CHRONIQUES DE POURPRE 720: KR'TNT ! 720 : BOB DYLAN / BLACK LIPS / NIGHT BEATS / SMOKEY ROBINSON / LORD COURTNEY / BIG CODY COOTS / ODYUM / KASSI VALAZZA

KR’TNT !

KEEP ROCKIN’ TIL NEXT TIME

LIVRAISON 720

A ROCKLIT PRODUCTION

SINCE 2009

FB : KR’TNT KR’TNT

22 / 01 / 2026

 

 

BOB DYLAN / BLACK LIPS / NIGHT BEATS

SMOKEY ROBINSON / LOU COURTNEY

BIG CODY COOTS / ODYUM

KASSI VALAZZA

 

 

Sur ce site : livraisons 318 – 720

Livraisons 01 – 317 avec images + 318 – 539 sans images sur :

http ://kr’tnt.hautetfort.com/

 

 

The One-offs

 - Dylan en dit long

 

Glanouille était un copain de lycée, sans doute le plus attachant. Nous avions un joli point commun : une haine profonde pour ce lycée technique et son conformisme latent. Nous étions tous les deux des victimes de l’autoritarisme paternel : les vieux avaient ignoré nos cris de protestation et nous avaient inscrits «de force» dans ce lycée pourri, pour «notre bien», car à cette époque, il fallait, disaient-ils, «un métier». On était baisés. En beauté. Les fugues n’ont servi à rien.

Glanouille mesurait bien 1,80 m. Sans doute avait-il grandi trop vite, car son pantalon était trop court. Il semblait d’ailleurs ne posséder qu’un seul pantalon, d’un vert d’eau clair un peu trop lavé et qui flottait au-dessus de mocassins en cuir bordeaux. Il portait hiver comme été un long manteau bleu marine, et un shetland à torsades, comme nous en portions tous à cette époque. Il avait une façon de se tenir un peu gauche, comme s’il se sentait mal à l’aise dans sa longue carcasse. Il se coiffait comme les early Small Faces, avec une petite coupe en cloche et des accroche-cœurs sur les tempes. Il parlait d’une voix beaucoup trop grave pour son âge.

Il passait l’année scolaire en internat. Si on lui posait la question, il répondait que son vieux était marin-pêcheur à Trouville. À cette époque, il existait encore un quartier de marins-pêcheurs à Trouville et quand l’occasion se présenta d’aller y faire un tour, nous fûmes frappés par l’état déplorable du taudis dans lequel Glanouille avait grandi. Il était donc issu d’un milieu d’une extrême pauvreté. C’était un miracle que son père ait pu lui acheter un pantalon un peu «à la mode» et financer les trois années de lycée technique. Glanouille avait en outre assez de grandeur d’âme pour sauver les apparences et ne pas se plaindre de sa condition. Ado, il était déjà devenu extraordinairement stoïque.

On papotait de tout et de rien, des petites gonzesses qu’il n’avait pas les moyens de draguer parce qu’il ne pouvait pas payer des verres, des discothèques sur la côte qu’il n’avait pas les moyens de fréquenter, des fringues à la mode qu’il n’avait pas les moyens de s’offrir, et des disques qu’il n’avait pas non plus les moyens de s’offrir. Il ne possédait qu’un seul disque, un EP de Bob Dylan, «Like A Rolling Stone», parce que, disait-il, l’orgue lui «foutait des frissons.» Sa pauvreté lui interdisait tout, à un âge où les besoins sont considérables. Au lycée, il travaillait assez pour pouvoir se maintenir au- dessus de la moyenne, car il ne voulait pas finir comme son père sur une mauvaise barcasse à ramasser des casiers et à ramer comme un galérien. Mais il ne se faisait aucune illusion sur les métiers auxquels nous destinait le fucking lycée technique. Il n’avait pas trop le choix, c’était le dessin industriel ou la barcasse dans la tempête. La fadeur de cette alternative alimentait un stoïcisme à toute épreuve.

On en arriva au stade où on se souhaitait les annives. Avec les moyens du bord, bien sûr. On devait être en salle d’étude ou au réfectoire, le souvenir du lieu où ça s’est passé s’est effacé, mais je revois encore le paquet qu’il sortit de son sac de sport :

— Tiens ma couille, c’est ton cadeau d’annive.

Vu la forme, ça ne pouvait être qu’un 45 tours. Il l’avait enveloppé dans une page de Ouest France. C’était l’EP brun de Bob Dylan, «Like A Rolling Stone», déjà bien écorné.

— Mais Glanouille, c’est le tien !

— C’est pour toi ! Fais-moi pas chier !

Lorsque nous avons déménagé en 1969 et quitté Caen, on s’est perdu de vue avec Glanouille. Mais pendant les années qui ont suivi ce départ, il était là chaque jour, car «Like A Rolling Stone» tournait sur le crin-crin. L’ambition était d’apprendre à le jouer et de savoir les paroles par cœur, en mémoire de Glanouille. Ce fut l’occasion de découvrir ce très beau balancement d’accords que gratte Bob en intro, Ré mineur 7e et Fa majeur 7e et qui, d’une certaine façon, symbolise la classe, et pas seulement celle de Bob Dylan, mais surtout celle de cette grande saucisse de Glanouille. Il est resté un modèle de réserve et d’élégance naturelle, associé à l’un des plus grands hits de tous les temps.

Signé : Cazengler, Bob Divan

Bob Dylan. Like A Rolling Stone/Gates Of Eden. CBS 1965

 

L’avenir du rock

- Lips electronic (Part Three)

         Quand on le soumet au questionnaire de Proust, à la question de la couleur préférée, l’avenir du rock répond invariablement le Black. Il raffole du Black. Le Black claque si bien à l’oreille. Black clac ! Le Black est partout. Black is Beautiful. Dans les bons jours, il avouera qu’il se laisse volontiers aller à rêver d’une République du rock dont l’hymne serait «Black Is Black», ou peut-être mieux encore, «Paint In Black», à cause du sitar de Brian Jones. Ah comme il frémit à l’écoute d’I see a red door and I want to paint it black ! Le choix du drapeau ? Black, forcément ! Le Black flag des anars et des pirates ! Puis il faudrait bien sûr constituer un gouvernement comme le fit en son temps Screamin’ Lord Sutch, alors pas de problème, ça pourrait aller vite : Frank Black en charge du ministère de la Justice avec «Men In Black» - In the cool, cool night/ And in the middle of the day - Et pourquoi pas Amy Whinehouse en charge du ministère de l’Immigration avec «Back In Black». Black Sabbath serait bien entendu en charge du ministère des Cultes et de la Laïcité, les Black Crowes en charge du ministère de la Diversité Écologique, Black Rebel Motorcycle Club en charge du ministère des Deux Roues, Black Flag en charge d’un ministère de la Flibuste, qu’il faudrait d’ailleurs penser à créer pour renflouer les caisses de l’État, et puis tiens, pourquoi pas Blackfoot en charge du ministère des Rapatriés d’Algérie, enfin de ce qu’il en reste. On pourrait aussi aller repêcher Black Grape pour rétablir la balance commerciale du secteur vinicole, repêcher aussi Cilla Black pour chanter l’hymne national à la télé. Après avoir brièvement hésité, l’avenir du rock propose Black Merda pour sortir le pays de la merda, puis Leee Black Childers pour redorer le blason des Affaires Étrangères. Tiens et pourquoi pas les funksters de Black Heat pour prendre en charge le nucléaire ? Et puis tant qu’on y est, Bill Black serait parfait au ministère des Anciens Combattants. Pour peaufiner, l’avenir du rock nommerait quelques secrétaires d’état, du style Dirtbombs au ministère de l’Ultraglide In Black, et Luke la Main Froide au Black Box Recorder, deux services qu’il faudrait créer et qui ne serviront à rien, comme tous les secrétariats d’état. L’avenir du rock imite les tenants du titre, il place ses amis aux frais du contribuable. Pour couronner le tout, il se peindrait les lèvres en noir pour sa première allocution télévisée, en l’honneur des Black Lips, bien sûr.

 

         Paru en 2022, Apocalypse Love et n’est pas forcément apocalytique. Autrement dit, ce n’est pas l’album du siècle. Mais c’est un album des Black Lips et tous les ceusses qui les suivent depuis vingt ans continueront de les suivre, billet de vingt après billet de vingt, bon an mal an, cahin-caha. Oh, c’est sûr, ils suivront comme des chiens perdus mais fidèles, ouaf ouaf, ou plutôt comme une troupe de mendiants en guenilles claudiquant péniblement derrière un vieux mythe usé qui, tel un messie, leur promet tous les deux ans une vie meilleure. Les mendiants en guenilles sont à l’image des mythes usés, ils sont éternels. Rien ne peut les empêcher de tourner en rond, puisque la terre est ronde.

         Apocalypse Love est rond, lui aussi, mais n’a pas grand-chose dans la culotte. Juste deux petites merveilles, histoire d’affirmer sa masculinité : le «No Rave» d’ouverture de balda et en ouverture de bal de B, «Crying On A Plane». Avec leur No Rave, ils plongent dans un bain de groove liquide. On est un peu troublé par la photo du groupe, à l’intérieur, car ils ressemblent aux Cramps, avec du cuit noir et du dirty sex, on admire surtout Zumi Rosow dont les seins pendouillent joliment derrière un haut en cuir minimal qui ne sert que de prétexte. Les Black Lips jouent leur No Rave à la belle dégueulade de No Rave. C’est exactement le son qu’on rêve d’entendre quand on est ado. Les Blacks Lips jouent aux arraches de vol à la tire. Ils ont réussi à transplanter le gaga dans un mix de dégueulade et de sexe. Ils attaquent «Crying On A Plane» en mode heavy blues, comme si soudain ils n’avaient plus d’idées. Mais ça donne un mélange étonnant de Beatles et de T. Rex, donc une merveille tentaculaire. C’est un peu comme si ces petits mecs d’Atlanta réinventaient l’Angleterre. Rien qu’avec ce cut, tu cries au loup. Ils proposent tout simplement le glam de Bolan revu et corrigé.

         Le reste de l’album n’est hélas pas du même niveau, même si la pernicieuse Americana de «Stolen Valor» accroche bien - I’m looking for forgiveness - ça reste du très haut niveau, ce qu’on appelle dans le Vaucluse de l’inespérette d’Espolette. Avec «Lost Angel», ils plongent dans le dark du Black, c’est très glauque, mais tu les suivrais jusqu’en enfer, tellement ils sont gluants. Ils passent d’un genre à l’autre sans crier gare et les voilà dans un heavy balladif gaga pour le morceau titre, ils singent les Reigning Sound. On reconnaît bien le style de Cole Alexander, bien heavy, lourdement chargé de son. Ils reviennent à leur autre mamelle qui est la vieille pop pimpante avec «Operation Angela», tu suis sans te poser de questions. Mais la fin de l’album sent la panne d’inspiration. Ils survolent les dunes avec «Among The Dunes», ils font du pas-plus-que-ça avec «Antaris Toxiaria», ils twistent dans les guiboles, mais rien de plus. C’est dur de les voir caler après tant de bons albums.    

         Dans Shindig!, Camilla Aisa se fend d’une petite rétrospective des Black Lips. Excellente initiative ! Ça permet de réviser les connaissances. Ils ont en effet vingt ans de carrière. Ah comme le temps passe vite ! Les Black Lips furent, on s’en souvient, des jeunes prodiges. Au commencement, il y avait non pas le verbe, mais Jared Swilley et Cole Alexander. Ils ont 13 ans et commencent par monter The Renegades. Jared sombre dans la petite délinquance. On l’envoie bosser 6 mois dans une ferme du Montana. En gros, c’est le rock qui va lui sauver la vie. Jared : «It saved my life. A lot of the guys I ran with at the time ended up either in jail or going to Iraq.» Dans les histoires des groupes, la prédisposition à la délinquance est fondamentale. Sans délinquance, pas de Pistols. Sans délinquance, pas de Black Lips. Jared a le diable au corps. Ça s’entend dans le son des Black Lips. Et ça se voit quand ils sont sur scène. Jared et Cole vivent à Atlanta, une ville qui n’est pas idéale pour les «bad kids that loved boisterous music, skateboarding and destruction.» Il dit en gros que d’être weird en Georgie peut être dangereux. Il cite l’exemple des B-52’s qui démarraient à Athens, Georgie - That was probably straight-up dangerous.

         Ils écoutent du punk et du hardcore, et puis aussi Iggy & The Stooges. Oh les Stooges ont des singles sur Bomp!. Alors ils chopent le catalogue Bomp!, et découvrent un continent, Pebbles, Back From The Grave, et pouf, ils écrivent à Suzy Shaw qui leur répond. En 2002, les Black Lips enregistrent leur premier single, «Ain’t Coming Back» et l’envoient à tous les labels et le seul qui répond, c’est Greg Shaw, qui leur dit que son fils a dansé sur le single. Par conséquent, il les invite à rejoindre the Bomp! family. Ils vont à Los Angeles et Greg Shaw est le premier à leur payer une gamelle : il les emmène dans un restaurant mexicain se taper des margaritas - We were underage, so that was kind of a big deal. And then he bought us a hotel room... We might as well have been the Rolling Stones - Leur premier album sort donc sur Bomp! en 2003. Puis le deuxième, un an plus tard. Ils commencent à se créer une réputation intéressante : les Black Lips ne sont pas des revivalistes. Il ne se réclament que de la sauvagerie - wildness only, their music was both timeless and unmistakably of its time - C’est exactement ça : leur son tient plus de la modernité que du régurgitage. C’est toute la différence avec les Fuzztones. Camilla Aisa y va de sa petite formule pertinente : «Generous doses of Pebbles and Back From The Grave with guitar tones lifted straight from Link Wray, then some Ramones and lessons in attitude from The Germs. Finally, of course, the Stones.» Pour Jared, le garage doit par essence toujours sonner frais - We were just having fun - Jared dit aussi qu’ils n’avaient rien à voir avec les garage-bands, «because we were never in the purest thing.» Ils font leur truc, le flower-punk, «too hippie to be punk and too punk to be hippie.»  Greg Shaw leur demande de ne pas rester coincés à Atlanta et donc, pendant dix ans, les Black Lips vont tourner dans le monde entier. On the road. Ils rencontrent leurs héros, dont Sky Saxon. Puis ils traînent pas mal avec Dead Moon. Ils rencontrent aussi The Mighty Hannibal, grâce à Billy Miller, le boss de Norton. Ils vont même le ramener à Atlanta et l’accompagner sur scène.

         Pour conclure, Camilla Aisa se fend d’une belle chute : «C’est vrai qu’ils ne sont plus des bad kids. Il s’agissait certainement plus d’un état d’esprit que d’un penchant réel pour la délinquance. Mais ils ont su continuer à faire les cons pendant vingt ans, et en termes de mauvaise conduite, c’est un véritable exploit.» 

         Alors que tu te désespérais d’avoir perdu les Black Lips, les voilà de retour avec un album fantastique ! Tu vas en prendre plein la vue avec 4 Seasons Of The Peach ! Six coups de génie sur quatorze cuts, qui dit mieux ? Et pouf, voilà «Six Six Six Men» down in the gutter, le Cole Alexander tombe délicieusement bien bas, il se roule dans la farine du gutter, à la bonne franquette de la pire désaille, et ça s’en va percuter de plein fouet l’idée que tu te fais du génie des Black Lips. Ils sont de retour et ça continue avec «Wild One», ils sonnent comme de fantastique popsters de l’extrême, ils écrasent bien leur champignon au fond du cendrier. «So Far Gone» renoue aussi avec les origines, pur gaga-genius, bien traîné dans la boue, t’en reviens pas de tant d’éclat ! C’est articulé au trampoline d’excelsior, trempé dans la boue ancestrale, ça t’emporte la bouche, les Lips ont retrouvé le goût du désastre, avec le killer solo flash étoilé dans le muddy splash-out, on n’avait encore jamais pris un tel splash-out in the face. Ils recréent une nouvelle mythologie avec «Judas Pig». C’est fulgurant, zébré d’éclairs surnaturels, chaque cut est hanté par des screams d’une extrême perversion. Ils replongent dans leur chère décrépitude avec «Until We Meet Again». Ce mec Cole chante comme un dieu décati et ça bascule dans la folie, il éructe dans une clameur digne de celles de Totor et des Beach Boys, c’est enfoncé du clou, ça Black-Lippe à outrance, ça donne une vraie merveille de teen angst et ça dégénère en Totoring extrême. Avec 4 Seasons Of The Peach, t’as le plus gros smash de l’année. Et ça repart en mode trash pop avec «Tippy Tongue» et tu rebascules avec eux dans la friteuse. Ils regagnent la sortie avec de la petite pop pleine de jus («Happy Place» - There is no place to go/ Except my happy place) et «Prick», une pop dégoulinante d’envie d’en découdre à plates coutures. T’es tellement secoué que tu racontes n’importe quoi.

         Et puis voilà que sort l’album des outtakes de 4 Seasons Of The Peach :  Bebop Armageddon. On retrouve la fantastique traînasse de la savate moderniste avec «Kingdom Come». Ils tapent «Bound For Rodeo» en Beach Boys-mania et tapent un joli slab de country garage avec la démo de «Zulu Saint». Et leur «Back To Kiev» renvoie bien sûr au «Back In The USSR» des Beatles. En B, tu retrouves l’harsh et l’hard beat des Lips sur «Kassandra» (alternate), avec un merveilleux parfum de psychedelia. Les Black Lips sont redevenus le groupe parfait. 

Signé : Cazengler, Black lope

Black Lips. Apocalypse Love. Fire Records 2022

Black Lips. 4 Seasons Of The Peach. Fire Records 2025

Black Lips. Bebop Armageddon. Fire Reccords 2025

Camilla Aisa : Callin’ from the fun house. Shindig! # 136 - Febrary 2023

 

 

L’avenir du rock

 - The (Night) Beats goes on

         Il finit par en avoir marre, l’avenir du rock. Il ne sait plus quoi inventer. Marcher dans le désert, ça va bien cinq minutes. Pour briser la routine, il décide de marcher la nuit. Ça ne change pas grand-chose, le silence est exactement le même. On peut marcher, car sous les milliers d’étoiles, la nuit est claire. Apparaît soudain un erreur couvert de peaux de bêtes et coiffé d’un grand chapeau à plumes. L’avenir du rock le reconnaît : the Night Tripper ! Il agite ses clochettes et lance d’une voix de groover satanique :

         — The Night Time Is The Right Time !

         Et pouf, il disparaît. Un peu plus tard surgit un autre erreur. L’avenir du rock le reconnaît : Neil Young ! Il souffle un coup d’harmo et lance d’une voix de fiotte impénitente :

         — Tonight’s The Night !

         Et pouf il disparaît. L’avenir du rock se pince pour être sûr qu’il ne rêve pas, et soudain, un autre erreur surgit dans la nuit. Oh, Van Morrison ! Il approche de l’avenir du rock et lui grogne dans l’oreille :

         — Here Comes The Night...

         Et pouf, il se volatilise. L’avenir du rock reprend à peine ses esprits quand une autre apparition vient troubler ce qui lui reste de santé mentale. Oh, Frank Sinatra ! Ol’ Blue Eyes lève son chapeau et croone un vieux coup de «Strangers In The Night». À peine a-t-il disparu que surgissent du néant quatre garçons dans le vent qui entonnent joyeusement It’s been a hard day’s night/ And I’ve been working like a dog !, suivis quelques minutes plus tard par les Moody Blues qui balancent leur vieux Nights in white satin/ Never reaching the end/ Letters I’ve written/ Never meaning to send. Ça commence à faire beaucoup pour l’avenir du rock. Il n’est pas au bout de ses surprises, car voilà Patti Smith qui ramène sa vieille fraise avec «Because The Night» et l’avenir du rock dégueule. Il y a deux nights qui le font dégueuler, celui de Patti Smith et le «Saturday Night Fever» des Bee Gees. Berk ! Bon tout ça c’est bien gentil, mais il aurait préféré croiser les Night Beats.  

 

         Pour seule info, tu sais que c’est bien. Un bon copain te l’a dit. Night Beats est un nom facile à retenir. En plus ça sonne bien. Tu les vois arriver sur la grande scène. Ils ouvrent pour BRMC. Sont trois et un peu paumés. Un batteur sur la droite. Un

petit black à la basse sur la gauche. Et au milieu, t’as le cowboy de service avec une belle gratte vintage, comme on dit. Le cowboy va vite t’en boucher un coin, car il joue un rock psyché bien tendu et il joue ça en flux tendu. À la vie à la mort. Toujours à l’assaut du micro. Tu comprends qu’il ne fait pas semblant. Il commence  à bien dégouliner sous son Stetson. Cut après cut, il rafle les suffrages. Il tape un rock très mid-sixties, et passe des gros killer solos de gras double. Sa fuzz est féroce.

Il se paye sur la bête. Tu apprendras par la suite que le cowboy s’appelle Danny Lee Blackwell. Il a déjà under the belt un joli paquet d’albums. Tu bois ses paroles et tu goûtes chaque seconde de son fabuleux blues-rock catchy. Il sait puncher un catch. Fantastique énergie. Il gratte aux abois. Une jambe à l’avant, comme s’il allait sauter

sur son pied de micro. Le petit black tartine un fantastique groove de bassmatic. Te voilà une fois encore plongé dans les meilleures conditions. Ce fringuant blues-rock psychédélique te renvoie à des trucs du genre Jamul ou encore Randy Holden. Tu penses aussi à Mother Superior. Mêmes racines. Blackwell chante d’une belle voix blanche. C’est un groover de choc. Séduit, tu prends la décision d’écouter ses albums.

         T’en ramasses déjà deux au merch. Un peu cher, mais bon, si ça va dans la poche de Blackwell, ça va. Il est là, sous son chapeau, à l’affût des poignées de main.

         Son premier album sans titre date de 2011, réédité sur Fuzz Club. C’est la raison pour laquelle il vaut si cher. But my Gawd, quel album ! Blackwell et ses collègues tapent dans un garage sixties à la Morgen, avec un son d’acid freakout. Gratté à la main lourde et sacrément bien balancé, «Ain’t Dumbo» sonne comme une bombe atomique. Au fond du cut, ça grouille d’urgences soniques. «The Other She» se paume un peu dans le désert, mais ça finit en beauté, car le p’tit Blackwell pique une belle crise de freakout. Il reste à la fois fidèle et fiévreux avec «Useless Game», encore un shoot de garage sixties magnifique et tendu. Il attaque sa B avec un joli brasier infectueux, «Hallucinojenny». Il fait bien dérailler ses syllabes. Puis t’as cet «Ain’t A Ghost» cisaillé au cœur de la mêlée. Son riff somme comme un essaim. Tous ses cuts sont captivants et te tiennent la dragée haute. Il soigne encore ses clameurs avec «War Games». Il lance encore un assaut, il tape en plein dans les Electric Prunes et bascule dans une sorte de Mad Psyché. Il termine avec un très beau «Little War In The Midwest» balayé par des vents d’Est. Ah comme il tient bien sa rampe, le p’tit Blackwell sous son chapeau de cowboy. T’as une belle bassline qui traverse la tempête sonique, et il passe des solos acariâtres, acides et amers.

         Alléché, tu sautes aussitôt sur l’autre ramassé du merch, Who Sold My Generation. Belle pochette. Tu retrouves les mêmes éléments de son, cette disto à la Eden Children et cette belle stature globale. Le p’tit Blackwell connaît toutes les ficelles. On se croirait en 1968, en plein cœur du brasier. Joli coup de stomp avec ce «No Cops» battu sec et net, sans peur et sans reproche. Le p’tit Blackwell a du style. «Sunday Mourning» est un très beau rock psyché qui s’inscrit dans la ligne du parti. Pur jus de 68. Groovy en diable. Il s’ancre résolument dans la fin des sixties. Il en tire tout le suc. En B, il monte son «Last Train To Jordan» sur le riff du «1969» des Stooges. Pas le même esprit, mais le riff est là. Puis il monte «Turn The Lights» sur le riff du «Death Party» du Gun Club. Il finit avec un joli stormer, «Egypt Berry». T’as tout le beat de Night Beats, c’est plein de vigueur. Le p’tit Blackwell collectionne les meilleurs beats.  

         Si t’en pinces pour la Mad Psychedelia, alors il faut écouter le bien nommé Sonic Bloom.  Tu retrouves sa petite voix de fiotte interstellaire dès «Love Ain’t Strange». Tu suivrais le p’tit Blackwell jusqu’en enfer, il a tout bien pigé. Avec le morceau titre, il vise le psyché du Texas, il fout sa réverb à fond, ça monte bien en puissance. T’as tous les tenants et tous les aboutissants de la Mad Psychedelia. Heureusement, tout n’est pas bon sur cet album. On sent une volonté éhontée de sonner somme le 13th Floor dans «Outta Mind». L’intention est louable, et ça bascule dans la violence. Il attaque «Real Change» aux accords de «Louie Louie». il prend un peu les gens pour des cons, mais ça passe, avec le solo d’alerte rouge. Belle plongée dans le cratère de la Mad Psyché avec «Catch A Ride To Sonic Bloom». Ces mecs savent poser leurs conditions. Et ça repart en mode heavy groove avec «The 7 Poison Wonders». Il s’amuse bien le p’tit Blackwell avec ses lieux communs. Des accords carnivores dévorent «As You Want» vivant. C’est plein d’à-propos, il gratte ses poux sixties dans un délire de réverb. Il s’en va s’écrouler dans le lagon d’argent avec «The Hidden Circle», porté par un bassmatic emblématique. Il amène ensuite «At The Gates» en mode anticipation de type Bullit, ça fonce dans la nuit urbaine, avec un énorme parti-pris de modernité. Et il regagne la sortie en mode hypno avec «The New World». Jamais aucun groupe n’a mis autant de réverb upfront. Ça pleut dans la nuit rouge et le p’tit Blackwell chante du nez sous son chapeau de cowboy. Quel crack ! Ça pulse dans les remugles !

         C’est l’autre asticot d’Auerbach qui produit Myth Of A Man. Alors tu restes sur tes gardes. Mais t’as tout de suite du son, alors tu assouplis ton jugement. Le p’tit Blackwell sort vite sa p’tite voix de Moody Blue. Et tu vas aller de surprise en surprise. Son «Stand With Me» finit par s’arracher du sol. Il y joue le riff de Layla, ce qui n’est pas forcément la meilleure des références. Et voilà le premier coup de génie : «There She Goes». Il lui donne une allure considérable, et ça explose comme un hit surnaturel, t’as même le refrain tétanique et le killer solo flash cavalé à travers la plaine. Là tu le prends vraiment au sérieux. Quel fiévreux coup de génie ! Il balance une dégelée faramineuse ! Tu peux le ranger à côté de Daniel Romano dans l’étagère. Avec «(Am I Just) Wasting My Time», il s’inscrit dans sa légende naissante. Il faut simplement lui consacrer un peu de temps. Le p’tit Blackwell dispose de l’atout majeur : le potentiel. Sa Beautiful Song colle bien au palais. Il navigue très haut. Il se fâche ensuite avec «Eyes On Me». C’est un vrai jerk sixties avec la fuzz au coin du juke. Encore de l’heavy rantanplan avec «Let Me Guess». Il enfonce son clou dans la paume pop, c’est encore bardé de bardasse, et le riff est tellement connu qu’il en devient presque beau. Puis il part chercher la lumière avec «Too Young To Pray», il y va à coups d’hey hey hey, et il gratte des poux du diable d’une nouvelle Beautiful Song.

         Le p’tit Blackwell se paye une belle pochette psychédélique pour Outlaw R&B, un Fuzz Club de 2021. T’as donc de la fuzz dès «Revolution». Il y fait du big freakout à la mode texane, il développe une niaque de fuzz extravagante, ça s’évapore dans des flashes de vapeur mauve, il y crache ses poumons. Mais t’as aucune info sur qui fait quoi. Tu le vois vite sombrer dans la démesure avec «New Day», il peut monter comme Bowie au sommet d’un Ararat, il serre bien son son et puis il commence à enfiler les coups de génie comme des perles avec «Thorns» : il va chercher la pulpe du rock psychédélique des sixties, c’est du pur genius vintage, il tape en plein dans l’excellence de la protogénèse et développe un power considérable. Te voilà une fois de plus sidéré. Il est encore plus sixties avec «Never Look Back», il chante à ras la motte comme un serpent à sonnettes. Fuck, il faut suivre ce dingue à la trace, c’est un puissant sorcier fuzz. Il arrive encore avec tout le son de tes rêves dans «Shadow», et toujours cette fuzz dans le corps du texte. Il fout encore le feu avec «Cry». Il sonne comme le Gun Club. Il repart au beat hardu avec «Ticket» et bascule dans l’hypno accidentée du Gun Club. Mais voilà le pot-aux-roses : «Holly Roller» ! C’est du pur Velvet, ce sont les accords de «Waiting For The Man», c’mon now ! Le p’tit Blackwell est un vrai caméléon, une brute de décoffrage, un vrai Gévaudan-le-mille, il gratte du liquide digne de Lou Reed, ça ne pardonne pas. Il a le son, la ferraille et le beat de Waiting, t’es vraiment scié à la base. Il pousse le bouchon dans les orties et fait du génie revivaliste à l’état le plus pur.  

         Live At Valentine laisse un goût amer. Pas de quoi pavoiser. Le mix du son noie la fuzz. Il faut attendre le bout du balda pour frétiller un petit coup avec «Egypt Berry». C’est excellent, dense, bien pensé, bien foutu, bien senti, bien né, et ça repart ! En B, «Ticket» sonne comme une belle flambée de violence. Il y va le p’tit Blackwell sous son chapeau de desperado. Il nous fait le coup des 13th Floor avec «H-Bomb». C’est exactement l’esprit du son texan. Puis il se tape un joli groove d’extension du domaine de la turlute avec «New World». C’est psyché et bien dans les règles du lard fumant.

         On retrouve pas mal de cuts des albums précédents sur Levitation Sessions : «H-Bomb» et son ambiance 13th Floor, on attend en vain l’irruption de la cruche électrique, mais le p’tit Blackwell a la même attaque que Rocky. On retrouve aussi l’hypno de «The New World». Retour encore de ce «Sunday Mounning» densément inspiratoire, il pose sa petite voix fruitée à la surface de cet heavy groove psychédélique. Il gratte encore des poux échevelés dans «Never Look Back». Le p’tit Blackwell tient bien sa boutique. On retrouve aussi «Cream Johnny» : même si c’est bien, pas de quoi en faire un fromage. Il embarque son «Ticket» en mode tape dur, il n’a pas froid aux yeux, il sait trépider. Et cette belle aventure Levitative se termine avec la fantastique tension de «No Cops», un cut richement serti de poux psyché. Le p’tit Blackwell parvient toujours à tirer son épingle du jeu, ses intentions sont toujours très pures, quelles que soient les circonstances.

         On sent une grosse panne d’inspiration sur le p’tit dernier, Rajan. Tu tombes sur un gros pompage : «Thank You», qui sonne exactement comme le «Sunny» de Bobby Hebb. Le p’tit Blackwell ne se casse pas la nénette. Gros pompage encore dans «Blue» : il fait du Santana et bascule dans le Mercury Rev. C’est un mix des deux. On voit bien qu’il a perdu la niaque du premier album. Il cherche l’hit avec «Nightmare», mais il s’y prend mal. Il gratte des accords sixties sur son «Motion Picture». On sent que c’est un chic type, il flirte avec la British Psychedelia. Le voilà arrivé en plein Swinging London. Mais le reste de l’album peine à jouir. On ne sent pas les Night Beats très motivés. Le p’tit Blackwell n’a pas de compos. Il retombe dans Mercury Rev avec «Dusty Jungle» et son petit sucre à la Jonathan Donahue. Il regagne péniblement la sortie avec un «Morocco Blues» très Stonesy dans l’esprit, un chant un brin Maggie’s Farm et de l’écho type «1000 Years From Home». On lui pardonne donc ses carences. 

