas de rien. Juste du son. Un son qui avance à travers les zones désolées de ton imaginaire. Un son aux racines si profondes que tu comprend pour la première fois la notion de sol. Tu écoutes avec tes doigts de pieds. Tu vis dans tes Impressions d’Afrique. 

         Pour célébrer l’occasion, tu ressors de l’étagère un vieux papa Touré, un album sans titre paru en 1988, à une époque où il faisait bon s’abreuver dans l’Africana. Ali Farka Touré est un album de chansons traditionnelles. Le mec des liners donne heureusement quelques infos. On apprend par exemple que «Timbarma» est une chanson tradi à Timbuktoo et en Mauritanie. C’est un son très paisible, très ancien. Ali Farka Touré gratte à l’ancienne. Ce sont les racines des roots, il n’existe rien de plus ancien ce ça. Il chante «Bakoyteyre» en Songhai, nous dit le liner man - Les drogues ne remplissent pas la panse, alors pourquoi en prendre ? - Cette façon de poser le son est unique. Et soudain, il tape le blues du Mississippi avec «Amandrai». Merveilleux certificat de paternité. Il refait des miracles avec «Bakoye», il faut l’entendre dérouler ses rivières de diamants, il joue en picking malien avec le pouce sur la corde basse. Il est fin l’Ali. 

         Et comme le Voyageur de papa Touré traînait au merch, alors on l’a ramassé. Vieux Farka joue dessus. Cet album est un petit chef-d’œuvre d’Africana. Dès «Safari» tu es confronté au phénomène de la clameur, une clameur qui s’installe sur une vaste région. Cette façon de poser le son détermine toute la suite. C’est profond et spirituel. Ici, on ne parle pas de pintes de bière. Ces Maliens rockent mille fois plus que tous les gaga gangs réunis. Et chaque cut se met en route magnifiquement, comme une caravane dans le désert. Pur et juste. On sent battre le pouls du beat. Ils amènent «Bandolobourou» comme un hit d’une beauté parfaite. L’Ali y va, il fluidifie sa rivière de diamants, son fils Vieux Farka joue aussi sur cette merveille. La beauté devient surnaturelle, retravaillée au chant descendant. Une fabuleuse petite chanteuse nommée Oumou Sangaré prend le chant sur «Chérie» et l’Ali revient gratter du riff séculaire. Elle lance encore la loco malienne de «Sadjona», cut chaud et intime, puissant et profond. Cette musicalité donne vraiment le vertige. Sur «Kombo Galia», ils sont trois à gratter des gnonis derrière l’Ali. Clameur fondamentale.  

Signé : Cazengler, Vieux parka troué

Vieux Farka Touré. Le 106. Rouen (76). 13 mars 2024

Vieux Farka Touré. Les Racines. World Circuit 2022

Ali Farka Touré. Ali Farka Touré. World Circuit 1988

Ali Farka Touré. Voyageur. World Circuit 2023

 

L’avenir du rock

 - Le père Noel n’est pas une ordure

(Part Two)

         Dès que les beaux jours arrivent, l’avenir du rock prend sa bagnole. Direction Omaha Beach pour rendre une petite visite au Général Mitchoum. Ça fait 80 ans que le pauvre vieux se planque derrière son bloc de béton, à l’abri, dit-il, «des balles des Boches». La nuit, il construit des châteaux de sable, et le jour il roupille. L’avenir du rock lui amène des tablettes de chocolat et des boîtes de corned beef, son mets préféré.

         — Alors mon Général, toujours entier ? La rafale de mitrailleuse qui vous déchiquettera n’est pas encore née, ha ha ha !

         Ça ne fait pas rire le vieux crabe. L’avenir du rock l’observe. Il n’est pas jojo. Son casque est tout rouillé et il a perdu toutes ses dents. Il a une gueule à faire fuir un train fantôme. Pas facile d’engager la conversation.

         — Vous ne voulez que je vous amène dans un EHPAD, mon Général ? J’en connais un très bien, pas trop cher, pas loin d’ici...

         — EHPAD possible, fucking asshole ! J’attends des renforts !

         — Des renforts, des renforts, oui mais des Panzanis !

         — No ! Un renfort Ricard, sinon rien !

         — Mais attention, mon Général, le renfort est plus fort que le Roquefort !

         — The Roquefort Alamo, dickhead ?

         — À la vie, Alamort, mon Général !

         — À la mort de la mormoille, babeh !

         — Ah oui ! Babette s’en va-t-en Gallagher, mon Général !

         — Yeah ! Gallagher des boots on !

 

         Il n’existe pas de meilleur candidat au délire que le Général Mitchoum. L’avenir du rock n’y va que pour ça. Entre tarés, le courant passe bien. Et ce n’est pas un hasard si le nom de Noel Gallagher arrive dans la conversation. Sa présence dans la presse anglaise et son nouvel album sont aussi incongrus que peut l’être une conversation avec le Général Mitchoum. Comment le Père Noel peut-il espérer vivre artistiquement après Oasis ? C’est la question qu’on se pose chaque fois qu’on écoute l’un de ses nouveaux albums. Comme si on attendait de lui qu’il descende par la cheminée pour déposer dans nos petits souliers de nouveaux miracles de type «Columbia».

         Council Skies n’est pas vraiment un miracle, mais ça reste néanmoins un big album. Au format double CD, ça donne un petit book en noir et blanc richement illustré. À l’écoute, on voit tout de suite que le Père Noel souffre d’une grosse lacune : pas de Liam. Il chante au chat perché, mais tout l’Oasis était dans le Liam. Le Père Noel peut brailler, pousser des yeah yeah, rien n’y fait, ça manque tragiquement de Liam. Plus il yeah-yeathe et plus il se ridiculise. C’est même assez pathétique de voir cette ancienne rock star se débattre avec de mauvaises compos. Le Père Noel manque à tous ses devoirs. Il devient pénible, et puis soudain ça repart du bon pied avec «Open The Door See What You Find». Ce petit coup de stomp cache bien la misère. Alors attention, ce n’est pas parce qu’il a du gros son qu’il est bon. Ça produit même l’effet inverse. Il continue de se battre pied à pied avec «Trying To Find A World That’s Been And Gone Pt. 1», il chante tout ce qu’il peut, mais le problème reste entier. C’est tout de même bizarre qu’il ne s’en rende pas compte. Il passe enfin aux énormités avec «Easy Now», il ressort l’heavy Oasis, il parvient enfin à s’arracher du sol, et ça continue avec le morceau titre. Le Père Noel ramène tout le Mad Chester dont il est capable. Voilà le groove urbain en mode Mad Chester. L’implacabilité des choses ! Il tente toujours de cacher la misère avec une grosse prod, mais on voit à travers. Impossible de ne pas penser au carnage qu’aurait fait Liam avec un cut pareil. «There She Blows!» est plus poppy, plus Beatlemaniaque, mais avec le poids du fan de base. Ça donne un mélange bien toxique. Gros parfum d’Oasis. Le Père Noel n’a rien perdu de ses facultés. Il sort un son sec de guimbarde pour «Love Is A Rich Man», mais globalement, on ressent un malaise. Rien n’est plus tragique que de voir un grand artiste sombrer. Il devient ridicule avec «Think Of A Number». Liam doit se tordre de rire en écoutant ça.

