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  • CHRONIQUES DE POURPRE 225 : KR'TNT 344 : LORDS OF ALTAMONT / SPUNYBOYS / STEVE PEREGRIN TOOK / ( LONG )CHRIS / TRY ROCK & ROLL / TWILIGHTERS / BLUES & CO

    KR'TNT !

    KEEP ROCKIN' TILL NEXT TIME

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    LIVRAISON 344

    A ROCKLIT PRODUCTION

    LITTERA.INCITATUS@GMAIL.COM

    19 / 10 / 2017

    LORDS OF ALTAMONT / SPUNYBOYS

    STEVE PEREGRIN TOOK / ( LONG ) CHRIS

    TRY ROCK'N'ROLL / TWILIGHTERS / BLUES & CO

    Altamont là-dessus et tu verras Montmartre - Part two

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    Jake Cavaliere semble sortir d’une cour de lycée. En tous les cas, il refuse de devenir adulte. Haut et mince, on ne voit que lui. C’est le but. La rockstar doit se voir comme le nez au milieu de la figure. Et ce plus que dans n’importe quel autre domaine artistique. Quelque chose dans sa physionomie indique clairement une sorte de prédisposition. Dans l’Égypte antique, le paysan qui voyait passer Pharaon sur son char devait se dire la même chose. Ce n’est pas vraiment une affaire de grâce. Parlons plutôt d’une affaire de configuration atypique, d’une stature, d’un certain port de tête, en somme, quelque chose de très concret qui finit par confiner à l’abstraction. Rien à voir avec la beauté. Jake Cavaliere n’est pas beau, loin de là, mais il dégage quelque chose de spécial. Chez lui, la minceur revêt un caractère pathologique puisqu’elle remonte jusqu’au crâne qu’on dirait aplati des deux côtés. Sa coiffure de cheveux plaqués renforce encore cette impression, ses cheveux encadrent son visage comme le ferait un casque de centurion : deux garde-joues de cheveux noirs descendent jusqu’au bas de la mâchoire se fondre dans des rouflaquettes mal fournies. Son visage paraît taillé en sifflet et ses petits yeux renforcent encore l’impression de croiser une fouine humaine. Il n’observe pas la salle du bar, il l’introspecte avidement. Ses cheveux noirs de jais paraissent taillés pour épouser la forme de son crâne étrangement oblong. Jake Cavaliere est ce qu’on appelle chez certains cinéastes une trogne. Quand Federico Fellini et Jean-Pierre Mocky montaient le casting d’un film, ils partaient à la chasse aux trognes. C’est la raison pour laquelle leurs films frappent tellement l’imagination des gens : ça grouille de trognes. Les trognes rendent les situations burlesques. Elles renforcent considérablement le pouvoir d’évocation. Elles donnent du sens à la grandiloquence du trash. Elles rendent certaines scènes inoubliables.

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    Pour consolider ses effets, Jake Cavaliere soigne bien sûr son accoutrement. Il ne porte que du noir : blouson de biker angelino avec le nom du concessionnaire dans le dos (Johnson Motors. Inc. United States Distributor. 36 W Colorado Street. Pasadena. California), jean taille basse et très gros ceinturon à boucle posé sur le bas des hanches, grosse chaîne de portefeuille à la pendouille et du tatouage en veux-tu en voilà. Les ailes d’un aigle remontent de l’encolure du T-shirt jusque sous la mâchoire et confèrent à sa pomme d’adam un statut impérial. Le mot LOVE est tatoué sur les doigts de la main droite et LOST sur ceux de la main gauche. Et quand il ôte son cuir pour jouer sur scène, il montre la suite de son impressionnante collection : sur ses bras, il ne reste pas un seul centimètre carré de peau qui ne soit pas tatoué. Jake Cavaliere ne fait pas les choses à moitié. C’est la raison pour laquelle on l’aime bien. Le ronchonneurs diront qu’il n’invente pas la poudre. Jake pourrait leur répondre qu’il n’est pas là pour ça. Dans un mauvais western spaghetti, il ajouterait qu’il est surtout là pour la faire parler.

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    Les Lords Of Altamont figurent aujourd’hui parmi les rois de la scène. Leur rock plonge des racines avides dans la culture du fameux Californian hell (bikes, death, drugs & Lucifer), dans une tradition garage qui remonte aux Standells et aux Seeds, dans la vampirisation de la Stonesy, dans l’énergie du all nite long typique des surdoués de la défonce angelinote (les Calforniens ont toujours mis un point d’honneur à pulvériser tous les records - hédonisme pour David Crosby, trash éthylique pour Charles Bukowski, wild acid overdride pour Dickie Peterson - et ce qu’on en sait montre que ça va si loin qu’on se demande comment ces gens-là s’y prennent pour agir avec autant de panache. Car vous le savez bien, lorsqu’on est vraiment défoncé, ça peut devenir compliqué de briller en société). Cette notion de démesure est capitale, en ce qui concerne Jake Cavaliere. Tout l’édifice des Lords repose sur cette démesure. Ce serait un château de cartes si Jake Cavaliere n’était pas aussi bon. Il n’en finit plus de consolider son impact scénico-icônique. Il semble qu’avec le temps, les Lords s’améliorent encore. Il se pourrait aussi que les bonnes vibes de l’Escale viennent encore renforcer cette nette impression d’amélioration. Ce bar havrais est un lieu taillé sur mesure pour recevoir un groupe comme les Lords. On peut même parler de conditions idéales : salle sans prétention, public sans prétention et groupe sans prétention. L’essence même du rock - the hardest core of rock’n’roll, dirait Mick Farren - et l’impression toujours plus nette que ce bar havrais devient le lieu idéal pour les concerts de rock. L’anti-thèse de la Gaîté Lyrique.

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    Si tu vas les voir jouer sur scène tu en auras pour tes dix euros. Tu passeras une bonne soirée, ce qui est toujours le but de l’opération. Tu verras opérer la magie d’un groupe américain et tu comprendras que ces gens-là amènent dans le rock une énergie spécifique. Tu comprendras aussi que le garage reste malheureusement l’apanage d’une petite élite. Quand on traîne au Cosmic, on voit trop de groupes misérables se priver d’avenir. Le garage est un genre ô combien difficile. Il ne suffit pas de porter une chemise à pois. Il faut s’appeler Jake Cavaliere, Kid Congo ou Leighton Koizumi pour savoir jouer à ce petit jeu, c’est-à-dire qu’il faut avoir les moyens physiologiques de l’incarner. Comme lorsqu’on parle du punk-rock : il faut s’appeler Steve Jones pour que ça marche, sinon, on voit à travers.

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    Jake Cavaliere s’est voué à son art, comme on entrait jadis en religion. Son set vaut tout l’or du monde, ses albums tiennent joliment la route. Une heure trente de set et pas un seul déchet. Les Lords stompent et blastent à tours de bras, ils n’en finissent plus de réinventer ce vieux garage complètement éculé. En rappel, ils font même une reprise du «Live With Me» des Stones, histoire de rappeler à un public qui n’achète plus de disques que Lords Take Altamont est le meilleur album de reprises des Stones de tous les temps. Mais ça, on l’a déjà expliqué en long, en large et en travers dans le Part One. Sur scène, Jake sort le grand jeu, il secoue la paillasse de son orgue, lui grimpe dessus, prend des poses historiques, il saute, il se cabre, il n’arrête pas une seule seconde, il redonne du sens à l’esthétique de l’art scénique, ça tombe bien, car on est là pour ça. Ce mec pense à tout, il crée des liens avec le public, le remercie d’être venu et Dino, le guitariste aux cheveux crépus, envoie un double blast de giclée riffique, histoire de ratatiner les dernières poches de résistance.

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    Les Lords pulsent un garage jouissif qui ne se prend surtout pas au sérieux. Ils sont à la fête et nous aussi. Ils renouent avec la tradition perdue des grandes fêtes païennes, un temps où les âmes communiaient spontanément dans l’animalité, en dehors de toute contrainte morale et esthétique, comme disait le despote Breton. T’as voulu voir Vesoul et t’as vu Altamont, t’as voulu voit Montmartre et t’es monté là-dessus pour voir les Lords. Bim bam, «Like A Bird» sonne comme l’uppercut de Marcel Cerdan, ah les fesses d’Edith en savent quelque chose, et bam bim boum, tiré de Midnight To 666, «Get In The Car» bingotte en plein dans le mille du bigorneau. Le set des Lords tourne comme une grosse cylindrée de ramalama, la métaphore est si parfaite que ça file sous les étoiles, ils ressuscitent «Action» et «$4,95», deux vieux coucous de Lords Have Mercy, et même ce vieux «Live Fast» qui fit tant d’étincelles, ces mecs jouent les infatigables, comme s’ils transpiraient à peine, ça blaste à qui mieux-mieux, on va de garage drive en garage share, de garage down en garage up, ça shebamme, ça powe, ça bloppe et ça wizze comme au temps béni des sixties, mais avec une dimension cavalierique sourde et profonde, quelque chose qui n’appartient qu’à lui. On parle ici de transsubstantiation garagiste.

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    Le roadie des Lords vendait The Wild Sounds Of The Lords Of Altamont 25 euros. Un peu cher mais qu’est-ce qui n’est pas cher aujourd’hui ? Tiens, tant qu’on est dans les interrogations existentielles : c’est un bon album ?