Signé : Cazengler, night bi-clown

Night Beats. Le 106. Rouen (76). 2 décembre 2025

Night Beats. Night Beats. Trouble In Mind 2011

Night Beats. Sonic Bloom. The Reverberation Appreciation Society 2013

Night Beats. Who Sold My Generation. Heavenly 2016

Night Beats. Myth Of A Man. Heavenly 2019

Night Beats. Outlaw R&B. Fuzz Club Records 2021

Night Beats. Levitation Sessions. The Reverberation Appreciation Society 2022

Night Beats. Live At Valentine. Fuzz Club Records 2022

Night Beats. Rajan. Suicide Squeeze 2023

 

 

Wizards & True Stars

- Smokey on the water

(Part One)

 

         En soixante ans de carrière, Smokey Robinson est devenu une institution. L’institution. En anglais, c’est le même mot. The institution. Autrement dit Soul Brother Number One, enfin, l’un des number ones. T’en as plusieurs. Les blacks sont moins cons que les blancs, ils sont capables de partager une number-oinisation. Bien moins cons, mille fois moins cons. Et plus t’écoutes chanter Smokey Robinson, plus tu l’idolâtres.

         Sacré palmarès : une belle vingtaine d’albums avec les Miracles, dont le premier date de 1960, à l’aube de la Soul, puis, à partir de 1973, un peu moins d’une trentaine d’albums solo sur lesquels on va devoir se pencher, car il s’agit d’une œuvre, et pas n’importe quelle œuvre, une œuvre à l’échelle d’une vie, qu’il faut rapprocher de celle de Bob Dylan.

         On va l’appeler Smoke. C’est comme ça que l’appellent ses frères de la côte, Berry Gordy et Marvin. Smoke a aussi un beau diminutif pour Marvin : Dad. On trouve tout ça dans un book qu’il faut bien qualifier de magique, Smokey: Inside My Life, l’autobio de Smoke, contre-balancée par ce démon de David Ritz, une autre institution. Chaque fois qu’il co-écrit, Ritz commence par sauver la langue, et là t’as la voix. Ritz sauve la langue pour restituer la voix. Alors c’est Smoke que t’entends, le black kid de Detroit.

( Ce n'est peut-être pas Elaine M Brown, mais en tant qu'activiste du Black Panther Party

cette Elaine Brown me semble dignede de représenter le fantôme suscité par notre Cat Zengler ! )

(Damie Chad)

         Le magic book date de 1989. C’est un magic book miraculé. L’ancienne propriétaire a écrit son nom sur la page de garde : Mrs Elaine M. Brown, d’une écriture délicate et tellement féminine. Tu te sens assez fier d’entrer dans les pages jaunies après elle. A-t-elle cassé sa pipe en bois ? C’est la question que tu te poses chaque fois que tu entres dans les pages d’un livre après un ou une ancienne propriétaire. Était-elle une fan de Soul ou plus simplement une amatrice de bios des grands zommes ? Était-elle black ? Était-elle plus simplement amoureuse de Smoke dont on voit les yeux clairs darder sur la jaquette de ce vieux magic book ? Libre à toi d’imaginer tout ce que tu veux. Le décor est planté. Tu peux plonger dans la lecture de ton magic book. 

         Smoke commence par évoquer la dope. Il date ça de 1984 - I started toying with rock cocaine - Avant, il n’en voulait pas. Un pote lui dit de mixer ça avec du pot «and put it at the end of a cigarette - I did it. I smoked it. I liked it. Cool I said, I can handle this.» Et il ajoute, hilare : «It was fun.» Smoke démarre alors sa petite addiction. Il achète ses little rocks et les fume avec du pot - The cats call ‘em primos. Never did use the pipe. Never needed to. Got hooked just the same - À la même époque, Croz et Sly tapent dans la même came, mais avec une pipe : freebase cocaine.

Flossie and baby Smoke

         Et très vite, t’es hooké par la voix. Smoke te parle, il te parle à toi. Il t’explique : «Mama had a sharp eye and keen mind. She was a big-boned woman with light skin and a love of music, poetry and book-learning. She schooled herself. Her name was Flossie, and she was a powerful presence in the world.» Il a dit ça à toi, et tu relis encore, «and she was a powerful presence in the world.» Diable, comme c’est bien dit ! Smoke te parle avec sa voix de chanteur. Et il te parle ensuite de son père qu’on surnomme Five : «Five was a player - he liked his women - but when he met Mama, he’d met his match.» Ça sonne comme des paroles de Soul. Traduire ça en français ? Laisse tomber. C’est beaucoup trop beau, beaucoup trop pur. Beaucoup trop black. Tu ne touches pas à ça : «He’s met his match.» C’est comme l’«heart’s beating like a big bass drum» des Stones, ça sonne. En plus, Smoke est un poète, il faut l’entendre parler de Five : «Soon as they arrived, Daddy took center stage, flirting flamboyantly, setting up the house by buying everybody drinks, throwing around money like there was no tomorrow.» Et Smoke extatique d’ajouter : «When he showed up at Mama’s, he was riding in style. His brand new Buick was something to see.» Mais Mama ne tombe pas dans le panneau aussi facilement - She was a tough judge of character and didn’t trust the man. Said he wasn’t her type. Said Five was jive - Five aura du mal à la conquérir, mais il parviendra à ses fins.

         Smoke naît de cette union. Petit, il est dingue des cowboys - I had my hats, my toy guns, my cowboy boots, and soon, thanks to my Uncle Claude, I had me my name - Smokey Joe! - Smoke indique qu’on surnommait parfois les dark-skinned blacks ‘Smokey’ - I still had blond hair and blue eyes and was anything but smokey.

         Cecil Franklin est l’un de ses copains d’enfance. Un jour il lui dit de venir chez lui pour voir sa sœur jouer du piano. Aretha ! Elle a trois ans et elle chante déjà comme un ange - Aretha’s only three. And with her are her sisters - eight-year old Erma and baby Carolyn - C’est l’avantage d’habiter dans les quartiers blacks de Detroit : ça grouille de superstars en devenir. Chez les Robinson, on écoute de la bonne musique : Sarah Vaughan for breakfast, Nat Cole for lunch, et Billie Holiday et Billy Eckstine dans la journée - The music mama loved best  - big bands, blues belters - was always shimmering - Plus loin, Smoke indique que Sarah Vaughan est son point de départ - Sarah was the foundation - Il est fasciné - Her perfect enunciation, her lavish phrasing - soothing and sensuous. Man, when Sarah sang, I swooned. I emulated her lush licks, her tasty turns, her jazz jumps, her incredible range. I loved the way she cried with her voice, I was awestruck by her subtlety and sensivity. No wonder they called her the Divine One. Sarah did shit that killed me. So it was a woman who shaped my style. But I wondered: Should a cat like me be singing like a chick? I soon had my answer - Eh oui, quand t’écoutes les premiers albums des Miracles, tu crois toujours entendre Claudette chanter, mais non, c’est Smoke.

         Puis il flashe sur Clyde McPhatter, qui sonne aussi comme une chick. Et bien sûr Nolan Strong & the Diablos - Like Clyde, Nolan was a first tenor driving women wild. How much more motivation dit I need? Add Frankie Lymon and Sam Cooke to the stew, another pair of sweet-and-spicy high-voiced influences - Il rend plus loin hommage à Jackie Wilson - Jackie was a local hero - et il ajoute plus loin : «He was rugged handsome, had processed hair and big flashy eyes. When I saw him that day on our street visiting his cousins, it was like seeing some god.» Et Smoke d’ajouter ça qui est essentiel à notre compréhension du monde black : «See, in my neighbourhood, we idolized the entertainers, the preachers and the pimps. They were the ones with the sharp clothes, the Cadillac cars, the fine women. They had the glory.»

Claudette & Smokey Robinson

         Au lycée, Smoke monte les Five Chimes avec Warren Pete Moore, Ronnie White et d’autres cats locaux. Les Five Chimes vont devenir les Miracles. Puis Smoke engage Claudette dont il est amoureux. Il chante lead, avec «Claudette on top, Bobby’s tenor under her, Ronnie’s baritone and, at the bottom, Pete’s bass.» Smoke va rester dans les Miracles jusqu’en 1972. Il ne veut plus faire de tournées. Il aura passé 14 ans «running around - writing, producing, performing.»  

         Et puis on entre dans le cœur battant du magic book : Berry Gordy qui compose alors des cuts pour Jackie Wilson. Berry s’intéresse au groupe de Smoke qui s’appelle encore les Matadors et lui demande combien de compos il a en stock. Smoke lui répond le plus naturellement du monde : «About a hundred.» Et il ajoute : «Hell, I’d been writing songs since I popped out of Mama’s womb.» Et Berry lui balance le plus chaud des compliments : «I like your voice. I really do. It’s different. There’s no other voice like it out there.» Et boom c’est parti ! Berry et Smoke montent un team qui existe encore aujourd’hui. 

Thelma Coleman Gordy

         Smoke le décrit ainsi : «Berry Gordy was street, but he was no jitterbug; he wasn’t fly, wasn’t the kind of cat who strolled with the limp walk - Smoke dit en gros qu’il ne frimait pas et il poursuit - In the past he’d done lots of shit. He’d come out of the same gang era as Jackie Wilson. He’d done his share of fighting, some of it in a ring. He’d paid his dues working the auto plants. He’s opened a jazz record shop that flopped, been married to a lady named Thelma, had three kids, and now was divorced. Had another lady named Raynoma.» C’est ce qu’on appelle du portrait en pied. En 8 lignes, t’as tout le bonhomme. Et comme le groupe de Smoke s’appelle encore les Matadors, Berry lui demande de changer - The Matadors sounds a little jive - Les Matadors tirent un nom au sort : Miracles, et Berry dit : «I like the sound of that. I like the attitude. Yeah, y’all are Miracles.» Et voilà, c’est sa façon de taper en plein dans le mille. Tout Motown vient de ce flair. Le Gordy feel.

Gordy + Ramona

         Et pouf, Smoke nous ramène aux origines de Motow, Six employés, à l’origine, Berry, sa deuxième épouse Raynoma, Brian Holland, Janie Bradford et Robert Bateman, great bass singer and later an engineer. Berry emprunte un peu de blé à sa famille et lance Motown avec un premier single de Marv Johnson, a strong, souful, local singer : «Come To Me». Et puis t’as les frangines de Berry, que Smoke aime bien, «Anna would teach me about the real world. Gwen was also my baby, as close as a sister. Louyce was a sweetheart and a strong-minded businesslady to boot. Esther was brillant, she became my manager. Berry’s brothers - George, Robert and Fuller - became my brothers.» Ce qu’il faut comprendre à travers ça, c’est que Smoke est complètement intégré à la famille Gordy, ce qui explique la force de cette relation. Et puis t’as Harvey Fuqua qui ramène un jour un mysterious guy named Marvin Gaye.

         Premier smah pour Smoke : «Shop Around» - This was the song that established Motown and the Miracles and, along with «Money (That’s What I Want)», sent the company sailing into orbit. We were flying high - Berry nomme Raynoma et Louyce vice-présidentes de Motown. Il met sa mère aux comptes, a powerful world-wise lady - Berry was big on letting people prove themselves, based on skill, not sex or color - Motown est le premier big-time record company dont le boss est black. Et pouf, il achète la baraque sur West Grand Boulevard - a routine, B-flat two storey house, entre un funeral home et une beauty shop - Berry vit à l’étage avec sa femme et son fils Kerry. Le rez de chaussée, c’est le QG de Motown : la cuisine devient the control room, le garage devient le studio, le living room devient le bookkeeping, et le dining room devient les ventes - Berry stuck a funky sign in the front window - Hitsville USA - and we were in business - T’as toute l’énergie et l’aisance de Motown dans cette dernière phrase. Smoke fait swinguer les souvenirs des jours heureux - At the time we were just local kids trying to get over. And, believe me, it wasn’t easy - Alors ils passent leur temps dans la baraque et font des tournois de ping-pong ou d’échecs. Ou de killer poker games - Passive cats couldn’t survive Motown. No one wanted to lose. Berry built himself a company of winners - On sent que c’est du vécu. C’est bien que ce soit Smoke qui nous raconte la vraie histoire. Il dit aussi qu’ils passent plus de temps dans cette baraque que chez eux - The house was part of the magic. The house was our hang-out. It was also our studio and recreation center. It had to be the most energitic spot on the planet - Et Berry insiste bien pour dire qu’il n’a pas les connections, ni les moyens : tout repose sur le talent - That’s why we have to make it on talent and talent alone. If our quality falls, we’ll fall with it.

         Autour de la grande table de réunion, on trouve le Motown brain trust, c’est-à-dire Berry et ses lieutenants, «Harvey Fuqua, Johnny Bristol, Mickey Stevenson, Brian Holland, Lamont Dozier, Eddie Holland, Clarence Paul - Stevie’s main man - and a little later, the formidable Norman Whitfield.» Et tout se met en route en 1964, avec les mega-hits d’Holland/Dozier/Holland pour les Supremes et les Four Tops. Berry réinvestit les bénéfices dans son label, il rachète deux autres maisons sur West Grand. L’argent coule à flots, mais dès que ça s’enraye, les gens en veulent à Berry - Long as they are having hits and generating cash, Berry was God. But the minute the hits stopped or their money got funny, Berry was Satan - Tout repose sur Berry.

         Smoke est aussi producteur. Berry le nomme A&R. Alors il prend en charge David Ruffin. Il adore les Tempts qu’il connaît depuis le début quand ils s’appelaient the Primes, et encore avant, the Distants. Et puis il y a le Motown sound - The Motown sound was a miracle. It spoke for - it was born from - a special time and place: Detroit, Michigan, in the sixties. it was the combination of an astonishing range of talents, politics and personalities, people who were naive, happy, hungry for money, looking to be loved and accepted, dying to compete, burning with ambition, blazing with talent - first raw, then refined and finally irresistible. It was black music too damn good - too accessible, too danceable, too romantic, too real - not to be loved by everyone - Motown, comme Stax et Hi, reste un phénomène culturel unique dans l’histoire de la musique américaine.

         Smoke évoque le drame des Supremes et l’éviction de Florence Ballard. Il l’aime bien, «Florence was beautiful, big-voiced, fun-loving and down to earth.» Puis il explique un peu les choses, rappelant que son petit ami, Tommy Chapman, était le chauffeur de Berry et il a convaincu Flo que Berry allait essayer de la baiser. Alors elle a déraillé. Elle jalousait Diana Ross, et elle s’est mise à picoler, à rater des concerts, et en 1968, Berry l’a virée des Supremes. Puis une petite crise cardiaque en 1976 l’a envoyée dans le trou. Smoke voit aussi ce qui se passe entre son pote Berry et la Ross - Althrough they surely fell in love, theirs was a reliationship rooted in business - Et il ajoute ça qui est déterminant : «Berry managed Diana because Diana was a tremendous talent.» Et ça, qui sonne comme un corollaire : «Diana followed Berry because Berry was a tremendous buisinessman. They were two powerful but practical people, interested, more than anything, in success.» Mais leur relation finira par se détériorer. Diana s’est mariée et elle veut plus d’indépendance - No wonder the cat was uptight - Eh oui, Berry ne veut pas lâcher l’affaire.

         Et puis voilà que Berry décide de s’exiler à Los Angeles. Motown continue sous les palmiers. On retrouve les mêmes, Marvin, Diana et Berry. Et tous ont encore plus de succès. Le Motown building est sur Sunset Strip. Smoke n’est plus en charge de trouver de nouveaux talents, «I’d become more of a financial administrator.» Il lance cependant les Commodores avec «Machine Gun». Mais l’histoire perd un peu de son sel. Le Motown californien pâlit au soleil. La magie est morte, même si Marvin vient d’enregistrer «Let’s Get It On» - Dad was glowing because his ‘Let’s get It On’ had gone through the roof. It was one one those rare times he seemed happy to be in show business - Smoke surnomme Marvin Dad. C’est l’un des personnages clés du book, avec Berry. Quand Smoke fait sa connaissance, il lui dit que sa façon de marcher avec précaution lui rappelle celle d’un vieil homme - Im calling you Dad - Et Dad parle comme il marche, tout doucement. On l’entend à peine - He whispered in a cool kicked-back manner, hiding, I believe, the intensity inside - Smoke restitue des dialogues géniaux. Dad : «Smoke, I got a plan for my solo career.» Dad had a plan for everything. «See, he said, when I get out there, don’t look for me to be singing no rock’n’roll.»  Smoke lui demande ce qu’il va chanter. Dad : «Standards. Love songs. Slow ballads. Like Sinatra. I’m going to be the black Sinatra.» Et puis Norman Whitfield prend Dad en main pour «I Heard It Though The Grapevine» et «Dad sang the living shit out of it. Next thing we knew Marvin Gaye had the biggest single in Motown history.»

         Au moment où Holland/Dozier/Holland se fâchent avec Berry, Norman Whitfield et Ashford & Simpson montent en puissance. En 1971, nous dit Smoke, et contre l’avis du département des ventes, Motown sort What’s Going On, «Marvin Gaye’s masterpiece, the greatest album, in my opinion, ever made by anyone.» Pour Smoke, Dad est passé avec cet album de l’ère des producteurs à celle des artistes - he made musical history - Et Berry comprend que certains artistes ont besoin d’être libres de choisir leur voie, comme l’ont fait Dad et Stevie Wonder. Berry a réagi like a gentleman, c’est-à-dire qu’il a accepté sa défaite. 

         Hommage encore aux Four Tops et à la puissance de Levi Stubbs, mais aussi à Lawrence Payton (who) was the cat who taught us singers modern jazz harmony. Sur HDH, Smoke a un avis très tranché : il en veut à Eddie Holland. Pas de problème avec Lamont et Brian, ils sont les talents du trio. Eddie écrit des lyrics, mais il se fait aider, forgetting to give them credit. I don’t like that. Smoke tente de convaincre Brian Holland de rester chez Motown, et Brian lui répond qu’il a sans doute raison, «and after all, Eddie is my brother.»

         Smoke évoque aussi son vieux pote guitariste, Marv Taplin - Ever since then - it’s over thirty years now - I’ve never played onstage without him.

         Smoke se souvient aussi d’un petit échange gratiné entre Otis et Aretha. Otis lui balance : «Hey Ree, I recorded that song you did, ‘Try A Little Tenderness’. The only difference is, my version’s a hit.» Otis éclate de rire, et Aretha le prend mal : «That’s okay, sucker. I’m about to throw down one of your tunes. When I’m through with it, you won’t even recognize the thing.» Ce sera «Respect».

         Smoke refait un panorama de la Soul sur trois décades : dans les sixties, on qualifiait Motown de «White bread soul», mais pour lui, Levi Stubbs, David Ruffin, Dennis Edwards, Martha Reeves et Tammi Terrell it sure as hell sounded like the real deal to me. Puis il passe aux seventies, et il entend les cats dire que the Golden Age of Soul was dead, parce qu’Otis Redding, Sam & Dave et Wislon Pickett were no more. «But look what happened: Al Green, Teddy Pendergrass, Donny Hathaway, Bill Whiters, Stevie Wonder’s magnificient Songs In The Key Of Life.» Puis c’est la période diskö - Then they called disco dipshit - et Smoke de citer Van McCoy, Hal Davis and especially Harvey Fuqua’s burning barnstormers for Sylvester. Pour Smoke, la fête continue. Et il revient aux sources : «Billie Holiday created her most powerful art - her blackest, most heartrending singing - reshaping the white pop songs of her day.» Et bien sûr Ray Charles dont il salue deux cuts, «Am I Blue?» et «Georgia».

          Berry traverse des mauvaises passes. Il recadre Smoke qui veut lui aussi son indépendance, mais Berry a l’art de revenir aux fondamentaux : «It’s you and me, Smoke, today, tomorrow and for the rest of the set.» C’est le cœur du book : une histoire d’amitié à toute épreuve. Ça fait rêver, quand on pense à tous les tocards qu’on a pu croiser dans la vie.

         On a bien sûr écouté tout Smoke. T’as 50 albums entre 1960 et 2025, et tout est bien. On replongera dans cet océan de classe black un autre jour. Pour donner un aperçu de cette classe black, penchons-nous sur ses 8 derniers albums.

         En 1990, Smokey revient en séducteur avec Love Smokey. C’est donc un album de romantica un peu à la mode. Il est même perdu dans la mode pendant tout le balda. Que Dieu aie pitié de son âme. Tu espères encore un peu de Soul de la part d’un pionnier de cet acabit, mais il semble vraiment être tombé dans le panneau de la mode. Avec un peu de patience, tu vas croiser deux bons cuts au bout de la B, «Jasmin» (big good time groove, et c’est là qu’il excelle) et «Easy», où il retrouve le fondu d’Ooo Baby Baby. C’est de la magie.  

         Sur Intimate, Smok plante le décor dès la première mesure de «Sleepin’ In», même si le son est un peu à la mode. Prod d’époque. Arf. Mais il redevient fabuleux aussitôt «Easy To Love». Il vise l’océanique, l’enchantement, il chante comme un dieu, alors ça aide. Il tape des balladifs de Soul intensément intrusifs. Ce sacré Smoke sait glisser son sucre dans la fente. On croit parfois entendre chanter une femme, tellement il est intimate sur le morceau titre. Avec «I’m The One», il va plus sur la pop, et ça lui va bien, c’est même un hit de big pop de Soul. Il continue de se jeter dans la balance avec «Just Let Me Love You», et ça vaut vraiment le coup d’œil. Le vieux Smoke reste sacrément d’actualité. C’est une merveille, over and over again. Nouvelle Beautiful Song avec «The Bottom Line» qu’il groove à coups d’I love you so much, il vibre tout ce qu’il peut, surtout le love you-ou-ouh. Pure romantica. C’est toute sa vie. Et puis voilà le chef-d’œuvre absolu : «Feelings Flowing», il surfe à la surface du paradis, il chante l’ouate de la Soul. La mélodie s’échappe de sa bouche comme un nuage de vapeur. Ça tremble de beauté, ça grelotte d’intégrité artistique et d’ooh my darling.

         On entend œuvrer un sacré bassman sur Food For The Spirit. Il s’appelle Andrew Gouche et on l’entend vraiment bien dans «We Are The Warriors» : il tape un groove de bass punk extrêmement offensif. Est-ce un album de gospel ? Pas évident, même si les titres des cuts et le design de la pochette renvoient au gospel. Smoke est tout de blanc vêtu sur un fond de ciel bleu et il démarre avec un «Jesus Told Me To Love You» qui est en fait un coup de charme à l’ancienne. Son «Road To Damascus» est trop à la mode, mais il parvient à groover, alors ça devient sérieux. Tu ne peux pas prendre un mec comme Smoke à la légère. Par contre, l’«He Can Fix Anything» ne passe pas la rampe. L’«I Praise & Worship You Father» sonne comme un gros r’n’b de Motown, avec des chœurs à l’ancienne. Superbe artefact ! Smoke retrouve ses marques et ça finit en mode gospel batch.

         Paru en 2006, Timeless Love est l’un des albums de Soul les plus parfaits. Neuf coups de génie sur treize cuts. Qui dit mieux ? Le plus mythique de tous étant bien sûr la cover du «Speak Low» de Kurt Weill. Smoke tape dans le mythe avec les violons de Stravinsky - When you speak low - C’est le sommet du lard moderne. Sur «Time After Time», Smoke fait vibrer ses syllabes, il vise l’océanique pur. Il fait encore un groove de round midnite avec «I Can’t Give You Anything But Love (Baby)», et il le pousse à l’extrême, il vibre son happiness et son guess et te donne des frissons. Il t’enlace comme le ferait un anaconda. Il est tellement capable de tout que ça devient fascinant. Il chante «You Go To My Head» comme le ferait Esther Phillips. Il groove le jive dans l’essence même de sa texture. C’est un miracle de feeling. Smoke est devenu au fil du temps le plus beau Soul Brother de sa génération, le plus accompli, il groove avec une finesse extrême, il fait issir les moelles de la Soul. T’as encore l’absolu du groove dans «I’m In The Mood For Love». C’est une sorte d’aboutissement. «Our Love Is Here To Stay» semble tomber du ciel. Il réinvente le groove de Soul, c’est un véritable délire de feeling. Et voilà «Fly Me To The Moon (In Other Words)», chef-d’œuvre de swing black, drivé au slap de jazz et tu vois Smoke exploser de bonheur. Il monte vite au sommet du genre. Et t’as un solo de jazz dément, sans doute Marv Taplin. Smoke tape ensuite le fameux «Night & Day» de Cole Porter. Il capte l’horizon. Il est le Victor Hugo de la Soul, l’esprit parfait, le panoramique, la poésie de l’âme, il s’étend à n’en plus finir. Il bouge à peine dans l’écrasante symbiose de la beauté. Il fixe le firmament. Il descend à peine pour remonter à peine. Avec «I’m Glad There Is You», Smoke te fait danser la Bossa Soul du Paradis. Que peux-tu attendre de plus d’un album de Soul ? 

         Il sort un deuxième album en 2006, l’excellent Time Flies When You’re Having Fun. Le black dandy pose devant la console de mixage. T’es ravi de le retrouver. Le vieux Smoke est toujours là et d’une certaine façon, ça te réchauffe le cœur. Il a conversé la même voix, il est moins atteint que Cash, il est resté assez pur. Son groove fêlé est balèze. Tu entres dans le lagon d’argent avec «Girlfriend». Il sait encore donner des coups de menton. Il adore surtout son vieux satin jaune, comme le montre «You’re The One For Me». Il s’y glisse avec chaleur. C’est un vieux renard, il sait jouer de ses effets. Il appuie son groove en contretemps, c’est d’un effet ravissant. Il duette avec Carlos Santana sur «Please Don’t Take Your Love». Carlos est un bon pote, on l’entend bien. Il ramène ses couleurs dans le groove d’un Smoke qui devient polyglotte, s’il vous plaît, por favor. On assiste à une superbe coulée de larmes dans «That Place». Smoke enrichit son groove avec des petits filets de voix et ça devient une pure merveille d’orfèvrerie vocale. Il est encore parfait dans son vieux rôle avec «Love Bath», puis il s’en va groover «Watcha Gonna Do» en profondeur, c’est une fabuleuse dérive intrinsèque, le vieux Smoke ré-invente le groove en le liquéfiant. Il reste dans les arcanes avec «Satisfy You». T’as le Smoke de rêve et donc un fantastique album. Il termine avec une Beautiful Song, «You’re Just My Life». Il reste en mode haut de gamme. Il groove sa Soul en toute impunité, une Soul délicieusement maîtrisée, sensible et délicate. Son art est un empire qui s’étend à l’infini.  

         Et si Smokey & Friends était le meilleur album de Smoke ? Va-t-en savoir. En tous les cas, c’est un Best Of avec des invités prestigieux, et pourtant ça commence mal, car le premier invité n’est autre qu’Elton John. Ça s’arrange avec «You Really Got A Hold On Me» : l’invité s’appelle Steven Tyler. C’est heavy on the beat et ça donne un duo d’enfer. Smoke duette encore sur «My Gilr» avec des inconnus au bataillon, et tout monte d’un cran avec ce coup de génie nommé «Quiet Storm». John Legend se prend pour Marvin. Pur Soul genius ! To my life ! Smoke duette avec Celio Green sur «The Way You Do (The Things You Do)», et avec James Taylor sur «Ain’t That Peculiar». On rentre dans le mythe avec «The Tears Of A Clown» (avec Sheryl Crow), puis «Ooh Baby Bay», avec l’admirable Ledisi. Elle se fond si bien dans la mélasse mythique de Smoke. Notre héros regagne la sortie avec une fantastique cover de «Get Ready». C’est explosif, encore plus explosif que les Tempts. Il faut écouter ça si on ne veut pas mourir idiot.

         Smoke est stupéfiant de beauté antique que la pochette de Gasms. C’est l’image qu’on se fait d’un prince de l’Antiquité, avec des yeux clairs en amandes et cette peau foncée. Et on retrouve cette voix féminine dès le morceau titre, une voix qu’il fait vibrer à la sortie de chaque virage. Il fait encore de l’art pur avec «How You Make Me Feel». C’est d’un raffinement extrême. Et t’as un son plein comme un œuf. Dans «I Wanna Know Your Body», il y va fort - I wanna touch your body/ With passion/ Every curb/ Every line - Il pose sa voix comme aux premiers jours dans «Roll Around». Il ajuste sa chique en permanence. Il flirte sans cesse avec la Beautiful Song. Il flirte magnifiquement. Smoke est un prince de la modernité. Et voilà «If We Don’t Have Each Other» tapé à l’infra-basse. Il parvient à swinguer à la surface du jive  - We got love to make - On a encore des choses à faire. Il fait trembler sa voix dans «You Fill Me Up» - You make my day/ So much brighter - Il fait trembler sa voix pour la postérité. Smoke est un vieux renard, il maîtrise les privilèges. Avec «You Fill Me Up», il claque enfin une Beautiful Song limite gospel - My cup of you/ is overflowing - On ne sait pas s’il s’adresse à Gawd ou à une petite gonzesse.  

         Dernier album en date de Smoke, What The World Needs Now est un fabuleux album de covers. Smoke tape dans le dur de Burt avec le morceau titre, la magie est immédiate. Il ramène Motown dans Burt. Magie encore avec «What A Wonderful World», le fameux Wonderful de Louis Armstrong et Joey Ramone. Smoke le prend par les hanches et le fait danser au paradis, and I think to myself/ What a wonderful world. Il fait littéralement éclore sa voix. Avec «I’ll Take You There», il se fond dans la joie et la bonne humeur des jours heureux, c’mon c’mon! On devrait recommander cet album à tous les neurasthéniques. Il tape aussi le vieux hit de Carole King, «You’ve Got A Friend». Il chante comme un dieu et faite vibrer ses pointes de running. Et comme si tout cela ne suffisait pas, voilà qu’il duette avec les Tempts sur «Be Kind To The Growing Mind», c’est une merveille de black pop qu’il emmène au firmament. Voilà donc la suite logique de Motown, t’es dans la Soul des rois du paradis. 

Signé : Cazengler, Plessis Robinson

Smokey Robinson. Love Smokey. Tamla 1990  

Smokey Robinson. Intimate. Tamla 1999

Smokey Robinson. Food For The Spirit. Liquid 8 Records 2004

Smokey Robinson. Timeless Love. New Door Records 2006

Smokey Robinson. Time Flies When You’re Having Fun. Robso Records 2006

Smokey Robinson. Smokey & Friends. Verve Records 2014

Smokey Robinson. Gasms. TLR Records 2023  

Smokey Robinson. What The World Needs Now. Gather Music 2025

David Ritz & Smokey Robinson. Smokey: Inside My Life. McGraw-Hill 1989

 

 

Inside the goldmine

- Lou Courtney n’est jamais à court

 

         Lecornu n’inspirait pas beaucoup de respect. Dès l’abord physique, il inspirait une sorte de répulsion. Il exhibait ses atours de rocker vieillissant. Dans la plupart des cas, ça passe encore à peu près bien, mais pas dans le cas de Lecornu : il ventripotait à outrance, il se teignait les cheveux, il portait des chemises panthère, des santiags, des bagues, des anneaux aux oreilles et des lunettes farfelues. Un vrai clown. Mais le pire était à venir : si par malheur il entrait dans une conversation, il dégoulinait de suffisance, il étalait sa science, il traitait tout ce qu’il n’aimait pas de «musique de merde», et ça finissait par indisposer tout le monde. Son arrivée jetait un froid. On se demandait comment décorner Lecornu. Mais c’était impossible. Il faisait figure d’institution, pas son ancienneté dans le circuit, et par son expertise ramificatoire. Il connaissait tellement de gens que personne n’osait l’affronter. Lecornu ne se rendait même pas compte de l’aversion qu’il inspirait. A contrario, personne d’ailleurs ne se posait la question de savoir si ce masque ne dissimulait pas un autre Lecornu. Et si Lecornu n’était au fond qu’un type gentil et timide ? Et dans ce cas, comment pouvait-on l’approcher ? La curiosité étant la mère de tous les vices, on tenta l’approche. Elle commençait par un verre au bar, puis des petites questions du genre, «Tu sais jouer d’un instrument ?», «Quesse-t-a fait comme études ?», auxquelles il répondait, épaté de voir qu’on s’intéressait à lui. Il fut même ravi d’apprendre qu’on avait le même cursus et quand il fut invité à venir jammer avec sa gratte, il paraissait aux anges. Voilà comment nous réussîmes à décorner Lecornu. Mais l’embellie de dura qu’un temps. Pratiquer Lecornu, c’était en quelque sorte une façon de chevaucher un taureau pour un concours de rodéo. C’est Lecornu qui finissait par te décorner. Non, mais c’était bien d’avoir essayé.