         Bon, c’est pas tout ça, les gars, mais il reste le disk 2. Le Père Noel l’attaque avec des cuts problématiques, c’est-à-dire des cuts qui refusent d’obtempérer. Et puis soudain, une lueur apparaît au bout du tunnel : «Mind Games», une mélodie catchy. C’est le real deal du Père Noel. Absolute Papa Noel. On croise plus loin la version instro du morceau titre, jouée aux clochettes. Power all over. Dès qu’il ne chante plus, ça va beaucoup mieux. Ces mecs groovent l’orbi et l’orba de Mad Chester. Big fat power ! L’instro permet de se concentrer sur la structure. Puis on va assister à la fin de la chute de l’Empire Romain d’Oasis avec l’electro-mix putassier de «Think Of A Number (Pet Shop Boys Magic Eye 12» Remix)». Eh oui, le Père Noel appartient aussi à ce monde-là. On l’entend ensuite chanter «Pretty Boy (Robert Smith Remix)» à la radio. C’est bon parce qu’il chante dans l’écho de la radio, dommage que la compo soit si foireuse. On tombe ensuite sur «Council Skies (The Reflex Revision)», montée sur un beat marmoréen, ça enfonce le clou dans la paume, plutôt deux fois qu’une. Toujours la même chanson. Liam doit être écroulé de rire à l’écoute de «Flying On The Ground (Radio 2 Session)» et d’«You Ain’t Goin’ Nowhere (Radio 2 Session)», et cette débâcle s’achève sur «Live Forever» le balladif gluant qui a tué Oasis dans l’œuf. Mais on écoutera quand même le prochain album. On veut continuer de croire au Pere Noel.

Signé : Cazengler, gallaglaire

Noel Gallagher. Council Skies. Sour Mash Records Ltd. 2023

 

 

Inside the goldmine

 - Peterson of a biche

         Et puis tu avais ce mec, Potar, débarqué là comme intérimaire, vite copain-copain, le pack de mousse à l’apéro et ses histoires graveleuses en guise de cerise sur le gâtö. Il pensait que le graveleux trempé dans la mousse pouvait créer des liens confraternels. De toute évidence, il ramenait ça de son séjour à l’armée. Il adorait parler de ses mensurations, ma queue mesure trente centimètres, se vantait-il, surtout quand des gonzesses circulaient dans l’open space. Il affichait en permanence un sourire d’intérimaire heureux de sa condition. Personne ne comprenait que son air jovial dissimulait en réalité une nocivité machiavélique. Pour le déchiffrer, il suffisait de créer un climat de confiance permettant de l’approcher d’assez près pour pouvoir observer sa peau : il avait ce qu’on appelle une mauvaise peau d’obsédé sexuel, cette peau blanchâtre propice aux éruptions de pus. Une peau dont on disait autrefois qu’elle était à l’image de l’âme. Il avait en outre des cheveux noirs extraordinairement gras et le col couvert de pellicules. Il se grattait la tête en permanence et bien sûr ses ongles étaient noirs comme ceux d’un clochard. Il portait des lunettes à verres tellement épais qu’ils grossissaient ses yeux, deux gros yeux noirs à l’éclat malsain : pas les yeux noirs de Picasso, ceux d’M le Maudit. Il inspirait globalement une sorte de répulsion. Son côté jeune homme sympathique et serviable peinait à dissimuler la sinistre réalité de sa condition. Et pour couronner le tout, il ne portait que des chemisettes à manches courtes, histoire de rappeler qu’il ne s’embarrassait pas non plus avec les questions de goût. Il proposait un autre genre d’équilibre : le sien. Au vestiaire, Potar commença très vite à abuser de certaines salariées. Pour qu’elles gardent le silence, il les menaçait en brandissant un opinel et jurait qu’en cas d’indiscrétion, couic ! T’as pigé, connasse ? Le cauchemar prit fin de la façon la plus charmante. Un jour où nous étions tous rassemblés dans l’atelier pour fêter un anniversaire, une petite salariée d’origine italienne but le verre de trop qui lui délia la langue : «Potal il dit qué sa zigounetti elle mousoure tlente centimètles, si pas vlai ! Sa zigounetti elle mousoure cinquo centimètles !». Et tout le monde éclata de rire. Piqué au vif, humilié, Potar posa son verre, tourna les talons et disparut.

         Potar et James Peterson n’ont heureusement rien en commun, si ce n’est le potard. James Peterson adore tourner les potards de son ampli pour jouer le blues bien loud et bien heavy. Il est important de savoir que James Peterson est le bluesman de Malaco, et qu’il est aussi le père de Lucky Peterson. Joli nom, Lucky, tu trouves pas ? 

         D’ailleurs, le père et le fils ont enregistré un album ensemble : The Father The Son The Blues. Lucky est petit, il n’a que 8 ans, il chante et joue du piano. On l’entend chanter «What Would I Give» d’une voix délicieusement juvénile. On l’entend encore chanter «Music Is The Thing» et son père l’accompagne à l’orgue. Le petit Lucy pousse des cris d’orfraie, c’est très spectaculaire. Il revient encore dans le hard r’n’b de «Florence» et devient fantastique de délinquance juvénile. Et il atteint des sommets avec «Daddy Come Home For Christmas», il pousse des cris d’orfraie à la fin, daddy daddy !  