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    La réponse est dans la question amigo, tu n’as qu’à mettre la galette sur ton pick-up et tu verras arriver «Like A Bird» comme un énorme slab de hard drive monté au beat rebondi car frappé si sec. Tu noteras l’admirable aisance des Lords à pulser le pulmonaire du garage et Dani Sindaco va même te shooter des petites giclées d’adré à point nommé. Jake t’y raconte l’histoire d’une bird qui se prend pour un bird. Alors il la somme de se décider : Stay or go/ Go go go ! S’ensuit un «Been Broken» beaucoup plus énervé, une sorte de petit prodige d’anti-équilibre. Les Lords vont vite et ne craignent pas de se casser la gueule, emportés par leur élan, ils dévalent une forte pente caillouteuse à toute allure. Autre surprise de taille : Jake Cavaliere sonne parfois comme Iggy. Tu en as la preuve dans «Going Downtown» (il retrouve les accents de l’Iggy d’«I Got A Right») et dans «Can’t Lose» (Jake descend les marches chromatiques comme l’Iggy de Let’s go down to my favourite place). Autre bonne raison d’adorer ce disk : «Take A Walk», joué dans la première partie du set au heavy stomping psychhhh, un stormer d’une redoutable efficacité. Jake y bombarde son beat. Voilà un cut bien binaire et donc idéal pour des brutes comme les Lords. La surprise vient surtout d’une reprise d’«Evil», l’un des classiques que composa Big Dix pour Wolf. Jake y joue la carte du guttural. Il a raison, car il peut aller screamer au fond du bois et tu te régaleras de la belle bassline de Rob Zimmermann. Voilà une cover dynamique en diable, ce qui semble logique, vu le titre. L’autre classique garage se trouve en B : «Death On The Highway». Les Lords ne traînent pas en chemin, ils savent trousser un hit de garage pressé. Par contre, les textes de Jake ne volent pas très haut - Blood on the concret/ Better move along - Leurs cuts n’ont d’autre mérite que leur effarante efficacité. Le «Where Did You Sleep Last Night» n’est pas celui de Wolf, ne rêvons pas. Il s’agit d’un simple cut de rock nappé d’orgue et emmené à marche forcée vers le néant luciférien du fatidique Californian Hell.

    Signé : Cazengler, Lord of Altéré

    Lords Of Altamont. L’Escale. Le Havre (76). 10 octobre 2017

    Lords Of Altamont. The Wild Sounds Of The Lords Of Altamont. Heavy Psych Sounds 2017

    12 / 10 / 2017 / LAGNY-SUR-mARNE

    LOCAL DES LONERS

    SPUNYBOYS

     

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    C'est la faute à Totone rencontré par hasard sur le quai de la Gare de l'Est alors que nous étions en train d'attendre un train annulé. Remarquez que si le banlieusard convoi était hors-circuit le billet n'était pas remboursable... Donc Totone qui me remet la pendule mémorielle à l'heure «  On se voit vendredi aux Loners avec les Spuny ? ». Ouf merci, j'ai failli manquer le ravage de l'année ! Première fois que je dois remonter deux fois la longue et large rue pour que la teuf-teuf puisse se glisser dans un interstice stationnaire. Un monde fou, à croire que tous les bikers de la terre et tous les amateurs de cet old style qui never dies, se sont donnés rendez-vous. Qui oserait rater le concert de rentrée des Loners ? A l'intérieur c'est la caque de harengs saurs, d'ailleurs c'est quand on sort pour se rafraîchir entre les deux sets qu'un bouchon d'autoroute du 15 août vous oblige à prendre patience. Pour ma part j'y ai renoncé. Tout compte fait les Spuny me suffisent. Qu'avons-nous besoin de fraîcheur nocturne quand le rock'n'roll flamboie !

     

    POUR UNE APPROCHE SCIENTIFIQUE

    DU SCHEMA FONCTIONNEL

    DES SPUNYBOYS

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    Pas besoin de grand-chose pour monter un combo à la Spunyboy. Suffit d'un batteur. Précisons, pas n'importe quel batteur, pas un qui bat de l'aile, ni un qui branle bas, par contre obligatoirement un qui bat comme plâtre, un qui cherche la bâton pour vous abattre, un qui bataille victorieuse, qui batte de baise ball and chains , qui baratte à mort, qui balourde à bâbord et qui balance des armures d'amure à tribord, ne cherchez pas sur la mercuriale du marché, il n'y a en qu'un, un certain Guillaume qui, par hasard balthazar, bosse chez les boys spuniaques. Suffit pas de battre le beurre rance, faut encore la frappe idoine. Exacte, au pétale de pivoine près. Faut que ça pète sec et que ça loufe lourd. Pas de résonance, pas de réverbération phonique, le coup et c'est tout. Pas doux, plein atout. Pas besoin de s'attarder, l'on passe au suivant sans attendre. La grosse caisse à bout portant, la charley qui ne chuinte pas, les toms à l'atome et la caisse claire très foncée. Bref le Gui-Gui il vous bâtit le squelette, pas le genre femmelette aux bras d'allumette, non des murs de fémurs, des ténèbres de vertèbres, des cumuls de mandibules, des plate-bandes d'omoplates, un stentor pantocrator, un terminator qui vous alligatorise d'une seule frappe.

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    Une fois que vous avez déniché le rapace, vous êtes tranquille. Plus besoin de rien. Ou plutôt deux fois rien. Mais pas de ceux qui foutent rien. Sur la gauche, vous posez un bassiste. Rien de plus simple qu'un bassiste. Prenez le premier qui passe – par exemple celui-ci qui s'appelle Rémi et qui officie chez les Spunic Boys - et filez-lui une contrebasse. Ne confondez pas avec une haute-contre. Rien à voir. D'abord pensez à l'esthétique. Qu'il ait une banane hippopotamique, pharaonique, porte-avionique, supersonique, cela vous habille un rocker encore plus qu'un perfecto, mais ce n'est qu'un détail, qui tue. En plus vous voudriez qu'il sache jouer de la contrebasse ? Non c'est inutile. Sont des milliers de contrebassistes à jouer de la contrebasse dans le monde. Aucune imagination. C'est d'un vulgaire inouï. Ne s'agit pas de jouer de, mais de jouer avec. Verbe du premier groupe à polyvalence variable vous enseigneront les narratologues. Faut qu'il soit comme le gosse à qui vous venez d'offrir un train d'électrique qu'il vous le jette en l'air et qu'il vous le piétine de rage en hurlant. Pas question qu'il commence sagement à assembler les rails, exigez le déraillage immédiat, préférez qu'il plante sauvagement les wagons dans le bras de sa petite sœur avec un sourire d'enfant chérubinique de chœur. Ensuite ne pensez plus à rien. Laissez faire la nature. Elle revient au galop. Pas spunique, hunique.

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    Vous en avez assez avec les deux zigotos précédents ? Je vous conseille tout de même de poster un guitariste sur la droite, ce n'est pas qu'il soit indispensable, mais ça se fait dans le rock. Vous êtes les premiers à rouspéter au resto quand il manque une saucisse de Strasbourg dans votre choucroute. Prenons un exemple au hasard : tiens au pif, Eddie des Spuny. Un prénom rock de chez rock. L'est sur scène, bien sûr qu'il ne sait pas quoi faire, alors pour se donner une contenance, puisqu'il a une guitare entre les mains, faute de mieux, il en joue. Tout pour se faire remarquer. Personne ne lui demande rien. Mais il asperge les arpèges. A tout bout de champ. Dans l'incapacité totale de laisser ses deux camarades philosopher sereinement dans leur coin. Ramène sans arrêt sa fraise. A collerette. Pas le gars charmeur qui laisserait par mégarde s'échapper deux ou trois inoffensives couleuvres à collier, non pas du tout, vous darde d'aspics mortalifères destinés à vous envoyer ad patres au plus vite. Méfiez-vous, souvent dans le rock les guitaristes sont particulièrement venimeux. Celui-ci de la pire espèce. Du genre il n'est jamais crotale pour mal faire.

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    Bon voilà, j'espère avoir été assez clair, la mécanique est remontée. Action !

    THE SPUNYBOYS !

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    Scène un peu étroite pour les Spuny. Guillaume est aux anges, squatte à lui tout seul les deux-tiers du territoire. Trône au milieu, derrière les pièces de son artillerie. Lance la poinçonneuse sans tarder. L'a tous les plans dans ses poings. L'a raccourci les protocoles. Maximum d'efficacité et de force de frappe. Minimum, il ne connaît pas. N'a pas l'article en son rayon d'action. Et l'active dur. Des tours de passe-passe hallucinants. Prend de travers les chemins de traverse, ça les remet droit. Ligne directe. Héphaïstos dans sa forge forgeant le bouclier d'Achille. Du solide, parce que les deux autres héros ils n'apprécient pas le carton-pâte. Leur faut du solide. Leur sert de la tamponnade brevetée. Il pleut des grêlons de la grosseur d'oeufs d'autruches. Ça claque et ça cloque. N'arrête pas une seconde. L'est le démiurge primordial. La grosse aiguille de l'horloge qui indique l'heure d'envol et certifie celle du retour. Décide de tout, du poing final comme du lever du soleil.

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    Rémi s'adonne à son sport favori, le lancer de contrebasse. Maîtrise parfaitement. Le plafond bas ne lui permet pas les envolées lyriques, l'est privé de ses apothéoses altitudinales habituelles. Qu'à cela ne tienne il n'est pas à court d'imagination, sautille et gambade à côté d'elle avec la grâce d'une gamine de dix ans qui saute à l'élastique en cour de récréation, ou alors il saute dessus et tend une jambe bien haut en petit rat d'opéra qui toute fière tente d'atteindre la rampe d'exercice avec son chausson, parfois s'assoit dessus tout en haut et fait le pitre, tout en la faisant tourner sur elle-même, puis l'arrête, vous regarde avec des yeux rigolards, prend subitement la pause du Penseur de Rodin, fauche une casquette du premier rang, fait mine de donner quelques coups de pieds furibards à ses collègues, redescend enfin de son perchoir et continue à plaquer ses accords comme si de rien n'était. Doit avoir un léger creux, se couche par terre et essaie de l'avaler par le manche. Mauvais goût ?