 

         Alors qu’il est difficile de décorner Lecornu, il est plus facile de s’intéresser à Lou Courtney. Mille fois plus facile et surtout mille fois plus agréable. 

         Lou Courtney est un Soul Brother new-yorkais assez complet, car il sait tout faire : crooner, mais surtout composer. Il fut aussi le directeur musical de Lorraine Ellison. Après avoir flirté avec le succès tout au long des sixties, il va monter Buffalo Smoke dans les seventies, un groupe de black rock. Autant le dire franchement : Lou Courtney est un artiste extrêmement intéressant et trop peu connu. Ses trois albums valent bien le détour.  

         Le premier album de Lou Courtney s’appelle Skate Now/ Shing-A-Ling, un Riverside de 1967. Il fait de l’heavy jerk des catacombes avec son «Skate Now» d’ouverture de balda. Le son est étrangement sourd. Lou est un cake, un bon cake bien raw. Ça jerke sec chez lui. On se croirait chez Stax ! Puis avec «Me & You (Doin’ The Boogaloo)», il a les chœurs de Motown et la pétarade James Jamerson. Un vrai smash. Il attaque sa B des cochons avec «Do The Thing», un vrai coup de shing-a-ling. Encore du harsh de stormer avec «I Need You Now», porté par un bassmatic d’assaut. Back to Stax avec «I Don’t Wanna Leave You». Quelle vitalité ! Il a le power d’Otis et des Tempts.   

         En 1974, il enregistre I’m In Need Of Love. Cet Epic est une petite merveille. Dès «The Common Broken Heart», tu vois le Lou planer au-dessus  de la ville en mode black croon. C’est à la fois énorme et très beau. Te voilà redevenu ville conquise. Le Lou est un Soul Brother extrêmement fin. Il sait se faufiler dans les failles du fil mélodique. Il revient au joli groove de Soul avec «I Will If You Will». Le Lou est un artiste important, sa Soul accroche sérieusement. Il culmine encore avec «Somebody New Is Lovin’ On You», un cut de dancing Soul, mais une dancing Soul de big time, il va danser dans la cour des grands, il a les violons de Marvin et le schhhoooh du Lou. C’est littéralement effarant de classe, un sax vient lécher le groove et le Lou danse dans l’azur d’une Soul immaculée. Et t’as vraiment les violons de Marvin derrière, avec, dans l’intrinsèque, une vraie pulsion d’avant-garde, il y va, le Lou, il est merveilleux. «I’m Serious About Loving You» est une merveille de présence black. Il pose bien les conditions avec «I Don’t Need Nobody Else», wow babe ! Il tape une Soul fabuleusement urbaine et balancée des hanches. Il se dirige vers la sortie avec le morceau titre et te le groove à coups d’I don’t need/ A new automobile, il a besoin d’amour, il groove son need comme un cake, et ça danse - I don’t need/ Every woman I see - Il revendique fièrement son need of love.  

         Paru sur RCA en 1978, Lou Courtney/Buffalo Smoke est un album de big black rock, mais avec du groove. Solide as hell, comme on dit quand on ne sait pas quoi dire. «Call The Police» te met vite au parfum. Le guitar hero s’appelle Glenn L Goins. Il fait pas mal d’étincelles dans «911». Le Lou exploite aussi la veine dancing Soul avec «Love Is A Joker», et il ramène l’attaque et la wah des Tempts dans sa soupe aux choux. En B, il s’en va encore rocker le dancing boat, alors ça chavire dans la chaloupe. Il passe au diskö-funk avec «Don’t Stop The Box», mais avec de l’is alr ite et du stop the box à gogo. Le Lou monte sur tous les fronts.

Signé : Cazengler, Écourtné

Lou Courtney. Skate Now/ Shing-A-Ling. Riverside Records 1967  

Lou Courtney. I’m In Need Of Love. Epic 1974  

Lou Courtney. Lou Courtney/Buffalo Smoke. RCA Victor 1978

 

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         J’avoue que je suis un déçu par les nuisibles comportements de nos lecteurs. J’admets que l’on puisse s’amuser durant les fêtes, boire un tout petit peu plus que la normale, manger les frites avec les mains, essuyer la sauce tomate sur la chemise de son voisin, hélas des échos me sont parvenus, je n’ose même pas employer les mots qui me permettraient de nommer la conduite inconvenante de nos lectrices, ni recopier la liste des grossièretés proférées par nos lecteurs avinés… Vous avez exagéré. Je le déplore. Pour punition je devrais vous interdire la lecture des dix prochaines livraisons du blogue. Mais je suis trop bon. L’important n’est pas que vous souffriez, mais que vous vous repentiez, alors mettez-vous en rang par deux, tenez-vous sagement par la main, pour votre redressement moral je vous emmène à l’église. Un petit sermon ne pourra que vous faire du bien.

         Je sais, plus de mille kilomètres à marcher sur les eaux, c’est fatigant. Mais nous voici arrivés en Amérique. Non ce n’est pas à New York. Nous sommes un peu plus au Sud, dans les Appalaches. Un coin paumé. L’église ne paie pas de mine, n’oubliez pas que ce qui compte ce ne sont pas richesses dorées mais la ferveur des officiants. Frappez à la porte, entrez doucement, asseyez-vous sans faire de bruit.

MUSIC FROM FULL GOSPEL TABERNACLE

 IN JESUS NAME

PASTOR BIG CODY COOTS

         A la fin de notre chronique du livre de Dennis Covington   L’église aux serpents je vous avais promis que nous reviendrons voir les snakes handlers d’un peu plus près.  Nous y voici. Ne vous gênez pas pour faire du bruit, l’office a commencé, ils font un raffut de tous les diables, ils ne s’apercevront même pas que vous êtes-là.

         Quel boucan ! Reprenez votre esprit. Normalement dans une église, il devrait être chevillé à votre corps. En plus les prises de vue sont celles d’un amateur, je ne pense pas que ce soit Jésus in person qui tienne la caméra, c’est le pasteur  Cody Coots devant vous, en chemise à carreaux gris et blancs, il serre un micro contre sa poitrine, un mec en chemise rouge assis sur une banquette, adossé au mur en planches, un gros baffle dans le coin, sur la droite un bout de meuble, devant lequel se poste Mister Coots, l’est maintenant au centre de l’image, sur notre droite deux autres gars, la caméra revient sur lui, derrière son espèce de bureau va-t-il allumer une cigarette, son briquet à la main il enflamme une cannette de gaz, aurait-il l’idée saugrenue de réchauffer un café, pas du tout, simplement brûler la paume de sa main gauche, tout ragaillardi il se met à sautiller sur place tout en se déplaçant, le visage de Coots n’exprime aucune douleur, même pas un tic nerveux, il change de main, puis repose sa cartouche transformée en torchère sur le lutrin, s’empare de son micro, et sur le rythme endiablé de la musique, il chante mais l’on n’entend pas sa voix, tant le son est fort, ce qui le décide à remettre sa main dans le feu, puis il souffle sur la flamme pour l’éteindre reprend son micro et sa démarche sautillante, cela nous permet de découvrir les responsables de ce bruit infernal, deux femmes, deux pécheresses, l’une derrière son synthé Roland, et l’autre qui bat le fer porté à incandescente sur sa batterie,  attention ce n’est  ni un cantique doucereux, ni un gospel enlevé, mais une espèce de rock’n’roll soutenu, des plus frustes et des plus efficaces, genre de truc que l’on retrouve à la fin des concerts lorsque sur le final les musicos se lâchent et donnent toute la gomme, une ambiance un peu à la Jerry Lee Lewis, non pas pour que le public exulte, mais pour créer l’atmosphère d’une transe cérémonielle propice à galvaniser la foi des fidèles. La caméra s’attarde sur nos deux prêtresses musicales. Alerte ! Coots au micro joue au Monsieur Loyal du cirque Bouglionne, l’on ne comprend pas ce qu’il dit mais ce qui est sûr c’est qu’il annonce un numéro d’exception, il s’excite, il frappe de la main sur son bureau avec la violence de Dickie Harrell sur sa caisse claire, la caméra le suit ce qui nous permet de

voir la partie droite de la scène, un deuxième guitariste posté à l’extrémité de la banquette, deux autres gars debout, chemise bleu-foncé et chemise bleu-clair, trois caisses plates sont alignées sur l’estrade pas très haute, notre Jeanne d’Arc que manifestement le Ciel n’a pas réduit en cendres se penche, en ouvre une et s’empare d’un serpent. Pas une inoffensive couleuvre, un beau crotale à la mortelle morsure. N’ayez pas peur, timorés lecteurs, ayez confiance, Dieu vous protège, si la bébête torsadée vous mord c’est que Dieu a besoin de vous et vous rappelle plus vite que vous ne l’aviez supposé auprès de lui. Notre prédicateur exhibe sa bestiole, doit

approcher les deux mètres, il vous la montre de tout son long, l’en profite pour lui déposer deux ou trois bisous amicaux sur le dos, il passe le reptile à la chemise bleu-clair, il se love sur les avant-bras de son récepteur qui lui caresse le menton d’un doigt affectueux, n’agissez-vous pas de même avec votre chat, après ce moment de pure affection il lui rend sa liberté en le rembobinant dans sa caisse. Ne partez pas, le spectacle n’est pas fini, d’un autre boîtier il en sort d’une seule main un autre, non pas du tout, deux autres, des costauds, gras comme des chapons,  il passe le plus long tuyau d’arrosage venimeux à notre prêcheur-chef qui se hâte de nous dévoiler sa longueur, il le tient haut, un peu à la Gene Vincent qui tendait son micro vers le plafond, son voisin réadopte sa technique du serpent lové en rond sur ses avant-bras, à la douceur de ses gestes il l’a l’air de porter un bébé en faisant attention à ne pas le laisser tomber à terre, assez vite il  remet notre longiligne rattlesnake dans sa classe, il n’est pas pour l’exploitation éhontée de l’animal, le pasteur lui tend le sien qui aussitôt est refilé à un paroissien impatient de mesurer sa foi à la taille du reptile, il le rend assez vite, sa confiance en Dieu ne serait donc pas aussi grande qu’il le prétendrait, prenez sa place avant de le critiquer,   voici notre interminable vertébré remis en caisse, mais notre chemise bleue n’hésite pas à  sortir un autre spécimen, un peu comme quand vous présentez à vos amis votre collection de disques Sun, un véritable festival serpentique, sont deux à danser comme des énergumènes un serpent dans les pognes, ça y est nos vipérides sont soigneusement remisés, Big Cody Coots survolté accroché à son micro s’époumone, la caméra revient sur nos deux musiciennes qui mènent leur train d’enfer, pardon paradisiaque.  

         Impressions personnelles. Une évidence s’est imposée à moi. Bien sûr  les circonstances sont totalement différentes mais l’ambiance me paraît similaire à celle des concerts de hardcore californiens. Mêmes sortes de personnages, une même ferveur, une même camaraderie, même statures physiques, gaillards enrobés, mal bouffe pour tous, alcool en prime pour le hardcore, à la différence près  qu’ici  on pogote avec des crotales. Dans les deux cas démesure et innocence américaines.

         Je ne vous ai présenté que la vidéo : Serpent Handling Service 3. La cérémonie se poursuit sur d’autres vidéos. Il existe plusieurs centaines de vidéos sur le même thème. Evitez les vidéos reportage, où l’on déblatère, où l’on explique à la manière des professeurs universitaires, où les mots sages sont là, la plupart du temps, pour voiler le choc des images.

         L’on y reviendra, pour commencer j’ai choisi une cérémonie sans serpents vindicatifs.

Damie Chad.

P.S.: pour la petite histoire, Cody Coots a pris la suite de son père Jamie Coots décédé. En 2014 au cours d’un office Jamie avait été piqué par un crotale – le bestiole récidiviste avait déjà causé la mort d’une femme... Malgré le refus de sa famille, il avait été transporté à l’hôpital par les autorités qui lui avaient administré un antidote. Inanimé, Jamie Coots n’avait pas pu faire part aux secouristes de son souhait d’être ramené chez lui. Déjà piqué à plusieurs reprises, Jamie Coots s’en était jusqu’à lors tiré, comptant sur la présence de sa famille et de la volonté de Dieu… Ainsi soit-il !

 

*

Faut savoir ménager les transitions. Après la chronique précédente de ces gens qui mettent toute leur confiance dans la l’amour de Dieu, en voici d’autres qui haïssent l’Homme. Que voulez-vous il faut de tout pour faire un monde. Et vous dans quel groupe vous positionnez-vous ? Il est interdit de choisir une autre solution.

PLAN BY ZGNYC

ODYUM

( Bandcamp / Octobre 2025)

         Il est des couves qui vous refroidissent d’entrée. Quand j’ai vu qu’ils étaient polonais, par scrupule j’ai tendu l’oreille. Elle se complut à ce qu’elle entendit ! Non la photo n’est pas engageante, je l’admets. Ce noir et blanc n’incite point à de festives réjouissances. Que représente-t-elle, j’hésite, l’on dirait les clayonnages d’un immense frigo. Des étagères vides dans un laboratoire qui semblent attendre des éprouvettes destinées à cultiver les pustules de la peste bubonique. On ne sait jamais, cela pourrait s’avérer utile pour faire disparaître l’espèce humaine une fois pour toute. Je possède une deuxième interprétation, une immense cage d’escalier avec tout au fond un réceptacle bétonné pour une franche invitation au suicide. Odyum ne recule devant rien, ils ont pensé à tout : soit la solution collective, soit la solution individuelle. Sont-ils pour autant des amis de l’Humanité…

Szkopu : vocals / Bartes : guitars, vocals / Kefas : bass / Śniegu : drums.

Prawda klamstw : (= La vérité sur les mensonges) : si vous ne supportez pas ce premier morceau autant ne pas tarder à rentrer chez vous effeuiller les marguerites dans votre jardin. Avant de sortir vérifiez toutefois si les fleurettes ne sont pas mortes, peut-être même vaudrait-il mieux vous assurer que votre pitoyable jardin de survie écologique ne se soit pas effondré, qu’à sa place il ne reste plus qu’un immense entonnoir, pas grave vous êtes déjà en train de glisser sur les parois abruptes du trou sans fin dans lequel vous ne tarderez pas à disparaître. Guerre à votre âme ! Au moins vous aurez été prévenu. Je ne raconte pas de mensonge moi. Remarquez eux non plus. Vous avertissent simplement que vous êtes morts puisque vous n’êtes pas vivants. Je concède qu’ils ne prennent pas des gants de soie pour vous le dire. Font avec ce qu’ils ont : un batteur hypnotique, un bassiste acharné, un guitariste explosif et un chanteur. Bref un groupe de rock qui joue du rock. Hardcore ajouterais-je pour ceux qui aiment les précisions inutiles. Désolé, pas le temps d’en dire plus, en trois minutes, c’est leur morceau le plus long, ils ont déjà prouvé qu’ils sont plus forts que vous. Slepiec : (= L’aveugle) : faudrait qu’ils se taisent pour me laisser expliquer, ils crient trop fort et ils jouent trop vite, des énervés, mais le pire c’est les lyrics, à la mesure de leur démesure, se prennent pour des dieux, mais manque de chance ils sont aveugles, c’est un peu les Grées, trois vieilles dans la mythologie grecque qui n’ont qu’un seul  œil communautaire qu’elles sont obligées à se passer sans cesse de l’une à l’autre pour y voir quelque chose, à part qu’eux ils sont quatre et qu’ils savent qu’il n’y a rien à voir dans notre monde. Heureusement qu’ils ont Szkopu, ses hurlements dépassent la tempête collapsique qui nous tombe sur le coin du museau, un véritable berseker qui hurle dans la tempête tout en dirigeant son navire à l’abordage de la nef de la mort. Krok w tyl : (Reculer) : z’ont déjà cassé le monde au deuxième morceau, que voulez-vous qu’ils fassent ? Ne leur reste plus qu’à s’en prendre à vous. Oui, il y a une note sadique et sardonique dans le chant de Skopu, il vous hait à mort, il vous vomit dessus à pleins seaux, vous court après, vous avertit que vous êtes sur le chemin de la réussite sociale, et du déclin êtral, chacun de ses mots perfore les ballons de baudruche de vos intentions. Ne le traitez pas de nihiliste, c’est celui qui le dit qu’il est. Wszystko jedno : (Tout de même) : au cas vous n’auriez pas compris il rajoute une couche de vomissure sur votre minois, on en profite pour écouter Sniegu, l’a son idée à lui de l’art de battre le fer chauffé à blanc, mouline dur, l’est comme Conan dans son premier film qui tourne le tourniquet de la noria, mais lui Sniegu il est tout seul et il le fait à toute vitesse, le problème c’est que quand il ralentit, c’est encore pire, il tape plus fort, et la cabestan tourne à vide sur lui-même, là-dessus vous avez notre chanteur qui lui crie dessus : tu peux crever, tout le monde s’en fout. Non ce n’est pas à son batteur qu’il s’adresse, c’est à vous.

Marmox : (= Vanité) : le morceau n’atteint même pas deux minutes, l’est si violent qu’à la guitare Bartes est obligé de vriller, un train qui déraille et qui se  couche, comme il est chargé de dynamite, sur la fin il explose, me croiriez-vous si je vous révèle que Szkopu hurle qu’il est le fils du kaos. Peut-être même le père. Pajak : (= Clown) : un morceau pour la basse, c’est le moment de la contrition, normal si vous êtes le kaos vous êtes et l’ouragan et le néant, Kefas s’en donne à cœur triste, ce qui ne signifie pas qu’il pleure, fait pleuvoir un nuage de cendre noire comme la mort sur votre esprit, le coup du clown triste, pas le blanc, le noir, vous asperge d’arpèges funèbres, n'allez pas croire qu’il a une perte de vitalité, ces mecs se dépatouillent comme des chefs, traversent les marasmes comme si affamés ils se jetaient des cataplasmes brûlants sur les parties génitales. Przestan ticzic hajs : (= Arrête de compter l’argent) : attention un peu de critique philosophique, vous condensent les quatre volumes du Capital de Marx en quatre strophes, vous décapitent la société marchande comme quand vous arrachez la tête du poulet avec vos dents pour qu’il meure plus vite. Théoriquement parlant ils sont plus près de l’anarchisme que du marxisme. Evidemment ça se discute, mais manifestement ils n’ont pas le temps. Rozblysk : (= Un éclair) : si leur musique est relativement inhumaine, il leur reste un rebut d’humanité. Presque. Disons que c’est un slow déceptif sur l’amour perdu, en vérité ce n’est pas un slow, plutôt une explosion de rage nucléaire, la colère est la dimension de la déception. Sont tout de même de drôles d’énergumènes quand on y pense. Remarquez que l’on n’a pas vraiment le temps de penser. Twoj swiat : (= Ton monde) : ah ! ah ! vous les preniez pour de sombres brutes, je vous file quatre heures pour que vous m’expliquiez le sens de ces lyrics, pensez-vous comme eux que le monde est engendré par les mots, vous comparerez avec Wittgenstein    qui profère que ce dont on ne peut parler il faut le taire. Du coup Szkopu articule soigneusement pour que vous compreniez mieux, ces copains en profitent pour nous montrer qu’ils n’ont pas besoin de parler pour démontrer l’inanité de toute pensée. Z’ont dû lire le traité du Néant de Gorgias. Fala : (= Vague) : démentiel, comment transformer les Sex Pistols en petite musique mozartienne ? Suffit d’écouter cette apocalypse, en plus ils vous font un cours d’informatique, si 1 est égal à la vérité et 0 au mensonge, savez-vous que cela signifie que toute connaissance anthropologique ne mène à rien, que toute affirmation est basée sur l’ontologie du néant. Méfiez-vous de toutes les salades que l’on vous sert comme si elles étaient des particules de lumière. Suma istienia : (= La somme de l’existence) : une avalanche submergeante, il y a des imbéciles qui ne savent pas faire des additions, répètent ce qu’on leur a inculqué ils croient que 1 + 0 = 1 alors que 1 + 0 = 0 est tout aussi possible et davantage logique comment voulez-vous que quelque chose qui existe soit plus forte que l’incommensurabilité du néant, pensez à l’entonnoir de votre jardin. Lyrics un peu complexes si l’on y réfléchit mais la force de la démonstration finira par vous séduire et vous emporter. Afirmacja : (= Affirmation) : ce n’est pas tout, en fait il vaudrait mieux dire ce n’est pas rien, z’ont décidé de vous achever sur leur dernier morceau. Une seule affirmation : vous crèverez, vous retournerez à la terre d’où vous n’auriez jamais dû sortir. L’erreur est humaine. Non, c’est l’Humanité qui est une erreur.

         Normalement vous ne devriez pas vouloir en savoir davantage mais je vous connais : sur leur site vous avez une promo vidéo : un truc infâme et informe sont tous les quatre en train d’interpréter Sliépec. Vous avez un compteur pour que vous puissiez tenter de battre votre propre record : combien de secondes pourrais-je tenir à les regarder. Démentiel !

         Il y a quand même des sous-doués qui écrivent dans les commentaires qu’il faudrait remplacer le chanteur. Il y a des gens, vous leur montrez la lune du doigt, ils ne voient même pas leur propre doigt qu’ils ont planté dans leur propre cul.

         Quand il lance ses abominations Szkopu vous a le sourire patelin du renard qui vient de s’emparer du fromage du corbeau. Mais ce n’est pas le fromage qu’il emporte, c’est le corbeau. Le vain plumage de dieu, dixit Mallarmé.

         Z’avez aussi une deuxième vidéo Suma Istiena. Quel groupe !

         Violent et intelligent. Un alliage extrêmement rare !

         Essentiel.

         Le groupe qui nous manquait.

Damie Chad.

 

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         Un petit tour sur Western AF, pour voir les nouveautés, en dix secondes je tombe sur une vidéo d’une parfaite inconnue. Je ne peux pas faire l’impasse sur une aussi jolie fille. Si son ramage se rapporte à son plumage, elle doit être le phénix de Western AF !

KASSI VALAZZA

(Western AF / Mai 2019)

Johnny Dear : un peu de mal à reprendre mes esprits, elle ne chante pas, son père a été le premier à quitter la famille pour vagabonder au loin, elle a écrit cette chanson en se mettant à la place de sa grand-mère espérant le retour de ce fils prodigue… jusque-là tout va bien, ensuite je suis totalement perdu, ses cheveux blond discrètement roux, ses yeux limpides, son teint d’albâtre rehaussé par ses vêtements clairs, qu’est-ce qu’elle est belle et puis ce gars à ses côtés, au début je pense qu’il joue comme elle sur une acoustique, la voix de Kassi coupe le silence, au travers de son timbre ce n’est pas la beauté de son chant, c’est toute sa sensibilité qui se colle à vous, la guitare résonne étrangement, quel son, me faut un moment pour m’apercevoir qu’il joue sur une électrique, une Fender, mais le gars a tout compris, il pose des notes, il souligne, il brise les silence troublants, il accompagne, il ne s’impose jamais, la voix de Kassi vous cloque le cœur, elle a des mots simples, elle raconte le désir de cette mère qui espère que son fils reviendra un jour peut-être avec des cheveux blanchis, la neige tombe dans sa solitude. Aucun pathos, juste une émotion. Elle parle autant de sa grand-mère que d’elle-même. The rapture : c’est terrible comme cette rapture sonne comme une rupture, comment ce ravissement marque un éloignement, il semble que des années se soient passées entre les prises, elle a mûri, elle tire les leçons de ses expériences, autant Johnny Dear était à fleur de peau, ici le chant est paisible, ce qui n’empêche que la douleur soit toujours aussi douloureuse, car même lorsque les êtres habitent une même maison, ils sont séparés l’un de l’autre par des milliers de kilomètres, les rêves ne brûlent pas dans les mêmes cheminées, en filigrane c’est aussi une réflexion sur la création poétique, celle qui s’en sort et l’autre qui stagne, qu’y faire, sinon rien, d’ailleurs elle arrête de chanter, silence, sa guitare reprend, elle chantonne tout doucement comme si sa voix s’éloignait dans le vaste monde qui est aussi le lieu d’une immense solitude. Dove song : on la retrouve dans la première séance, avec son chapeau, sa Gibson acoustique et le Fenderiste à ses côtés un peu plus présent, ponctuel, car il essaie de combler le mystère de son chant, c’est d’ailleurs lui qui termine le morceau, car elle reste plantée dans la terre de son dire, de quoi parlait-elle au juste, car si les mots sont simples ils cèlent plus qu’ils ne révèlent, quelle tristesse, quel regret, quelle nostalgie, les rêves qui n’ont pas fui et qui auraient dû voler jusque-là où ils auraient dû… Que de beauté dans ces murmures à peine roucoulés par cette voix, et que d’incomplétude humaine, que de secrets gardés au travers de soi qui s’essaient en vain à voir le jour, hors de leur

tombe… Freckled and fair : avec son chapeau, sa grosse turquoise au doigt, sa guitare, dos à un large fleuve, quelque part dans le Montana. Presque rien, même pas une chanson, une improvisation, Kassi se raconte sous la forme d’une jeune appaloosa, ce n’est pas un morceau pour proclamer la beauté des animaux, c’est une manière de se décrire, son parcours, la solitude qui l’oppresse, le manque occasionné par ce qu’elle est, sa vie n’est-elle pas semblable à la piste sanglante des navajos exilés de leurs territoire… elle murmure, elle fredonne, son chant est à l’image de la rivière derrière elle qui sans bruit roule vers son destin, cette chanson comme un écrin pour contenir la tristesse du monde… Peut-être la plus belle des quatre.

         Kassi Valazza vient d’Arizona, elle a parcouru l’Amérique, Californie, New York, la Nouvelle Orleans, elle n’est pas en fuite d’elle-même, elle essaie de se retrouver au-delà d’une fissure secrète en elle-même même si elle sait qu’il est inutile de chercher à combler. Complète incomplétude.

         Deux albums chez Fluff and Gray précédé d’une cassette en public et d’un vinyle auto-réalisé. Nous reviendrons sur ces merveilles. Mais pour le moment nous préférons nous attarder sur quelques enregistrements publics.

LIVE ON KEXP FULL PERFORMANCE

(2020)

Greg Vandy lance l’émission. Nous sommes à Seatle dans le studio de Music Matters 90, 3 FM et dans le monde entier (si vous avez la matériel adéquat) dans le local de la Roadhouse.

A fine color : un batteur Ned Folkerth, un organiste Tobias Berblinger, un bassiste Lewi Longmire,  et Gary Sigler avec sa guitare supersonique, trop de monde d’après nous, jouent à merveille mais nous la préférions seule avec Sigler, comme une petite fille dans un chemisier rose, heureusement qu’elle est là, dès qu’elle pose sa voix les accompagnateurs s’évaporent, prennent une douce revanche quand elle leur laisse le champ libre, font un bruit épouvantable, c’est celui de la vie qui tourne mal, avec du sang, alors elle se tourne vers son enfance et demande à son père de lui repeindre le monde de vives couleurs. Parfois sa voix décolle, ils beau partir à la chasse aux canards sauvages, l’on s’envole avec elle et l’on passe les frontières. L’on ne sait pas lesquelles.  Like ever before : une chanson douce, elle permet d’entendre un peu mieux la Sigler guit, par contre les mots de Kassi vaudrait mieux ne pas les écouter, elle les pose avec cette délicatesse désenchantée  qui  sonne encore plus triste, comme toujours avant, oui mais comme toujours après aussi, mais l’on a l’impression que c’est surtout comme toujours pendant, les instants de bonheur passent mais Kassy durant ce vol d’oiseaux vers les cimes rêve aux jours d’hier et maudit les jours de demain, aucune insatisfaction dans ces regards janusiens, au contraire une terrible acceptance, lorsque Kassi, chante elle n’est jamais avec nous – le plus horrible c’est que nous ne sommes jamais avec elle – elle est en elle-même, immarcescible statue du songe d’elle-même soustraite à la fuite du temps, ses mots et son chant nous renvoient si fort à notre solitude que magiquement nous avons l’impression de lui ressembler. Mary : Greg Vandy pose quelques questions bateau  il ne tarit pas d’éloge sur le premier album qui vient de sortir.… une chanson lente, tranches de vie et tableaux de personnage, construite un peu à la manière de Take a walk on the wils side de Lou reed, mais ici la route n’est guère sauvage, décevante par contre, ce que l’on choisit finira par vous déplaire, elle raconte la déplorable histoire de Mary mais elle n’hésite pas à poser ses lyrics avec une voix moqueuse, bien sûr elle ne se moque pas de Mary mais d’elle-même, étrangement le band derrière ne joue pas spécialement country alors que le morceau s’y prête, notre quatuor peaufinent des tableaux d’ambiance selon les épisodes, je n’y avais jamais pensé mais je m’aperçois combien profond l’écriture de Lou  plonge dans le country. Chino : petite séquence interview Kassy chante depuis toujours, avec son père musicien, son frère, aussi dans un chœur à l’église, elle a commencé à écrire à dix ans. D’autres questions mais je ne m’attarde pas, elles cassent un peu la magie de l’émission. Une histoire dans la lignée de la précédente, plus grave car elle évoque des épisodes intimes et familiaux  à Chino (Californie). Parfois elle semble arracher les mots comme l’on extrait des perles de leurs montures non pour les casser mais pour les garder encore plus précieusement. La vie sépare les êtres qui s’aiment. Partent d’eux-mêmes. Certes l’on garde les contacts. L’on se revoit mais Kassi nous parle de l’impossibilité du retour. Nous aimerions bien, mais au fond de nous l’on sait bien que l’on ne reviendra pas. L’on fera juste semblant. Aucune amertume. Juste la réalité de nos volontés et de nos gestes.

         L’orchestre tisse un merveilleux cocon pour les textes de Kassi. Parfois ils donnent l’impression qu’ils ne savent pas s’il en sortira de la boule cotoneuse un magnifique papillon bleu, ou une araignée vorace. C’est qu’ils jouent au plus près des textes de Kassi. J’aurais préféré qu’elle les chante en duo avec Gary Sigler.

OURVINYL SESSIONS

(2021)

Parfois il suffit de demander, les voici Kassi et Gary, tous deux dans un cercle de spotlight, sur le côté, à droite, un opérateur manipule avec précaution des feuilles translucides plus ou moins colorées, ce sont des caches qui modifient la couleur du halo de lumière dans lesquels nos deux interprètes officient. Parfois la caméra s’attarde sur leurs ombres derrière eux.