         James Peterson enregistre en 1990 Rough And Ready, un bon album qui ne laissera guère de souvenirs. Il navigue en père peinard sur la grand-mare des canards et alterne les heavy blues avec les boogie blues. Tu vois la Flying V sur la pochette et tu t’attends à du wild blues, mais c’est du blues classique. Le vieux James gratte le blues sous toutes les formes et n’en finit plus de redorer le blason du classicisme. C’est noyé de poux. Force est d’admettre que son «Can’t Teach An Old Dog New Tricks» est d’un bon niveau, c’est du vrai blues urbain, le New York City blues finement cuivré. Son «Mind Is A Terrible Thing To Waste» est un heavy blues de qualité supérieure, pas de doute. Il reste dans la perfection de pâté de foi avec «Sing The Blues Until I Die» et il finit avec «Clothesline», un joli heavy blues traîné en longueur, dans la meilleure des traditions d’excelsior.

         Too Many Knots n’est pas l’album du siècle, mais il réserve quelques bonnes surprises comme par exemple «Fish Ain’t Biting», un sacré heavy blues funk cuivré de frais. Encore du funk avec «Slob On The Knob». Belle odeur d’exotica, ce démon de Peterson y va et ça bascule vite dans la grosse énormité. Il rend un bel hommage à Elmore James avec «Jacksonville» : c’est du pur «Dust My Blues». Encore une fantastique dégelée de blues avec «Call Before You Come Home». Comme ils sont trois à gratter leurs poux, Edward Crusoe, Bryan Barrett et Warren King, tu ne cherches pas à savoir le pourquoi du comment. Peterson chante, c’est tout. Et c’est lui qui compose. Il est bon sur le fast heavy blues du morceau titre. Il se prête à tous les jeux. Encore du heavy boogie blues avec «Blind Can’t Lead The Blind». Straight edge. Fast one. On the run.

         Il a raison, James Peterson, il ne faut pas laisser le volant au diable. Don’t Let The Devil Ride est un album qui se laisse écouter, car Peterson fait du heavy raw, il joue comme l’éclair et chante au gut. Il est capable se sortir une énorme arrache. Il porte des bagues aux doigts, et au dos de la boîboîte, on voit qu’il se teint les cheveux en blond. Fantastique présence ! Tout est classique, mais avec du power. Il chante comme un alligator aux doigts couverts de bagues. Il tape «Bite My Hook» au Memphis Beat. Dès qu’il s’énerve, il joue avec le feu. Il tape son «Boat Don’t Float» au heavy funk de no no no, classic stuff, oui mais big classic stuff. Il prend l’«It’s So Good» au fouette cocher, rien ne pourrait plus l’arrêter. Il joue en permanence avec le feu, c’est la raison pour laquelle on l’admire.

         Peterson continue de redorer le blason du blues de Malaco/Waldoxy avec Preachin’ The Blues. Il attaque au blues liquide avec un «Shoe On The Other Foot» bien noyé d’orgue. C’est excellent, Tommy Couch produit, donc pas de problème. Puis Peterson va entrer dans sa routine de heavy rumble et créer l’événement de temps en temps, comme par exemple avec «Lost What I Had», où il retourne son groove comme une peau de lapin pour l’amener dans l’église en bois et fourbir the big gospel batch. Belle énormité ! Puis il repart comme à l’accoutumée en mode fast boogie blues, il est bon à la manœuvre, ça reste classique, mais Malaco Class. Il tape un very heavy blues avec «Come Home To Eat», fabuleusement relayé au solo d’orgue par Clayton Ivey. Ça ne rigole pas. Peterson tape son «Bottom Line» au ragnagna, c’est un hargneux. Globalement, le boogie blues de Malaco est sans surprise, mais plein de jus. Peterson renoue avec l’énergie du gospel d’Alabama dans «Why Mama Had To Cry», soutenu par des chœurs d’anges de miséricorde. Et pour «I’ve Got A Problem», il y va au heavy boogie blues. Il a raison, Peterson, il faut toujours aller au heavy boogie blues. Sinon c’est lui qui viendra à toi. Il boucle cet album éminemment classique avec un shoot d’heavy Soul de blues, «Some Thing A Man Shouldn’t Have To Do» et redevient soloennel, avec son côté ragnagna. Il gueule comme un veau, mais c’est assez beau. Dommage qu’il fasse trop de ragnagna

Singé : Cazengler, James Petersombre

James, Lucky Peterson. The Father The Son The Blues. Today Records 1972

James Peterson. Rough And Ready. King Snake Records 1990 

James Peterson. Too Many Knots. Ichiban Records 1991  

James Peterson. Don’t Let The Devil Ride. Waldoxy Records 1995 

James Peterson. Preachin’ The Blues. Waldoxy Records 1996

 

*

Y a des noms qui puent la gargouille. J’ai vérifié, ça veut bien dire gargouille. La gargouille c’est un peu l’antithèse de la grenouille de bénitier. Les griffes de Satan qui dépassent des murs des cathédrales. Tiens, un groupe de la Nouvelle-Orléans, la patrie des alligators, renommée pour sa sorcellerie, quand on tient une bonne piste : on la suit !

NO MAN’S LAND

GARGUTS

(CD / K7 / Bandcamp / Avril 2024)

Steve Mignano : vocal / Jon Casteix : drums / Sterling Anderson : bass / Dylan Hemard : guitar.

La couve est de Sterling et de Dylan. Minimaliste mais efficace. Dans l’esprit preuve par neuf.