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    L'envoie balader dans le public qui l'emporte on ne sait où, mais la ramène comme le chien fidèle qui rapporte la balle à son maître.

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    Ne partez pas ce n'est pas fini. L'est comme l'Apache que vous croyez tenir dans la poigne de fer de vos bras puissants. Vous pensez le vaincre. Pauvre de vous, sa main glisse et la voici armée d'un large coutelas qu'il vous plante dans le dos. Ce traître couteau qui vous assassine Rémi le sort de sa gorge. Pousse la goualante tout le long. Du nouveau dans le répertoire. Tous les cinq titres un classique de Little Richard. Ma ! Ma ! Ma ! Aoûûûh our souls ! Sauvez nos âmes, c'est trop beau, trop fort, trop puissant, sur ces morceaux de braise les Spuny sont incandescents, batterie, basse et guitare, se collent à la voix, ne forment plus qu'une rythmique folle, l'essentiel de la sauvagerie rock, ne soulignent plus, accompagnent ! Folie noire ! Les alligators sortent de l'eau et vous rongent les pieds. Ne boudent pas pour autant le rock anglais. Vont même jusqu'à exhumer un morceau de Cliff Richard dans la veine de ceux qu'il a commis de mieux du temps d'Apron Strings, en introduction à l'héritage ted qu'ils atomisent sans pitié. C'est là que l'on voit la classe des SpunyBoys, vous démontent les morceaux, mélangent les pièces détachées et vous les restituent selon une géométrie différente à leur guise, encore plus percutants et surprenants. Du rockartb ! Du nouveau sur les formes anciennes. Chamboulement dans les concepts. Idem pour leurs propres originaux. Ne les ont pas améliorés. Ne se sont pas pris la tête en petit comité, les ont mitraillés sur scène, après mille et un concerts à leurs actifs, en sont métamorphosés. Z'avaient des kalachnikovs, sont devenus des missiles. Les Spuny peuvent tout se permettre. Z'ont leur côté country. Un grand amour pour Johnny Horton par exemple. Mais quand ils le mettent en scène, rien ne manque, ni la petite maison dans la prairie, ni les grandes soirées de biture dans le saloon, juste un petit ennui, les sioux sont passés par là, ne reste plus que des cendres et des corps criblés de flèches. L'herbe bleue du Kentucky flambe et le désastre avance.

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    Va falloir télégraphier aux parents de Rémi. On a perdu leur grand garçon, l'a sauté dans la foule avec son instrument et le peuple cannibale des rockers s'est refermé sur lui. Moment d'angoisse, quel gaspillage, une contrebasse toute neuve, blanche comme une vierge de Raphaël, avec le logo des Spuny peinturluré en rouge hyménique sur sa peau ivoirine. Mais non, du fin fond perdu de la salle, il se lance dans un pharamineux solo tumultueux, Gui-Gui a capté le signal lointain, entre en communication avec lui, le guide pas à pas, tels les ingénieurs de la Nasa qui reprennent le contrôle d'une capsule égarée et la ramènent sur sa lampe de lancement. Ovation pour saluer son retour. Du coup il pose son engin contrebassiste sur ma tête, je suis ravi, je fais la promesse de ne plus me laver les cheveux jusqu'à ma mort. C'est qu'être au premier rang d'un concert des Spunyboys n'est pas de tout repos.

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    Un demi-mètre carré pour Eddie, apparemment ça ne lui suffit pas. Ce soir l'a l'âme vagabonde, un nomade insatisfait qui n'arrête pas d'échanger sa place avec Rémi. Le manche de sa guitare est trop long, dépasse de la scène, l'on jugerait qu'il cherche à vous assommer ou à vous éborgner. Prudentes les filles se reculent, reviendront en masse, lorsque Rémi dégoulinant de sueur tombera ses deux chemises successives, glapissent comme des hyènes et ricanent de plaisir en admirant ses pectoraux. Eddie reste insensible à ses frivolités féminines, l'est tout énamouré de sa guitare, ondule de plaisir chaque fois qu'elle miaule sur le toit brûlant de ses persillades riffiques.

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    Vous hache de ces grésils de notes qui vous entaillent le coeur, vous cisaillent le cerveau, que seraient les Spuny sans ses clous dont il vous transperce, il vous strombolise, il vous krakatoatise, il vous pitonise la fournaise. N'en peut plus, nous tourne le dos. Nous présente ses fesses – le monde s'affaisse - et fornique avec sa guitare. L'on ne voit rien, mais l'on entend sa longue plainte éruptive dont les échardes sonores nous déchirent les tympans et nous inondent d'une jouissance jusqu'à lors inconnue des rockers... Eloge de la folie disait Erasme, Eddie se coiffe d'un casque de moto ou se fond dans l'assistance pour que l'on sache de près à quoi ressemble une solophonie de guitare...

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    Difficile descente de scène, sont happés par le public émerveillé qui ne les lâche pas. Un concert de rêve. Le cauchemar des absents commence. N'en n'ont pas fini d'écluser leurs regrets éternels. Deux sets d'intensité incandescente.

    Damie Chad.

    ( Photos : FB : Rockin Lolo / Sergio Kazh Rockabilly Generation )

     

    Took it easy

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    Heureuse coïncidence : dans un numéro de Record Collector daté de mars 2017, Luke Haines rend hommage à Steve Peregrin Took. C’est probablement l’extrême rareté de ce genre d’hommage qui en fait un événement. Lucky Luke rappelle que 1969 ne fut pas une année érotique pour Took, car il la passa au ballon pour possession d’un joint. Il rappelle aussi que Took fit partie de Tyrannosaurus Rex, qu’il joua sur les trois premiers albums du duo, My People Were Fair And Had Sky In Their Hair But Now They’re Content To Wear Stars On Their Brows, Prophets, Seers & Sages The Angels Of The Ages et Unicorn et qu’il fut viré par Bolan à l’issue d’une désastreuse tournée américaine. Alan Vega se souvient très bien d’avoir assisté à cette débâcle lors d’un concert du duo à New York. Si on s’intéresse à ce prince de la désaille que fut Took, il est fortement recommandé d’écouter les trois premiers albums de Tyrannosaurus Rex, car il s’y passe des choses vraiment extraordinaires.

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    My People Were Fair And Had Sky In Their Hair... But Now They’re Content To Wear Stars On Their Brows parut en 1968. Marc Bolan y ramène «Hot Rod Mama» et «Mustang Ford» qu’il jouait déjà dans John’s Chidren, le Mod-band mythique qui l’avait accueilli en 1967, en remplacement de Geoff McClelland. À la fin du groupe, Marc dut restituer la Gibson SG et l’ampli. Pas grave ! Il ressortit aussi sec sa vieille acou Suzuki, se convertit au hippisme et engagea Took pour jouer des congas. Ils jouaient à deux, assis par terre sur des tapis.

    Avec «Hot Rod Mama», Marc invente le rockab hippie et il se met à bêler comme la chèvre de Monsieur Seguin. C’est d’une extraordinaire vitalité hippie. Mais ça marche uniquement parce que Took y croit. Ils se placent tous les deux sous le patronage de William Blake et John Peel les prend vraiment au sérieux. La version de «Mustang Ford» qui ouvre le bal de la B vaut largement le détour. Le parallèle avec le monde magique de Syd Barrett saute aux yeux, gentil monde d’étrangeté et d’innocence. Marc Bolan devient le prince des poètes du paranormal. Dans Bolan - The Rise And Fall Of A 20th Century Superstar, Marc Paytress fait un parallèle avec Donovan - un Donovan que Peely surnomme the prince of loveliness - Et puis avec Piper At The Gates Of Dawn et A Gift From A Flower To A Garden, le premier album de Tyrannosaurus Rex complète la trilogie du summer of love londonien. «Child Star» continuera de fasciner jusqu’à la fin des temps, car Marc chante ça à la savate traînée, avec du child star craché dans l’écume des jours. C’est stupéfiant de présence et complètement licornique. On sent l’ombre de Took planer sur un «Strange Orchestras» gorgé de cette volonté de transe londonienne. On les sent tous les deux déterminés à vaincre. Ils se spécialisent dans les beaux mantras, comme on le constate à l’écoute de «Chateau In Virginia Waters». C’est fou ce qu’à l’époque leur truc pouvait accrocher. Avec Chateau, on comprend les raisons pour lesquelles un bon gars comme Peely a pu craquer. Marc invente le neo-pyschedelic pastoral avec «Dwarfish Trumpet Blues», un fabuleux groove de drone hippie. En B, on tombe sur le fantastique «Knight», une transe épique et translucide. Voilà l’un des sons les plus intéressants du Londres d’alors, gorgé d’une énergie de bongos et de Took attitude. Ils étaient ce qu’on appelait alors des beautiful freaks, des créatures qu’on ne croisait que dans les rues de Londres, certainement pas à Paris. On tombe plus loin sur le joli freakout de «Weilder Of Words» et ils terminent avec un pur mantra, «Frowning Atahualpa», chargé de ces effluves orientales dont Londres raffolait à l’époque. On respirait tout ça chez Biba ou au Kensington market.