Cayuse : du tout doux, Garry pose ses spots notiques qui semblent s’évanouir dans la noirceur des choses révolues, Kassi pose ses mots, sans émotion comme l’on dépose sa poubelle le soir devant chez soi, sans y penser vraiment, elle conte une histoire même pas triste qui vous tord le cœur, l’homme qu’elle aime qu’elle confond avec un cheval sauvage, mais comme tous les étalons sauvages il a besoin de liberté, alors elle lui ouvre la porte du corral et le laisse partir, sans regret, avec peine et chagrin, mais c’est ainsi, c’est normal, c’est la logique de la vie, sa force secrète c’est de ne pas s’y opposer, laisser faire la sauvagerie qui l’habite, qui nous habite tous… aucun pathos, aucun trémolo, une espèce de stoïcisme, elle ne dit rien, elle n’explique rien, elle chante pour elle, et nous pensons que nous n’avions que très rarement connu de tels exemples. Superbe cruauté. La poésie est un couteau tranchant. Une arme blanche. Et noire.  Moon blue : la voix est davantage assurée, une ballerine qui danse sur un fil sans avoir peur de tomber, peut-être parce qu’elle est chargée de mélancolie, pourtant la catastrophe n’est pas encore achevée, mais où sommes-nous, dans un rêve ou dans un cauchemar, la différence entre les deux n’est pas si grande, il est inutile de s’inquiéter, la voix s’alentit, Garry lâche sa guitare et caresse un mini clavier posé à terre, veut-il donner la subtile impression que l’on n’est plus sur la terre, que l’on vole vers la lune bleue ou que l’on tournoie comme un vol noir de corbeaux dans sa propre pensée. Rien n’aura eu lieu, mais tout est déjà consommé. Consumé. La voix comme un nuage de cendres qui se dépose sur un passé immédiat.t Tristesse du futur qui inexorablement se mue en futur passé. Bo and I : pas d’erreur, il ne s’agit pas de Bo Diddley ! En tout cas la guitare de Gary résonne plus fort. La voix de Kassi est assurée. C’est l’instant de la Kassure, elle dit son fait à ce malheureux Bo qui ferait tout pour la garder près de lui. Elle n’est pas cruelle, elle ne se moque pas. Nous sommes comme nous sommes. Elle, elle ne le dit pas d’une manière tonitruante comme Victor Hugo, mais elle est une force qui va. Son chemin. C’est bête, c’est grave, pauvre Bo, elle n’y peut rien, elle ne veut pas le voir pleurer. Elle parle presque comme si elle voulait consoler un enfant. Elle a le calme de l’eau dormante. Mais elle est forte. Plus forte que lui. Elle ne le lui dit pas. Délicatesse innée de celle qui sait que l’on ne peut se battre contre le temps qui passe. Tristesse infinie mais qui ne la détruit pas.

         Ces OurVinyl Sessions sont bien plus réussies que les précédentes. La mise en scène plus ou moins discutable préserve l’essentiel : Kassie Lavazza. Son monde, sa poésie. Comment avec peu de mots, elle exprime  une vision du monde déprimante qu’elle assume sans se plaindre. Parce qu’elle sait que c’est la sienne et qu’elle se doit de la vivre comme elle l’a déjà vécue et comme elle la vivra encore. Elle ne dit pas que c’est la meilleure ou la pire qui puisse exister. C’est la sienne. Uniquement Kassi Lavazza. Sans forfanterie. Sans pleurs. Une artiste. Au sens premier de ce mot. Quelqu’un qui œuvre sur la seule matière qui soit digne de réflexion, d’effort, de courage. Soi-même.

         Une rencontre. Kassi Valazza.

         Ne craignez rien, elle vous renverra à vous-même.

Damie Chad.

        

 

CHRONIQUES DE POURPRE 719: KR'TNT ! 719 : GENE VINCENT / LORD ROCHESTER / APOLLAS / SEARCH RESULTS / JOEY RAMONE / VERMINTHRONE / SMOKE RITES

KR’TNT ! 

KEEP ROCKIN’ TIL NEXT TIME

LIVRAISON 719

A ROCKLIT PRODUCTION

SINCE 2009

FB : KR’TNT KR’TNT

15 / 01 / 2026

 

 

GENE VINCENT / LORD ROCHESTER

APOLLAS /  SEARCH RESULTS / JOEY RAMONE

VERMINTHRONE / SMOKE RITES

 

 

Sur ce site : livraisons 318 – 719

Livraisons 01 – 317 avec images + 318 – 539 sans images sur :

http ://kr’tnt.hautetfort.com/

 

 

The One-offs

 - Martini Gene

         En anglais, Gene se prononce ‘Gin’. À la fin de sa vie, Gene Vincent sifflait trois bouteilles de Martini par jour. D’où Martini Gin.

         Passons aux choses sérieuses. Quand on jouait au jeu de l’île déserte - Quel disque emporterais-tu sur l’île déserte ? - la réponse a toujours été la même : «Bird Doggin’». C’est lui et pas un autre.

         Quand on a cet EP dans les pattes à l’adolescence, on est marqué à vie.

         Un jour, tu entres chez le petit disquaire situé en face des Galeries Lafayette. Il s’appelle Buis. Il te connaît bien et il te fait le coup à chaque fois : «‘Coute ça !». Il pose le 45 tours sur sa platine. Cling-cling-cling-cling et des coups d’harp... Tu vois la pochette. C’est Gene Vincent devant un mur de briques, au crépuscule. Il est déjà l’égal d’un dieu dans ta mythologie naissante. Mais là, tu sens qu’il se passe autre chose. Cling-cling-cling-cling ! Ça te dépasse. Dès les premières notes, un climat spécial s’installe. Cling-cling-cling-cling ! Tu sens ta vie basculer. Tu sens une menace diffuse. Tu ressens un plaisir malsain jusque-là inconnu. Ce démon fait de toi sa chose. Bird Doggin’ entre sous ta peau et n’en ressortira jamais. Tu lui appartiens. Et puis soudain, le solo de guitare t’affole les compteurs. T’es en transe. La virulence du gratté de notes te coupe le souffle. T’as des vapeurs. Alors que pour finir, le guitariste attaque un deuxième solo, tu demandes le prix. Y vaut combien ? Le mec de Buis éclate d’un rire bizarre :

         — Donne-moi ton âme et je te donne «Bird Doggin’» en échange...

         Marché conclu. Bonne affaire. Rien à foutre de ton âme, t’as «Bird Doggin’». Tu t’en nourris, la diction est si pure que tu déchiffres aussitôt les paroles - All these sleepless nights/ I’m so tired of/ I’ve got to find some/ Sweet little thing to love - son sleepless nights éclate si bien, et ça continue - To put my arms around/ And hold oh-oh so tight/ Well I know I just can’t last/ Another night - oh ce so tight, comme il résonne en toi ! Tu ressens alors une extraordinaire fierté à être damné pour l’éternité !

         Il fallait un écrin pour «Bird Doggin’». Le destin allait en fournir un quelques années plus tard. Un copain appelle pour dire qu’il vient de dénicher deux juke-boxes dans l’entrepôt d’un broc. On y va et on tombe sur deux gros jukes Balami, un rouge et un bleu clair. Il prend le bleu et me laisse le rouge. Ces gros jukes en bois étaient magnifiques et avaient un son absolument monstrueux. On y installait quarante 45 tours et on y glissait une pièce pour sélectionner un titre. Dans le Balami, «Bird Doggin’» grondait comme le dragon d’Uther Pendragon. Le plancher vibrait. Des amis venaient à la maison pour entendre «Bird Doggin’». Gene Vincent régnait sans partage sur toutes ces ouailles.

         Le destin allait à nouveau frapper : lors d’une petite fête, des amis amenèrent un ami à eux. Ce petit mec d’aspect repoussant avait trois particularités : un, il était portugais, deux, il était collectionneur, et trois c’était le pire baratineur de l’univers connu des hommes. Alors évidement, quand il a entendu «Bird Doggin’», il s’est mis en branle. Une vraie machine. L’horreur ! Chez lui ça devenait une obsession comme ça l’avait été pour moi, mais en mille fois pire. Ce maudit con ne lâchait pas prise, il voulait «Bird Doggin’», il est revenu cent fois à la charge, et pour ne plus le voir baver, on a fini par céder. En échange, il proposa des 45 tours qu’il qualifiait d’extrêmement rares et dont on a, comme de son nom, chassé le souvenir. Mais on frissonne encore de dégoût au souvenir de cet épisode épouvantable. Une malédiction peut en générer une autre.

         Les années ont passé et d’autres obsessions sont venues, comme la cendre, couvrir la braise. Mais l’envie de revivre la malédiction originelle restait la plus forte. Alors on gardait un œil sur la page Discogs du «Bird Doggin’» paru sur London en 1966, mais aucun des rares exemplaires accessibles ne descendait en dessous de la barre des 100 euros. Fuck ! Tous ces mecs spéculaient sur le cadavre d’un dieu ! T’en avais même un qui vendait un exemplaire cassé. La traque a duré quelques années, et puis par miracle, un exemplaire en bon état s’est affiché au prix de 80 euros. Banco ! 

         Le simple geste de poser le 45 tours sur la platine avait quelque chose de sacré. Depuis l’écoute originelle chez Buis, rien n’avait changé : le satanisme frénétique de Gene Vincent était resté absolument intact. Tu mets le volume à fond et tu replonges dans tes chères ténèbres.

Signé : Cazengler, strata-Gene

Gene Vincent. Bird Doggin’. London Records 1966

Ce texte est dédié à Damie Chad, fan de Gene Vincent.

Épilogue : personne n’a jamais su dire qui prenait le solo de guitare sur «Bird Doggin’». La question fut posée à un célèbre érudit du rockab qui répondit : Dave Burgess, le guitariste des Champs. Faux. Enquête dans les archives de Challenge (sessiondays.com) : on a le choix entre trois noms : Al Casey, Glen Campbell, et le plus probable, Louie Shelton. Chacun arrangera sa sauce. 

 

 

GENE VINCENT

CRAZY TIMES

TOME I : 50s

THIERRY LIESENFELD & GARRETT McLEAN

(Saphyr / Novembre 2025)

         La France a toujours aimé Gene Vincent. Ce livre monumental en est la preuve. Etrange et incompréhensible phénomène, comment la figure mythique de Gene Vincent s’est-elle implantée chez nous à la fin des années cinquante et au début des sixties. Il n’était pas évident d’accéder aux enregistrements et l’immense majorité de ceux qui se sont reconnus en lui ne baragouinaient que quelques mots de mauvais anglais… J’aurais tendance à dire que l’on ne l’a pas connu mais que nous l’avons ressenti. Une aura, une présence, une image, un personnage, quelque chose qui cristallisait en vous la lumière noire de mille facettes de cette espèce de diamant qui s’implantait en votre âme, elle s’est mise à irradier tous les actes et toutes les affres de votre existence, un prisme étranger qui a colonisé notre esprit. Puissance et magie du rock’n’roll. Tout nous fut donné en bloc. Brut de choc. Un antre d’anthracite enté en nous dont nous sommes hantés pour toujours.

         Au fil des années l’on a récupéré des disques, des photos, des dates, des témoignages, des images, des vidéos, des livres, étrangement l’on s’est aperçu que plus on connaissait, moins on comprenait. Certes l’on avait réussi à retracer la courbe de la trajectoire de cette destinée exceptionnelle. Certes toute destinée, même la plus plate, la plus commune, rapportée au niveau d’un individu est exceptionnelle, encore faut-il entrevoir le mécanisme qui a permis la logique de son déroulement. Le point de chute nous le connaissons, il ne réside pas en les circonstances de sa disparition, puisqu’il est en nous, aérolithe inamovible fiché en nous, telle une semence germinatrice et phagocytante…

         Nous connaissons le début et la fin de l’histoire, par ce livre prodigieux Thierry Liesenfeld et Garrett McLean nous dévoilent non pas le récit de  cette vie, même s’ils apportent mille détails, même s’ils  la cernent au plus près, les faits, les noms, les dates, les anecdotes, à foison bien sûr, mais avant tout ils offrent une analyse qui permette d’évaluer, de comprendre, de prendre conscience de ce qu’elle signifie. Ce qui est intrinsèque à elle-même, et ce qui lui est extrinsèque aux autres et à nous. En d’autres termes, ce qui lui appartient en  propre et ce qui nous appartient à nous.

         C’est un volume volumineux. Exaltant. Qui exige trois lectures, une pour le texte, une pour les documents iconographiques, une pour les documents d’époque (publicités, contrats, coupures de journaux) rédigés en anglais. Pour cette chronique nous nous focaliserons principalement sur le texte. Il ne possède qu’un défaut, celui de ne pas être livré avec le Tome II !

         Le volume a adopté l’ordre chronologique, quelques pages sur les origines, Gene n’est pas né avec a golden spoonfull in the mouth, on s’en doute, ensuite les années se succèdent, 1956, 57, 58, 59, mais nous commencerons par l’ultime section consacrée aux indispensables protagonistes : les Blue Caps : les membres fondateurs, les nouvelles recrues, les oiseaux de passage… les deux pages consacrées à Cliff Gallup nous semblent résumer et subsumer le contenu du livre. Que Cliff Gallup n’ait pas aimé le tsunami des premières tournées est compréhensible. Qu’il ait eu envie de retourner à une vie paisible, qu’il n’ait pas souhaité devenir une rock’n’roll guitar star, nous pouvons le comprendre.  Mais il reste un mystère Gallup. Cela doit faire quelques années nous avons chroniqué sur ce blogue un des très rares enregistrements de Cliff réalisés après sa période Blue Caps. Nous ne nous attendions pas à du rock’n’roll, mais quelle déception ! Un truc que n’importe quel guitariste, nous osons à peine rajouter l’expression ‘’pas très doué’’, sans doute un tantinet exagérée, mais elle reste à la mesure de ma  surprise. C’est peut-être une des seules énigmes qui m’ait parfois réveillé la nuit. Comment un gars qui en trente-cinq morceaux enregistrés avec Gene, passe encore aujourd’hui pour l’un des fondateurs  de la guitare rock ait pu ensuite se satisfaire d’un jeu qu’il faut bien qualifier de médiocre ? La démo de Be Bop A Lulla qui fut envoyée à Ken Nelson ne nous est pas parvenue. Tout ce que l’on sait c’est qu’elle était très différente, très country and western, de l’enregistrement final réalisé en studio. La voix – en fait, il est né avec a very golden spoonful in the mouth - de Gene a dû faire la différence et susciter l’attention de Capitol. Bref, Cliff s’assied pépère dans le studio, et vous pond un son qui confine au génie. Extraterrestre. Ce n’est pas un coup de chance, ni un caprice du hasard, sur tous ces titres des Blue Caps enregistrés Cliff impose sa marque. Il ne joue pas : il crée du neuf, du nouveau dirait Rimbaud.

         Nos deux auteurs proposent une explication : la voici exposée sous une forme simpliste qui pourrait paraître, ce qu’elle n’est pas, bébête : élémentaire cher Chad, Cliff s’est surpassé. Mais tout de suite après ils expliquent : Cliff s’est magnifié, survolté – la moindre des choses pour un guitariste électrique – par la tension qui régnait dans le groupe. L’a été poussé au cul par l’ambiance qui régnait… Quatre musiciens et un chanteur, du jour au lendemain propulsés au statut de vedettes. Faut assurer. Faut se montrer digne. Faut improviser. Faut monter une tournée. Avaler des milliers de kilomètres. Jouer devant un public impatient qui les attend. Et bientôt par une réputation qui les précède… Avant tout tenir le challenge. Lancer toutes ses forces dans la première bataille.

         Vous voulez bien l’admettre, sans doute n’êtes-vous pas tout à fait convaincus, c’est parce que vous n’avez pas encore lu les quatre premières parties du bouquin. Et que nous n’avons pas encore parlé de Gene Vincent.

         L’année 1956 passe comme un éclair. Pas le temps pour Gene de réfléchir. Fonce dans le brouillard les yeux dans les spotlights de la gloire, matière particulièrement fugace. Gene se montre tell qu’il est. Tel qu’il était avant que le cirque ne commence. Or avant qu’elle ne commence l’histoire avait très mal débuté. Un stupide accident de moto. Il n’en est en rien responsable. Il en paiera les pots (d’échappement) cassés toute sa vie. Il monte sur scène la jambe dans le plâtre. Les médecins avaient préconisé un repos absolu. Sur les estrades, il assure follement. Il le paiera très cher mais l’orchestre galvanisé par l’exemple se donne à fond. Une unijambiste ouvre le bal ! Qui résisterait à un tel héroïsme. Pas les filles en tout cas. De quoi  tourner la tête d’un jeune homme pauvre.  D’autant plus que l’argent tombe à flot. Gene le généreux dépense sans compter…

         Le réveil est brutal. Une jambe douloureuse, les trois-quarts des Blue Caps qui retournent à leur maison… Cliff Gallup n’est plus là, allez chercher un remplaçant. Gene ne se lamente point. Il fonce. Il a un nouveau guitariste Johnny Meeks qui avoue qu’il ne sait pas jouer aussi bien que Cliff. Là n’est pas le problème, pour Gene ce ne sont pas les Blue Caps qui doivent s’adapter au rock’n’roll tout juste sorti de l’œuf, mais le rock’n’roll qui doit s’adapter aux Blue Caps. Meeks aura carte libre. Il saura faire son gros trou dans le fromage. Sur  scène Gene sera accompagné par les Clapper Boys qui assureront chœurs et gesticulations, je préfère ce terme à celui de danse, disons une espèce de mime et de pantomime fredonnée, exit la contrebasse, une basse électrique donnera davantage d’épaisseur au son… Une intuition de génie, il a la prescience que le rock’n’roll sera une musique en sempiternelle évolution. Le rock’n’roll brûlera tous ses modèles, tous ses paterns, un phénix qui renaîtra toujours de ses cendres. L’évolution du rock lui donnera raison.

         1957 sera l’année kaotique au sens grec de cette notion, celui d’une énergie difficilement maîtrisable. Sur scène, c’est un peu la nef des fous. La jambe de plus en plus douloureuse mais un jeu de scène dévastateur. Le nouvel équipage est encore plus jeune que le précédent. Alcools et amusements à tous les étages. Les cris des filles préfigureront ceux qui accompagneront plus tard les Beatles. Comme les rockstars des années seventies ils saccagent les chambres d’hôtel… Le rock’n’roll dans tous ses états…

         Gene et ses Blue Caps maîtrisent les concerts. Gene ne voit pas plus loin que la scène, les nouveaux disques ne marchent pas, Gene refuse de faire le service auprès des disc-jockeys qui vexés ne  passent pas ses disques. Par contre les impôts n’oublient pas de majorer les amendes impayées…

         Gene brûle sa vie comme on pique un chien écrira Eddy Mitchell dans un morceau hommagial… Belle formule d’une vie rock’n’roll qui fait du hors-piste son art de vivre. Je ne continue pas à raconter pas la suite, sous cette forme de résumé squelettique, ce qui compte ce sont les faits et les actes tels que les rapportent Thierry Liesenfeld et Garrett McLean, nous avons là un livre qui touche à l’essence du rock’n’roll, ceux qui aiment Gene apprendront tous ces petits détails dont l’apparente insignifiance peut modifier bien des perspectives. Ce que les fans ont pressenti d’instinct quant à la personnalité de Gene Vincent et de l’importance de sa participation à la séminale élaboration  du rock’n’roll, ce livre le révèle avec brio. Ils nous présentent aussi tout autant la modernité séparative post-rockabyllienne du rock’n’roll que la préservation de sa spécificité intrinsèque.

          Un livre fondateur. Indispensable.

Damie Chad.

Thierry Liesenfeld et Garrett McLean ne sont pas des inconnus pour les lecteurs de Kr’tnt ! :

Le premier : dès notre numéro 13 du 05 / 12 / 2009 avec : THE STORY BEHIND HIS SONGS. THIERRY LIESENFELD. 592 pp. Septembre 1992.Bue Gene Bop.

Le deuxième : dès notre numéro 15 du 15 / 06 / 2010 avec : GENE VINCENT GLOIRE ET TRIBULATIONS D'UN ROCKER EN FRANCE (ET DANS LES PAYS FRANCOPHONES). GARRETT McLEAN. 276 pp. 30 / 30 cm. ISBN : 978-2-7466-2075-9

 

*

L’avenir du rock

 - My Sweet Lord

 (Part Two)

 

         Comme chaque mardi, l’avenir du rock réunit ses amis Cymbalistes du Cercle des Pouets Disparus en son salon de la rue de Rome. Ils ont élu le ‘si-t-étais’ thème de la soirée. Paimpol Roux se jette à l’eau :

         — Si t’étais Reine d’Angleterre, avenir du rock, quelle serait la première mesure que tu prendrais ?

         L’avenir du rock ne s’attendait pas à ce qu’on lui décoche une telle question. Il réfléchit un long moment et déclare :

         — Tu me poses une colle chic singulièrement toxique, cher Paimpol Roux, aussi vais-je tenter de satisfaire ta curiosité. Je commencerais par réunir les Lords à la Chambre des Lords, et tu sais pourquoi ?  

         — L’impatience me brûle de t’entendre divulguer tes lumières...

         — Je réunissais tous les Lords pour donner au royaume l’éclat d’une nouvelle Olympe ! Son rayonnement s’étendrait du couchant jusqu’au levant et j’élèverais ainsi les Lords au rang de demi-dieux, puisqu’ils sont hélas humains ! Voyez-vous, mes amis, ce serait un jeu d’enfant ! Lord Sutch viendrait s’agenouiller à mes pieds et je le ferais demi-dieu de l’étripage de Whitechapel, puis ce serait au tour des Lords Of The New Church et je les ferais tous les quatre demi-dieux de la roulette russe, clic, clic clic clic, puis viendrait le tour des Cramps dont vous connaissez bien sûr l’éponyme Songs The Lord Taught Us, à votre avis, de quoi le ferais-je demi-dieux ?

         — De l’enseignement des connaissances ?

         — Bravo cher Tristan Corbillard ! Et puis viendrait le tour de Sir Lord Baltimore que j’élèverais au rang de demi-dieux du more and more, viendrait ensuite le tour des Lord High Fixers que j’élèverais au rang de demi-dieux de la colle Uhu, voyez-vous, les possibilités sont infinies. Ah, j’allais oublier les Lords Of Altamont, eh bien figurez-vous qu’ils deviendraient les demi-dieux du monte-là-dessus & tu-verras-Montmartre ! N’oublions pas les plus importants, Lord Rochester. Que proposeriez-vous, chers amis ?

         — Demi-dieux de l’esternité !

         — Ah bravo, cher Perrill En-la-demeure, cher soleil qui nous aveugle !

 

         Le nouvel album de Lord Rochester serait-il destiné à entrer dans la légende ? De toute évidence. Tu commences par lire au dos de Mess Around qu’il est «dedicated to Brian James». Puis tu tombes en arrêt devant le génie du morceau titre : real British Beat ! On en attendait pas moins de Russ Wilkins. Il pose ensuite la bonne

 question : «Does Your Oyster Have A Pearl» ? Joli boogaloo huîtreux traîné sous le boisseau. Vient le temps des hommages, à commence par Bo, avec «Don’t Drink That Vinegar», bien lourd de sens, puis en ouverture de la B, t’as ce puissant «Way-O», un shoot de pur Bo jive ! Ils renouent avec les racines primitives et ça fait chaud au cœur. On entend plus loin des échos de Stonesy dans «Take Me To Your Leader». Ils y renouent aussi avec la liberté sonique du Len Bright Combo. Et ils basculent littéralement dans les Cramps avec «Transcontinental». Te voilà sérieusement bluffé. Fantastique hommage aux Cramps ! T’as la filiation la plus pure qui soit : Cramps-Bo-Stonesy-Brian James. Quoi de plus aristocratique ?

Signé : Cazengler, Lord Terre-à-terre

Lord Rochester. Mess Around. Folc Records 2025

 

 

Inside the goldmine

 - Les Apollas se posent là

         Petite, brune et sensible, Baby Paulette ne laissait pas indifférent. Ses parents lui avaient choisi un prénom un peu trop rétro, et elle passa toute sa vie à compenser par son charme l’handicap de ce prénom qui passait pour ringard aux yeux de la plupart des mecs qu’elle fréquentait. On voyait pourtant des prénoms populaires au XIXe refaire surface, comme par exemple Léon ou Amédée, mais certainement pas Paulette ou Georgette. Alors pour combattre l’idée même de ringardise que pouvait véhiculer son prénom, Paulette commença très jeune par s’immerger dans le monde littéraire des femmes de l’Avant-Siècle, elle se passionna notamment pour Colette, avec et sans Willy, puis pour Natalie Clifford Barney, qu’elle fréquenta par le biais de recueils de mémoires, et elle s’enflamma littéralement pour Gertrud Stein et Alice B Toklas, ces deux riches collectionneuses américaines qui devinent les arbitres des élégances intellectuelles du Paris de l’entre-deux guerres, et de là, elle remonta encore jusqu’à Djuna Barnes, la grande amie de James Joyce, jusqu’à Mina Loy qui fut l’amante d’Arthur Cravan, et jusqu’à Isodora Duncan, grande prêtresse de la liberté d’expression. Mais bien sûr, cette culture qui n’était pas un vernis ne fit qu’aggraver les choses, et si elle avait le malheur de brancher ses amis sur Gertrud Stein lors de l’apéro, il se mettait à pleuvoir des vannes du genre «Gertrude l’aime bien rude !», ou encore «Paulette aime les paupiettes», alors elle prenait sur elle, masquait le mieux possible le dégoût qu’elle éprouvait pour ces gens qu’elle considérait comme des amis et qui en réalité ne cherchaient même pas à la baiser, parce qu’ils la considéraient comme ringarde, alors qu’elle était tout le contraire ! Pas facile de vaincre les a priori. Pas facile de faire la cour à une petite brune sensible qui porte un prénom de vieille grand-mère. Comme les hommes peuvent être cons !  

 

         Si certains en veulent à Paulette, personne n’en veut aux Apollas. 

         Encore un trio de blackettes surdouées : après les Mirettes et les Minits, voilà les Apollas. On les croise comme toutes les reines de Saba sur les grandes compiles Northern Soul. Elles n’étaient pas assez grosses commercialement pour passer la rampe, alors elles sont restées dans l’underground, mais de façon prodigieuse. Comme d’habitude, c’est Ace/Kent qui fait tout le boulot, avec une compile dynamite qui s’intitule Absolutely Right - The Complete Tiger, Loma And Warner Bros Records. 

         Cette fois, c’est Alec Palao qui s’y colle. Toujours la même histoire : un collective backing in gospel, et pour le bread and butter, les clubs, partout dans le monde. Ella Jamerson et Leola Jiles sont les founding memberettes des Apollas. Elles démarrent tôt, dans les early sixties, sous le nom de Lovejoys, puis se rebaptisent Apollas. Elles finissent pat intéresser les gros labels, elles ont le choix entre Warners et Motown. Comme elles savent qu’on va les mettre au placard chez Motown, elles optent pour Warners et se retrouvent sur Loma, un sous-label de Warners spécialisé dans le r’n’b, et on leur attribue Dick Glasser comme A&R. Et boom, elles démarrent avec un «Lock Me In Your Heart» signé Ashford & Simpson. Elles lui claquent le beignet vite fait, avec tout l’à-propos du monde. Les Apollas disposent de ce génie bien ramassé qui fait les rafleurs et les rafleuses de mises. L’A-side du single, c’est l’«Absolutely Right» qui donne son titre à cette compile dynamite. C’est dur à dire, mais les Apollas battent largement les Supremes à la course. Tu te soûles de leur petit lard sucré et black. Là-dedans, t’as tout ce que tu aimes : le girl power, le Black Power, le power tout court et le Motown sound. En 1965, Ella et Leola recrutent Billie Barnum, la frangine du grand H.B. Barnum. Boom encore avec «Sorry Mama» signé Billy Vera, fast power de r’n’b de Brill. Dick Glasser booste sa chouchoute : «C’mon Leola, let me hear it!», eh oui c’est Leopla Jiles qui shoute ce smash. Et pouf, elles partent en tournée avec les Monkees. Palao s’extasie encore de «Who Would Want Me Now» paru en 1967, Leola fout le paquet, elle jette son froti frotah par-dessus les toits, elle monte aussi haut que le font Sharon Tandy, Dusty chérie et Lorraine Ellison. C’est la nouvelle recrue Joann Forks qui prend le lead sur «Seven Days», et ce n’est plus pareil, même si ça reste extraordinaire de lonely lonely. La petite nouvelle chante à la force du poignet. C’est Leola qui chante la B-side, «Open The Door Fool», et elle ramène tout le chien de sa chienne. Coup de génie encore avec «See The Silver Moon», drivé au heavy Motown Sound, mais en plus déterminant, comme si c’était possible, c’est fin et fuselé, pulsé des reins, elles y vont au silver moon de petit sucre, et là t’es baisé, hooked comme disent les Anglais, tu te retrouves avec tout le Motown groove périclité. Elles chantent encore «All Sold Out» à outrance et tapent «Wait Round The Corner» au groove de gospel ouh-ouh, avec des chiens qui sortent du cimetière. Leola grimpe là-haut pour «I’ve Got So Used To Loving You», elles font du Brill avec «Mr. Creator» (Ashford & Simpson) et «He Ain’t No Angel (Ellie Greenwich). On les entend déconner au début de la prise de «Jive Cat», mais elles partent au quart de tour. Elles tapent aussi dans Barry White avec «I’m Under The Influence Of Love», c’est autre chose, là tu entres entre les cuisses de something special, c’est bien jouissif, joli pounding. La grande Leola explose «Insult To Injury» avec l’aplomb de Dionne la lionne, elle te croque la Soul au plus haut niveau, elle rugit comme Dionne. Incredible ! Leola superstar ! Encore un coup de Trafalgar avec «Baby I’ll Come», elle grimpe si haut qu’on s’en effare, elle tape l’high scream d’excelsior parégorique, Leola est une reine. Encore de l’heavy Soul de proximité avec «It’s Mighty Nice», mélange extravagant de Soul, de gospel et de doo-wop de mighty nice. Elle te braille my man makes me happy dans les oreilles, alors tu la crois, les Apollas montent le gospel de doo-wop à l’extrême pointe du lard. Encore un extraordinaire travail de sape avec «My Soul Concerto» et cette compile dynamite s’achève avec «Why Was I Born», Leola l’attaque au plafond, elle descend parmi les hommes chanter sa romance, what can I hope for/ I wish I knew, elle écrase sa syllabe au plafond, et comme c’est une bombe, «Why Was I Born» explose.  

         Puis quand leur contrat avec Warners prend fin, elles font le tour du monde et vont se produire dans les clubs en Asie : Japon, Thaïlande, mais aussi Australie et Nouvelle Zélande, nous dit Leola. Puis en 1973, Dick Glasser tente de lancer Leola en solo. Quand Jean Terrell quitte les Supremes, Leola postule pour le job. Mary Wilson la trouve superbe, mais Dick Glasser met le pied dans la porte et fait tout foirer. Il ne veut pas perdre sa poule aux œufs d’or.      

Signé : Cazengler, Apostat

The Apollas. Absolutely Right. The Complete Tiger, Loma And Warner Bros Records. Kent Soul 2012

 

 

L’avenir du rock

 - Search (& destroy) Results

 

         Ça faisait une éternité que l’avenir du rock n’était pas allé faire un tour sur la plage du débarquement.

         — Il est grand temps d’aller rendre visite à ce vieil épouvantail de général Mitchoum !, lance-t-il d’un ton jovial.

         Il arrive et trouve Mitchoum à l’endroit habituel, planqué derrière un bloc de béton, et coiffé de son casque rouillé. Ça fait 80 ans qu’il se planque là, à l’abri des mitrailleuses allemandes qui sont pourtant parties depuis longtemps. Il attend toujours les renforts du 28e aéroporté. 