Shadow : l’ensemble a du mal à démarrer, une espèce de frottis gynécologique  de guitare asthmatique qui donne l’impression d’avoir un sacré problème de larynx, une batterie implacable qui a l’air de s’en foutre et qui continue sa route vers on ne sait quoi, et un gars qui ne chante pas, s’en prend à lui-même, une espèce de confession à l’air libre pour que tout le monde soit au courant de son malaise,  du coup la guitare joue au solo de chat écorché, vous avez la basse qui vous file des coups de rondin à la base du cou, le gars hurle, il attend la mort, il trouve qu’elle met du temps à venir, les instrus lui font la fête, inventent pour lui une espèce de danse macabre. Lorsque ça se finit vous vous demandez pourquoi vous êtes là et surtout comment vous avez fait pour en arriver-là. L’ombre d’un doute plane sur vous-même. No Man’s Land : sont sympas vous disent où vous êtes, musicalement le no man’s land se situe dans l’improbable espace du croisement du punk, du metal et du hardcore. Attention zone dangereuse. Si vous tenez à le visiter ne vous munissez pas de biscuits, encore moins de rations de survie, ils vous les boufferont sans pitié, soyez sur vos garde, d’abord méfiez-vous de Jon, se sert de ses baguettes on ne sait pas trop comment, un gamin de cinq ans qui tape monotonement sur un tambour pour pousser ses parents au suicide, et en même temps la gaminette n’ignore rien des subtilités pondérales de Stockhausen, cogne comme un charretier sur son cheval mort, le vocal de Mignano n’est pas mignon, d’abord il hurle juste pour le plaisir de vous embêter, ensuite il prend le micro et se livre à un étrange discours martelé depuis le fond de sa gorge, malgré le boucan de ses congénères il vous donne l’impression de chanter pour lui tout seul, une espèce de Diva qui éructe dans son vomi êtral, à l’écouter vous vous dites que le chemin de croix du Christ c’était une vaste rigolade, une partie de plaisir intellectuellement enrichissante, quant à Dylan n’a jamais dû apprendre à jouer de la guitare, par contre l’est un as de la tronçonneuse, doit passer son temps à scier les morts dans leur cercueil, quand il s’énerve et qu’il pousse son égoïne à plein régime vous courez vous cacher, trop tard il vous a vu et vous tape dessus à tour de bras. Maintenant il faut reconnaître que leur ramage se rapporte à la réalité ambiante de notre monde cruel et sans pitié. Soyez sans illusion. Slaugther LN : un sociologue vous expliquera que le morceau précédent est à l’image de nos quartiers difficiles bla-bla-bla, pour comprendre celui-ci moins prise de tête, c’est plus cool, regardez un truc cool, par exemple l’ensemble des vidéos de L 214, mais là ça se déroule dans votre tête, fermez les yeux vous ne verrez pas, bouchez-vous les oreilles vous entendrez quand même. Commencent par vous avertir par une intro monumentale après ils se mettent à courir comme des dératés, el Mignano se prend pour un coach sportif, puis il n’y tient plus, sa mauvaise nature reprend le dessus, vous avez Jon dans l’oreille droite qui avance au pas et la guitare de Dylan dans l’esgourde gauche qui galope comme si elle était poursuivie par un essaim de frelons asiatiques. Vous font le coup : on arrête tout. Coucou, on vous a bien eus, et ils recommencent de plus belle. Le genre de groupe en lequel vous ne pouvez faire confiance.

         Le truc le plus bizarre c’est que vous ressortez de ce disque tout ragaillardi. Il y a longtemps que n’avez entendu un truc aussi bon, et vous serez tenté d’ajouter d’aussi novateur.

         C’est leur deuxième EP, je vous causerai de leur premier bientôt. Ce groupe est à suivre. Les plus courageux peuvent même essayer de les précéder, mais ce ne sera pas facile.

         Esprits sensibles abstenez-vous. Après une écoute prolongée la masse gélatineuse de votre cerveau aura toutes les chances de se liquéfier et de s’échapper sans préavis par la gargouille de votre nez.

Damie Chad.

Note : l’abréviation ln (voir troisième titre) est une unité de mesure qui sert à indiquer la pression acoustique du bruit.

 

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Un groupe français, from Paris, dont je n’ai jamais entendu parler. Viennent de sortir ce 20 avril 2024 un album, sont actif depuis 2009, z’ont déjà commis un EP, trois albums, un live, une compil, et deux singles, des bosseurs, j’aime les gars qui suivent leur idée, qui font tout pour la rattraper et même la dépasser, j’ai décidé de les chroniquer avant même d’avoir entendu une seule de leurs notes, pour une seule raison, j’aime les fractales.

ONE WITH DAWN

FRACTAL GATES

( CD / Bandcamp / Avril 2024)

Stéphane Peudupin : lead, rhythm guitar, synths / Sébastien Pierre : vocals, synths / Jeremy Briquet : drums / Antoine Verdier : bass guitar / Arnaud Hoarau : rhythm guitar.

         Je ne vous ferai pas l’injure de vous expliquer ce qu’est une porte. Certains d’entre vous sont déjà en train de triper sur les portes de la perception d’Adlous Huxley et des si bien nommés Doors. Je ne vous parlerai pas non plus d’une de mes idoles, le mathématicien Georg Cantor. Je  devrais, il a travaillé sur les fractales mais je me contenterai de vous raconter une petite histoire dont vous serez le héros.

Premier scénario : qui ne présente aucun intérêt : vous êtes chez vous dans votre bureau par exemple en train de lire cette chronique. Avant de vous lancer dans cette histoire, vous décidez de vous rendre dans votre cuisine pour vous préparer un café. Vous ouvrez la porte, vous vous rendez dans votre cuisine, vous préparez votre café, vous revenez, vous refermez la porte et vous asseyez à votre place habituelle pour lire cette histoire.

Deuxième scénario : qui présente un étrange intérêt : vous êtes chez vous dans votre bureau par exemple en train de lire cette chronique. Avant de vous lancer dans cette histoire, vous décidez de vous rendre dans votre cuisine pour vous préparer un café. Vous ouvrez la porte, et vous rentrez dans la pièce que vous venez de quitter, vous ouvrez la porte de cette nouvelle pièce et vous voici à nouveau dans la pièce que vous êtes en train de quitter… cette histoire continue sans fin… (entre parenthèse vous pouvez dire adieu à votre café.)

Troisième scénario : qui présente un étrange intérêt : vous êtes chez vous dans votre bureau par exemple en train de lire cette chronique. Avant de vous lancer dans cette histoire, vous décidez de vous rendre dans votre cuisine pour vous préparer un café. Vous ouvrez la porte, et vous rentrez dans la pièce que vous venez de quitter, avec une petite différence, exactement la même mais un tantinet plus petite, vous avez du mal à vous en apercevoir parce que vous-même vous avez un tout petit peu rapetissé, je vous pense assez intelligent pour raconter la suite du récit… (faites une croix définitive sur votre café !)