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    Avec Prophets, Seers & Sages: The Angels Of The Ages, Marc et Took s’affirment, Tony Visconti les produit et dès «Stacey Grove», ils sortent un son plus sourd et ineffablement judicieux. On sent nettement que Marc Bolan prend son envol, il chante à la corde sensible et bêle à l’occasion. L’amusant de cette histoire, c’est que ce hippie invétéré va devenir une glam-rock idol et même the godfather of punk. N’oublions pas que Captain Sensible le vénérait et que les Damned partirent en tournée avec T. Rex. On tombe en B sur «Salamanda Palaganda», un parfait délire hippie que Mark Paytress taxe de mesmerizing frenzy. C’est vrai qu’à deux ils parviennent à créer les conditions d’une espèce de transe. Quelque chose d’assez fascinant se dégage en permanence de ce concept sonore imaginé par Marc Bolan. En même temps, on ne sait plus si on écoute ces vieux albums pour Bolan ou pour Took. Encore un coup de Jarnac hypno avec «Juniper Suction». Took y prend le contre-chant. Et c’est avec «Scenesof Dinasty» que se joue véritablement le destin de cet album. Ce long poème fleuve joué aux clap-hands est un authentique coup de génie. Marc le chante si bien qu’on croirait presque entendre Dylan chez les hippies. Pur génie de la diction et du travail de souffle. S’il faut emmener un cut de Bolan sur l’île déserte, c’est forcément «Scenesof Dinasty». C’est là que Marc Bolan entre dans la légende.

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    Nouveau bond en avant avec Unicorn, paru en 1969. Il faut dire que les pochettes des trois albums sont particulièrement réussies : la première est une illustration féérique, la seconde nous montre Marc et Took photographiés en noir et blanc dans un parc et la troisième nous les montre tous les deux cadrés en gros plan. Ce troisième album du duo est une véritable pépinière de hits, à commencer par l’excellent «Chariots Of Silk», solide, envoûtant, gorgé d’adrénaline hippie et déjà T. Rexy jusqu’à l’os du genou. Ce cut sonne vraiment comme un hit, avec sa descente mélodique et ses tchoo-tchoo-tchoo à la Mary Chain. Marc Bolan se paye une belle tranche de décadence dans «The Threat Of Winter», une pop-song d’une effarante élégance, pleine de légèreté et de mystery bliss. On monte encore d’un cran dans l’extase avec «Cat Black (The Wizard’s Hat)». Marc Paytress rappelle que Marc est une fervent admirateur de Dion’s Runaround Sue sort of songs. Marc emmène sa mélodie au firmament, voilà un hit visité par la grâce préraphaélite et qui éclôt dans l’azur immaculé des sixties. Le génie de Marc Bolan s’y entend à l’infini. Par contre, la B est complètement ratée. On se consolera en rapatriant la réédition de l’album parue sur A&M en 2014. Il s’agit en effet d’un double album proposant sur le deuxième disque des choses qui ne figurent pas sur les albums officiels, comme par exemple le dernier single du duo Bolan/Took. N’ayons pas peur des mots : «King Of The Rumbling Spires» est pour le fan de base du duo un passage obligé : Bolan et Took s’électrifient. C’est du T. Rex avant la lettre, a riffy, mesmerizing gothic folly, avec Took on bass et Marc qui joue de la fuzzed-up reverberated guitar. C’est énorme et à l’époque, ça passa à l’as ! Voilà un hit qui sonne comme ceux des Move. Le Tyrannosaurus fait de l’œil au Brontosaurus à venir des mighty Move. Pure merveille ! La B-side du single s’appelle «Do You Remember», claustrophobique en diable. On trouve aussi sur ce disk de bonus l’une des ultimes démos du duo : «Once Upon The Seas Of Abyssinia». Mais attention, ce n’est pas fini. Il reste à écouter l’excellent «Ill Starred Man» qui sonne littéralement comme du Ray Davies. Stupéfiant ! Marc se rapproche de la raie de Ray et préfigure Bowie. Il est le maillon manquant du décadentisme dont on se fera les gorges chaudes un peu plus tard. Le dernier cut de la B s’appelle «Blossom Wild Apple Girl», une fois encore absolument brillant et sevré de décadence. La voix de Marc se pose comme une plume dans une lumière de printemps imaginée par Edward Burne-Jones. Ce hit solide, précieux et anglais jusqu’au bout des ongles corrobore les corridors.

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    En réalité, Took ne s’appelait pas Took. Il tirait son nom du Lord Of The Rings de Tolkien. Peregrin Took était un hobbit et un compagnon loyal de Frodo Baggins. Took et Marc ne s’entendaient plus. À l’époque de Unicorn, Took se situait à l’opposé du hippie spectrum - where hard drugs where preferable to softback editions of fantasy fiction and where hardwearing biker leathers and dirty denims were favoured over kafkans and girlish shoes (oui, Took était d’un monde qui préférait les drogues dures aux petits romans de science fiction, un monde qui préférait les blousons de cuir et les jeans sales aux kafkans et aux godasses de gonzesses) - Il est bon de rappeler que Marc ne prenait pas encore de dope et qu’il buvait du thé au jasmin. David Platz rappelle que Took était un mec qui «floated more than walked». Tout est dit, dans cette formule miraculeusement drôle. Et Took voulait enregistrer ses chansons, ce dont Marc ne voulait pas entendre parler. Tyrannosaurus Rex était son concept et Took devait rester à son service. Une amie de Took et de Marc citée par Mark Paytress rappelle que la relation entre les deux amis s’est envenimée à cause des drogues - Basically, Took took too many, though he fonctionned better on acid than most people did. Because he took too much of it, he became slightly immune to its effects (Took prenait trop d’acides, mais il fonctionnait mieux sous acide. Comme il en prenait beaucoup trop, les acides finirent par ne plus avoir d’effet sur lui) - L’anecdote présente quand même un petit côté hilarant. Il faut se souvenir que Syd Barrett faisait lui aussi une sur-consommation d’acides et de mandies, au grand dam de ses collègues du Floyd qui souhaitaient faire carrière. Took devint donc un cosmic punk qui ruina les derniers concerts de Tyrannosaurus Rex aux États-Unis, en se foutant tout simplement à poil sur scène et en performant des bloody-minded acts of musical sabotage. Viré. Marc souhait lui aussi faire carrière.

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    Took échoua donc broke à Ladbroke Grove pour cuver son brouet de mandies et d’héro, en compagnie de ses amis du Pink Fairies Motorcycle Gang & Drinking Club. Il joua sur l’album Think Pink, qu’Haines qualifie de psych masterpiece, et sur un autre album solo, celui de Mick Farren, le fameux Mona - The Carnivorous Circus. Rebaptisé Shagrat The Vagrant, Took y raconte son séjour au ballon en mode spoken-word. On y trouve aussi une version de «Sumertimes Blues» beaucoup moins convaincante que celle de Blue Cheer. Même si on vénère Mick Farren, écouter Mona relève d’une certaine forme de masochisme. C’est l’une de ces aberrations mythiques dont est si friand l’underground britannique, un disque complètement merdique et mal chanté, comme le confirmera plus tard Larry Wallis, lorsqu’il réussira l’exploit de transformer Mick en vrai chanteur.

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    Par contre l’album solo de Twink vaut le détour, mais pour seulement deux raisons. Un, les amateurs de psychout se régaleront d’un «The Thousand Words In A Cardbox» joué au gras double d’anglicité gargouillante et commotionnée. Victor Unitt, qu’on retrouvera dans les Pretty Things, y envoie de belles giclées de glou-glou démentoïde. Deux, «The Sparrow Is A Sign», le cut de fin de B qui sonne comme un stormer psyché relativement digne des Fairies. Le reste de l’album inspire une sorte de vague ennui psychédélique. Avec «Tiptoe On The Highest Hill», Twink paye un lourd tribut au far-outage de psychout. En effet, il stand tiptoe sur the highest hill, il voit le day giver the way to the night. Franchement, on se demande comment font les gens pour trouver ce disque intéressant. Bon, c’est vrai qu’on entend Victor Unitt s’énerver, mais pas assez. Il faut dire que Twink a un don pour le beat, ça on le savait depuis «Baron Saturday». Dans «Mexican Grass War» qui ouvre le bal de la B, il crée les conditions du triple beat on the brat, mais pas avec the baseball bat. Et comme Took rôde dans les parages, ça finit par tourner en eau de boudin avec une chanson à boire, «Three Little Piggies». Ils ne peuvent pas s’empêcher de déconner. Dans les années soixante-dix, pour savoir ce qu’un disque avait dans le ventre, il fallait l’acheter. On ne disposait que de très peu d’infos. Si un journaliste anglais vantait les mérites de Think Pink, on profitait d’un séjour à Londres pour se mettre en chasse. Mais on ne prenait pas un grand risque, car Rock On vendait tous les albums de l’underground (Fairies, Stackwaddy, Broughton, Leigh Stephens, Third World War and co) pour une bouchée de pain. Songez qu’un album aussi affreusement médiocre que Think Pink vaut aujourd’hui 400 euros en ligne !

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    Ces participations aux projets de Twink et de Mick Farren laissaient augurer d’une belle carrière solo qui malheureusement ne vit jamais le jour. Comme il était beaucoup trop untogether, Took ne fut pas invité à rejoindre les Pink Fairies. C’est aussi drôle que l’histoire de Lemmy viré d’Hawkwind pour usage de drogues, s’esclaffe Luke Haines. En conséquence, Took décida de monter Shagrat avec Larry ‘Lazza’ Wallis. Drôle de nom pour un groupe, non ? Took tirait une fois de plus ce nom du Lord Of The Rings, mais cette fois, Shagrat n’est pas le nom d’un gentil Hobbit, mais celui d’un odieux captain Orc. Shagrat ! - Shagrat were phenomenal, the ultimate freakbeat band - Début 70, ils avaient composé ces trois stormers ultraïques que sont «Boo! I Said Freeze», «Steel Abortion» et «Peppermint Flickstick» - Dark druggy Stooges freakouts all - Et Mark Paytress en rajoute une louche, en parlant de Peppermint - Nearly six minutes of stoned agression fuelled by dread wah-wah driven chords that teetered on the edge of feedback and rammed home with a malovelent Took vocal that wavered in and out of key (six minutes d’agression stoned chargée d’accords grouillants de wah-wah qui titubent au bord d’un gouffre de feedback, et Took envenime tout ce bordel en chantant faux) - Et Paytress conclut en affirmant que Shagrat représentait the darker underbelly of Ladbroke Grove alternative culture. On serait tente d’ajouter : au même titre que les Pink Fairies.