         Cette fois, ce débris de Mitchoum est à quatre pattes.

         — Vous cherchez quelque chose, général Mitchoum ?

         — Shut the fuck off, sale boche !

         Bon ça commence mal.

         — Si vous voulez, général, je peux vous prêter mes lunettes...

         — Carre-les toi dans l’ass, bloody sucker !

         — Si vous me dites ce que vous cherchez, je pourrai peut-être vous aider...

         Mitchoum ne répond pas. Il circule à quatre pattes en terrain miné : comme il a chié partout, alors le secteur est risqué. L’avenir du rock tente une dernière fois sa chance :

         — Regardez général, je vous amené un pack d’eau minérale et un casse-croûte saumon mayo, vous allez vous régaler... 

         — Pose tout ça sur la table, sucker.

         Évidemment il n’y a pas de table.

         — Vous cherchez quoi, général ? Des ennuis ? L’aiguille dans la botte de foin ? La petite bête ? Des noises à la noise ?

         — Results, sucker !

         — Ah, Search Results ? Alors là bravo !

 

         Eh oui, il a raison  le vieux crabe ! Search Results vaut vraiment le coup ! Ce trio irlandais sans prétention fait mine de rien son petit bonhomme de chemin. Oh il suffit de pas grand-chose, une première partie de concert et un simple album, et tu te retrouves une fois de plus avec une raison d’espérer. L’avenir du rock ne vit que de

ça. Le petit batteur s’appelle Jack Condon et le petit guitar slinger de haut vol s’appelle Fionn Brennan. Ils sont accompagnés par un petit pote bassman qui prend bien son pied sur scène. Les deux Search de base sont magnifiquement doués, ils font plaisir à voir, Jack Condon bat un bon beurre mais il n’est pas manchot pour chanter, quant à son collègue Fionn, il cumule lui aussi les fonctions. Ils tapent en plus dans des tas de registres, t’as un peu de Post, mais t’as aussi du Velvet, de la wild pop, de l’Irish rock, des virées insalubres dans le Sonic Boom, et des jolis quarts d’heures de folie, ils savent glisser dans un cratère et surfer sur un fleuve de lave, ils ont ce genre de souplesse, et même d’expertise. Tu t’attends à ce qu’ils se vautrent ou qu’ils s’essoufflent, tu crois qu’ils vont finir par tourner en rond ou par décliner, eh

bien non, ils persévèrent et ils récidivent, ils s’obstinent et ils mettent les bouchées doubles, ils s’acharnent et ils s’entêtent, ils poussent le bouchon et donnent des suites à leurs idées, ils s’opiniâtrent et tiennent bon la rampe, ils font vraiment plaisir à voir, ils t’inspirent confiance et passé le cap des premiers cuts, tu prends ta carte au parti. Et même deux cartes. T’exulte. Ils semblent dotés de toutes les facultés, et tu finis par ne plus t’inquiéter pour leur avenir. Tu les observes de plus en plus, tu scrutes les moindres détails. Fionn porte une petite moustache et gratte sa Jag blanche avec un beau dévolu. Oh il casse une corde. Pas grave, il va chercher une vieille Tele et ça repart de plus belle pour de nouvelles aventures.

         Mais quand tu sors de la salle après le set des Boos, leur merch n’est plus là. Fuck ! Alors il te reste le bandcamp. Et tu vas bandcamper l’album. Il s’appelle Go Mutant. T’y retrouves l’énergie scénique du groupe, ce fast ventre-à-terre d’Irish freakout («I Was A Teenage Girlfriend»). Ça se cale bien dans ton oreille. Avec l’expérience, on a appris à se méfier des groupes inconnus qui sont bons sur scène, mais en studio, ils peuvent décevoir. Ils font un «Mountaintop» très processionnaire, qui sonne comme une idée de cut mise en pratique. Et puis tu retrouves le «Wrinkle» du set, un cut bien décidé à en découdre, monté sur un heavy beat qui rappelle The Fall. Glorieux, très Irish, sonne comme un hit. En ouverture de la B, tu retrouves le techno-cut, «Too Much Time». Ils piquent une belle crise et finissent en mode tempête d’apocalypse. Mais ils ont aussi des cuts hirsutes  qui sonnent comme du filler. Et voilà l’hit de l’album : «Amaray», un cut bourré de climats paisibles, de touches bouleversantes et de poussées de fièvre. Ils ont suffisamment de personnalité pour échapper aux vilaines comparaisons. «I Come Out At Night» qui fut l’un des moments forts du set s’achève en belle apothéose.

Signé : Cazengler, Search Rebut

Search Results. Le 106. Rouen (76). 30 octobre 2025

Search Results. Go Mutant. SR Records 2025

 

 

Wizards & True Stars

- Les Ramones la ramènent

(Part Five)

 

         Il se pourrait bien que le Don’t Worry About Me de Joey Ramone soit l’un des plus beaux albums de rock du XXIe siècle. Pourquoi ? Parce «Wonderful World» et l’opulente cocote de génie sonique de Daniel Rey, et l’extrême qualité de tout le sugar spirit de Joey, pur sonic wash-out ! Parce que «Stop Thinking About It» et Daniel

 Rey qui n’en finit plus de monter au créneau. Parce que «Maria Bartiromo» et ce dingue de Daniel Rey qui injecte des tonnes d’electrak dans le rock de Joey, alors ça bouillonne au firmament. Parce que «Spirit In My House» et la violence du riffing, encore pire que celle de Johnny Ramone. Daniel Rey explose Wayne Kramer, il joue à outrance, il te cloue au mur. Parce que «Like A Drug I Never Did Before» et ses guitares Dollsy. Parce qu’«I Got Knocked Down (But I’ll Get Up)» et sa cocote du diable. Joey se situe dans le plus pur esprit rock, bien aidé par ce démon de Daniel Rey. Rien d’aussi powerful que cette accumulation de sucre et du Johnny-Thundering. Joey est l’une des rock stars les plus pures avec Lux Interior, Lou Reed et Iggy. Tiens puisqu’on parle du loup : Joey tape une cover demented du «1969» des Stooges, et là tu montes au paradis. Awite ! Dan gratte sa wah comme Ron et t’as tout le miracle reconstitué, ça joue primitif dans l’écho du temps, oh mine ouh ouh, et Dan se barre en délire de wah. Dan dira plus tard que Joey était un perfectionniste et qu’il était difficile de le faire sortir du studio.

         Et puis voilà le petit posthume : Ya Know?, SANS Daniel Rey. Bricolé par Mickey Leigh, le p’tit frère. Sur «Rock’n’Roll Is The Answer», le lead s’appelle Richie Slotta. Bon, c’est pas Daniel Rey. Ça perd du sens et la compo n’est pas terrible. Puis Ed Stasium va se taper la part du lion sur les autres cuts. Le chant reste néanmoins superbe. Bel hymne à New York City avec «New York City». «What Did I Do To Deserve You» sonne comme un hit et on passe en mode wild Joeymania avec «Seven Days Of Gloom». Heavy et juteux ! Stasium joue à outrance pendant que Joey se morfond à coups d’I’ll never be happy. T’as aussi Andy Shernoff dans le studio. Et puis voilà le coup de génie : le spectorish «Party Line». Holy Beth Vincent duette avec Joey. Pur jus de sixties power. Joan Jett lance l’affaire de «21st Century Girl», heavy boogie de won’t you be my girl. On retrouve Jean Beauvoir sur «There’s Got To Be More To Life», bon, il est bien gentil, mais ça ne vaut pas les histrionics pyromaniacs de Daniel Rey, et puis sur «Make Me Tremble», Andy Shernoff fait tout le tremblement. 

         L’écart est terrible entre les deux albums : autant Don’t Worry About Me est l’album du XXIe siècle, autant Ya Know? ne l’est pas. On sent l’arnaque. Pour y voir clair, il faut lire le book du p’tit frère Mickey Leigh, I Slept With Joey Ramone: A Family Memoir. On y apprend que l’album était enregistré par Daniel Rey du vivant de Joey et qu’il a été tripatouillé après son cassage de pipe en bois. Par qui ? Par le p’tit frère. Un p’tit frère qui a même pris soin d’effacer toute trace de Daniel Rey, ce qui explique pourquoi l’album retombe à plat. Gros problème.

Mickey

         La lecture d’I Slept With Joey Ramone est pénible. Le p’tit frère passe son temps à parler de lui et de ses embrouilles avec Joey, Johnny Ramone, Daniel Rey et tous les autres. On est là pour Joey et le p’tit frère nous barbe avec ses embrouilles. On voit bien qu’avec ce book, il fait du biz sur le dos de son grand frère. La fin du book qui narre dans le détail l’agonie de Joey à l’hôpital est un véritable règlement de compte. Le p’tit frère charge bien la barcasse, racontant que pendant que Joey crève d’un cancer à l’hosto, aucun Ramone ne vient à son chevet : ni Marky Ramone, ni Dee Dee Ramone qui tourne en Europe, ni Richie Ramone qui vit à LA, ni CJ Ramone qui vit à Long Island. Le p’tit frère se dit ‘pas surpris’ de leur comportement. Et crack ! Aux funérailles de Joey, t’en as deux qui font le déplacement : Tommy Ramone et Richie Ramone. Mais pas les autres. Et crack ! Johnny Ramone a envoyé des fleurs. Et crack ! Tu vois un peu le niveau ? Deux jours plus tard, dans une émission de radio, Marky Ramone se plaint de n’avoir pas été prévenu de la cérémonie. Il accuse le p’tit frère d’avoir mal géré les choses.

         C’est pas fini. Le p’tit frère a l’idée d’organiser le Joey Ramone’s fiftieth Birthday Bash à New York avec des invités comme les Cramps, Blondie, Cheap Trick, les Damned et les Misfits, avec en plus des participations vidéo de Rancid, Green Day, Joan Jet, les Dicators et... Elvis Costello. Comme Joey est mort, l’idée est de mettre son pied de micro sur scène et de faire chanter la foule. Pour avoir les autres Ramones, c’est une autre paire de manches : Johnny Ramone n’adresse plus la parole depuis 20 ans au p’tit frère que tout le monde voit comme le roi des embrouilles. Et les autres Ramones survivants ne sont pas intéressés. Et quand la rumeur court que le p’tit frère veut chanter avec tous les groupes invités, les Cramps et les Misfits se décommandent. Cette fin de book est calamiteuse.

         C’est pas fini : il y a l’épisode du Rock And Roll Hall Of Fame, où les 3 Ramones survivants reçoivent leurs trophées : Johnny Ramone spécifie clairement qu’il n’est pas question que le p’tit frère monte sur scène avec eux. Il doit récupérer le trophée de Joey à part. La cérémonie est un fiasco complet : Eddie Vedder fait un discours interminable et les Ramones récupèrent des trophées qui ne sont pas les leurs. Pas la peine de s’éterniser, de toute façon, ça n’a plus aucun sens.

         C’est tout de même incroyable que la si belle histoire de Ramones se termine en eau de boudin.

         Le seul intérêt du book, c’est la jeunesse de Joey. Le p’tit frère rentre bien dans les détails.  Gamin, Joey collectionne les 45 tours : «It’s My Party» de Lesley Gore, «He’s A Rebel» des Crystals, «The Wanderer» de Dion et «Monster Mash» de Boris Pickett. Et voilà, c’est parti mon kiki.     Leur père les emmène voir Murray the K’s Rock & Roll Extravaganza au Brooklyn Fox Theatre, avec à l’affiche Marvin Gaye, les Supremes, les Temptations, Jay & The Americans, les Shangri-Las et les Ronettes ! Pas étonnant que Joey ait si bien tourné. Puis Joey récupère d’autres 45  tours : «Surfin’ Bird» des Trashmen, «Surf City» de Jan & Dean, «Martian Hop» des Ran-Dells. Les deux frères écoutent tout ça dans leur chambre. Joey est aussi dingue des Beach Boys, de Chubby Checker, des Four Seasons, des Four Tops et de tout le Motown Sound. Joey a 16 ans quand il découvre les Who au Murray The K show on 59th street, à la même affiche que Cream, Mitch Ryder & The Detroit Wheels et les Vagrants. Joey : «The Who only played 3 songs: ‘I Can’t Explain’, ‘Happy Jack’ and ‘My Generation’, and they just blew me away. They were so exciting, visual and fun. Then they destroyed their equipment. The Who was my favorite band.» Amen. La messe est dite.

         Puis comme tout le monde à l’époque, Joey flashe sur l’early Alice Cooper et le fameux «Ballad Of Dwight Fry» qui se trouve sur Love It To Death.

         Ado, le p’tit frère est pote avec John Cummings, le futur Johnny Ramone qui s’intéresse déjà à ses fameux downstrokes, c’est-à-dire la façon de gratter un accord - Picking everything downward - Joey rencontre donc Johnny Ramone via Jo-l’embrouille, le p’tit frère. Ils vont voir tous les trois des concerts au Fillmore East, notamment Mountain et les Who. Joey propose aussi d’aller faire un tour à Woodwtock, mais Johnny Ramone refuse - No fuckin’ way, man. Sit there in the dirt with those dirty hippies? - Comme on le sait, Johnny Ramone n’est pas un mec très facile à fréquenter. Plus tard, quand il va barboter Linda (la poule de Joey), Johnny Ramone va bien s’afficher avec elle devant Joey qui en bave de jalousie. Dee Dee : «Johnny was having the time of his life, because he liked being a bully.» 

         Puis c’est la rencontre avec Doug Colvin, le futur Dee Dee Ramone. Il vit dans la même rue, à Forest Hills. Joey, Johnny Ramone et Dee Dee vont partager une passion pour les Stooges. Ensemble, ils voient aussi the Cincinnati Pop Festival à la télé, avec à l’affiche, Mountain, Grand Funk Railroad, Alice Cooper, Traffic, Bob Seger, Mott The Hoople, Ten Years After, Bloodrock, Brownsville Station et les Stooges. 

         Et puis bien sûr, on entre dans l’histoire des Ramones, car au début, le p’tit frère est leur road manager, avant l’arrivée de Monte Melnick (qui bizarrement ne parle pas du p’tit frère dans son book). Au début, les Ramones écoutent «Yummy Yummy» et «1-2-3 Red Light». Dee Dee : «Why  a bunch of Stooges fans were listening to bubblegum music, I don’t know.» On sent déjà le fun sous la braise. Joey propose des chansons courtes et le stark minimalism des trois accords. Joey bat le beurre, et Dee Dee chante. Mais ça ne fonctionne pas. Alors Dee Dee propose que ce soit Joey qui chante : «I wanted somebody real freaky and Joey was really weird lookin’, man, which was great for the Ramones. I think it looks better to have a singer that looks all fucked up than to have one that’s tryin’ to be Mr. Sex Symbol or something.» Mais au début, Johnny Ramone n’est pas d’accord : «I want a good-lookin’ guy in front.» Tommy Ramone valide le choix de Dee Dee : c’est Joey qui chantera. Et quand Dee Dee passe à la basse, ça fonctionne. Joey : «The sound was just the chemistry of the four of us - a chemical inbalance.» C’est encore Dee Dee qui découvre le «dingy little club on the Bowery», le CBGB. Il sait que Television a joué au CBGB. Dee Dee : «I knew Richard Lloyd. He got the job in Television that I went to audition for before I was in the Ramones.»  

Danny Fields en blanc

         Et quand Tommy Ramone entend «Judy Is A Punk», il sait que la formule des Ramones est originale - We had something incredible - Eh oui, cette fameuse modernité à laquelle aspirait tant Tommy Ramone ! Le projet avance bien. Johnny Ramone veut Danny Fields comme manager, «since Danny had managed the Stooges and the MC5 and worked with the Doors.» Tommy Ramone l’appelle tous les jours, et Danny se demande si avec un nom pareil, les Ramones ne sont pas des Porto-Ricains, «a salsa band or something». Jusqu’au moment où il les voit sur scène, au CBGB : «I got a seat up front with no problems. And I fell in love with them. I just thought they were doing everything right. They were the perfect band. They were fast and I liked fast.» Alors Danny va les trouver après le set et leur propose de les manager. Ils lui répondent : «Oh good, we need a new drum set.» Danny qui n’a pas un rond va aller emprunter 3 000 dollars à sa mère qui vit à Miami.

         Puis ils définissent leur image : perfecto, T-shirts, jeans, coupe de douilles, sneakers. Johnny Ramone impose ensuite une façon d’enregistrer : live et pas d’overdubs. Il prend comme modèle le Live At Leeds des Who. C’est pourquoi le premier album des Ramones sonne si raw. C’est l’essence même du punk. Si l’album avait été produit, il aurait sonné autrement. Donc merci Johnny Ramone. De la même façon qu’il faut dire merci à Tom Wilson pour le premier Velvet. Et quand le premier album sort, les Ramones sont tous réunis chez Johnny Ramone, à Forest Hills. Johnny ouvre le carton et donne un exemplaire aux trois autres, puis ils l’écoutent et sont bluffés par la qualité du son. Ils l’écoutent plusieurs fois et n’en finissent plus de loucher sur la pochette qui est une merveille d’esthétique punk. Bien sûr, le p’tit frère fait partie de la fête et il s’agace de ne pas trouver son nom sur les crédits, alors qu’il a fait des chœurs. Voilà le niveau du p’tit frère. Le roi de la récrimination, alors que les Ramones vivent un moment historique. 

Sable Sarr

         Puis c’est l’épisode des deux concerts à Londres en 1976 avec les Flamin’ Groovie. Greg Shaw est là avec sa poule, Sable Starr, qu’on va vu dans les bras de Johnny Thunders. Joey est surpris qu’on traite les Ramones aussi bien en Angleterre - like royalty - Et il ajoute : «In the USA, there was nothing.» Et quand Dee Dee passe son temps à disparaître pour aller se schtroumpher avec des punks anglais, Johnny Ramone menace de le remplacer par Richard Hell. 

         En tournée américaine, les Ramones ouvrent pour des cover bands. Johnny Ramone finit par en avoir marre et jure qu’ils n’ouvriront plus jamais pour personne. Lorsqu’ils jouent pour la première fois à Los Angeles, ils passent l’after-show chez Ron et Scott Asheton sur Sunset Boulevard. C’est la fête - They were really drunk and rowdy - Ils balancent des bouteilles par la fenêtre. Mais Johnny ne veut pas de scandale et il quitte la fête au moment où les flics arrivent.

         Au début, les relations entre les Ramones sont assez classiques : Joey et Johnny s’aiment bien et tout le monde considère Dee Dee comme un gamin, «because that’s how he acted», dit Tommy Ramone. «And Joey was so quiet he kinda disappeared.»

         Puis t’as l’épisode Totor. Les Ramones jouent 5 soirs à guichets fermés au Whisky A Go Go, et dans la loge se trouve un étrange personnage en cape noire : Totor ! L’idole de Joey ! Tommy Ramone : «Phil Spector was obsessed with Joey Ramone.» Totor a toujours été obsédé par les grandes voix et Joey en est une. Pour faire décoller les Ramones, Seymour Stein demande à Totor de produire leur prochain album. Johnny Ramone : «At that point in our careers, I guess it was just a desperate move to work with Spector. We thought he might get us some airplay.» Les Ramones vont chez Totor qui boit à longueur de temps dans un gobelet serti de pierres précieuses. Dee Dee : «Phil looked like Dracula drinking blood.» Totor boit du Manischewitz wine. En studio, c’est l’enfer, sauf pour Joey qui adore ça : Totor leur fait jouer 100 fois le même cut avant de commencer à enregistrer. Le fils du propriétaire du Gold Star ramène du Manischewitz wine à Totor qui est complètement bourré. Joey : «He would be stomping the floor, cursing, yelling, ‘Piss, shit, fuck! Piss, shit, fuck this shit!’ And that would be the end of the session.» Totor demande à Johnny Ramone de gratter le même accord pendant des heures et Johnny Ramone finit par craquer : «I’m going home. Tell Seymour I can’t work with this guy.» Les Ramones enregistrent The End Of The Century en 1979 et l’album ne sort qu’en 1980. Ce sera sans doute leur meilleur album, quoi qu’en disent les pisse-vinaigre. 

         Même avec un film (Rock’n’Roll High School) et un album produit par Totor, les Ramones ne décollent pas. Ils rendent Danny responsables de cet échec. Joey et Dee Dee votent contre lui, et Johnny qui voulait le garder doit fermer sa gueule : chez les Ramones, on vote à la majorité des voix. Ils recrutent alors Gary Kurfist qui non seulement manage les Talking Heads que Johnny Ramone ne peut pas encadrer, mais aussi les Pretenders et Blondie. Kurfist a aussi un label, Radioactive, sur lequel les Ramones vont bien sûr enregistrer.

Lina & Johnny

         Puis voilà qu’éclate l’affaire Linda. Tout le monde est au courant, excepté Joey : Johnny Ramone baise Linda en cachette. Linda est la poule de Joey. Bien sûr, le p’tit frère se dévoue pour balancer la bonne nouvelle à Joey qui ne le croit pas. Ils n’ont pas une bonne relation, de toute façon. Le p’tit frère aurait un peu tendance à vouloir fourrer son nez dans les affaires des Ramones et ça ne leur plaît pas du tout. De son côté, Johnny Ramone dit qu’il veut Linda et il l’aura - I don’t accept defeat - Et bien sûr, Joey ne peut rien faire. Une de perdue, dix de retrouvées ? Joey : «It was a real rocky time. Me and Johnny had almost no communication whatsoever. It probably would have split up most bands. There was a breakdown in the machinery.» Et Joey conclut : «He destroyed the relationship and the band right there.» Joey ne lui pardonnera jamais. 

         En  1981, Warner Bros avale Sire. Puis on leur recommande d’enregistrer avec le mec de 10cc, Graham Gouldman. C’est l’album Pleasant Dreams. Bof. La tension dans le groupe est à son comble. Si Marky parle à Johnny, Joey fait la gueule. Si Marky parle à Joey, Johnny fait la gueule. De son côté, Dee Dee fait n’importe quoi et Johnny menace de lui péter la gueule, alors comme Dee Dee a peur de Johnny, il obéit. Et comme Marky fait lui aussi n’importe quoi, il est photographié à part sur la pochette de Subterranean Jungle. Il ne sait pas encore qu’il est viré. Le plus marrant, c’est la façon dont le groupe fonctionne. Johnny et Joey ne se parlent plus que par intermédiaires. Ça tourne à la comédie. Les intermédiaires sont Monte Melnick et Dee Dee. Johnny dit à De Dee : «Ask Joey if he wants to play that European tour.» Dee Dee dit ça à Joey qui répond : «Tell him I’m still thinking about it. Ask me later.» Le plus drôle, c’est qu’ils sont tout près l’un de l’autre, soit dans la loge, soit dans le van. Quand Johnny entend la réponse de Joey, il fume de colère. Même si la scène est drôle, ça n’amuse pas trop les autres.

Dos de Too Tough To Die

         Puis la relation entre Dee Dee et Johnny va aussi se détériorer. Ils composent pourtant 5 cuts ensemble pour Too Tough To Die. Au bout de six ans, les Ramones sont déjà très fragmentés.  Tommy Ramone : «There wasn’t a band feeling anymore. It was sort of like a corporation that made records. They were very professional, which isn’t neccessarly bad.» Avec l’arrivée de Richie Ramone, l’ambiance s’arrange un tout petit peu. Il s’entend bien avec Joey - Now they were the only two sharing any sense of camaradery - En tournée, Joey et Richie sifflent toutes les bières et Dee Dee se joint parfois à eux - We never saw Johnny. He’d pick up a different floor in the hotel and disappear - L’autre grand pote de Joey, c’est Daniel Rey qui après la fin de Shrapnell, se met à composer avec lui - Daniel idolized Joey.  

         En 1986, les Ramones ont 12 ans d’âge et n’évoluent pas. Tout le monde a du succès sauf eux. Spin fout Stong et Simply Red en couve, jamais les Ramones. Puis ils enregistrent Animal Boy avec l’ex-bassman des Plasmatics, Jean Beauvoir.

         C’est Daniel Rey qui va produire Halfway To Sanity, mais les Ramones ne sont pas très contents du résultat. Le problème vient du fait que Joey et Johnny ne pouvaient travailler ensemble dans le même studio. Pour Daniel Rey c’est l’enfer.

         Richie songe à quitter le groupe, d’autant qu’ils sont sur Radioactive, le label du manager. Richie : «I didn’t make any money off the records or the T-shirts. It was just my salary. What was in for me? It was just a job. There was no chance of us being any more successful than we were. It was just gonna go downhill from here. And as far as I was concerned, it did.» En août 1987, Richie se fait la cerise. Il avait reçu un appel anonyme le prévenant qu’il allait se faire virer après les 2 gigs au Ritz - So I said fuck it, I’m not going back. Johnny’s plan was to have me play the gigs and then dump me - C’est là que Clem Burke bat le beurre pour les Ramones et c’est un désastre. Retour de Marky. La première chose qu’il note, c’est la tension. Plus épaisse qu’avant - Things had got even worse - Il note que Joey tourne à la coke et boit comme un trou.

         Dee Dee reconnaît qu’il a toujours eu un problème avec le blé : avant, tout partait en dope, puis il va tout craquer en bijoux et en flingots. Alors Dee Dee décide de remettre de l’ordre dans sa vie en quittant les Ramones. Il quitte aussi sa copine - It was hard, but I had to do it because I had to become myself. I’m not a puppet - Et il ajoute qu’il compose en fonction de ce qu’il ressent dans le moment - I write current. I don’t try to re-create the past. And that was becoming the Ramones’ thing - recycling the past - which was hard to deal with. Johnny wouldn’t grow. He acted like Adolf Hitler. His nickname was «The Fürher». And I was also sick and tired of the little-boy look, with the bowl haircut and motorcycle jackets. It was just four middle-aged men trying to be teenage delinquants - Ras le bol de tout ça ! Dee Dee continue : «For the last fifteen years, basically we played the first three albums. No matter how much you like those songs, paying them every night is gonna make it crap - Dee Dee pense que les Ramones auraient dû s’arrêter avec Too Tough To Die - That was when I wanted to leave.    

         Dee Dee quitte le groupe. Les Ramones organisent une réunion et Johnny dit que si Dee Dee se barre, qu’on le laisse se barrer. Dee Dee bien sûr n’est pas venu à la réunion. Il faut trouver un remplaçant. C’est CJ Ramone.

         Puis les Ramones voient arriver les groupes grunge qui vendent des millions de disks et qui remplissent des stades, alors que les Ramones jouent encore dans des clubs. Joey veut absolument participer au Lollapalooza. Johnny trouve ça complètement débile : «Lollapalloza was ridiculous. Metallica was the headliner, Soundgarden was second. We went on between the two bands.» À sa façon, Johnny dit qu’ils n’avaient rien à faire là-dedans. Il y a maintenant deux camps dans le groupe : d’un côté Joey et Marky - Democratic camp - de l’autre Johnny et CJ Ramone, the Republican, conservative camp. 

         Joey prend du prozac, et un jour il tente de recauser à Johnny, comme s’ils étaient encore bons amis. Mais Johnny ne veut toujours pas lui causer. Au moins Joey dit qu’il a essayé. Puis arrive le dernier concert des Ramones à Los Angeles. Ils demandent à Dee Dee de venir. Legs McNeil dîne avec Dee Dee avant le concert. Quand Dee Dee lui demande s’il vient au concert,  Legs dit non - I wanted to keep my memories of the old Ramones, and ignore all this new bullshit - Parmi les invités du dernier concert, certains grattent des longs solos de guitare. À la fin du concert, Johnny ne dit adieu à personne - I never said good-bye to any of the Ramones individually. But I did say a general good-bye, like ‘See you guys.’ I don’t know if anyone responded. It didn’t matter. Twenty-two years... weird, right? - Puis il fait une fête de départ en retraite chez lui, et bien sûr aucun Ramone n’est invité - I don’t know if they were all pissed off, and if they were, I didn’t care - Comme il l’a fait toute sa vie, Johnny Ramone se contrefout de ce que les autres peuvent penser. Joey et Johnny n’ont même pas réussi à échanger un mot ou un regard au terme de toute cette aventure extraordinaire que fut celle des Ramones. La fin de cette histoire est d’une insondable tristesse. Gawd bless the Ramones.

Signé : Cazengler, Ramonagrobis

Joey Ramone. Don’t Worry About Me. Sanctuary 2001

Joey Ramone. Ya Know? BMG 2012

Mickey Leigh. I Slept With Joey Ramone: A Family Memoir. Touchstone Books 2009

 

*

         Certains aiment à résoudre les équations. Grand bien leur fasse. Je suis d’une nullité crasse en algèbre, je ne me risque point à ce genre de sport cérébral. Ne me reprochez pas de m’avouer vaincu devant l’inconnu(e). J’aime le mystère. Je puis vous en apporter la preuve immédiate. J’aime les souris et les ratignoles autant que les chats. Ce sont là espèces voisines. Elles confinent au mystère. Ne confondez pas l’inconnu avec le mystère. L’inconnu est une porte ouverte sur le connu. Le mystère est destiné à être mystérieux. Il ne demande pas à être percé, mais à être maintenu. Même mieux, à être perpétué. Or mon œil aguerri a été attiré par une pochette. Très belle, justement avec une souris, et un serpent, de quoi éveiller la curiosité d’un vieux fan de Jim Morrison comme moi. Un disque, un groupe, quoi de moins mystérieux pour un chroniqueur, voyons voir ! J’ai vu, et le mystère est resté entier. Comme tout mystère qui se respecte. Bref j’ai établi le dossier. Moi qui croyais me charger du dernier EP du groupe, j’ai été obligé de remonter toute la discographie, bon prince je vous refile toutes les pièces.

VERMINTHRONE

         Un groupe de la mouvance sludge qui se prénomme trône de la vermine : nous sommes dans la normalité des choses. Sont anglais. Proviennent  du Comté de  Buckingamshire situé au nord-ouest de Londres. Voici nos cinq gentlemen :

Dan Banshaw : vocals / Matt Duffy : guitar and backing vocals /
Alex Stephenson : guitar / Pal Losanszki : bass / Adam Connell : drums.

KINGDOM OF WORMS

(Bandcamp / Juillet 2022)

La couve est de Shapefromhell,  Sebo Krisztian tatoueur et illustrateur, s’inspirant du folklore hongrois, son instagram est magnifique, il noircit les corps humains et peint l’innocente beauté des bêtes.