Quatrième scénario : qui présente un étrange intérêt : vous êtes chez vous dans votre bureau par exemple en train de lire cette chronique. Avant de vous lancer dans cette histoire, vous décidez de vous rendre dans votre cuisine pour vous préparer un café. Vous ouvrez la porte, et vous rentrez dans la pièce que vous venez de quitter, avec une petite différence, exactement la même mais un tantinet plus grande… je vous pense assez intelligent pour raconter la suite du récit… (vous ne pensez plus à votre café car cette histoire occupe toutes vos méninges !)

         Un bref commentaire sur deux termes des trois termes du titre ‘’One With Dawn’’ de l’album s’impose. One : que vous soyez seul à vous dépatouiller avec cette étrange histoire n’est pas étonnant. Dawn : de quelle aube s’agit-il au juste. Dans notre histoire l’aube serait la métaphore qui mettrait fin à la répétition infinie de votre monde, à la poursuite sans fin de l’infiniment petit et à la poursuite sans fin de l’infiniment grand. Si vous avez du mal à comprendre un dernier tuyau : Georg Cantor a découvert, créé, imaginé, les nombres plus grands que l’infini. Comme quoi il y a une logique mathématique dans cette histoire que certains d’entre vous aurons jugée de totalement idiote.      

Visions XIII : les esprits cartésiens se demanderont pourquoi l’opus débute par la vision 13 et non par la 1. C’est une très bonne question qui vous renvoie à la petite histoire ci-dessus. La Vision 1 est le premier morceau d’Altered State of Consciouness ( 2009) la Vision 5 le clôture, les 2,3,4 font fonction de bornes disséminées pami les autres titres ; la Vision 7 ouvre et la 9 termine le deuxième full-lenght Beyond the Self ( 2013) la 8 au milieu, la Vision 10 est en tête du troisième album The light that shines ( 2018) la 11 au centre, la 12 le termine. Vous trouverez la Vision 6 sur The Unrealazed Tracks 2013 paru en 2023. Instrumental, très court à écouter avec attention, certes tout n’est pas donné d’emblée mais la couleur de base ne variera que très peu, ne manque que le vocal, le temps de s’installer arrive sur la trame sonore comme ces fameux coups de timbales que l’on entend dans les symphoniques oragiques, vous n’écoutez plus, vous les attendez, elles claquent comme de monstrueux coups de fusil.  Shining fall : le vocal déboule, roc rugueux qui roule au flanc d’une montagne, rythme entraînant il est des chutes qui sont des victoires, les étoiles filantes se doivent d’illuminer le ciel noir, moment de la séparation de soi d’avec le monde, pratiquement un manifeste vindicatif, ce qui n’empêche pas quelques graines de nostalgie, pour le soi-même que l’on se prépare à brûler, il faut savoir être son propre brasier pour renaître plus fort. L’important est d’être loin des autres et foncer comme une force qui va. Seamless days : une musique qui vient du dedans, il ne suffit pas d’être loin des autres, la voix torturée assume son introspection, rien n’est donné, c’est à soi-même de trouver le chemin, il est en soi, il parle en toi, il murmure des tempêtes, se dépouiller des vieux oripeaux du passé, les deux soli de guitare de Jary Lindholm  brûlent les vêtements de l’épouvantail de vous-même qui vous faisait peur. Into the unknown : notes synthétiques stellaires, guitare et batterie mettent la pression, l’inconnu n’est pas au bout de lointaines galaxies, il commence déjà dans tout ce qui nous sépare des joies passées, guitares brandons tenues à bout de bras pour éclairer la nouvelle route, celle de l’énergie que nous amassons en nous, le vocal s’épanouit en un chant programmatique. Il ne s’agit pas de renier les anciens moments d’incandescence mais de les métamorphoser en tremplins de nos rêves. When the distance peint us : intro de synthé, elle ne se taira pas de tout le morceau, elle est le trait d’union entre l’ancien monde et le nouveau, le vocal s’affirme, notre héros n’est pas allé bien loin mais il prend connaissance de la laideur et des faux-semblants qu’il abandonne derrière lui, notre meilleur autoportrait ce sont nos rêves, ce qui nous sépare  de ce que nous avons été davantage que de ce dont nous ne sommes que le projet inaccompli. Earthbound : hymne des nouvelles alliances, loin des hommes plus près des éléments, la nature entre en lui, il est montagne vertigineuse et abysse sans fond, pas besoin d’escalader, pas besoin de plonger, le microcosme est le miroir du macrocosme, tout est en lui, les plus grandes aventures sont intérieures, en de si grands moments d’exaltations la batterie pousse le chant métamorphosé en chariot céleste sous la voûte crânienne.