    Shagrat monta sur scène pour quelques concerts, mais Took étant Took, il le fit in perfect Took style, c’est-à-dire untogether - Sessions would abort in a chaos of pills or vodka - Alors Larry Wallis mit les voiles pour aller jouer dans UFO. Eh oui ! Même des gens du niveau de Larry Wallis peuvent se vautrer.

    Vous trouverez les cuts mythiques de Shagrat sur Lone Star, paru en 2001. Si vous ouvrez le petit feuillet/pochette du CD, vous y trouverez un fantastique hommage de Larry à son pote Took : «Steve a eu et a toujours une prodigieuse influence sur ma vie, depuis ma consommation massive de LSD jusqu’à la façon dont je compose. Une influence magique. Dave Bidwell qu’on appelait Biddy, était aussi un original. Lui et Steve étaient semblables, et même beaucoup trop semblables. Ces deux-là aimaient bien pousser à l’extrême leurs expériences avec les drogues, ce qui, comme chacun le sait, finit en général assez mal. Si je parle des drogues, c’est parce qu’à l’époque on ne vivait que pour explorer des planètes inconnues, et les vaisseaux spatiaux qui permettaient d’y accéder, c’était justement les drogues. Took était le capitaine de notre vaisseau. Dans les années précédentes, Took avait été salement désavoué. Il avait pourtant joué un rôle aussi important que celui de Bolan dans Tyrannosaurus Rex, un groupe qui sortait de nulle part, et il semble que ce soit Mickey Finn qui en ait tiré les marrons du feu. J’imagine qu’il n’est pas responsable de cette erreur d’appréciation. Alors, il ne vous reste plus qu’à savourer les virées cosmiques de Took, comme il les appelait. J’ajoute que ces chansons dissipent un malentendu voulant apparenter Took et Bolan au monde des lutins de la forêt. C’est entièrement faux. Tout ce qui intéressait Steve était ce qu’il appelait lui-même le kerflicker-kerflash, une sorte de rock’n’roll super-trippant et cosmique, du neon sex fun.» Comme dans le cas d’Hendrix, on se demande ce que Took aurait pondu s’il avait vécu. Aurait-il réussi à perdre le contrôle de son sex fun ? Oui, c’est bien du pur jus de cosmic neon sex fun qu’on entend dans «Boo! I Said Freeze», véritable carnage de druggy dub de freeze joué à l’énergie ralentie, d’autant que Larry balaye tout à la guitare, redevenant du coup l’un des trublions les plus virulents d’Angleterre. Oh, il faut l’entendre déployer sa furia del sol dans les méandres du sex fun de la titube ! On se serait damné à l’époque pour un tel ramdam. On trouve encore de la pure mad psychedelia dans un «Steel Abortion» joué au stone-deaf Wallis of sound, cousu comme le furet, déployé comme une ampleur galvanique, explosé du subitex, situé loin, mais vraiment loin au-delà de toute raison. Larry fait le show, et en bon Wallis qui se respecte, il va là où bon lui semble. Sur cet album aussi miraculeux que miraculé, on retrouve le troisième stormer ultraïque, «Peppermint Flickstick», un cut digne de Syd Barrett, complètement barré, drugtion at the junction, nous voilà projetés au cœur de la pire mad psychedelia qui soit ici bas et Larry se barre en sucette de solo gras. Ah quelles effluves de molles dérives dignes des montres molles du grand Dali délire ! Les Américains férus de psychédélisme feraient bien d’en profiter pour prendre des notes.

    En guise de conclusion brokienne, Luke Haines insinue que Lone Star ne fut jamais mastérisé à la bonne vitesse. Perfect Took style.

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    Est paru en 2003 un autre album de Shagrat, Pink Jackets Required, avec les noms de Twink et Paul Rudolph sur la pochette. Ce disque est une horrible arnaque : Twink aurait overdubbé des percus sur les démos de Took. Sur le Took website, on pouvait lire ceci : «Rest assured, the actual lineup on these tracks was Steve Took, Larry Wallis and Dave Bidwell.» Mais Mick Farren se mit quand même en pétard. Révolté par cette arnaque, il déclara : «What kind of scum robs from the dead, let alone a dead friend ?» (C’est quoi cette bande d’enculés qui pillent un cadavre, qui est en plus le cadavre d’un ami ?). On retrouve d’ailleurs sur Pink Jackets Required trois des cuts de Think Pink («The Sparrow Is A Sign», «The Coming Of The Other One» et «Three Little Piggies»). C’est vraiment du grand n’importe quoi. Twink perdit alors toute crédibilité. D’ailleurs, dans Growing Old Disgracefully, les Pretty Things expliquent qu’ils avaient à une époque dû prendre leurs distances avec ce misérable magouilleur.

    En 1972, Marc Bolan déclarait que Took se trouvait «in the gutter somewhere». La presse ne démentait pas, affirmant que Took n’était plus qu’un day-dreamer in leather, shades and stubble with an appetite for Mandrax (une sorte de clochard céleste en cuir, lunettes noires et barbe, affamé de Mandrax). Ce qui ne l’empêcha pas de s’acoquiner avec Tony Secunda, l’ancien manager des Move et de T. Rex, qu’il surnommait Tony Suck Under. Cette relation ne fit pas que du bien au pauvre Took - Too much cocaine went up to his nose - Secunda installa Took dans un flat transformé en home studio, juste derrière ses bureaux à Mayfair, et lui proposa d’enregistrer quelques demos pour un album solo, mais Took étant Took, il le fit in perfect Took style : nothing ever got finished. Rendu parano par l’abus de coke, Took vivait en reclus dans le flat.

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    Ces sessions finiront heureusement par paraître, mais beaucoup plus tard, en 1995, sous le titre The Missing Link To Tyrannosaurus Rex. Si on rapatrie cet album, ce sera pour deux raisons principales : «Give» et «Syd’s Wine». On voit que ça wha-whate sec chez Secunda. Ah les vaches, ils y vont de bon cœur. Et pouf, ça disparaît, va-t-en savoir pourquoi. Mais ça revient et l’ensemble se veut assez dément, embarqué au big drive. Took est capable de miracles, il ne faut jamais l’oublier. Il prend «Syd’s Wine» en laid-back. Pure druggy song of it all, magnifique, il chante à la titube de bulbe et là, tout Took reprend son sens. On trouve d’autres merveilles sur cet album sauvé des eaux, comme par exemple «Molecular Lucky Charm», trop abîmé pour être pris au sérieux, on n’entend même plus la voix, ça gratte à l’acou devant et ça vire au vieux vaseux. Fantastique «Scorpius» d’entrée de jeu, monté sur un puissant drive de basse : on a Larry Wallis, Twink et Mick Wayne à la basse. La fine équipe habituelle. «Lucky Charm» dégage aussi un charme irrésistible. Took nasille dans le néant de Secunda. Lui et ses amis cherchent des noises à la noise, et le résultat dépasse toutes les attentes. Syd Barrett fait son cirque sur «Flophouse Blues» et «Seventh Sign» vire à l’apocalypse. Le diable cuisine Took, ça se sent. Il sort là un cut de big atmospherix fascinant, un véritable chef-d’œuvre de druggy groove. Il fait son Instant Karma sur «Days». On reste dans le druggy groove d’exception, perdition absolue, une vraie dérive absolutiste, l’équivalent sonique de La Connaissance Par Les Gouffres. Took entre plus dans le vif du sujet avec «I Caution You», une vraie atteinte aux mœurs de la mormoille. Voilà le pur acid rock de Ladbroke Grove, absolument superbe, plein d’allant et brumeux en même temps. Took parvient toujours à ses fins, sachez-le. L’album se termine sur un musculeux «Flophouse Blues (Reprise)», joué dans l’esprit de conquête, au mieux des possibilité du junk punk du Grove. Énorme !

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    En 1974, Took entreprit de composer une cricket song avec Robert Calvert, «Cricket Lovely Cricket», mais le single bien sûr ne vit pas le jour. Quatre ans plus tard, il fit irruption dans la new wave avec Steve Took’s Horns, a tough pub rock bovver boy group, qui enregistra des cuts qui, vous l’avez deviné, ne parurent pas à l’époque. Ils ne firent surface qu’en 2004, chez Cherry Red sous le titre Blow It !!! The All New Adventures Of. Alors oui, il faut absolument écouter cet album, car c’est un chef-d’œuvre de heavy rock underground et ça démarre avec un «It’s Over» dévastateur, extraordinaire de vitalité anglaise, une pure dégringolade d’exaction parabolique. Ah cette façon qu’a Took de balancer l’it’s ohhh/ ver. Quelle classe ! Tout ce qui suit est au même niveau. «Average Man» sonne comme de la Stonesy de flibuste, c’est une régalade de première nécessité. Took défonce la rondelle des annales de la Stonesy. Seuls les Anglais peuvent se permettre de sonner ainsi. S’ensuit «Woman I Need», un balladif complètement décadent, joué à la déconfiture d’accords. Une basse fuzz hante «Ooh My Heart», toute l’énergie des bas-fonds londoniens rejaillit ici, c’est bardé de glissés de basse déments - First she’ll make up her eyes/ Then she’ll make up your mind - Pure démence. Et ce n’est pas fini car voilà «Too Bad», joué au heavy glam de Londres, that’s right, quelle fantastique entrée en matière - Too bad/ Too bad yeah/ Too bad don’t come my way - Monstrueux ! Et il se met à scander Highway Highway driving me - Voilà le heavy glam de rêve, the real Deviant sound, la putréfaction de la stupéfaction, le glam des catacombes. Effarant ! Un peu plus loin, on tombe sur un autre coup de Jarnac intitulé «Wall Of Sound». C’est antédiluvien et plombé aux cuivres. Il s’y passe quelque chose de stoogy, une implosion de brain blast, une pure élévation dévastatrice, complètement inespérée. Voilà le genre de disque qui peut restaurer votre confiance en l’humanité.