Belle pochette, fond clair et soleil noir, au centre, armorial, un rat crevé grouillant d’asticots. Rien de morbide, des rameaux ont pris racine dans sa pourriture. La vie mange-t-elle la mort ? Plus inquiétant sa longue queue affecte des attitudes propres aux serpents…

Intruder : ce mot ne signifie pas introduction mais intru, ce qui change la donne ! L’on est surpris, un morceau presque joyeux, victorieux serait le mot, pourtant les lyrics sont ceux de la mouche prise dans la toile d’araignée mais la musique chante l’aragne maléfique, la menace insidieuse, qui savoure sa victoire avant de s’emparer de sa proie, elle prend le temps de cette jouissance que procure la peur de la future victime, courageuse cependant car le vocal fait la grosse voix, l’esbrouffe qui ne trompe personne, à preuve l’on entend sonner les clairons de l’assaut final et une canonnade battériale submerge la pauvre bestiole que nous sommes tous devant la grande menace. Ascend the black moon : le cauchemar n’est pas terminé, peut-être est-il une descente vers la lune noire, mais plutôt une descente vers la mort, se précipiter vers l’immensité de la mort, la mer morte, la batterie se déchaîne, plonger dans la mort n’est-il pas la seule solution, quitter cette vie, la guitare pousse des cris d’effroi, dois-je me donner la mort, m’enfoncer un couteau, me retrancher de mon existence, terrible dilemme que celui de l’acceptation de soi-même, saccage riffique, vocal hystérique, ce qui s’approchait dans la nuit noire, n’était-ce pas moi-même. Last rites : ça tapote, ça tripote, ça tricote gentiment, n’ayez crainte, ce n’est pas l’angoisse qui s’approche, c’est le désespoir de ne plus rien ressentir qui s’accumule, surgit une crête de guitare séparative, le sentiment d’être de l’autre côté, du mauvais côté, le pire c’est que ce n’est pas pire, c’est même plus reposant si l’on y pense, d’ailleurs la musique s’adoucit, des vagues lointaines, mais me voici seul en un monde sans sensation, je suis en train de me morceler, mon âme s’effrite, je crie car si ce n’est pas douloureux, c’est tout de même la fin de moi-même, je me dissous, une funèbre poudre d’escampette. Une totale rétractation. Kingdom of worms : pétarades guitariques, la batterie comme ces coups de pelle répétitifs et consciencieux d’un croque mort qui tient à ce que le boulot soit bien fait, que la tombe soit plate, que pas une motte de terre ne dépasse, de la belle ouvrage, le vocal se charge d’exposer la problématique, de creuser son sujet, d’expliquer que ce ne sont que des cadavres, que la moisissure attaque pour bientôt laisser place à la pourriture, à la vermine qui instaure son royaume dans les chairs putréfiées. Enfin les vers  bouffent les cadavres jusqu’à ce qu’il ne reste plus rien.

         Nihilisme complet. Aucune survie durant la mort. La vie ne fait pas de cadeau. La mort non plus. Verminthrone encore moins.

THE CULL

(CD / Février 2024)

         Pochette de Shapefromhell. Plus sombre que la précédente. Une couronne de feuillage. Un aigle aux serres aigus. Tout un peuple de rats affolés. Nous avions eu le jour de la lune noire, voici la nuit du soleil bleu.

Don’t trust morning people : grincements, puis sulfure de tumulte, maintenant que le mort est mort que vont-ils pouvoir raconter, pas de panique l’on a droit à la préquelle, ce qui s’est passé avant l’acte terminal, pour dire la vérité le vivant ne bénéficiait pas d’une forme parfaite, un peu ( beaucoup) en état dépressif prolongé, la batterie s’accroche aux petites herbes de la tombe, le moribond est toutefois un peu hargneux, la vie n’a pas beaucoup plus de sens que la mort qui n’en a pas, la basse repeint l’existence en noir profond, rythme rapide comme s’il était pressé d’arriver au bout, le morceau s’écroule sur lui-même, perd tous ses charmes, l’on sent que la musique voulait survivre à ce qui l’attend mais le gars fonce tête baissée, de toutes les manières, quel soulagement de penser qu’un jour ou l’autre, il va y passer. It always snows in South America : entrée fracassante, encore plus noire, râles de guitares agoniques, une triste histoire, d’amour bien entendu, une terrible tromperie, pur sucre au début métamorphosé très vite en vinaigre détérioré, un pont sans arche suspendu entre vide et dégoût de vivre, les guitares font ce qu’elles peuvent, ce qu’elles pleurent de crocodile aux dents cisaillantes, d’ailleurs le morceau se termine brutalement. Aucun bénéfice de s’attarder un quart de seconde de plus. Vous avez une vidéo de ce morceau, live, interprétation impeccable, trois guitares aussi imposantes qu’un rideau de fer, une ambiance hardcore dans le public que l’on voit peu. Kuru : Le Kuru est la maladie du cerveau spongieux. Souvenirs personnels : des amis de mes parents nous avaient invités à manger. Je devais avoir sept-huit ans, après le repas ils ont passé un film amateur qu’ils avaient tourné durant leurs vacances dans un pays lointain dont je n’ai jamais retenu le nom. Par contre les images me sont restées gravées à jamais. Il s’agit d’une scène d’endocannibalisme mortuaire, je viens de trouver ce terme, bref une vingtaine de personnes revêtus de tissus multicolores, déterraient le cadavre d’un membre de la tribu, ouvraient le suaire et chacun tout sourire s’appropriant un os du mort se mettait à récurer de leurs dents les morceaux de chairs pourries encore attachées aux ossements. Longtemps je ne me suis pas demandé si j’avais rêvé mais les raisons pour lesquelles je n’avais jamais entendu parler de telles pratiques. Je viens d’apprendre que ceux qui mangeaient des lambeaux du cerveau du macchabée pouvaient développer des années plus tard une déréliction similaire à la maladie de la vache folle… Cette pratique a duré jusqu’à la fin des années cinquante. Ces détails sont nécessaires à la compréhension du texte. Ce coup-ci nous avons droit à une Official Music Video. Je vous rassure aucune scène de cannibalisme. Certes au début une maison en assez mauvais état qui laisse présager quelques scènes extraordinaires. Pas du tout, à l’intérieur le groupe interprète son morceau. Comment qualifier la tessiture de cette interprétation : rien de spongieux ou de dégoulinant, Une musique à l’os.  Un bruit est-ce un train qui file dans la nuit ou simplement le temps qui se rétracte sur lui-même comme dans un film d’Andreï Tarkovski, celui peut-être où l’héroïne, le mot ne convient guère, mange à la petite cuillère le cerveau de celui qu’elle vient de tuer, l’éros et l’Hadès ont toujours fait bon ménage, dévore-t-on pour s’adjoindre à l’autre ou pour s’en séparer, la batterie colle et sculpte le morceau comme le sang à la tempe fracassée, il est des rituels d’idylles plus cruelles que la vie elle-même. Que la mort aussi. Ce morceau est une pierre de lune noire tombée du ciel. Sur votre tête. Dénudée de toute pensée.  Ne faire qu’une bouchée de la mort. Birth is a rope / death is a knot : retour à soi-même, c’est comme si nous étions au cœur de la trilogie noire de Verhaeren, le phénix n’est pas intéressant en tant qu’oiseau de feu, il n’est que cendre éternelle, l’opus maximus a basculé en une dimension métaphysique, dans son propre trou noir, la musique resserrée comme l’escargot dans sa coquille, elle colle à elle-même et le vocal coagule sur les mots qu’il émet, ils délivrent un message celui du pendu qui tient à se suicider, à se balancer par saccades au bout de la corde, la tête dans le nœud coulant. Ce n’est qu’un vœu pieux, dire que certains ont réussi et que l’on entend leur dernier cri comme un sursaut de jouissance. Pulling teeth (Spitting blood) : un vaticinateur nous parle de son propre avenir, les guitares s’étirent comme des serpents qui sortent du frigidaire, le vocal nous conte comment il est étrange que nous soyons immortels alors que nous ne désirions que de nous désintégrer, nous errons sans but, scorbut partout, les dieux de l’abîme sont comme ceux d’en haut, ils ne mouftent pas, existent-ils seulement, faut s’arracher les dents comme l’on refourgue ses pensées, toutes vaines, dans la poubelle, ne plus cracher sa haine, simplement du sang. Youth for euthanasia : hôpital ou chambre d’asile, à moins que ta prison ne soit que toi-même, tu en doutes, n’es-tu pas en train de pourrir, plus d’espoir, le vocal ne chante plus, il assène les mots que les coups de fouet des guitares s’empressent de balancer au loin, la batterie marque le pas, toi aussi, existe-t-il encore un espoir avant le suicide, certains envisagent des choses que les autres ne voient pas, de quel droit seraient-ils plus intelligents que moi. Soufflez la bougie de l’être. Il est temps de veiller à notre propre euthanasie. Aorta : musique compressée pour moteur à explosion, dernière solution, puisqu’il est impossible de  s’en sortir tout seul, vaudrait mieux de se rabibocher, attention les rôles sont inversés celui qui a souffert la dernière fois se transforme en bourreau, n’est-ce-pas la meilleure manière de tutoyer les anges, dans la série soyons rilkéens ou rien, nos rêves ne se destinent-ils pas à s’achever en une ondée sanglante baptismale. Une dernière guitare couine comme si elle venait d’avaler de travers une membrane d’aile. Qui trop étreint, mal embrasse. Feral : il faut bien que l’histoire se termine, entendez-vous le tambour des sables, quand on ne peut faire l’ange, ne reste plus qu’à jouer la bête, soyons bestial, non pas pour ne pas être rien, ce serait une trop belle plénitude, mais pour être au moins quelque chose, une bête altérée de sang et de destruction, pourquoi pensez-vous que le cantaor rugit si fort et pourquoi les guitares griffent si durement vos oreilles. Abandonner son état inabouti d’homme imparfait, laisser monter en soi notre propension à être pleinement sauvage. Rejeter tous nos rêves inatteignables, un tient vaut mieux que deux tu ne l’auras pas… Le monde fourmille d’une multitude de créatures, enfin un but, ne plus tenter à échapper à la mort, mais la donner.

         Ce qu’il y a de bien avec Verminthrone, c’est qu’ils ne s’attardent pas sur eux-mêmes. Chaque morceau est comme l’épisode d’une série télévisée, c’est un Game of Verminthrone qui tient ses promesses, z’ont l’art de se mettre dans des situations impossibles de se coincer au fond de galeries sans issue, vous croyez qu’ils vont y rester, n’avouent-ils pas qu’ils sont en train d’agoniser et hop, les voici une nouvelle fois en route vers d’invraisemblables aventures, philosophales il est vrai, impossible de les coincer dans l’athanor  cérébral alchimique, au fond de leur poche ils gardent une pierre, ils seront les premiers à vous la jeter. Ils ne chevauchent pas le tigre, ils sont le tigre. Ou le cobra.

Ne perdons pas de remps à déblatérer, la Saison 3 nous attend.

 FEAST OF THE SERPENT

(Bandcamp / Décembre 2025)

Le danger se précise. Le rat est pris au piège dans les anneaux du serpent. Crochets mortels et gueule grand-ouverte. Tout dépend de la manière dont on entrevoit les situations. Pour le reptile : c’est une fête.

C’est étrange ces trois pochettes me font l’effet d’illustration pour des fables de Jean de la Fontaine. Peu appropriées pour des albums destinés à la jeunesse, mais tout aussi cruelles que les morales de notre fabuliste.

Pallor : étrange ce titre pallide quand la couve est si sombre, quelqu’un a coupé l’électricité, est-ce le soleil qui s’éteint, une rythmique impassible qui poursuit sa route en aveugle, est-ce pour cela que le vocal ne laisse pas divulguer le sens de ses proférations, et quand on croit que ça s’arrête, ça repart pour bien vous faire comprendre que vous n’êtes pas sorti du mystère. Sommes-nous perdus dans les anneaux du serpent ou est-ce le serpent qui ne sait plus où il est, ni qui il est peut-être, peut-être est-il son double verminthronique, un face à face avec soi-même, à vous de voir, lequel des deux donnera à l’autre le baiser de la mort, la réponse est-elle seulement nécessaire, il a voulu rejoindre son animalité première, mais la vermine ennemie n’est-elle pas tissée de cette même féralité, il n’a rien gagné au change, il n’a rien perdu non plus. N’est pas ouroboros qui veut. Existe-t-il quelque part une zone de candide innocence. Swab : aux grands maux le bon remède, pour faire sauter le  garrot de l’angoisse utiliser un écouvillon que l’on enfile dans la gorge pour nettoyer le monde, car n’est-ce pas mieux de nettoyer l’intérieur pour purger l’extérieur, toujours cette mécanique à ras-de-terre cette espèce de bulldozer rythmique qui déblaie et repousse les saletés, voix de gorge car balayer le dehors c’est nettoyer le dedans, se rendre compte que ce que l’on voit c’est ce que l’on est, que ce que l’on écoute c’est ce qui nous parle de nous, la guitare comme une scie rouillée, remède de cheval, purge de serpent, qui recrache sa mue pour être encore davantage ce qu’il est : serpent. When it rains, it pours : la rythmique reprend, vomissements, passer les amygdales, le vocal dégobille à fond un flot ininterrompu de saloperies, recrache tous ses souvenirs, l’innocence de l’enfance, à laquelle le monde oppose un sacré démenti, comment après cette prise de conscience être heureux même en ayant pour but de débarrasser l’univers de sa vermine, de laquelle on fait partie, un vocal de folie, dit tout ce qu’il a sur le cœur, une seule solution la mort, quand ça va mal, ça va pire, il ne reste plus qu’à crever. Morceau épique, un véritable déluge phonique, maestria vocale. Bloodingletting : avant de partir, une dernière fois resuçons le saucisson de la désillusion la plus amère celle qui semblait si douce et qui vous a ouvert une plaie si profonde dans votre cœur, un trou sans fond, comme une bête blessée léchant et reléchant sa blessure jusqu’à l’os, les tambours tapent où ça fait mal, les guitares glougloutent la douleur, le sang coule à flot, pas celui de vos veines, celui de votre esprit que rien ne pourra arrêter. Font tout ce qu’ils peuvent, les musiciens se transforment en véhicules de derniers secours, brûlent les feux rouges et ne s’arrêtent que dans la salle d’opération. Hélas trop tard ! Rien à leur reprocher cette course à la mort si trépidante restera un grand moment de votre existence. Event horizon : pour ce dernier titre ils atteignent l’ultime ligne d’horizon.  Impossible d’aller plus loin. Le combat s’arrête faute de combattants. Normal, c’est la fin du monde. Un peu chaotique je vous l’accorde, et quand c’est fini, il vous en rajoute un supplément d’une minute extraordinaire. Vous pouvez même vous demander s’ils ont survécu à une telle catastrophe. Le dernier combattant est mort, mais il vous donne rendez-vous sur la dernière ligne. La fin du monde n’est-ce pas lui-même. Donc il est encore là. Nous aurons droit à une quatrième saison. En enfer ! c’est plus poétique.

         Verminthrone est un groupe à suivre. Ils développent un projet, une démarche, une musique qui n’appartiennent qu’à eux. Partent avec peu d’éléments mais les utilisent avec une habileté diabolique.

         Rare, très rare.

Damie Chad.

 

*

Il y a des groupes qui ne savent pas quoi faire pour me complaire. En début de cette nouvelle année je me plaignais, un bout de temps que je n’avais pas trouvé un groupe polonais, d’habitude vous en dénichez toujours un qui se démarque de la production générale, mais là depuis plusieurs mois : disette générale. Cette semaine, enfin en voici un ! En plus j’ignorais qu’ils étaient polonais, oui mais ils ont une autre qualité, ils viennent de sortir une cassette. Je m’y précipite dessus, j’aime ce moyen de communication devenu underground, donc j’écoute, et au fur et à mesure que se déroule la K7, en fait je m’aperçois que ça ressemble à un rectangle phonique mais c’est un CD, je me dois de chroniquer.

EAGER EYES OF TALION

SMOKE RITES

(Bancamp / Janvier 2026)

         La couve m’a attiré, elle est signée par Michal Sobocinsky, issu d’une famille d’artistes, d’ailleurs pour perpétuer la tradition il s’est marié avec Natalia Rybika, actrice. Sont apparemment très connus en leur pays, vraisemblablement dans d’autres aussi. Je n’ai pas trouvé d’autres œuvres graphiques signées de son nom.  Dommage car la pochette du CD est une parfaite réussite. A mon goût, un peu douteux, je l’admets.

         Belle couve, je la contemple comme une représentation d’Argos, le géant aux cent yeux, qui sera tué sur l’ordre de Zeus par Hermes qui l’endormira en jouant de la flûte avant de l’occire en toute tranquillité. Interprétez-la comme vous voulez. Sobocinsky veut-il nous dire que l’Homme voit trop de choses pour son malheur… ou nous conseiller de ne pas nous laisser endormir par le miel des musiques captivantes. Vous me direz qu’il faut vraiment être très fatigué pour que le fracas de Smoke Rites vous plonge dans un doux somme réparateur…ou alors c’est que vous êtes déjà mort… Sur le côté les crânes qui s’adjugent la place centrale représentent-ils notre avenir certain, et ce qui correspond au dos de la pochette, cette espèce de visage incertain est-il une représentation de notre passé qui déjà de notre vivant commence à s’effriter…

         Un premier Ep en 2021, un single et un 6-titres en 2022, après z’ont bossé et accumulé les titres que l’on retrouve sur ce premier album.

Tomasz Mielnik : lyrics et vocal  / Łukasz Borawski : guitars, samples /Adam Ziółkowski : bass, acoustic guitar, synthés / Michał Kamiński : drums et percussions
- Guest Vocal - Death is a Five Letter Word

Golden road : qui hésiterait à emprunter une route pavé d’or, pour sûr un vent souffle fort, mais se rythme se dandine joliment, le vocal est un peu griffonnant mais on l’excuse qui ne serait un peu excité à arpenter une telle voie, surtout que la basse arrondit les angles, bon notre chemineau ( relire Les grands chemins de Giono) s’exalte un peu plus, attention nous croisons une ligne à haute tension, le batteur s’élève, notre promeneur crie ses quatre vérités, ne pense qu’à lui, n’aime personne, maudit pour maudit autant filer tout droit vers l’Enfer avec une personne adorée, maintenant il hurle, autant s’en remettre au diable qu’à soi-même. Je ne veux pas critiquer, sur un rythme bon enfant le gars nous emmène vers une contrée peut-être pas aussi allègre qu’au prime abord elle a l’air. Eager eyes of talion : toujours cette

basse, mais cette fois-ci, ce n’est pas une impression psychologique, un brin inquiétante, l’on ne sait pas trop pourquoi notre méfiance fait un saut sur l’échelle de Ritcher, l’on est vite fixé, le gars prend la parole, il appuie sur certaines phrases, il hurle pour se faire comprendre, il se présente et ça se présente mal pour nous, le gars n’a plus rien à perdre, n’a plus qu’une volonté se venger, du monde entier, de tout le monde, de n’importe quoi, la loi du talion, le retour à l’expéditeur chaque fois qu’il hurle un couteau s’enfonce entre vos deux omoplates, le pire c’est cette espèce de redondance joyeuse de la guitare et le batteur qui se délecte à tapoter sur ses toms, un truc qui fout le mec en rage. Arrêt brutal. Le tueur s’est éveillé avant l’aube et vous êtes déjà trucidé. Nothing never : surprise seriez-vous accueilli au Paradis par le chœur des archanges,  profitez-en, cet instant ne durera pas cinq secondes, dans la vie rien n’est simple, c’est un sample, brutal barrage riffique, voyage au pays des turpitudes humaines, il vaudrait mieux écrire inhumaines, évidemment vous préfèreriez vous concentrer sur le jeu du batteur, tape fine, minimum de bruit, maximum d’effets, mais le gars se dévoile davantage, se confesse de sa voix écrasée, nous avions eu le midnight rambler au premier titre, le Morrison killer au deuxième et ce coup-ci, c’est pire, imaginez un prof d’université qui exposerait schéma à l’appui, les tréfonds de l’âme humaine, cette impossibilité à manifester le moindre signe d’humanité à un semblable, de toutes les façons : soit vous le savez déjà, soit vous ne le saurez jamais. Z’en ont peut-être trop dit, alors comme l’assassin qui vient de vous égorger et qui vous tend un mouchoir pour que le sang ne salisse point votre  cravate, ils vous refilent le sample du chœur des archanges pour vous redonner confiance en l’être humain. 10ft dread : ne ménagent pas leurs efforts, une acoustique comme une once de douceur dans un mode de brutes, pour ce morceau ils empruntent un thème éculé depuis les premiers écrits de l’Antiquité, le temps nous éloigne de l’innocence de l’enfance et de tous ceux que nous avons aimés, oui mais il y a la façon de le dire, cette espèce de riff qui s’en balance, de plus en plus vite, cette cymbale totalement hallucinante et cette voix chargée d’angoisse qui vous fait croire que vous êtes enterré vivant dans un cercueil qu’une scie égoïne est en train de découper. Vous vous imaginez en mille rondelles. Death is a five letters word : le titre n’est guère engageant, la musique confuse, des bruits, des voix, des éructations, des vomissements, puis du syncopé, c’est la Mort qui passe, il la décrit si bien qu’elle lui ressemble quelque peu, étrange comme il s’identifie à elle, est-ce pour cela que sa voix s’amincit, derrière les musicos vous font de l’harmonie imitative, un peu n’importe quoi, un peu totalement dans le mille, impossible mais vrai mais vous la voyez marcher, tituber, c’est si horrible qu’ils ont invité Monika Adamska-Guzikowska, elle ne chante pas vraiment, elle hulule en sourdine, elle vous fout les jetons pour la fin de vos jours, l’ensemble est si flippant qu’il ne m’étonnerait pas que certains acheteur du CD ne se tranchent les veines avant la fin du morceau. Que voulez-vous les faibles ne supportent pas la beauté. Grandiose. Charas drift :Après une telle épreuve, vous pourrez dire avec Nerval que vous avez deux fois vainqueur traversé l’Acheron, ils sont sympas, vous ménagent un petit instant de rêverie, le charas est un haschich des Indes particulièrement relaxant. Enfin, si l’on en croit le bruit de tubulure engorgée qu’ils nous offrent, malgré les chants d’oiseaux, vous avez l’impression d’être dans un vieux coucou des années vingt dont le moteur me semble quelque peu grippé… Devil advocate : après la relaxation plongée dans le drame, musique solennelle, notre tueur du début est émotionné, sa voix s’étrangle, trahi par un vieil ami, le ton est parfois comminatoire, l’on sent qu’il ne va pas tuer le traître, il devrait, l’on aimerait un carnage, une vengeance sanglante, mais non il ne passe pas à l’acte, il est touché, au plus profond, il l’avoue, sa blessure suintera encore pendant longtemps. Un bon morceau, bien en place, mais nous sommes déçus. Wind of most cruel kind : bise nordique, une batterie qui renifle, l’a été touché plus profondément qu’on aurait pu le penser, ne l’aurions-nous pas assez pris au sérieux, une lamentation funèbre, reprise du temps qui fuit, du bonheur de l’enfance perdu à tout jamais, l’on s’achemine clopin-clopant vers l’absolu de la tristesse, mais il y met tant de cœur que celle fois l’on y croitrait…

         Un super chanteur. L’a les intonations et les attitudes vocales suffisantes pour établir un contact direct avec l’auditeur. Une espèce de théâtralité phonique qui lui permet d’incarner tout sentiment humain, de la haine à la nostalgie, de l’assassin à la victime… Sans parler les musicos qui produisent non pas l’accompagnement idoine, mais celui qui ne pourrait ne pas être un autre.

         Remarquable.

Damie Chad.

 

CHRONIQUES DE POURPRE 718: KR'TNT ! 718 : SHARON TANDY / LAWRENCE / LITTLE WILLIE JOHN / FRANCOIS PREMIERS / ANDWELLA / RODOLPHE / SEPSI / PALE HORSE RITUAL / LAVANDULA

KR’TNT !

KEEP ROCKIN’ TIL NEXT TIME

LIVRAISON 718

A ROCKLIT PRODUCTION

SINCE 2009

FB : KR’TNT KR’TNT

08 / 01 / 2026

 

 

SHARON TANDY / LAWRENCE

LITTLE WILLIE JOHN / FRANCOIS PREMIERS

ANDWELLA / RODOLPHE / SEPSI   

PALE HORSE RITUAL / LAVANDULA

 

 

Sur ce site : livraisons 318 – 718

Livraisons 01 – 317 avec images + 318 – 539 sans images sur :

http://kr’tnt.hautetfort.com/

 

 

The One-offs

 - Tandy quoi ?

 

         Passé un certain âge, on commence à voir arriver la nouvelle année comme la dernière. Avant la prochaine. C’est l’avantage d’être entré dans l’ère du sursis. Ce qui n’empêche nullement de jouer au petit jeu des bonnes résolutions. Jadis, on décidait d’arrêter de fumer au premier janvier. Trop facile. Aujourd’hui, on décide d’inaugurer une nouvelle rubrique. Plus difficile.

         Son nom ? The One-offs. C’est-à-dire les 45 tours qui formatent une cervelle pour la vie.

         Jusqu’en 1969, nous vivions dans cette bonne ville de Caen, reconstruite à neuf à l’issue des bombardements américains. Ils avaient rasé la ville, à part quelques fucking églises. Nous logions dans un bel immeuble construit en pierre de Caen. Le balcon de l’appartement situé au 4e étage donnait sur le jardin de la Banque de France, en plein centre-ville. On y voyait un symbole de prospérité. Le p’tit frère avait un copain de classe, un certain Jean-Yves, interne au lycée d’If. Nous disposions alors d’un petit tourne-disque Philips à piles, cadeau du Père Noël. Il était en deux parties, le couvercle se déboîtait et, posé debout, servait d’enceinte. On l’appelait le crin-crin. Avec le crin-crin, le Père Noël avait déposé un 33 tours de Bill Haley, le fameux Rock Around The Clock à pochette rouge. Mais cela ne suffisait pas. On entendait trop d’hits déments à la radio, alors on avait commencé à barboter des 45 tours au Monop du quartier, les fameux EPs français. C’était un jeu d’enfant, le rayon disques se trouvait juste à côté de la sortie. On planquait les rapines dans le double fond du gros bureau en bois que le paternel avait récupéré au siège de la boîte qui l’employait, et qu’il avait fait installer dans notre chambre pour que nous puissions y faire nos devoirs.

         Le jeudi après-midi, Jean-Yves venait écouter des 45 tours avec nous. Comme nous n’en n’avions qu’un petit tas, nous les écoutions plusieurs fois. Et puis un jeudi, il est arrivé avec un 45 tours jaune. Son premier 45 tours. L’«Hold On» de Sharon Tandy sur Atlantic. Le souvenir de ce jour historique est resté précis. Sur le crin-crin, «Hold On» ferraillait sec ! Sharon Tandy chantait d’une petite voix perçante et insidieuse, et pour nous qui étions encore à l’aube des temps, elle sentait bon le sexe, tout au moins l’invitation au sexe. Les couplets étaient gorgés de shuffle d’orgue et d’accords de fer blanc. Et t’avais ce solo d’une sauvagerie jusque-là inconnue, qui n’existait pas chez les Beatles et même pas chez les Who. À part Dave Davies dans «You Really Got Me», aucun des guitaristes anglais que nous connaissions ne sortait un tel ramdam de freakout. Nous étions dingues d’«Hold On». Possédés par le diable, nous dansions le jerk au Palladium.

         Ce sont précisément ce ferraillage et cette fantastique sauvagerie qui nous ont formaté la cervelle, en matière de rock anglais. Nous apprîmes beaucoup plus tard que le backing-group de Sharon Tandy s’appelait les Fleur De Lys et le guitariste Bryn Haworth, un nom facile à mémoriser ! Depuis ce jour de 1967 - ou peut-être était-ce 1968 - Jean-Yves est resté LE visionnaire. Il voyait tout avant les autres. Il racontait par exemple l’histoire du Velvet comme s’il avait traîné à la Factory, il y avait quelque chose de surnaturel dans sa façon non pas de raconter, mais de conter, qui fascinait tous ceux qui l’approchaient. S’il décidait de devenir Brian Jones, il allait se faire teindre les cheveux en blond platine, et pouf, il devenait Brian Jones. Comme par magie.

         «Hold On» donna le La. Le cirque a duré quasiment soixante ans, jusqu’au moment où Jean-Yves nous a faussé compagnie, voici environ trois ans. Lors de la cérémonie de sa crémation, on fit bien sûr retentir «Hold On» dans la chapelle. Sous cette égide, la cérémonie prit une dimension surnaturelle. Puis on a pris l’habitude de fêter l’anniversaire de la dispersion de ses cendres, qui eut lieu à l’île de Groix, selon sa volonté. Nous sommes six à célébrer cet anniversaire. Dans les six, il y a Jean-Luc, lui aussi un ami de longue date de Jean-Yves mais, comme on avait quitté Caen en 1969, on ne le connaissait pas. On ne s’est rencontrés que beaucoup plus tard, de manière plutôt surnaturelle, au premier rang d’un concert des Mary Chain au Trianon. Singulièrement, la conversation est arrivée sur Caen. À la question : «Connais-tu un mec qui s’appelle Jean-Yves ?», il répondit : «Oui, bien sûr.» On se voit désormais chaque année pour l’anniversaire.

         Un jour il m’appelle pour me dire qu’il est de passage Rouen et qu’il a un cadeau. Dans la grande enveloppe craft se trouve l’«Hold On» de Sharon Tandy sur Atlantic. Le même single sous sa pochette jaune, exactement le même ! Nouvelle manifestation surnaturelle ? Il est évident qu’à ce moment précis, Jean-Yves s’est manifesté via Jean-Luc. Il n’y a pas d’autre explication. 

         Et puis l’an passé, nous avons fêté le deuxième anniversaire de la dispersion des cendres chez Jean-Luc, tout en haut du Cotentin. Nous avons festoyé, rendu hommage à Dionysos et Jean-Luc a sorti ses caisses de 45 tours. Bien sûr, nous avons tous écouté «Hold On» dans le plus frileux des recueillements, profondément convaincus que l’esprit de Jean-Yves rôdait parmi nous.     

Signé : Cazengler, Tandynite

Sharon Tandy. Hold On/Stay With Me. Atlantic 1967

 

 

L’avenir du rock

- Lawrence d’Arabie

 (Part Five)

         Comme l’avenir du rock se croit supérieur en tout, il refuse d’admettre qu’il peut être le jouet d’hallucinations. Et pourtant c’est ce qui pend au nez de tous, les erreurs dans le désert. Quand le soleil cogne, il est normal que la cervelle chauffe. Et comme la rate, la réalité se dilate. Mais pas pour l’avenir du rock. Il veut garder le contrôle, il en fait une question de dignité, même dans l’état de délabrement critique où il se trouve. Il ne se rend même plus compte que son souci de rigueur morale est devenu atrocement grotesque. Voilà qu’arrive au loin une silhouette familière. Tagada tagada voilà non pas les Dalton, mais Lawrence d’Arabie sur son dromadaire. Il approche rapidement et fait halte à deux pas de l’avenir du rock qui a l’air outré :

         — Mais vous n’êtes pas Lawrence ! 

         — Mais si, je suis Lawrence !

         L’homme porte une casquette à visière transparent bleue et des lunettes de soleil.

         — Vous êtes un usurpateur, Lawrence est bien plus beau que vous ! Il n’aurait jamais porté une casquette aussi laide ! Comment osez-vous monter son dromadaire ?

         — Mais c’est mon dromadaire !

         — Mais c’est pas possible, vous ne pouvez pas vous faire passer pour Lawrence d’Arabie et monter son dromadaire !

         — Mais puisque je vous dis que je suis Lawrence et que c’est mon dromadaire !

         L’avenir du rock trépigne de rage :

         — Mais puisque je vous dis que ce n’est pas possiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiible !

         — C’est incroyable de croiser dans le désert des réactionnaires comme vous. Vous n’avez rien d’autre à faire que de nier l’identité des gens, espèce de globo poujadiste ?

         Pour un homme, quel que soit son statut social, c’est l’injure suprême. Dans le désert, ce genre d’insulte prend une résonance particulière. Si l’avenir du rock survit à ça, ce sera un miracle. 