Hall alive : se remplir de l’énergie du monde, le background est devenu une course folle, le vocal rugit tel un lion, il agite les ions de sa crinière comme une semence d’or sur l’univers, il se sent, il se sait capable de tout, revivre l’histoire ancienne pour la rendre plus belle, moment de plénitude, montée finale d’allégresse, maintenant il est prêt à partir à l’assaut du rêve, à accueillir une nouvelle vision. Vision XIV : ouate des cordes, sonorités d’outre-monde, visions de paysages auxquels personne n’aura jamais accès, il vole, un papillon qui sort de sa chrysalide et qui découvre une autre réalité. One with dawn : le morceau éponyme de la transfiguration, la voix s’envole, il s’agit de métamorphoser l’œuvre au noir du vécu en pierre rubescente charnelle, notes triomphales comme giclées de trompettes, où est-elle, n’est-elle pas devenue l’aube que l’on attendait, que l’on recherchait, que l’on désirait plus fort que tout. Transformer l’âme cœur en âme sœur, nous fûmes deux je le maintiens disait Mallarmé. Hyperstate : apogée orchestrale, il ne suffit pas d’avoir franchi un cap, voici le temps de l’assumation, le roi doit gouverner son royaume, plus moyen de reculer, encore une fois la guitare de Lary vient couper l’herbe sous les pieds de l’hésitation à être soi-même, la chute en soi-même est un vol contrôlé, le monde est double, celui qui hurle, celui qui chuchote, ce que nous ne voulons pas, nous devons le détruire. Une seule nuit, un seul soleil, tel est la loi dirait Crowley. Serenity : tout a changé, tout est identique, toute sérénité est une chute en soi-même, le combat n’est jamais terminé, le jeu a toujours un niveau de plus, le flux musical semble imperturbable, le chant garde sa vigueur, tout revoir, tout revivre, ne jamais être dupe de nos états de conscience supérieurs. Foncer en avant, l’on ne tombe jamais plus loin, plus bas, plus profond que soi. Severance : redoutablement emphatique, il arrive un moment où le bas et le haut se ressemblent, sont une même chose, il faut oser, la dernière séparation celle qui vous permet de rejoindre le domaine des dieux, dans le seul but de répondre aux réponses tapies au-dedans de nous comme serpents assoupis qui veillent et ne dorment jamais. Etre au plafond équivaut à ramper sur le plancher. Echoings notions : les échos, ceux du bas et ceux du haut se répondent, perdu en haut, perdu en bas, la bête vole, l’ange rampe, toujours la même histoire à tous les étages, elle se répète, nous avons voulu vaincre notre destin mais notre destin n’est-il pas simplement de vouloir le vaincre, en d’autres termes, ni être vainqueur, ni être vaincu, l’on ne va jamais plus loin que soi-même. Même pas plus près. Notre destin n’est-il pas notre rêve. Quelques notes de guitare comme aigrettes de pissenlits qui s’envolent au vent. Visions XV : du vent qui siffle et qui souffle pour nous emporter, qui finit comme l’insecte par tapoter sans arrêt sur la vitre qu’il sait incassable. The eclipse : au-dedans de soi parfois le soleil rayonne, parfois de sombres vapeurs le voilent, tantôt l’esprit se hisse sur ses propres cimes, les plus vertigineuses pour admirer sa propre lumière, tantôt il tombe dans le puits sans fond de ses propres abîmes, l’aiguille du destin plantée dans vos omoplates ne marque ni le haut ni le bas, elle fait simplement signe qu’elle est le destin. Skies of Orion : qu’importe parfois les étoiles filantes se brisent, elles ne tombent pas, elles s’élèvent, leurs débris restent échoués à l’endroit exact où elles se sont morcelées ne sachant plus, ne pouvant plus, ne voulant plus être situées en dehors de leur destin. Elles restent incapables de choisir, d’opter pour le haut ou pour le bas. Elles sont tout de même la preuve que quelque chose a eu lieu…elles figurent l’Orient et l’Orion des songes.

         Que bientôt que personne ne saura déchiffrer.

L’on ne sort jamais de son compartiment. L’on ne fait qu’y rentrer sans arrêt.

Il ne reste plus qu’à expliciter le troisième terme du titre. One With Dawn. With est la glue qui colle l’un à l’autre les deux éléments qu’il prive de liberté, qu’il rend indissociables qui ne pourront jamais s’éloigner ou s’embrasser, s’embraser, l’un de l’autre.

Cette impression est accentuée à dessein par l’orchestration, tous les morceaux se ressemblent, ce qui ne les empêchent en rien d’être de scintillants joyaux de jais, les épisodes de l’histoire racontent tous la même histoire, c’est si puissant que l’on aimerait que ça ne s’arrête jamais.

Damie Chad.

 

*

Les cendres d’Ashen n’en finissent pas de devenir braises purulentes. Il est des feux qui ne purifie point, ils brûlent comme le mal des ardents quiconque s’en approche.

Faisons le point l’incendie couve, voici notre relevé effectué  par notre comité de vigilance : le 03 mars 2022 dans notre livraison 545 nous signalions trois engins incendiaires particulièrement nocifs sous l’apparence de trois vidéos d’apparence inoffensive : Sapiens, Hidden, Outler, le 18 mai 2023 dans notre livraison 595 nous repérions, ils utilisent toujours la même technique, la vidéo Nowhere. Vus mais pas pris, puisque le 07 septembre  2023, livraison 610, ils doublent la mise Angel et Smell Like Teen Spirit (matériel américain performant), devant l’impunité dont ils profitent quinze semaines plus tard, livraison 526 c’est le tour de Chimera, pour fêter l’anniversaire de leur premier méfait c’est en mars 2024 qu’ils déposent en toute impunité :

DESIRE

ASHEN

(Direction : BASTIEN SABLé)

(Official Music video / Out Of Line Music / Mars 2024)

 Poully : bass / Tristan Broggeat : drums / Clem Richard : vocal : / Antoine Zimer : guitars / Niels Tozer : guitar, additional vocals / Thibaud.

         D’abord regardons :

         Début, l’on se croirait dans un appartement baudelairien, luxe, calme et volupté, un intérieur bourgeois, soyons précis bourgeois-bohèmes, abat-jours à franges, meubles encaustiqués, un peu de désordre, des chandelles pour l’ambiance romantique, l’on note la présence d’objets technologiques issus de notre monde comme un poste de télévision, z’auraient pu prendre un grand-écran, ne chipotons pas.

         Une ombre à la fenêtre, un visage indistinct contre la vitre, des mains qui déchirent le vitrage plastifié, il se glisse, l’ombre es un hombre, il se glisse, il se coule sur le plancher, un serpent, vicieux comme tous les reptiles, d’ailleurs l’Eve n’est pas loin, vous l’apercevez une fraction d’une demi-seconde, d’où vient-il, que fait-il, où va-t-il, le voici ailleurs. Dans un cube orange, sont tous là, tout Ashen, en train de jouer, les autres derrière, Le reptilien devant, en costume, il ondule, il danse, il chante, il regarde mais il ne vous voit pas, il regarde quelque chose bien plus important que vous, vous voulez savoir quoi, pas difficile, pourquoi d’après vous le devinons-nous en ultra-micro-flash, pourquoi rampe-t-il vers le lit, pourquoi se vautre-t-il en des poses suggestives sur la candeur des draps, et quelle est cette apparition miraculeuse qui s’imprime en un millionième de seconde sur votre rétine, non ce n’est pas la Sainte Vierge, plutôt Sainte Thérèse en extase du Bernin, il chante toujours, elle passe tel un fantôme dans la chambre, il est-là il se dirige vers cet objet orange que vous avez pris pour n’importe quoi, un parallélépipède pas plus gros qu’une imprimante et qui se révèle être l’objet transactionnel du désir, non pas celui que l’on tend à l’autre comme une vulgaire pomme, mais que l’on se donne à soi-même, une boite à chagrin, similaire à celle que l’on porte dans sa tête, le voici tantôt dans sa boite se démenant comme une rock star, et le voici aussi dehors écrivant une lettre que l’on présuppose écarlate, la boite orange clignote, subitement elle devient bleue comme une orange, à l’intérieur dans le monochrome bleu c’est le blues, tristesse dépressive ne dure qu’un temps, voici l’été orangeade de la folie gesticulatoire, chez lui il se dresse seul, la peau tatouée, cobra qui s’apprête à fondre sur sa proie, mais il est impossible d’attraper un phantasme qui circule dans votre tête. Elle est là, elle ne peut pas être plus près dans lui, mais si loin, de l’autre côté de la table de l’autre côté de la mer. Du désir. Elle le nargue. Maintenant c’est elle le serpent qui ondule, qui se trémousse, et lui avec son band derrière lui, n’est qu’un joueur de pipeau, il devient fou, il s’empare de la boite qu’il agite violemment, dedans il n’a plus son costume à la Bowie, l’a pris l’allure de Pete Twonshend au temps des grandes frasques des Who, la boite portée à incandescence devient blanche, tout se précipite. Arrêt brutal.