    Took et ses Steve Took’s Horns ne montèrent qu’une seule fois sur scène, en 1978 à la Roundhouse, dans le cadre du Bohemian Love-In organisé par un Nik Turner fraîchement viré d’Hawkwind et qui tentait de redémarrer avec un nouveau gang et un album intitulé Sphynx. Ce festival fut le dernier grand événement de l’English hippy underground. Nik surnommait Took ‘a tragic genius’. Steve Took too much.

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    Luke Haines termine son hommage avec une très belle anecdote. En 1980, alors que ses copains d’école écoutaient les Jam, Lucky Luke alla chez WH Smith s’offrir les deux albums de Tyrannosaurus Rex, Unicorn et A Beard Of Stars couplés dans une édition cheap pour seulement £3,99 - I bought it and changed my life for ever - Et c’est en décembre de la même année que Took cassa sa pipe, perfect Took style : il s’étrangla avec un mélange de cocktail cherry, de morphine et de magic mushrooms, des drogues financées par le chèque de royalties qu’il venait de toucher pour Unicorn. Et Luke Haines conclut ainsi : cette fin me fait parfois rêver.

    Signé : Cazengler, tombouctook

    Tyrannosaurus Rex. My People Were Fair And Had Sky In Their Hair... But Now They’re Content To Wear Stars On Their Brows. Regal Zonophone 1968

    Tyrannosaurus Rex. Prophets, Seers & Sages: The Angels Of The Ages. Regal Zonophone 1968

    Tyrannosaurus Rex. Unicorn. Regal Zonophone 1969

    Mick Farren. Mona. The Carnivorous Circus. Transatlantic 1970

    Twink. Think Pink. Polydor 1970

    Shagrat. Lone Star. Captain Trip Records 2001

    Steve Peregrin Took. The Missing Link To Tyrannosaurus Rex. Cleopatra 1995

    Steve Took’ Horns. Blow It !!! The All New Adventures Of. Cherry Red 2004

    Luke Haines : Steve Peregrin Took, the Heavies’ Heavy Head. Record Collector #464 - March 2017.

     

    CHANSONS BIZARRES POUR GENS ETRANGES

    + EP's + inedits

    CHRIS

     

    AUTO-EXTERMINATION / LE PETIT SOLDAT DE PLOMB / HACHISH/ LE REBELLE / ELLE M'APPARTIENT / LA BALLADE DU FILS INDIGNE / LE CHAT REVIENT / NEVRALGIE PARTICULIERE / PREMIERE INTERVIEW / TU NE SERAS PAS MON AMI / BALLADE A MICHELLE / PLAN DE FUGUE / LA PETITE FILLE DE L'HIVER / L'ORPHELIN ET LE TAMBOURIN / ELLE T'ATTEND / A LA COUR DU ROI JOHNNY / LES MURSBLANCS / PARIS SE SABORDE / PRIERE POUR HELLODARKNESS / LA VOIX DU POETE / JE RENTRE.

     

    Rock Paradise Records RPRCD 39 / 2016

     

    Certes Long Chris n'était pas un inconnu pour les rockers lorsqu'il m'est apparu sur l'écran de la télévision familiale. Faisait déjà partie en 1966 de la saga du Golf-Drouot, son amitié avec Johnny Hallyday était légendaire, je possède encore le 45 tours Ma Verte Prairie sur lequel il s'essayait avec les Daltons à un country encore tout engoudronné des cowboys solitaires des derniers westerns. Mais là, l'était métamorphosé, cheveux longs qui lui donnaient une scandaleuse allure de beatnick, répondait aux questions en proie à un tract fou qui le faisait trembler comme une feuille morte, puis s'était lancé dans l'interprétation du Chat qui avait séduit l'ensemble de la famille. Dans laquelle j'étais pourtant considéré comme le mouton noir musical. Preuve qu'il avait su percuter son époque.

    Suis passé régulièrement durant deux ans devant son échoppe au Village Suisse – brocante des bourges – mais n'ai jamais osé entrer... C'est vrai que la version de Génération Perdue de Johnny est supérieure à la sienne mais je préfère l'originale fin de Chris : Tu voudras faire briller le nom Que l'on t'a imposé et non Que ton père t'a donné, qui gomme le côté anarchisant du texte. Heureusement que le grand Jojo na pas effacé le Je peux brûler les églises / Je peux éclater de rire dans Je n'ai Besoin de Personne, hymne stirnérien par excellence, qui se trouve sur le fabuleux Rivière... Ouvre Ton Lit dont Chris écrivit la majorité des lyrics et qui reste le flamboyant et somptueux album du rock français.

    Heureuse initiative de Patrick Renassia et de Rock Paradise de rééditer cinquante ans après sa sortie ces Chansons Bizarres pour Gens Etranges. Beaucoup le recherchaient, peu le retrouvaient. Beaucoup plus authentique que ce que proposait le marché national dans la même catégorie, en dehors d'Huges Aufray plus pop et d'Antoine très commercial n'y avait pas res comme l'on dit en occitan. Me reprends, ne faudrait pas oublier Ferre Grignard, dont plus personne ne parle, mais l'était belge et chantait en anglais.

     

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    Auto-extermination : nudité de la voix et de la guitare. Dylan n'est pas loin, organe moins enroué que le Zimmerman mais texte d'une clarté acide, le premier hymne écologique, paroles peu doucereuses, traits d'harmonica pour souligner l'ampleur du désastre et le message prophétique de la catastrophe annoncée. Le petit soldat de plomb : contraste, de l'apocalypse imminente l'on passe au conte merveilleux d'Andersen, rajoute les feux de l'amour en solution finale. Rondeurs de guitares et courbes vocales. Hachish : fallait oser en 1966, un texte ambigu, une saleté dont on ne peut plus se passer et qui danse dans le cerveau. Dans sa présentation Jean-William Thoury en accentue les aspects condamnatifs, mais parfois faut prêcher le faux pour faire entendre le vrai. Interprétation très expressive, la guitare de Steve Waring écorche les entournures. Le rebelle : avec orchestre pour ballade entraînante, une revisitation du cowboy solitaire transformé en rebelle pacifiste, figure idéale dont le chanteur n'hésite pas à endosser le rôle à la première personne. Elle m'appartient : folk-rock et chanson d'amour à intonations dylaniennes très marquées, avec cette marque de cynisme d'une invisible transparence qui est le sel astringent des lyrics du Bob. La ballade du fils indigne : chanson cousine de La Génération Perdue, mais ici Chris ne se contente pas d'exprimer le mal-être et le malaise, entre de plein fouet dans le conflit, générationnel et sociétal. Crache tout, sa colère et sa haine, cite les noms, précise ses reproches noir sur blanc, la musique partage sa hargne, très belles guitares électriques. La meilleure de la face A de l'album original. Le chat revient : pas d'affolement, Chris nous délivre une fable ésopienne, le chat triomphe de tout. Survit à tous les dangers, et même à l'espèce humaine. Adoptez son indolence native. Névralgie particulière : plutôt cauchemar surréaliste, tout ce qui se passe dans votre tête et que vous n'avez pas le courage de raconter. Les images de la fausse réalité se craquèlent et tout s'embrouille, tout cela parce que votre copine vous a quitté. Mieux vaut en pleurer qu'en rire. Très belle orchestration qui vous pousse le réel au cul. Première interview : plus traditionnel, critique des médias soumis à la vieille idéologie du formatage individuel par le travail. Pas la ronchonnade marxiste de l'aliénation, mais la revendication d'une impertinence bien enlevée. Tu ne seras pas mon ami : des paroles typiques du rock'n'roll français dont Long Chris reste l'un des paroliers les plus aigus, le thème des amis intéressés remis à leur place, une complainte lancinante blues déclinée à toute vitesse, faut que ça valse. Ballade à Michelle : beaux choeurs féminins doublent la voix de Chris, de quoi adoucir les regrets. Cause perdue. L'est trop tard. N'avait pas qu'à. Même s'il ne l'a pas fait exprès. Plan de fugue : la chienlit et le désordre, les déboires de la vie familiale quand elle n'a pas le charme zonderlinesque, revue de fous à lier, l'orchestration sonne en ses meilleurs moments comme du meilleur Dylan, ironie mordante, harmonica en partance, apothéose finale. Cette face B est à la hauteur du dernier morceau de la face A.

    Un demi-siècle après le disque se révèle être un véritable chef d'oeuvre du patrimoine. Mais à l'époque ça se bousculait grave au portillon, y avait du monde rien qu'entre les Beatles et Hendrix... La carrière de Chris n'en a pas été boostée. Grand dommage. Sept titres prélevés sur les quatre 45 Tours suivants de Chris complètent le CD.