 

         Un nouveau Mozart Estate ? Aussitôt paru, tu sautes dessus. T’en baves d’avance. Il a mis une copine tatouée sur la pochette et t’as les paroles imprimées sur un grand poster. Lawrence d’Arabie prend bien soin de ses fans. Tu sais pour l’avoir fréquenté depuis le début, c’est-à-dire le temps de Felt, que son biz consiste à créer la sensation. Il part en mode la la la à la Brian Wilson et vire electro-pop. Tu sens

poindre une légère déception. Pendant quatre ou cinq cuts, il ne se passe rien. Pas de miracle, pas de glam, pas de rien. Le glam arrive enfin avec «A Lorra Laughs With Cilla». C’est sucré et délicieux. Un peu plus loin, il donne des ailes à sa pop avec «Donna & The Dope Fiends». Lawrence d’Arabie a ce genre de facilité, et soudain t’as un hit. Mais l’album est rongé par l’electro des machines. La voix est là, mais les machines gâchent tout. Il est en caoutchouc sur «Transgressions», son electro cache la misère compositale. Tu ne peux pas accepter ça. Et puis soudain t’as l’HIT fondamental : «Listening To Marmalade». Le voilà rétabli sur son trône, il a des grattes demented et des aw!, c’est tellement fabuleux que tu l’écoutes plusieurs fois de suite. Lawrence d’Arabie est l’héritier de Slade et de Mott, des Move et des Creation. Avec «City Centre», il ramène encore les grattes de rock et ça change tout. Il ramène aussi du Pretty Vacant et du Jonesing, mais il veille à rester poppy au chant - Ooh the nitty-gritty of your shitty city centre - Te voilà plus que jamais accro à l’Arabeat de Lawrence d’Arabie.

Signé : Cazengler, le rance d’Arabie

Mozart Estate. Power Block In A Jam Jar. Cherry Red 2025

 

 

Wizards & True Stars

 - Le grand Little Willie John

         Selon Sam Moore et Joe Tex, Little Willie John était le meilleur. Ce petit black de Detroit rêvait de devenir l’égal de son idole Frank Sinatra et beaucoup de ceux qui le connaissaient savaient bien qu’il allait y parvenir. Comme le dit si justement Sam Moore, Little Willie pouvait chanter le blues, le jazz et même tout le bottin du téléphone. On dit aussi que le style de Rod Stewart venait en droite ligne de celui de Little Willie.

         À une époque, Susan Whitall avait interviewé Mable John pour «Women Of Motown», un petit livre consacré aux divas de Detroit. C’est de là que lui est venue l’idée de retracer l’histoire de Little Willie John qui était le petit frère de la grande Mable John. Little Willie John’s Fast Life, Mysterious Death, and the Birth of Soul est un petit livre dense et dont la sobriété de style fait la grandeur. Elle brosse un portrait extrêmement attachant de Little Willie et réussit l’exploit de le rendre encore plus vivant qu’il n’était. Susan Whitall nous fait galoper dans les rues de Detroit en compagnie du gamin Little Willie et de son copain Levi Stubbs qui deviendra le chanteur des Four Tops. La nuit, Little Willie sort par la fenêtre de sa chambre pour aller participer à des concours de chant qu’il remporte haut la main. Sa chance est d’avoir un père intelligent qui accepte de l’aider plutôt que d’essayer de le recadrer.  Il faut dire que ce quartier nord de Detroit grouillait de gens intéressants : Mack Rice, Bettye LaVette, Smokey Robinson, Jackie Wilson et Aretha, des gens qui allaient tous et toutes devenir les stars que l’on sait. Mack Rice ajoute que tout le monde se connaissait et que tout le monde était le cousin de tout le monde. C’est Johnny Otis qui repère Little Willie, Jackie Wilson et Hank Ballard au Paradise Theater. Little Willie n’a que 13 ans. Ces trois-là vont décoller comme des fusées. Johnny Otis avait déjà découvert Little Esther. Ce mec avait du flair.

         Little Willie va rester Little Willie. Pas de problème, on comptait déjà pas mal de Little célèbres à l’époque : Little Esther, Little Richard, Little Walter et Little Stevie Wonder. Au moins Little Willie restera en cohérence avec son nom puisque le destin de lui permettra pas de vieillir.   Quand on meurt à 31 ans, on reste un Little.

         Little Willie s’est rapidement émancipé. Il est allé s’installer très jeune à New York, qui était alors la capitale de l’industrie musicale. Et c’est Henry Glover, un producteur noir embauché par Syd Nathan, qui ramène Little Willie chez King Records. Voilà comment Little Willie est entré dans la légende. Il avait annoncé à sa famille qu’il reviendrait à la maison avec un disque et c’est exactement ce qu’il a fait. Il avait aussi annoncé qu’il conduirait une Cadillac verte et qu’il serait copain avec Sugar Ray Robinson, le grand boxeur. Tout ce qu’il annonçait s’est réalisé.

         Pour Little Willie comme pour d’autres artistes - et James Brown en fait partie - Syd Nathan était un père tyrannique, mais un père. Pour accompagner Little Willie, Henry Glover fait appel à Mickey Baker qui était alors le guitariste le plus réputé d’Amérique. Willie accomplissait encore l’un de ses rêves : il se retrouvait en studio avec les meilleurs musiciens du showbiz. En 1955, Little Willie portait des costumes taillés sur mesure et conduisait une Thunderbird, ce qui amusait beaucoup Mickey Baker qui l’avait vu porter des costumes trop grands pour lui. Little Willie n’avait que 18 ans. Il ne portait que du mohair, du tweed et de la soie. Il préparait le terrain pour des play-boys en devenir, comme Marvin Gaye et les Temptations. Willie arrivait en studio vêtu d’un costume en soie gris clair, d’une chemise blanche, d’une cravate en soie grise et portait au doigt une bague sertie de quatre diamants.

Jimi and Fayne ( Foxy Lady ? )

         Il a commencé très vite à fréquenter les filles, et sa première fiancée fut Faye Pridgon qui allait ensuite passer dans les mains de Sam Cooke, puis de Jimmy James qui ne s’appelait pas encore Jimi Hendrix.

         Little Willie mit le turbo en récupérant le groupe de Little Richard, The Upsetters, qui de toute façon risquaient de tourner en rond, vu que Little Richard avait jeté ses bagues dans un canal pour signifier son retour à l’église. Avec les Upsetters, le show de Little Willie allait devenir de la dynamite et rivaliser avec celui de James Brown qui avoue qu’il avait beaucoup de mal à tenir le choc.

         Pour tenir le rythme des tournées, Willie et ses amis buvaient comme des trous. Sam Moore avoue volontiers qu’il fumait de l’héro en compagnie de Little Willie. Tous les grands artistes noirs prenaient des drogues. James Brown n’a fait que ça toute sa vie, comme le rappelle Hal Neely, son manager et producteur chez King.

         Selon H.B. Barnum, producteur chez Capitol, il n’y avait que deux géants de la Soul : Little Willie et Aretha. Alors Capitol décida de donner une chance à Little Willie, en lui proposant un contrat. Pour Little Willie, c’était la consécration, car Capitol était le label de son idole Frank Sinatra. Little Willie enregistra un album entier, mais comme il avait oublié de dire qu’il était encore sous contrat chez King, la parution de l’album fut bloquée, car Syd Nathan avait lâché ses avocats.

         Le bon temps n’aura pas duré longtemps pour le pauvre Little Willie : le temps de fonder une famille avec Darlynn et d’avoir deux fils Keith et Kevin, dont il était dingue, d’acheter une maison de rêve à Miami et d’aider sa famille restée à Detroit. Et puis, un soir de virée alcoolisée à Seattle, la choses prirent une mauvaise tournure. Un gros con nommé Roundtree cherchait des noises à Willie. Le p’tit Willie n’aimait pas qu’on lui cherche des noises. Dans la bagarre qui a suivi, Roundtree s’est ramassé un coup de couteau dans la poitrine. Le p’tit Willie a dit qu’il n’y était pour rien, mais des témoins l’ont accusé et il s’est retrouvé dans une taule dure, Walla Walla, pour quelques années.

         Tout est devenu très confus à partir du moment où on l’a arrêté pour le conduire au ballon, à l’été 66. Sa peine initiale de 3 ans s’était mystérieusement transformée en une peine qui allait de 8 à 20 ans, avec un minimum de 7 ans et demi. Ses proches pensaient qu’il allait s’en sortir en faisant appel. James Brown fit partie de ceux qui vinrent lui rendre visite et il s’alarma de l’état de santé du p’tit Willie. Mais c’était trop tard. Le p’tit Willie n’était plus que l’ombre de lui-même. En mai 68, Darlynn John reçut un télégramme lui annonçant la mort de son mari. Les circonstances exactes de sa mort ne furent jamais élucidées. Pneumonie ? Meurtre ? Rien n’a filtré. Personne n’a cherché à savoir ce qui était arrivé au pauvre p’tit Willie John. Personne. 

         Il nous reste les disks, et là attention, on ne rigole plus.

         Le p’tit Willie démarre en 1958 avec Talk To Me. C’est de l’avant-Soul, avec son mélange de slowahs sirupeux et de petits mambos de thé dansant. Il tape dans l’heavy jump avec «Uh Uh Baby». Le p’tit Willie est un fantastique shouter, il y va de bon cœur, et t’as même un killer solo flash à la King. Il rocke encore en boat avec «Until You Do». Puis il se lance sur les traces de l’ange Aaron en tapant une cover de «Tell It Like It Is». Il la shoute à l’oss de l’ass. Il a les chœurs du Sacré-chœur dans «Don’t Be Ashamed To Call My Name», un fast gospel ride qui surprend par sa vitalité. Le p’tit Willie est aussi le roi de la prélasse de la rascasse, comme le montre «If I Thought You Needed Me», et il regagne la sortie avec un heavy blues d’époque, «There Is Someone In This World For Me». Il le tient par la barbichette.

         T’as un très beau Froti-frotah sur le Mister Little Willie John qui date aussi de 1958 : «Don’t Leave Me My Dear». Il groove bien sa mélasse. Quel merveilleux petit roucouleur ! Ça t’émeut au plus haut point, surtout quand tu connais les circonstances de sa mort. Il t’émerveillera encore avec «You Got To Get Early In The Morning», ce petit jump bien frétillant. C’est le royaume du p’tit Willie. En fait, Ace a fait avec lui le même délire qu’avec George Jackson, en prenant soin de son œuvre. Mais la plupart des cuts de cet album n’ont pas de valeur ajoutée. Dans «Home At Last», le p’tit Willie groove en profondeur - My girl is a country girl - Il groove avec de fabuleuses cassures de rythme. Et dans «Are You Ever Coming Back», il se demande si sa baby l’aime encore. Et puis on le voit sauter derrière son micro dans «Why Don’t You Haul Off & Love Me». On l’adore.

         C’est une grande voix que t’entends sur l’antédiluvien Sure Things, un King de 1961. L’ambiance est au petit mambo, ça ne vieillit pas très bien, mais t’as la voix. Une voix ferme et fruitée. Il peut monter, alors il monte dans «A Cottage For Sale». Il a du potentiel et il peut devenir spectaculaire. Il feule. Ça prend vite de l’ampleur. Little Willie John est tellement précoce ! T’en reviens pas d’entendre cette bête de scène ! «My Love Is» sonne comme «Fever». Même ambiance, même drive de basse suspendu - My love is a deep blue sea - Encore une entourloupe romantique avec «The Very Thought Of You». Ça t’emmène loin. Ce fabuleux interprète pousse bien la chansonnette - I see your face in every flower - Comme le montre «You Hurt Me», il reste bien ancré dans l’heavy slowah. Sa voix tranche bien. Le p’tit Willie dégouline de talent. On comprend qu’il soit devenu culte. Il y a du Ray Charles en lui.

         Parue en 2002, la première compile qu’Ace consacre au p’tit Willie s’appelle The Early King Sessions. T’es vite frappé par la fantastique présence et l’accent tranchant du p’tit Willie. «All Around The World» sonne comme un vieux hit de juke. Et plus loin, t’as la magnifique tenue de route d’«Home At Last» - My little girl/ Is a country girl - Il est déjà complet comme le montre ce vieux jump d’«I’m Sticking With You». Et tu finis par tomber sur «Fever». Il est au sommet de son lard. Et comme le montre «My Nerves», ça swingue chez King. Il pose encore sa voix au sommet de «Do Something For Me». Tony Rounce a raison de clamer sur tous les toits que le p’tit Willie est le best. Il fout encore le feu à l’early Soul avec «I’ve Been Around» et tu tombes à la suite sur le puissant «Suffering With The Blues». Tu ne t’en lasses plus. Il chauffe encore à blanc «A Little Bit Of Loving» et on sent sa maîtrise instinctive du génie Soul avec «Will The Sun Shine Tomorrow». On teste encore le fabuleux power de la King size avec le swing de «You Got To Get Up Early In The Morning». Pour un early, le p’tit Willie est déjà très en avance. Il donne le tournis, tellement il est bon, «Look What You’ve Done To Me» le sort encore du lot : t’as peu d’artistes aussi intéressants. Il chante l’«I’ve Got To Go Cry» à la cantonade, et c’est pas fini, car voilà l’ahurissant «Uh Uh Baby», un jump qu’il arrache du sol, et dans «Dinner V-Date», une petite gonzesse lui donne la réplique. Ça se termine avec «Until You Do», un jump à la Fats Domino. Le p’tit Willie a ce type se ressort, il peut rocker tout un boat de jump. Fantastique p’tit shouter !  

Four Tops

         Bill Dahl rappelle que le p’tit Willie est arrivé avec les pionniers, Ray Charles, Clyde McPhatters, Jackie Wilson et Sam Cooke. Dahl rappelle aussi que Levi Stubbs et le p’tit Wille étaient copains d’enfance et qu’ils participaient ensemble aux concours du Paradise Theatre de Detroit. Le p’tit Willie gagnait toujours le premier prix. Son premier hit sera «All Around The World» et son premier méga-hit «Fever».     

         Ace consacre une deuxième compile au p’tit Willie : The King Sessions 1958-1960. On y retrouve les cuts de Talk To Me et Mister Little Willie John, et notamment l’extraordinaire chanteur d’«A Cottage For Sale», on retrouve cette voix colorée et lancée vers l’avenir, cette voix qui tranche dans le lard, même chose avec l’ultra-chanté «There’s A Difference», le p’tit Willie ne te lâche plus la grappe. Il chante encore «I’ll Carry Your Love Wherever I Go» à la vie à la mort. Il rocke le boat de Mathusalem avec «Spasms», tape le «Tell It Like It Is» d’Aaron, et on entend des chœurs de rêve incroyablement nasillards sur «Don’t Be Ashamed To Call My Name». Cette compile propose un fabuleux mélange de slowahs dégoulinants et d’early r’n’b ! Régal encore que ce «My Love Is», monté sur le bassmatic de «Fever». Régal derechef avec l’heavy boogie down d’«Heartbreak (It’s Hurting)», bien bardé de la bardasse. King ne lésinait pas sur les basses.

         Alors attention : cette compile Ace qui s’appelle Nineteen Sixty Six. The David Axelrod/Barnum Sessions pourrait bien être l’un des plus grands disks de Soul de tous les temps. Le p’tit Willie est sorti du placard le temps d’enregistrer 11 cuts chez Capitol, mais comme il est sous contrat chez King, Syd Nathan bloque la parution. Incroyable gâchis ! Autour du p’tit Willie, t’as H.B. Barnum et David Axelrod, mais aussi Carol Kaye au bassmatic et Earl Palmer au beurre. Et ça démarre avec l’incroyable swagger de «Country Girl». T’entends ce fantastique blackos aux abois de la Soul - So glad I’m home at last - On entend une force de la nature. Il gueule son «Never Let Me Go» par-dessus les toits. Le p’tit Willie est un géant, un génie impérieux. La prod est stupéfiante. Il amène «(I Need) Someone» au sommet des possibilités du genre. Tu vas de prodige en prodige. Il plonge encore dans un océan de génie productiviste avec «Welcome To The Club» et t’entends l’un des trois guitaristes gratter des poux de punk dans «Early In The Morning». T’as encore un heavy blues gorgé de génie avec «Crying Over You». C’est Carol Kaye qui introduit le dernier cut à la basse, «You Are My Sunshine», elle groove fantastiquement, avec le shuffle d’Earl derrière. Prod demented ! Puis à la suite, t’as des alternates. Le p’tit Willie se colle tout seul au plafond. Ça swingue au paradis de Kent Soul avec une autre version de «Welcome To The Club», t’as une prod à la Michel Legrand, c’est dire le punch astronomique. Le p’tit Willie reste au-devant du mix somptueux d’H.B. Barnum. Et ce vieux con de Syd a bloqué tout ça ! Non mais, tu te rends compte ? Dans ses liners, Tony Rounce explique que ces bandes sont restées bloquées pendant 40 ans. C’est Billy Vera qui va alerter Ace sur l’existence de ces enregistrements. Pour David Axelrod, c’est «the best album I ever produced that nobody’s never heard.»

         Pas mal de bonnes surprises sur Heaven All Around Me - The Later King Sessions 1961-63, la quatrième compile qu’Ace consacre au p’tit Willie. T’as l’heavy boogie down de «Take My Love (I Want To Give It All To You)». Là tu tagadates ! Le p’tit Willie peut se montrer aussi incendiaire que Little Richard. Il sait aussi se montrer sirupeux : «My Love Will Never Change» dégouline de spurr. Et puis t’as cet heavy jive incendié au sax, «Doll Face», qui a tous les atours d’un vieux coup de génie. Le p’tit Willie se jette à corps perdu dans le morceau titre, «Heaven All Around Me», qui sonne comme un gospel d’orgue, il y shoote tout son dévolu. Quel p’tit crack ! Il peut gueuler comme un veau et challenger le Soul System. Encore un fantastique heavy slowah : «Come Back To Me». Il le prend à l’accent tranchant. Le p’tit Willie ramone la cheminée de la Soul. Il est à l’aise partout. Il hiccupe sur «(I’ve Got) Spring Fever». Pas de problème. Il fait son Isley sur «Come On Sugar» et il s’accroche à son now you know dans «Now You Know». «Like Boy Like Girl» sonne comme un petit jive de juke d’avant la bataille, et il revient au slowah qui est son cœur de métier avec l’effarant «I Wish I Could». Il y jongle avec les pillow et les willow. Sacré p’tit Willie ! Il chante avec son p’tit chapeau à carreaux sur la tête, tout est dans le pillow et le willow. Quelle clameur ! Puis il s’en va rocker sa compile avec l’hard r’n’b de «Don’t You Know I’m In Love». Il peut te foutre le feu à la grange. Il adore l’odeur du cochon grillé. Solo de sax et King prend feu ! Dans ses liners, Tony Rounce affirme que le p’tit Willie est son all-time favourite singer. Pour lui, le p’tit Willie a inventé «the art of soul singing, quelques années avant que le rhythm & blues ne devienne la Soul.» Il considère que Chuck Jackson, Sam Cooke, Oscar Toney Jr et James Brown «own him a debt of stylistic gratitude.» Rounce rappelle que le p’tit Willie est né en Arkansas, mais il a grandi à Detroit. Il a démarré à l’âge de 16 ans dans le Paul Williams Orchestra, et signé son premier contrat chez King en 1955. Quand le p’tit Willie se retrouve au ballon en 1965, le boss de King Syd Nathan essaye encore de l’aider. Pour Nathan, le p’tit Willie est «in my book, the best vocalist in the US.». Impossible de le faire sortir. La santé de Syd Nathan décline et le p’tit Willie va se retrouver seul face à son destin pourri. Syd Nathan casse sa pipe en bois en mars 1968. Le p’tit Willie va casser lui aussi sa pipe en bois, deux mois plus tard. Pneumonie ? 

Signé : Cazengler, Little tout court

Little Willie John. Talk To Me. King Records 1958

Little Willie John. Mister Little Willie John. King Records 1958

Little Willie John. Sure Things. King Records 1961  

Little Willie John. The Early King Sessions. Ace Records 2002        

Little Willie John. The King Sessions 1958-60. Ace Records 2005 

Little Willie John. Nineteen Sixty Six. The David Axelrod/Barnum Sessions. Ace Records 2008

Little Willie John. Heaven All Around Me. The Later King Sessions 1961-63. Ace Records 2009

Susan Whitall. Fever - Little Willie John’s Fast Life, Mysterious Death, And The Birth Of Soul. Titan Books 2011

(1958)

 

L’avenir du rock

 - 1515 ? François Premiers

(Part Two)

         D’une voix solennelle, Jacques Sans-Sel interpelle l’avenir du rock :

         — Avenir du rock, dans votre pensée, pas de Freud, pas de Marx, pas de mode, donc vous êtes un provocateur...

         — Pfffff...

         — Vous vous interdisez tout, même la Bible ?

         — Pffffff...

         — Et Dieu dans tout ça ?

         — Pffffff...

         L’avenir du rock sait qu’il a encore fait une connerie. Il n’aurait jamais dû accepter cette invitation à Radioscopix, le radio show le plus pompeux de tous.

         — Devons-nous comprendre que répugnez à parler de votre spiritualité, avenir du rock ?

         — Pfffff...

         L’avenir du rock observe la tronche de cake de Jacques Sans-Sel. Il n’arrive pas à en penser du bien. Et puis sa condescendance commence à sérieusement lui courir sur l’haricot.

         — Votre réserve naturelle vous honore, avenir du rock. Serait-elle la partie visible de l’iceberg de votre intégrité ? Permettez-moi de n’en point douter... On vous sait aussi définitivement réfractaire aux idées de profit, de progrès, de bonheur conjugal, de réussite, de croissance, vous affirmez aussi que le digital est le diable...

         — Pfffff...  

         — On dit encore que vous haïssez les riches, les parvenus, les développeurs, les intellos, les télérameurs, les grosses bites, les footballeurs, les gens qui votent, et surtout les winners...

         — Pfffff...

         — Peut-on dire que, globalement, vous haïssez les premiers de la classe ?

         — Tous les premiers sans exception. Sauf les François Premiers. Pas de problème avec ces mecs-là.

 

         Si tu veux passer un bon quart d’heure, si tu veux ta petite dose de rock’n’roll local, si t’as besoin de te décrasser les oreilles, si t’as besoin d’oublier que le monde est monde, si t’as envie de taper du pied, si tu crois encore aux vertus d’un bon set de rock, si tu préfères le real deal à la mormoille, si tu en pinces pour les petites

communions communautaires, si t’as vraiment envie de voir deux mecs gratter leurs Teles avec une réelle envie d’en découdre, si tu veux voir un groupe qui vieillit bien, alors tu peux aller voir jouer les François Premiers. T’auras tout ça et encore plein

d’autres choses : du son, zéro frime, de la suite dans les idées, ils ont en plus un goût pour les covers de choc, à commencer par cette fantastique cover du «Way You Touch My Hand» des Revelons, repris par les Nomads, et là ils t’envoient balader dans la meilleure des stratosphères, ils s’approprient ce vieux classique intouchable

et lui redonnent vie de façon spectaculaire. Avec cet hommage aux Nomads, ils basculent dans le rut du rock et t’as cette densité des deux Teles qui te percute le chambranle, au point que tu vas garder la mélodie chant en tête pendant plusieurs jours. Ils tapent d’autres covers qui ne sont pas aussi magistrales, comme le «Don’t Put Me On» des Groovies, ou encore le «So Bad» de Little Bob. Par contre, ils terminent leur set avec un clin d’œil aux Standells : «Sometimes Good Guys Don’t

Wear White» et ça passe comme une lettre à la poste. Ils raflent encore la mise avec l’excellent «Franciscopolis», leur premier single, bourré de niaque, et «Space Time» qui t’envoie aussi au tapis. Le set est dense. T’as vraiment pas le temps de t’ennuyer. 

         Tu retrouves le flashy «Space Time» sur un single, tu le vois virer glorieux, en plein dans la veine des Groovies, bien rauque et rocailleux, avec son refrain éclatant.

 En B-side, t’as une frétillante cover de l’«Alone With You» des Sunnyboys. Tu retrouves aussi «Salamander Shuffle» sur un autre single, mais il te fait le même effet qu’en concert : pas vraiment d’originalité. Le «Let Me In» en B-side est plus alléchant, car monté sur un gros shuffle et bien tortillé de la tortillette. C’est une cover des Sorrows et donc ça passe comme une lettre à la poste.

Signé : Cazengler, fantoche premier

François Premiers. Le Fury Défendu. Rouen (76). 5 décembre 2025

Space Time. Poseur 2022

Salamander Shuffle. Poseur 2024

 

 

Inside the goldmine

 - Andwella-haut

         André Lat était un petit homme assez imbu de sa personne. On ne tolérait sa présence que parce qu’il était le patron de la structure, mais globalement, les gens ne l’appréciaient pas beaucoup, sauf peut-être la concierge qui lui ramenait son courrier chaque matin avec les derniers potins du quartier. Cette femme relativement jeune n’inspirait pas non plus beaucoup de sympathie, autant dire aucune, aussi les trouvait-on bien assortis. Pas si simple de bosser dans un tel environnement. On a beau essayer de faire abstraction de certains désagréments, la réalité se charge toujours de les remettre en évidence. Au point qu’on redoutait l’arrivée de la concierge en milieu de matinée. André Lat poussait le bouchon jusqu’à lui claquer la bise et essayer de la faire passer pour plus intelligente qu’elle n’était, en lui donnant par exemple quelques détails sur des projets en cours. Bien évidemment, elle n’y pigeait rien, mais elle faisait celle qui s’intéresse. «Ah bon ?». Puis André Lat lui proposait un café, et comme on bossait en open space, on devait supporter cette conversation sans queue ni tête chaque matin, et ça finissait par devenir insupportable. Elle en profitait pour glisser quelques petites vacheries, du genre, «vous savez que certains de vos salariés ne me disent pas bonjour quand ils passent devant ma fenêtre», et la sentant venir, au lieu de demander des noms, André Lat lui expliquait qu’il venait de décrocher un gros budget chez Gaz De France, pour un quiz technique destiné à tout le personnel, à quoi la concierge répondait : «Ah bon ?», comme si elle savait de quoi il s’agissait, et cette conversation quotidienne qui n’avait ni queue ni tête finissait pas se perdre dans des considérations habituelles du genre «il va faire beau aujourd’hui». On se demandait si André Lat baisait la concierge, car il lui arrivait de s’absenter une petite heure de temps en temps, nous disant à tous : «Je reviens ! Je suis à côté !». C’est vrai qu’avec du recul, tout cela n’est pas si grave. Les gens qu’on envoyait jadis bosser au fond des puits de mine devaient en baver beaucoup plus que nous, mais eurent-ils à subir le spectacle d’une telle médiocrité comportementale ?

 

         Alors qu’on étouffe avec André Lat, on respire au grand air avec Andwella. Ce groupe cultissime monté par David Lewis en 1969 s’appela d’abord Andwellas Dream, puis Andwella.

         C’est tout de même incroyable ! Alex Stimmel a réussi à interviewer David Lewis cinquante ans après la bataille ! Quelle bataille ? Et qui est David Lewis ?

         La bataille est celle d’Andwellas Dream et David Lewis l’homme à tout faire d’Andwellas Dream : flûtiste, guitariste, chanteur, compositeur, et même brillant compositeur. Écoute le World’s End paru en 1970, et tu sauras tout ce que tu dois savoir sur la brillance compositale. Donc cinq pages sur Andwellas Dream dans Ugly Things ne devraient pas te faire peur.

         En fait, Stimmel centre son pâté de foi sur le premier album de David Lewis, Love & Poetry. Le groupe s’appelle encore Andwellas Dream. Stimmel parle en termes de «top-flight psychedelic songwiting and heavy organ/guitar interplay». Le manque de succès de son premier album va traumatiser le jeune David Lewis.

         En fait, David Lewis est un petit mec de Belfast qui a commencé par flasher sur Roy Orbison et le British Blues. Il rencontre un groupe nommé The Method et leur manager s’appelle George Mehan. Quand il voit Cream sur scène, David Lewis flashe sur les Marshall stacks et il veut les mêmes. Pas de problème. Mehan sait booker des dates, et pas seulement en Irlande. Il fait jouer The Method au Marquee Club. David Lewis gratte une 1950s Les Paul. Ce qui impressionne son copain Gary Moore. David Lewis rencontre aussi Phil Lynott et Brush Shiels de Skid Row à Dublin.

         Il décide de rester à Londres, car c’est là que ça se passe. Le nom d’Andwella lui vient en rêve. D’où Andwellas Dream, sans apostrophe. Ils font partie des grands power trios de l’époque. Leur modèle, c’est Cream. Ils sont repérés par une filiale de CBS, Reflection. Le batteur Wilgar Campbell quitte le groupe en plein milieu des sessions pour rentrer en Irlande jouer avec Rory Gallagher qui lui propose un gros billet. Gordon Barton le remplace, mais pour David Lewis, ce n’est plus l’Andwellas Dream original. L’album Love & Poetry sort, mais ne se vend pas. Donc pas un rond. Ce sont les parents qui mettent du beurre dans les épinards.

         Bizarre que Love & Poetry n’ait pas marché, car David Lewis est un crack du gras double. Il faut le voir ramener des poux bien gras dans le «The Day Grew Longer For Love» d’ouverture de balda. Et t’as en plus le bassmatic extraordinairement inventif de Nigel Smith. Et ça bascule aussitôt après dans le coup de génie avec «Sunday», belle tendance au power-gaga psyché avec de l’écho plein les poux. Quel volume, et quel relief et quel panache ! Avec «Man Without A Name», David Lewis entre bien dans le chou du lard, il ne fait pas semblant. Mais c’est avec «Cocaine» qu’il rafle la mise. Il amène sa coke au heavy groove de gras double de when you come around. Il flirte une fois de plus avec le génie, il gratte de délicieux poux liquides. C’est une merveille de doux sonic wail. La B est un tout petit peu moins dense. «Shades Of Grey» se présente toujours avec ces faux airs de paix sur la terre, mais c’est vite ravagé par la gras double de David Lewis. Et puis t’as cette belle plongée en eaux troubles psychédéliques qu’est «Felix». Superbe ! C’est noyé d’orgue et de bassmatic envoûtant. Incroyable qu’un album de cette qualité soit passé à l’as.

         Après cet échec qu’il considère comme cuisant, David Lewis qui n’a encore que 17 ans,  simplifie le nom du groupe qui devient Andwella. Il revient en studio et John Hawkins qui se prend pour un arrangeur arrose les compos de David Lewis qui n’est pas très content du résultat. Pour Gordon Barton, Andwella commence à sonner comme les Moody Blues. Le bassman Nigel Smith en a ras le bol et quitte le groupe.

         World’s End est donc le dernier rêve d’Andwella. Mais quel bel album ! T’es happé aussitôt «Hold On To Your Mind» et ce joli background de percus & beurre, c’est même très «Baron’s Saturday» dans l’esprit, et quand David Lewis ramène son gras double, on adhère au parti. S’ensuit un «Lady Love» fantastiquement bien chanté. David Lewis a de l’à-propos. Et quelle compo ! Il a des faux airs lennoniens. L’autre grosse compo de l’album se trouve aussi sur le balda : «I’m Just Happy To See You Get Her». David Lewis chante son ass off et c’est extrêmement orchestré. On retrouve le thème d’intro de «Get Back» dans «Michael Fitzhenry», avec une flûte à la Tull derrière. Mais David Lewis sait muscler un cut, comme le montre «Just How Long». Le gras double n’est jamais loin. Il sait aussi challenger une fin de cut. Quel gaillard ! En B, il chante «Back On The Road» au doux du doux et son «I Got A Woman» est assez Peter Greeny dans l’esprit (Black Magic Woman). Il atteint encore les cimes de la pop anglaise avec ce «Reason For Living» qu’il monte bien en neige, et qu’il farcit d’un joli développement en interne. On retrouve l’intro de «Get Back» dans «Shadow Of The Night», mais traité en thème, avec un piano jazz et ça vire en mode heavy groove de pop flûtée. C’est très anglais.