Ensuite écoutons : indéniable, le groupe joue et Clem chante, ce n’est pas les deux remarques précédentes que qualifie l’adjectif , je n’ai rarement eu cette impression, que ce qui nous est proposé ne pourrait pas être autre, que cette interprétation est la seule possible, qu’elle écarte toutes les autres possibilités qui à côté d’elle paraîtront simples artefacts (plus ou moins)  besogneux, c’est parfait non pas parce c’est bien, non pas parce c’est très bien, mais parce c’est la forme idéale de la chose exprimée. N’avez-vous jamais éprouvé un vertige en contemplant la première lettre de l’alphabet qui peut s’écrire A ou a, et il existe des milliers de polices différentes, ne vous êtes-vous jamais demandé pourquoi le phonème [a] peut se transcrire de mille manières différentes, les linguistes ont trouvé la parade, ils vous expliquent que le signifié (sens) du signe n’a rien à voir avec son signifiant ( forme), c’est bien sympa comme théorie mais ça ne tient pas compte de la force congruente d’un signe, si le son épouse le sens, le signe ne désigne ni la forme ni le sens, il est simplement le signe de la beauté du monde. Or ici il s’agit de l’accord entre le désir que deux êtres éprouvent l’un pour l’autre, autrement dit le thème, le sens, le signifié, et ce signifié est rehaussé par l’accord total entre la forme orchestrée et chantée et les images qui l’illustrent. Le chant se désire lui-même, la musique se désire elle-même et l’ensemble chant-désir se désire lui-même. Une sorte d’art total.

Enfin réfléchissons : le désir du désir s’il est art total, n’est-il pas onaniste. Le désir du désir n’est-il pas la peur du désir. Un désir accompli n’est-il pas un désir mort, qui n’a plus lieu d’être, le désir n’est-il pas plus fort s’il reste phantasme, scénario imaginaire, un vidéo-clip qui emmêle les éclairs d’elle et lui pour qu’ils ne s’emmêlent pas. Le Rêve refuse la Réalité qu’il prolonge et à qui il donne vie… Soyons nervalien ou ne soyons rien.

Damie Chad.

 

 ROCKAMBOLESQUES

LES DOSSIERS SECRETS DU SSR

(Services secrets du rock 'n' roll)

Death, Sex and Rock’n’roll !

77

J’ai dû faire une mine d’abruti car le Chef est devenu plus explicite :

_ Agent Chad, ne croyez pas que je sois devenu un adepte des théories wake, je tenais simplement à ce que vous ne confondiez point le masculin et le féminin, une règle de base dans la grammaire française, cependant votre bobine étonnée me force à être plus directif : on ne dit pas un tueur quand l’individu que vous désignez est une femme.

Pour opiner à ses propres dires, le Chef exhala de son Coronado un épais panache de fumée blanche qui devait ressembler au signal de Crazy Horse qui déclencha l’assaut des tribus indiennes sur les troupes du général Custer à Little Big Horn, puis il reprit :

_ Exactement, j’irais jusqu’à dire une tireuse exceptionnelle et sans pitié. La preuve pour vous rencontrer elle n’a pas hésité à abattre de sang-froid une partie de son équipe.

_ Vous parlez du service de sécurité de Géraldine Loup ?

_ Pas du tout de votre service de sécurité à vous, il n’était pas là pour protéger Géraldine mais vous, uniquement vous !

_ C’est pourtant Géraldine qui a été abattue en entrant dans le Ritz !

_ Vous n’avez jamais entendu parler du dépit féminin, faute de pouvoir vous abattre elle s’est vengée sur la pauvre Géraldine, comme dit le proverbe faute de grives l’on mange des grives.

Doriane et Loriane suivaient la conversation avec intérêt les yeux brillants. Pour la première fois de leur vie elles assistaient à une conversation entre véritables adultes. J’avais compris de qui parlait le Chef, je faisais semblant de ne pas piger. Doriane posa la question qui tue :

         _ Mais enfin de qui parlez-vous ? Enfin qui  est cette tueuse ?

Le Chef alluma un Coronado avant de répondre :

         _ Une certaine Gilberte, vous ne la connaissez pas !

Les filles sont curieuses, on n’y peut rien, c’est leur nature, Doriane insista :

         _ Mais pourquoi voulait-elle abattre Damie et pourquoi s’est-elle vengée sur Géraldine Loup !

         Molossa grogna. Fort opportunément je vous l’accorde. Molossito bondit et aboyant comme un fou se cogna le museau contre la plus large des baies vitrées. L’air dédaigneux un chat s’arrêta le regarda et s’en fut à pas lents. Nous éclatâmes tous de rire. Doriane expliqua :

         _ C’est Pilou, le chat des voisins il adore vadrouiller dans notre jardin, il vient quémander une gâterie, il est vexé, la maison est colonisée par les chiens, un affront ! Mais mon Chef adoré, répondez à ma question !

         _ C’est une longue histoire, peut-être devrions nous songer à nous reposer, nous en reparlerons au petit déjeuner ! J’ai fini mon Coronado, je pressens que demain sera une journée difficile, les agents secrets savent se reposer quand l’ennemi n’est pas là !