    La petite fille de l'hiver : violons à pleurer, une reprise décalée du conte de La Petite-fille aux Allumettes, dommage que Chris n'ait pas eu l'idée – peut-être un projet inabouti ? -de tout un album consacré à Andersen, beau texte qui raconte avant tout la perte irrémédiables des rêves de l'enfance qui s'efface lorsque nous croyons que nous grandissons alors qu'en fait nous rapetissons. L'orphelin et le tambourin : le texte n'est pas sans évoquer la Nuit de Décembre de Musset, je n'insinue pas que Chris a copié, bien au contraire l'a retrouvé une émotion qui appartient à tous, celle du dédoublement de soi-même. Très puissant. Elle t'attend : aigre-doux, masque mortuaire souriant, banjo enjoué, rythme sautillant, polka des mauvaises nouvelles, rendez-vous d'amour au cimetière. A la cour du roi Johnny : Chris au pays des merveilles, Alice a bien grandi, n'est plus la petite fille innocente, mais le monde court à la déglingue surréaliste, une chronique douce-amère vraisemblablement codée. Les murs blancs : finie la féérie, misère de l'amour et amour de la misère, le passé à l'encan, bohème désenchantée, errance solitaire, orgue sifflant, tout passe, certains s'en tirent moins mieux que d'autres. Les chants désespérés font les lyrics les plus beaux. Paris se saborde : l'après-monde. Le cauchemar grignote le passé. Paysage de science-fiction prophétique. Le monde ne court plus à sa perte. Il a déjà franchi la ligne d'arrivée. Celle de l'abîme. Prière pour hellodarkness : prétérition, chanter l'amour pour mieux souligner la cruauté du monde. Egoïsme du bonheur. Tant pis pour les autres. Il faut savoir se renier pour accéder au septième ciel de l'empyrée divine. Très belle envolée de voix féminine à la fin. La voix du poète : montée du nihilisme. Nécessité du poète en nos temps de détresse s'interrogeait Hölderlin, les temps sont incertains, les chansons d'amour valent-elles les fusils ? L'espoir fait vivre !

    Je rentre : titre inédit, enregistré en octobre 2015. Je rentre pour mieux revenir. Chris revient tout du Long. Recolle les morceaux d'une vie diffractée. Pas mal en soi-même, mais je me répète, l'aurait mieux valu le remplacer par La Génération Perdue.

    Un regret : que Chris n'ait pas continué sa carrière. L'est le lyricoeur qui a tant manqué au rock'n'roll français. Certes l'a écrit quelques uns des textes les plus significatifs d'Hallyday mais il nous a privé d'une œuvre qui aurait été exemplaire. L'était en avance sur son temps. S'engageait dans une sorte de pessimisme féérique des plus originaux.

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    Notons que vient de sortir chez Milano Records : Gens Etranges pour Chansons Bizarres, nous les chroniquerons bientôt.

    Damie Chad.

     

    TRY ROCK & ROLL

     

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    Emission rock cornaquée par Thierry Gazel, quarante-deuxième livraison du 09 octobre 2017 en hommage à Gene Vincent disparu le 12 octobre 1971. A écouter en direct sur radiolezart.fr ( tous les lundis à dix-huit heures trente ) ou en podcast sur le FB de Try Rock & Roll.

    Thierry Gazel pourrait reprendre le slogan du président Rosko : Maximum de musique, Minimum de bla-bla, ainsi ce spécial Gene Vincent offre en une heure dix-huit titres entrecoupés par l'essentiel : date, lieu, nom des musiciens présents à l'enregistrement et l'annonce des concerts de la semaine à venir. Pouvez chipoter que votre morceau favori du Screamin' Kid ne soit pas au programme – perso me manquerait Bird Doggin' - mais comme chez Gene tout enregistrement est une petite merveille de précision, la foire d'empoigne risque de tourner au pugilat. Etudiez plutôt la set-list des émissions antérieures qui débordent de perles précieuses et de titres rares. L'en connaît un rayon de miel Thierry Gazel, véritable amoureux et connaisseur de la musique populaire américaine. Rappelons que Thierry Gazel fut le contrebassiste des Ol' Bry dont vous avez intérêt à vous procurer au plus vite les deux premiers albums. L'émission entame sa deuxième année, et Thierry Gazel est devenu par chez nous un des archivistes sonores et des propagandistes ondins les plus importants de la musique des années cinquante. Activiste rockabilly. Bienfaiteur de l'humanité rock'n'roll. A écouter tous les lundis. Sans faute.

    Damie Chad.

     

    THE TWILIGHTERS

    BAD DAMN CATS / KINGDOM OF DELAY / GO ON GIRL / LOOK INSIDE / NOW YOU'RE PSYCHO / RHYTHMBILLY / ILLUSIONS / TWILIGHTERS / SAD &ANGRY / LAMP POSTS / COMMING LIKE CRAZY / SCREAMING / PSYCHO ILLUSIONS

    CHRIS BIRD : guitar & voca: / SAM CHAMROCK : double bass / Jerry Wild : drums, backing vocal & screams

    Driben Records : enregistré entre Août et Décembre 2015 à Kharkiv Ukraine.

     

    Comme vous l'avez lu dans le numéro 2 ( épuisé et déjà collector ainsi que le 1 ) de Generation Rockabilly, en leur début les WiseGuyz étaient un groupe de psycho, après plusieurs changements sont devenus les tueurs de bop que nous connaissons. Mais les premières amours étant inoubliables, Chris Bird n'en continue pas moins de s'adonner dans les Twiligthers à ses originelles psykozoïdales manières.

     

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    Bad damn cats : mettons les points sur le I grec de psycho. De l'autre côté des Carpates les Ukrainiens doivent avoir une définition de ce genre différente de la nôtre. L'on s'en aperçoit dès les premières notes, sonne résolument plus sixties que psychobilly. Ce qui n'est pas en soi désagréable. Cris de mouettes en introduction, je ne sais si ces maudits cats pourchassent les volatiles sur les rives du Dnierp, en tout cas la guitare de Chris souligne à merveille son vocal enragé. Instrumentation marvinienne. Un petit bijou. Kingdom of delay : instrumental, rythmique jazz par en dessous, rappelle tous nos groupes des années soixante, plein d'effets et de surprises tous les vingt secondes. Comme ce n'est pas un débutant qui tient la guitare l'on n'est pas loin de ce à quoi s'amusait Eddie Cochran en reprenant le thème du Quatrième Homme. Go on girl : l'on sort le grand jeu, les filles arrivent, Chris vous prend le ton du gars désabusé qui mâche du chewing-gum et la musique s'emballe d'une manière des plus viriles, le batteur vous pique un cent mètres chrono à décrocher une médaille d'or. Rien à dire, savent s'y prendre avec les gerces, n'oublient même pas de faire les jolis chœurs qui vous filent un air romantique très prisée par la population femelle. C'est du moins ce que l'on dit. Look inside : contrastes, des hachis de guitare, des langueurs monotones, des voix qui agonisent, des accélérations fulgurantes, un peu générique à la James Bond. Tueurs à l'horizon, filles langoureuses dans votre bras. Cherchez l'erreur. Si vous n'avez pas trouvé, c'est que vous êtes déjà morts. Les lèvres pulpeuses étaient empoisonnées. Now you're psycho : non, ce n'est pas le manifeste psycho que vous attendiez. En fait si, mais ça progresse par étapes. Des relents de cat man de Gene Vincent, mais en moins menaçant. Les gars ont le sourire sardonique des tombeurs de filles. Rhythmbilly : ouf ! On est sorti du saloon et on se paie une cavalcade dans la prairie à la recherche des indiens qui ne se montrent pas. Situation idéale pour jouer les fiers-à-bras. Illusions : voix narquoise, contrebasse plissée, guitare moqueuse qui se joue de vos oreilles et Chris qui persifle et fait la grosse voix qui file la trouille quand vous racontez l'histoire du méchant loup aux enfants. On s'y croirait, on a presque peur. Twilighters : la guitare sautille, la voix récite une comptine, la batterie bat le beurre, la six-cordes tourbillonne, valse frénétique. Et l'on refait un tour juste pour le plaisir. Attention cette fois-ci les robes volent plus haut. Penchez-vous et vous entreverrez ce pour quoi vous êtes venus. Sad and angry : ni vraiment triste, ni vraiment en colère, dans l'entre-deux. Le temps monte un peu, las ! le plaisir du baston nous sera refusé. Mais les jeunes coqs jouent la comédie à ravir. La guitare nous file une avoinée finale rien que pour nous montrer combien cela aurait pu faire mal. Qu'on se le dise ! Lamp posts : accords sonores et traînants. La voix s'attarde pendant que l'orchestre tricote. Echos sur les cordes. Taisez-vous et écoutez. Leçon de virtuosité. N'essayez pas d'imiter vous seriez ridicules. Vous le certifie une deuxième fois. Mais vous n'êtes pas aussi stupide que vous en avez l'air. Vous aviez déjà compris. Comming like crazy : bien parti, ça fuse de partout, s'en donne à cœur joie et pas de l'artichaut, du chaud saignant sous le couteau du boucher. Un festival. Screaming : gardez votre souffle, très flegmatique en ses débuts, ensuite vous êtes debout sur le toit du train et la voûte du tunnel se rapproche dangereusement. Quand votre corps rebondit sur le ballast, le wagon éclate de rire. Un morceau interdit aux loosers. Attention deuxième tunnel, à votre tour ! Psycho illusions : gardent le rythme, ça rebondit de partout et sans cesse cette voix atone qui joue l'étonnée alors que toute votre vie défile sous vos yeux en quelques secondes. N'ayez crainte personne ne vous pleurera.