         World’s End, c’est bien sûr le World’s End du bout de King’s Road. On s’étonne d’une telle qualité, mais on comprend mieux, quand Tyler Wilcox nous explique dans le luxueux booklet de la red Numero Group que David Lewis vient de rencontrer Bobby Scott, un Américain d’ascendance Sioux/Irish installé à Londres, et notamment compositeur d’«He Ain’t Heavy He’s My Brother», popularisé par les Hollies et Neil Diamond. Scott est surtout un pianiste de jazz qui a joué avec Quincy Jones et Chet Baker, et qui a enregistré un album culte, Robert William Scott et masterminded le What A Beautiful Place de Catherine Howe. Pardonnez du peu. Scott et David Lewis nourrissent une admiration mutuelle. C’est Scott qui compose «World’s End Part 1».

         Alors intrigué, t’écoutes Bobby Scott et son album sans titre, Robert William Scott, paru en 1970. Tu vas aller de surprise en surprise, et ce dès «Glory Glory Hallelujah», un shoot de gospel blanc, avec des chœurs de filles glorieuses. C’est à la fois très beau et très ténébreux. Il enfonce son clou dans ton oreille avec «Willoughby Grove», un fantastique groove de grove, chanté d’une voix sourde, dans une ambiance à la Larry Jon Wilson. Bobby Scott se positionne dans le croon de round midnite d’une portée considérable, notamment sur «That’s Where My Brother Sleeps», il sonne comme un Ray Charles blanc. C’est en B qu’il atteint la gloire éternelle avec «He Ain’t Heavy He’s My Brother». Il semble épuisé par l’effort, par tant de pureté mélancolique, ça ne tient qu’à un fil. On peut même parler d’éclat mirifique. Il finit son «Woman In The Window» en apothéose d’are you free, et c’est avec le plus dansant «Rivers Of Time» qu’il te marque la cervelle au fer rouge. Quel romp et quelle allure ! Il boucle avec un «Taste Of Honey» comme suspendu dans les jardins de Babylone, ça fait l’effet d’une lévitation mélodique exceptionnelle, assez dénudée dans son essence, mais luxuriante par sa défiance. Tu retournes la pochette et tu vois Bobby Scott s’enfoncer dans les bois.

         Un deuxième album d’Andwella sort la même année : People’s People. Il est beaucoup plus faible que World’s End. On sent les influences de la pop américaine, notamment The Band dans «Saint Bartholomew». «Mississippi Water» sonne aussi trop américain. Et avec «I’ve Got My Own», il se prend pour Dylan. Même nez pincé et même poids mélodique. Le morceau titre est un balladif de petite vertu. Franchement, qui va aller écouter cet album ?

         Puis CBS va virer Reflection et les droits des cuts de David Lewis vont être revendus sans qu’il le sache. Quand tout s’est écroulé, David Lewis n’a encore que 19 ans. Il ne rentre pas en Irlande. Il s’installe à la campagne, dans le Sussex, et fonde une famille. Puis sur le tard, il ira comme beaucoup d’Anglais s’installer en Espagne.

Signé : Cazengler, Andwellariflette

Andwellas Dream. Love & Poetry. CBS 1969

Andwella. World’s End. Reflection 1970

Andwella. People’s People. Reflection 1970

Robert William Scott. Robert William Scott. Warner Bros. Records 1970

Alex Stimmel : Andwellas Dream. Ugly Things # 58 - Winter 2021

 

 

*

        Il faut bien que le cercle se referme. Nous avons terminé l’année dernière – même si la chronique est officiellement datée du 01 / 01 / 2026 – par la présentation d’un livre déjà ancien, Les années Rock’n’roll de Rodolphe, or comme un cercle ne se termine que pour mieux recommencer, nous embrayons cette happy new year - goûtez l’amère ironie de cette expression,  nous ferions mieux d’utiliser le titre Under the Volcano du roman de Malcolm Lowry - sur un livre de Rodolphe, ce coup-ci : une nouveauté, encore du rock’n’roll, soyons précis du :

ROCKABILLY

RODOLPHE – DUBOIS

(Editions Daniel Maghen / Septembre 2025)

J’avais vu la couve sur le net et passé la commande chez ma libraire. En fait je n’avais rien vu. J’avais à peine refermé la porte de la boutique que l’on m’a de loin exhibé l’exemplaire, waouf, ça en jette, une oriflamme, rien à voir avec l’image nettique, un véritable vitrail, un truc qui vous éclabousse les yeux, exit le format timbre-poste, presque une affiche de cinoche, l’on sent que ça va être dur, nos deux héros sont dos au mur, seuls contre l’univers entier, pas adossés à une épaisse courtine médiévale, un vieux truc branlant de planches pourries, n’ont pas d’armes pour se défendre sinon une gratte au manche fatigué, oui mais une Gretsch, vous savez les westerns sans musique… Remarquez le rockab sans guitare, c’est idem…

Bref, dès la couve Christophe nous montre de quel Dubois il se chauffe, certes sur la dernière page, vous avez une liste de vingt-trois titres pour vous mettre dans l’ambiance, Gene Vincent est le seul, avec Presley, à être crédité de deux morceaux, le genre de détail qui me comble d’aise, tous des pionniers, nous ne citerons que Johnny Carroll, Ronnie Self, Johnny Reynolds, et Barbara Pittman… certes ce n’est pas mal, mais enfin une bande dessinée ne chante pas, va donc falloir tenir un œil sur le dessin et tendre l’oreille pour l’entendre.

Rodolphe et Dubois ont déjà travaillé ensemble sur les trois tomes de la série TER, et les trois tomes de la série Terre. Si je devais recopier la bibliographie de Rodolphe, je n’aurais plus de place pour la chronique de notre ouvrage. Ce qui suit est un hors-sujet :  je m’aperçois que Rodolphe et Dominique Cordonnier ont créé une série de deux albums, : Tome 1 : Les horizons perdus (1986) et Tome 2 : Saint-Petersbourg (1987), intitulée Milosz. Rien à voir avec le rockabilly. Je n’ai pas lu ces deux albums, et n’en connaissais même pas l’existence, mais le nom de Milosz, un des plus grands poëtes de notre littérature, est un azimut fixe de ma boussole intérieure… Même si les dates et les lieux de leur existence peuvent coïncider, le héros de cette BD malgré cette homonymie n’a rien à voir avec notre poëte un des plus énigmatiques notre lyrique, qui s’en est venu mourir à Fontainebleau, ville impériale où il avait pris l’habitude de venir nourrir les oiseaux dans un jardin public… Je ne rate jamais dans mes chroniques l’occasion d’un hommage fugace à cet arpenteur du rêve…

Nous voici donc à Hazard, un bled pommé des Appalaches sis dans le sud-est du Kentucky, relativement proche de la frontière avec la Virginie. En fervent mallarmiste je me suis demandé par quel hasard l’action se déroule dans une ville appelée Hazard. La réponse s’avère davantage historique que mallarméenne, les hasards de la guerre y sont pour beaucoup, le commodore Olivier Hazard Perry remporta une victoire décisive sur les forces anglaises lors de la bataille du Lac Erié en 1813. Une centaine de volontaires, vêtus de leurs vestes à franges à la Davy Crockett et armés de leur longs fusils, venus du Kentucky jouèrent un rôle décisif  durant la bataille. De retour au Kentucky, ils insistèrent pour que le soixante-huitième comté de l’Etat portât le nom de Perry… Les premières baraques de rondins construites sur la fourche nord de la rivière Kentucky prirent très vite le nom de Hazard… Comme quoi quelques coups de fusils ne peuvent que précipiter le Hazard.

Je vous ai fait attendre, excusez-moi, ce n’est pas de ma faute, le train a mis du temps arriver. Le frérot s’impatiente, l’a autre chose à faire de bien plus intéressant, c’est ce qu’il dit parce que dans quelques minutes, il déclarera qu’il ne rêve que de se barrer au plus vite  de ce trou à rat – nous sommes en 1956 ou 1957 - les statistiques sont formelles La bourgade de Hazard a commencé à perdre sa population à partir de la deuxième guerre mondiale – le frérot n’est pas un mauvais bougre, il est là pour remplacer son grand-frère retenu par le boulot à la ferme, en plus il est sympathique il trimballe sa guitare, il en joue et essaie d’improviser des parole sur ce qu’il est présentement en train de faire. Compose un morceau de rockab, c’est dommage que la BD ne soit pas écrite en anglais, car les mots (en français) sur lesquels il s’escrime ne font pas très rockab… Bref la personne qu’il attend arrive. Surprise, il s’attendait à un cageot, à un boudin, non c’est une garce qui a du chien. En plus elle est branchée rockab, elle connaît Buddy Holly, et James Dean.  Perso, autour de moi, je connais des tas de filles qui n’ont jamais entendu parler de Buddy Holly !

Âmes tendres et romantiques, ne croyez pas qu’ils vont se marier et avoir beaucoup d’enfants. En fait ça ressemble un peu au premier film d’Elvis Presley, Le cavalier du crépuscule. Hank est venu chercher Barbie qui doit se marier avec son frère Bram. Un bosseur, pas branché rockab. Vous savez parfois dans la vie, le mariage par correspondance est un moyen qui vous permet de vous tirer d’une situation pas très smart…

Le premier repas en soirée se passe bien, Barbie fait la connaissance de la famille. Des mecs bien. Non, pas de femme, si une sœur mais elle compte pour du beurre, la mère a foutu le camp il y a longtemps, bref le père et les garçons ont survécu comme ils ont pu. Barbie est bien reçue… J’ai menti, l’est vrai que le repas est sympa, au début parce qu’à la fin, ça se gâte un peu. L’engrenage s’enclenche…

Si vous n’avez jamais compris pourquoi André Gide a déclaré famille je vous hais, la lecture de cet album vous aidera. Tout s’enchaîne, le pire et l’horrible s’amusent à tour de rôle à faire la course en tête. Si vous êtes un sociologue de gauche, vous leur trouverez quelques excuses, la misère, l’ignorance, vous ajouterez d’un air docte que dans les coins reculés des Appalaches, la population un peu tarée, l’alcool, le poids de la religion bla…bla… bla… bref vous aurez l’impression que Zola et Céline ont écrit des romans pour la bibliothèque rose pâle…

Intéressons-nous aux fleurs idylliques qui poussent sur le fumier. Oui Hank se sortira de son patelin pourrave et de sa famille sordide… Il a rêvé d’être chanteur de rockabilly, il le sera. Pourriez-vous espérer une meilleure fin, voire un tel destin. Surtout qu’entre-temps l’on verra Gene Vincent sur scène et l’on croisera Jerry Lou. Bref ça rocke à mort. Mais ce n’est pas tout, après la tornade familiale échevelée, un scénario à la Faulkner, Rodolphe et Dubois font le maximum pour satisfaire vos désirs les plus chers, l’album n’a pas de fin. Il en a trois.

Pourquoi trois ? Parce que la vie n’est pas un long fleuve tranquille, parce qu’il faut savoir chevaucher le tigre, parce que parfois il faut prendre prendre le temps de réfléchir. Votre bouquin refermé, il faudra faire turbiner vos neurones.

Un bel album. Les fans de rockabilly adoreront. Ceux qui n’aiment pas le rockabilly risquent de ne pas tout comprendre.

Tant pis pour eux !

Damie Chad.

 

*

J’ai toujours pensé que les tours n’ont jamais tort. Je bosse par accointance. Je pars d’un rayon qui émane de mon cerveau reptilien. Je ne sais pas où je vais, mais je me compare à un phare qui tourne sans fin sur lui-même dans l’opacité du monde, sans que rien jamais n’apparaisse dans son faisceau… En  tout cas dans la vie réelle dès que j’aperçois une tour, je vais en faire le tour.

LA TORRE

SEPSI

(Bandcamp / Décembre 2025)

         Projet d’un homme seul. Normal, les tours sont souvent solitaires. Un italien. De Turin. Je ne connais pas la langue de Dante, j’ignore si ce prénom est courant en Italie. Toutefois je doute. A la limite un surnom affectueux, là je suis carrément sceptique.  La racine grecque de ce mot nous a donné les vocables sepsis et septicémie. Un état qu’en ce début d’année je ne vous souhaite pas puisqu’il qui vous mène aux portes de la mort…

         Indice concordant la tour de la couve ne me semble guère en bon état. Je ne pense pas qu’elle soit appelée à survivre autant que celle de Pise…

Tracce : z’êtes accueillis par un bourdonnement doré de basse funèbre, une mouche qui prend son pied sur un cadavre, puis survient le vocal, un italien en italien, une voix de gorge étranglée, mais quelle faconde, quelle exagération, quelle gesticulation, quelle boursouflure méridionale, certes il a un chagrin d’amour, pas la peine non plus d’en faire trop, lui-même doit s’en apercevoir car il prend la parole, on le croirait en train de prononcer une homélie sur la fin des temps dans la basilique Saint Pierre de Rome, tremblez chrétiens et non-chrétiens, la fin du monde et votre entrée en Enfer sont imminentes, entre nous il ne doit pas être trop croyant, car il reprend son rôle de tragédien, dernière scène du dernier acte d’Andromaque, un réel talent de comédien, rajoutez la batterie qui appuie sur le couvercle du pot de la mayonnaise, et vous êtes servi, l’a tout de même un sursaut, il reprend sa voix sépulcrale et apocalyptique, les temps derniers doivent être terminés  car le morceau s’arrête. Ne croyez pas que je me moque, à la fin du spectacle vous levez et vous applaudissez à tout rompre, ce n’est en rien novateur, mais comme c’est bien envoyé, vous en ressortez tout fier comme si vous veniez d’être nommé premier moutardier du pape par sa Sainteté en personne. Landa desolata : une perceuse qui se prend pour un percolateur, nous étions dans les fastes pontificaux, nous voici transformés en ermite errant dans le désert, l’amour a disparu, ne reste plus qu’une terrible solitude pour l’homme, notre anachorète a bouffé trop de cacahouètes, elles roulent dans sa voie agonique, elles produisent un gravellement ironique, guitare et batterie montent en puissance elles n’ont pas toujours l’habitude d’accompagner une agonie en direct, notre histrion n’en arrête pas moins de jacter pour autant, l’est désespéré de l’état dans lequel il s’est lui-même plongé et l’en devient en colère, il balance son ire contre lui-même, contre son état furibond, et contre le monde entier que son exécration réduit à un désert, l’est maintenant sujet à des hallucinations auditives, qui parle, non ce n’est pas Dieu, même pas le Diable qu’il aurait dépêché pour s’occuper spécialement de vous, véritable suspense, quelles sont ces voies inconnues qui l’appellent… Devant une telle énigme le morceau ne peut que s’arrêter. Vous-même vous le remettez, certes il très malheureux mais vous n‘avez jamais entendu un doom de lamentin de cette nature, qui vous vous procure une telle jubilation. La Torre : enfin la tour, le drone du doom se casse la figure sur sa muraille infranchissable, la batterie fait tout ce qu’elle peut pour disloquer les pierres, efforts inutiles, l’est enfermé dans la tour, en pleine folie, en pleine déraison, il hurle, il maudit, une guitare joue à la scie sauteuse pour lui couper la langue, hélas, elle ne réussit pas, il reprend ses lamentations incoercibles avec encore davantage de virulence, ne riez pas, nous sommes tous des tours, dans lesquelles nous nous sommes enfermés, nous y souffrons, nous y mourrons de solitude, toute tour est intérieure, toute tour est métaphysique, elles sont le premier et le dernier asile, dont jamais nous ne parviendrons à sortir, notre tour est notre mal-être congénital, nous nous énervons, nous  nous démenons contre nos propres démons, nous nous débattons contre nous-même, ce qui explique pourquoi nous ne gagnerons jamais la partie. Un dernier cadeau : une fin consolatrice, de la belle musique, du doom doux, du doom allègre, du doom léger comme autant en emporte le vent, du doom-vin, du doom-vain, un doom qui ne vous fera plus jamais de mal, un doom inattendu, un doom inentendu, que voulez-vous la fureur de la folie se résout souvent en rire inextinguible, car tant que nous sommes fous, nous sommes vivants, la tour tient bon et résiste à tous les assauts, ceux qui viennent de l’extérieur, et les autres les plus dangereux qui proviennent de nous… Vous voici prisonnier de vous-même, sans masque de fer blanc, pour vous, pauvre Pierrot lunaire... Sans Colombine. Sans fard. Ni phare.

         Follement surprenant.

Damie Chad.

 

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         Si je vous proposais de tuer un cheval à la prochaine pleine nouvelle lune, sans doute vous feriez-vous la promesse de ne plus jamais lire une de mes chroniques, c’est vraisemblablement parce que dans les temps anciens vous n’avez jamais chevauché, centaure sans tort, à la tête d’une horde barbare. Vous ne pourrez donc jamais comprendre l’amitié et le pacte de sang qui puissent unir un cavalier à sa monture, un homme avec un cheval. Vous n’avez jamais mêlé votre fluide vital à celui d’un dieu galopant à la longue crinière. Tout ce qui précède pour vous expliquer que la couve de l’album suivant m’a laissé de marbre. Son titre m’a paru terne et dépourvu d’originalité. Oui mais le nom du groupe a éveillé en moi de profonds souvenirs des temps épiques où les hommes et les chevaux ne formaient qu’un seul peuple. Evidemment dans le jeu de feu de ce paragraphe vous rechercherez l’ombre tutélaire et dévastatrice de Poseidon.

DIABOLIC FORMATION

PALE HORSE RITUAL

( Black Throne Productions / Novembre 2025)

Formation canadienne basée à Hamilton, ville de plus d’un million et demi d’habitants, sise au Sud de la province de l’Ontario pas très éloignée des Chutes du Niagara. Hamilton fut un centre sidérurgique important, ne nous étonnons donc pas si Pale Horse Ritual s’inscrit dans la constellation Metal.

Si vous pensez que la pochette de leur premier album vous semble s’inscrire dans la mouvance de l’esthétique des premiers opus de Black Sabbath, vous n’aurez point tort. Nous sommes face à un jeune groupe qui reprend le sombre travail metallifère à la base, tout en étant conscient du processus arborescent qui s’en est suivi durant plus d’un demi-siècle. Rappelons toutefois que le Retour à l’origine ne signifie pas totalement que l’origine se trouve systématiquement au commencement d’un phénomène. Souvent elle peut se situer avant : ce qui se comprend aisément, parfois après : ce qui exige une réflexion plus intense. La lecture d’Heidegger permet de mieux entendre ce type de  pensée.

Ceci posé, la couve de Diabolic Formation, blanc, mauve et noir, ne me semble guère magnifique. Tout comme les deux autres pochettes de morceaux sortis d’abord en simple mises en exergue de chacun ces deux titres, son sujet n’effleure que très loin les thèmes traités dans les lyrics. Elles apportent une forte coloration érotique utilisée pour appâter le lecteur, en faisant appel à ses instincts les plus bas. Une basse manœuvre à mettre sur le compte des tours éculés du Diable…

Un EP  Enchantress est paru en octobre 2024   sous le nom de The Pale Horses. La nouvelle dénomination est carrément porteuse d’une plus grande densité poétique.

Paco : bass, vocals, acoustic guitar / James Matheson : lead guitar / Will Adams : rhythm guitar, backing vocals, keys / Jonah Santa-Barbara : drums.

Deflowered : instrumental, une manière comme une autre de ne pas déflorer le sujet. Tout en l’évoquant. Hors de question de mettre n’importe quel morceau plus ou moins bruyant. L’art de tout dire sans prononcer une parole. Sont au niveau de leur promesse, une formation diabolique c’est le cas de dire, une base de basse comme un fondu-enchaîné rehaussée des tintements d’une cymbale entêtante à en devenir angoissante, un riff qui ne se répète pas tout à fait pas comme les autres, ne cherche pas se faire oublier, à se fondre dans le paysage sonore, appuie bien fort là où vous avez mal, ensuite c’est la guitare de Matheson qui vous vous inocule son venin lentement, chaque note comme une goutte de poison que l’on vous verserait dans l’oreille, rappelez-vous c’est ainsi qu’a été occis le père d’Hamlet, un son aussi noir que l’âme d’un adolescent, prêt à sacrifier sa plus belle proie dans l’eau stagnante des marais du vouloir vivre. Glauque ambiance. Wickedness : ne croyez pas que l’on

va vous laisser dans l’ignorance, une intro de trêve, un ricanement de guitare, un riff qui se tortille en accordéon pour vous inviter à head banger en mesure, faut bien que votre petit pois qui s’agite dans votre boîte crânienne sache à qui vous avez affaire, Paco vous révèle le nom de son avatar vocal, n’est autre que le prince du mal en personne, Le prince Lucifer, Rofocale comme on le surnomme dans le septième cercle, il ne vous veut pas du bien, entendez son soubassement sardonique, ne vous réfugiez pas dans les croyances chrétiennes, n’espérez rien, il est impitoyable, il ne cache pas, il proclame sa méchanceté sans borne, il connaît tous les pièges. Holy lies : un riff zèbre la nuit sans étoile, les cymbales écrasent toute velléité de lumière, les guitares englobent la réalité d’un ruissellement mortifère, ce n’est plus Lucifer, c’est sa face sombre Satan l’ennemi qui dicte sa loi, qui vous met au défi de lui ravir sa puissance, le background sonore écrase tout sur son passage, l’homme est un tissu royal de médiocrité, une guitare prend feu, le carnage se transforme en cendre…  Save you : dans les disques darkly, faut se méfier des romances, des passages fluides, des guitares romantiques et apaisantes, c’est comme dans les bals des fêtes votives il y a toujours le slow qui tue, c’est ici qu’apparaît le cheval pâle qu’il vous faudra sacrifier, n’est pas un palefroi d’apparent, la bestiole sait rester discrète, n’hennit pas sauvagement, ne frappe pas d’un sabot d’étincelles le sol de roche dure, juste un synthé qui ricane si doucettement que vous avez envie de le caresser, presque rien, un murmure, un trottinement dans votre oreille, des mots de consolation, vocal à l’unisson, tout simple, un survol de mots consolants, un peu à la manière d’un géant qui essaie de ne pas effrayer le chaton perdu que vous êtes, venu miauler à sa fenêtre, il a ouvert et vous entrez, sa voix caressante palpe et apaise vos blessures. Morceau ensorcelant. Sachez rester vigilant, mais qui résisterait à cette suavité sise en sérénité.

Bloody demon : changement de climat, après le printemps musical, l’hiver tonitruant, tu as cru avoir choisi le bon cheval, et te voici à jouer aux dés avec les yeux du serpent, à tous les coups tu perds, le riff tire-bouchonne, tire bouffonne pour se moquer de toi, tu t’es engagé dans une partie dont tu ne sortiras pas vainqueur, un solo de guitare vient de te sauver, non le riff lui coupe le son, as-tu remarqué comme ta voix a changé. A moins que ce ne soit l’écho sombre du lieu dans lequel tu es désormais qui la déforme. D.E.D. : le titre t’en persuade, ded de chez dead, tu es mort et bien mort, pas de grands effets musicaux pour saluer ta mutation, juste un doigt insistant sur une corde répétitive, la mélodie s’installe sur les cordes du solo,  tout éclate, la mort t’a libéré de ton corps, la cymbale exulte, la basse applaudit, tu es libre comme l’air, ton âme se balade dans la voie lactée, si la musique est lourde, si ton vocal possède un cou de taureau, ton esprit est léger comme l’air, tu prends de l’altitude, tu t’extirpes du cercle du dieu du bien, et tu échappes au cercle de dieu du mal, tu files droit vers l’incandescence des anciens Dieux immortels et ensoleillés… A beautifull end : attention pour l’apothéose faut les grands moyens - z’avaient déjà embauché la basse et la voix de  Dom Valela pour le morceau précédent, pour celui-ci ils ont rajouté   Doom Walhalla pour jouer le rôle du prêcheur – musique qui flirte avec la grandeur, mais la mort n’est pas aussi simple que l’on pourrait l’accroire, l’est aussi compliquée que la vie, tel est vaincu qui croyait vaincre, difficile pour un mort de s’extraire de ses bases culturelles et cultuelles, l’immortalité n'est pas donnée à tout le monde, encore faudrait-il la mériter… ne jamais se fier ni au Diable, ni à Dieu. S’arrangent toujours pour vous rattraper. Musicalement ce morceau ne tient les promesses de son titre. Liturgiquement parlant, il paraît un peu confus.

         Ressemble un peu au palais du Facteur Cheval.

Damie Chad.

 

*

Encore un opus un peu frappé de la cafetière comme je les aime. Certains se demanderont pourquoi  tant d’obstination à se pencher sur le délitement des choses. L’être humain ne peut s’intéresser qu’à deux versants de l’existence, aux autres ou à lui-même. Ces deux registres d’apparence si contradictoires mènent au même endroit, à un sentiment exacerbé de solitude que ce soit en empruntant la voie d’appropriation (ou de rapprochement si ce terme vous paraît par trop négatif) des autres, soit en vous refermant sur vous-même dans le but ultime de trouver enfin et en désespoir de cause au fond de vous une voie d’appropriation plus efficiente, puisque vous êtes en même temps la proie et le prédateur. En alchimie l’on parle de voie combustive ou de voie de feu. La première demande plusieurs mois, la seconde quelques jours. Dans une existence commune, celle de tout le monde, la première exige toute votre vie, la seconde votre mort. Encore reste-t-il 0 saisir l’intemporalité de votre mort.

THE DISINTEGRATION OF HUMAN SPIRIT

LAVANDULA

(K7 / Bandcamp / Décembre 2025)

J’aime certains artefacts sonores plus que d’autres, une attirance toute particulière pour ces groupes qui utilisent les anciennes cassettes, l’on subodore des tirages confidentiels, en nos temps de modernité uniformisante et castratrice, ils me font l’impression de guerriers de l’âge atomique qui se remettraient à tailler des silex… un ultime acte de résistance…

Je ne l’avais jamais remarqué jusqu’à lors. Je rajoute cela après l’écoute de la bande, juste pour vous mettre l’eau (de  mort) à la bouche. Je pense que la comparaison vous apparaîtra comme l’évidence même. Le format rectangulaire d’une cassette ne vous évoque-t-il pas la forme d’un cercueil… Voire celle d’un cercueil à deux places. N’est-il pas vrai que nous ne sommes jamais seuls puisque nous emportons nos rêves avec nous…

Lavandula provient de Hagen, ville allemande de la région de La Rhur, autrefois cité sidérurgique qui aujourd’hui abrite surtout des sociétés de services… L’est étrange qu’un groupe ultra dark, apparemment un one woman band, ait choisi ce nom : lavandula est le terme latin désignant notre lavande. Dans le langage des fleurs elle symbolise la tendresse respectueuse !

The Chasm Beckons : jusqu’à ce que s’élève la voix malgré le titre qui vous dit que le Gouffre m’appelle, vous pouvez refuser l’inéluctabilité de la descente, un peu comme si vous égreniez de tristes et chers souvenirs auprès d’une tombe, mais lorsque le vocal proféré du dessous vous parvient, lorsque la musique se vrille comme si vos souliers pleins de terre crissaient sur les marches de fer d’un interminable escalier en colimaçon, vous devez comprendre que le titre ne ment pas, vous êtes en pleine descente, lente et vertigineuse, lorsque une stridence battériale vient peser sur votre dos, vous comprenez qu’il n’est pas de retour possible, l’espèce de glapissement vulpinesque s’allonge, la batterie comme des paquets de terre qu’une pelle rejette pour que vous puissiez progresser encore et encore de plus en plus bas, l’énergie vous gagne, vous comprenez que ce qui vous est révélé est ce que l’on appelle le péché originel, non pas la fable d’une pomme partagée mais l’entrée en connaissance de votre origine, vous passez les portes, vous les ouvrez sans regret, vous savez que vous retournez auprès de vos ancêtres. K'dath, Shaped by Dreams :  est-ce la réalité ou l’image sacrée et imaginale, vous voici arpentant une ville fantomatique, des terrassements de guitare, vous avancez et vous dérivez votre déambulation, tout s’accélère comme un film dont la bobine deviendrait folle, n’empêche que votre voix s’étire vers l’infini et la finitude de toute action, le morceau n’est pas très long mais si pénible qu’il semble que ce soit le temps lui-même qui s’étire, le bruit de la minuterie infernale prend la suite de votre parole, maintenant vous hurlez, vous comprenez que vous êtes parmi les fragments les plus terribles de la mort selon les anciens Egyptiens, vous prononcez les rituels les plus obscurs, ceux par lesquels vous vous instruisez des connaissances, réservées aux Dieux mythiques, par  lesquels vous puisez dans le terroir hiéroglyphique de votre immémorialité, et cette horrible sensation que plus vous vous enfoncez dans la terre des cimetières, plus vous devenez vivants.  Desolation Shall Claim You :  ta démarche étouffée, seul le bruit de tes pas alourdi dans  par la cendre des morts, ne seraient-ce pas eux qui t’appellent, qui exercent sous toi, une terrible succion comme s’ils voulaient t’attirer encore plus bas, le son devient plus fort, une escadrille d’avions en piqué, maintenant tu vomis des paroles indues celles qui affirment que tu es dans le cocon protecteur originel et qu’en même temps tu subis ta destinée, qui est celle d’une chute, qui te mène plus bas que bas, pourtant résonne la plénitude des notes du début scandée par des coups de cymbales, jusqu’à ce que tu éructes car tu sens séparé de ta volonté, quelque chose te guide, pourtant c’est-à moi de frayer mon chemin, de trouver la solution de me sortir de là. Conne un loup qui hurle sur mes talons, je continue malgré la hargne de ces hurlements. In Endless Darkness Lies : ce n’est pas la fin, c’est l’infini, violence partout, repos nulle part, maintenant je sais où je suis, je ne suis descendu qu’en moi-même, en mon propre dépérissement, en mon sale pourrissement, je pue la charogne, la musique devient assourdissante, je clame, je déclame, je réclame, je sombre en moi-même, au plus profond de mon propre océan, mes cris m’assourdissent, tout se ligue contre moi, tout me pousse en cette descente infernale, je m’égosille, l’on me regarde mais peut-être est-ce moi qui me regarde, qui porte mon propre regard mental sur moi-même, un être immonde carbonise mes chairs, son haleine me poursuit et m’enveloppe, je suis au plus profond, je m’amalgame à la terre, je me fossilise en pierre. Même ainsi en cet état minéral, je ne suis que moi-même. The Disintegration of the Human Spirit : le morceau le plus long, celui qui ne finit jamais, le calme avant la tempête, le calme après la tempête, maintenant j’ai une vision distincte de cette présence invisible que je ressentais sans jamais parvenir à l’identifier, belles ondes, est-ce un archet qui glisse, en tout cas ça ressemble à un aboiement de chien, la tempête se lève, c’est le moment le plus aigu du rituel, le plus périlleux, celui qui me guidait n’était autre que moi, moi et mon autre moi, mon antre moi, face à face pour le baiser de la mort, il me donne la vie et je lui refile la mort, nous sommes deux jumeaux, nous n’en formons qu’un, maintenant je sais, j’ai compris, je suis moi et je suis lui, que je sois en moi ou en lui, c’est toujours moi qui vis, c’est toujours moi qui meurs, ma voix de chacal assourdissante, je suis la mort, je suis la vie, je suis aussi le passage de l’une à l’autre et le change de l’autre par l’une, à moins que ce ne soit le contraire, le péché originel est de savoir que celui qui meut ne meurt pas, que celui qui vit ne meurt pas non plus, l’esprit en perpétuel anéantissement, en perpétuel devenir, une bouteille à la mort bouchée hermétiquement,  qui garde son secret pour elle-même, un tour de passe-passe incompréhensible pour les vivants qui ne sont pas morts et pour les morts qui ne sont pas vivants. Accompagnement morbide mais triomphal. Ne l’oubliez pas tout est égal. Je suis l’abîme et l’obélisque.

         Je ne dis pas que vous ne sortirez pas vivant de l’écoute de cet opus, juste pour ne pas vous décourager.

         Sombre et magnifique.

Damie Chad.