Molossa posa son nez contre ma jambe.

         _ Attendez un peu !

78

Gisèle ! C’était sa voix, instantanément elle sortit du mur juste derrière le Chef lui collant son Rafalos sur la nuque. Elle était toujours aussi belle, ah ! l’azur de ses yeux !

         _ Jeunes filles levez-vous et mettez-vous contre le mur, vous ne craignez rien mais au moindre geste je vous abats. Vous le Chef posez vos Rafalos sur la table basse, l’agent Chad aussi, n’essayez pas de jouer à l’agent secret, je suis une bonne tireuse.

Nous lui obéîmes. Les  chiens se contentèrent de s’allonger à mes pieds. Gilberte me regarda en souriant :

         _ Jeunes filles puisque ces deux messieurs avaient du mal à vous répondre, je vais vous raconter la longue histoire, écoutez bien, si vous êtes intelligentes vous en tirerez la seule leçon qui vaille, apprenez à vous méfier des hommes, ce sont des êtres ingrats, ne les croyez jamais.

Je voulus répliquer, le Chef demanda la permission de fumer un Coronado qui lui fut refusée.

          _ Ecoutez-moi bien les filles je sais de quoi je parle, je suis une victime, moi aussi j’ai été séduite par un joli-cœur, un certain Agent Chad, si vous voyez de qui je veux parler !

A l’expression de curiosité qui brilla dans les yeux des jumelles je compris qu’elles voyaient très bien.

         _ La première fois que j’ai vu l’Agent Chad, j’ai craqué, le soir-même je me suis donné à lui, j’ai passé une nuit merveilleuse, j’ai cru qu’il allait par respect pour moi arrêter l’enquête stupide qu’il menait à l’encontre de mon frère…pour les hommes, les filles c’est comme les cigarettes, ça se fume et ça se jette. Je crois que lui aurais pardonné, mais non, le lendemain il s’est amourachée d’une gourgandine de bibliothécaire, je n’ai pas hésité à la tuer dans ses bras, après les avoir vu honteusement copuler ensemble. Quant à lui qui dormait comme un bienheureux j’ai voulu le supprimer, je n’ai pas pu, n’oubliez jamais l’amour est la faiblesse des femmes.

Les filles n’en perdaient pas une miette, que pensaient-elles ?

         _ J’ai cru qu’il me reviendrait, qu’il aurait compris la force de mon amour, bien non, j’ai tenté de le faire enlever par la bande de passeurs de murailles, dont j’étais la Dirigeante. Je ne suis pas une faible femme, ne soyez jamais faibles demoiselles !

A mon grand dam je les vis hocher la tête d’acquiescement.

         _ Une fois encore je lui aurais pardonné, il aurait vécu une vie de rêve à mes côtés. Hélas, il m’a insulté, en plein Paris devant toutes les caméras du monde, en public il a emballé l’actrice Géraldine Loup. C’est lui qui m’intéressait, pas cette ravissante idiote capable de tomber amoureuse du premier comique troupier qui lui fait le coup de la drague au petit chien.

Molossito aboya un grand coup.

         _ Il a de la chance que j’aime mieux les bêtes que les hommes. J’ai profité de la situation. Le lendemain matin mes hommes étaient chargés de me l’emmener, ils ont outrepassé mes droits, quand ils lui ont volé son Rafalos, j’ai décidé de les tuer tous. C’était à moi de le tuer pas à eux.  Personne ne me volera ma vengeance. J’ai décidé de l’attendre dans le Hall du Ritz, il n’est pas venu rejoindre sa Géraldine, je suis sortie pour le retrouver, j’ai croisé cette nigaude, je l’ai tuée pour qu’il ne la fasse pas souffrir. Je suis trop bonne mais entre femmes on doit s’entraider. Voilà, maintenant vous connaissez toute l’histoire, j’ai omis quelques détails sans importance. Je suis pressée de me venger, regarde-moi Damie ! qu’as-tu à dire pour me répondre, espèce de chien.

Je l’ai fixée droit dans mes yeux, à mourir autant quitter ce bas-monde en regardant une belle chose. Oui j’ai un côté esthète, presque décadent, si j’étais venu au monde un siècle avant sans doute aurais-je été un poëte symboliste, j’ai laissé dix longues secondes, j’ai lentement ouvert la bouche, inspiré une grande bouffée d’air :

         _ T’as de beaux yeux, tu sais !

Ses yeux étincelèrent de colère, d’un geste vif elle releva son arme de la nuque du Chef. Le bruit  fut assourdissant. J’étais mort, missing in action, comme disent les ricains.

Non ce n’est pas vrai. J’étais vivant, le corps ensanglanté de Gisèle s’affala sur la table basse. Je regardai le Chef qui me regardait. Comment avait-il fait pour tirer. Nous nous regardâmes encore une fois stupéfaits. La voix de Doriane nous tira de notre étonnement :

_ Elle s’est suicidée, c’était une grande romantique !

Un revolver fut froidement jeté sur la table basse tout près du cadavre de Gilberte. Loriane venait de le lancer :

         _ Pas du tout, c’est moi qui l’ai tuée, avec le revolver de Papa, il est toujours dans le tiroir du petit guéridon, contre lequel j’étais appuyée, pendant qu’elle regardait Damie, je m’en suis emparé ! Quelle pouffiasse, qu’est-ce qu’elle croyait la grande donneuse de leçons que j’allais la laisser tuer l’Agent Chad que j’aime à la folie !

Elle se précipita dans mes bras. Doriane fit de même. Dans les bras du Chef. Toutes deux versèrent des larmes de bonheur contre la poitrine de leurs valeureux chevaliers. Quand les effusions furent quelque peu calmées le Chef alluma un Coronado :

         _ Ne perdons pas de temps, nous avons à nous débarrasser au plus vite d’un cadavre.

A peine le Chef avait-il fini de prononcer sa phrase que son portable sonna. Il s’éloigna de quelques pas, la conversation ne dura pas longtemps, quand il se tourna vers nous il souriait :

_ Pour le transport du cadavre pas de souci, nous avons une équipe de secours qui se chargera de la besogne par contre le reste de la nuit risque d’être mouvementée, agent Chad allez nous voler une voiture !

A suivre…