    Si vous aimez la guitare chromée d'or ne manquez pas les Twilighters c'est un régal, vous proposent un étrange psycho-rétro des mieux venus qui vous replonge dans les années dorées sur tranche de ces formations instrumentales des années soixante qui imposèrent les sonorités rock aux oreilles européennes, avec en plus cette remarquable réussite de ne pas sonner passéo-nostalgique. Le secret est bien simple, les morceaux sont construits sur de bonnes vieilles structures rockabilly qui les empêchent de lorgner vers la pop. Deuxième caractéristique, ce sont des instrumentaux avec voix. Ce qui change tout et qui explique les différentes intonations auxquelles le vocal est soumis, déchargé de cette urgence expressive qui est la marque rockab, car l'organe humain est ici traité comme un instrument complémentaire qui se soumet à la fluidité et à la plasticité de la pâte musicale. Chris Bird use d'un timbre caméléon qui s'adapte à toutes les tessitures de l'orchestration. Jamais devant. Tous ensemble. Le fait que la formation ne soit qu'un trio aide à la cohésion du groupe, jouent très près l'un de l'autre, très serrés, extrêmement réactifs, un peu comme ces centaines oiseaux en plein vol qui tous infléchissent en une même seconde leur vol sans qu'aucune collision interne ne vienne perturber l'inaltérable position de chacun. Malgré leur son sixties les Twilighters seraient à envisager en tant que groupe d'expérimentation qui rechercherait une future évolution du rockab. Sans trop le montrer, ce qui expliquerait ce retour vers cette rythmique de base qui s'essaierait à une nouvelle semence, un mix étrange, un extraordinaire hybride, à la croisée de Charlie Christian et de Hank Marvin. Ayez l'oreille raisonneuse.

    Damie Chad.

     

    BLUES & CO

    AUTREMENT BLUES

     

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    Leur slogan n'est pas une formule publicitaire. Correspond à la réalité. Les ai rencontrés à Blues In Sem ( voir KR'TNT ! 338 du 07 / 09 / 2017 ), des passionnés qui vous refilaient les anciens numéros à 2 Euros l'exemplaire et six pour 10. Sont là pour le blues, pas pour le fric. Ont une formule gagnante. La ferveur et rien d'autre. La revue s'est bâtie autour d'un enthousiasme qui a fini par générer l'organisation du Festival Terri'Thouars Blues. Pour ceux qui auraient envie de s'y rendre c'est entre Saumur et Niort. Un groupe de teigneux qui s'accrochent aussi forts que les morpions qui ne quittent pas vos parties génitales. L'air de rien, des émissions sur la radio locale, puis dès 1997 un fanzine – aujourd'hui revue de quatre-vingt pages – puis une association qui commence par organiser des concerts et qui finit par un festival annuel, le prochain du 20 au 25 mars 2018... quand s'arrêteront-ils ? Jusqu'où iront-ils ? Les laisserons-nous faire ?

    Me voit obligé de répondre : Oui ! Sans tristesse. Ai épluché six de leurs numéros. Des fous de blues mais sans œillères. Aiment aussi le country, le rockabilly et l'électricité. L'on y rencontre des gens que l'on aime bien par chez nous. Interviewent par exemple Swinging Dice et The Subway Cowboys, chroniquent les rééditions de Gene Vincent, braquent les projecteurs sur Nico Duportal, vous font des séries sur le Britih Blues, réhabilitent des groupes comme Ten Years After, Spooky Tooth, chroniquent les concerts des Stones et de Clapton, abordent des thématiques diverses comme la naissance du rock en URSS avec les premières duplications des pionniers du rock dès les années cinquante sur des radiographie médicales, ou les campagnes d'enregistrement Alain Lomax dans le Delta et le grand Sud, explorent le passé, de Billie Holliday à Nina Simone, et surtout ne quittent pas des yeux la scène blues vivante en France, en Europe, en Amérique et partout, jusqu'au pays des kangourous, de Fred Cruveiller à Loretta & The Bad Kings, en passant par Eric Bibb à Backsliders.

    Couverture couleur, intérieur noir et blanc un peu spartiate mais aussi efficace que dix rangs d'hoplites massés en formation de combat. Truffé d'informations, de chroniques de disques, de concerts et d'articles de fond. Une particularité que vous entreverrez peut-être comme un défaut mais en laquelle réside sa force : vous ne trouverez pas la revue en kiosque. Se diffuse par abonnements, ont un contingent de trois centaines d'abonnés qui assure la pérennité de l'entreprise.

    D'ailleurs à tout hasard je vous refile les infos nécessaires à votre délestage financier :

    1 an : 4 numéros : 18 Euros. 2 ans : 8 numéros : 34 Euros. ( N'ont pas prévu pour l'éternité ce qui leur permettrait d'engranger des milliard ).

    Règlement : Blues & Co abonnements 31 rue de la Quintinie / 79 100 THOUARS

    Adresses utiles : www.blues-n-co.org et redac@blues-n-co.org plus le FB : Blues & Co le magazine «  autrement blues ».

    Voilà chers kr'tnteurs je n'en ferai pas plus pour vous. Vous ne le méritez pas. Toutefois ces saines lectures ne pourront que vous améliorer.

    Damie Chad.

     

  • CHRONIQUES DE POURPRE 224 : KR'TNT 343 : LEON RUSSELL / NITE HOWLERS / BLUE'SKAÏ GRASS / STEVE JONES ( + SEX PISTOLS ) / ABK6 / DJANGO REINHARTD / CUIRTUREL / DICO-ROCK

    KR'TNT !

    KEEP ROCKIN' TILL NEXT TIME

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    LIVRAISON 343

    A ROCKLIT PRODUCTION

    LITTERA.INCITATUS@GMAIL.COM

    12 / 10 / 2017

    LEON RUSSELL / NITE HOWLERS / BLUE'SKAÏ GRASS

    STEVE JONES ( + SEX PISTOLS ) / ABK6

    DJANGO REINHARDT / CUIRTUREL / DICO ROCK

    Russell et poivre

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    Avant de ressembler au Père Noël, Leon Russell a longtemps affiché un beau look sel et poivre. Il appartient définitivement au passé puisqu’il vient de partir rejoindre l’être auquel il ressemblait le plus : Dieu, c’est-à-dire le supérieur hiérarchique du Père Noël.

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    Quand il commence à fréquenter dans les années 70 des gens comme George, Ringo ou Dylan, Tonton Leon est déjà une légende à deux pattes. Il vient en effet du mythique Wrecking Crew, le house-band du Gold Star studio de Los Angeles que s’arrachaient tous les producteurs de renom des early sixties, à commencer bien sûr par Phil Spector, mais aussi Brian Wilson. C’est aussi le Wrecking Crew qui joue sur le premier album des Byrds (le seul Byrd autorisé à jouer sur «Mr Tambourine Man» fut Roger McGuinn). Dans une fantastique interview qu’il accorda à Andy Gill dans les années 90, Tonton Leon rappelle que ce fut Hal Blaine qui baptisa cette fine équipe the Wrecking Crew. Pianiste de formation, Tonton Leon révèle qu’il apprit à jouer de la guitare avec James Burton. En tant que membre honoraire du Wrecking Crew, il joua du piano sur «River Deep Mountain High», «Be My Baby» des Ronettes, «Da Doo Ron Ron» des Crystals, mais aussi sur certains cuts des Beach Boys comme «California Girls» et «Help Me Rhonda», et plus tard sur l’extraordinaire «Try Some Buy Some» de George Harrison, que reprendra David Bowie. Tonton Leon se souvient aussi d’avoir eu le privilège d’accompagner Sam Cooke, Johnny Mathis et l’Aretha de la période Columbia. Il eut aussi la chance de travailler avec Jack Nitzsche, et comme si cela ne suffisait pas, on lui proposa aussi d’accompagner Frank Sinatra. Alors forcément, quand arrivent dans le studio des gens comme Joe Cocker, Clapton ou Delaney Bramlett, Tonton Leon se frotte les mains. Pour lui, c’est de la rigolade.

    Il s’associa à une époque avec Denny Cordell, l’Anglais qui avait découvert Procol Harum et les Moody Blues et qui venait de s’installer à Los Angeles. Ensemble, ils montèrent Shelter Records et parmi leurs découvertes, il faut bien sûr noter celle du prestigieux Dwight Twilley Band.

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    Tonton Leon doit plus sa popularité à la tournée Mad Dogs & Englishmen qu’à son passé dans le Wrecking Crew ou à ses albums solo. Si on a la chance de voir le film qui documente cette tournée historique, on peut le voir faire le chef d’orchestre et jerker dans l’œil du typhon. Mais il est important de rappeler que ses albums valent le détour, car avant d’être un animal de foire et un boute-en-train, Tonton Leon est surtout un auteur/compositeur/interprète de très haut niveau. L’un des géants de son siècle. Il y a d’ailleurs quelque chose de terriblement hugolien dans le personnage.

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    En 1968, il s’associe avec Marc Benno pour monter l’Asylum Choir et enregistrer un premier album, Look Inside The Asylum Choir. Nos deux amis proposent une petite pop psychédélique doucement mâtinée de folk. On trouve déjà sur ce disque ce qui fera la saveur des futurs albums de Tonton Leon : les chœurs féminins. Mais on sent l’Asylum Choir nettement influencé par la pop anglaise de l’époque et plus spécialement les Beatles. «Death Of The Flowers» est en effet très anglais dans l’approche. Par contre, Tonton Leon et son copain Marc américanisent «Indian Style» en faisant sonner le clairon du 8e de cavalerie. Les tuniques bleues attaquent un village indien et on entend le bruit sourd de la mitrailleuse. La B est un désastre à prétention expérimentale et dans «Black Sheep Boogaloo», ils se prennent pour les Beatles en truffant leurs harmonies vocales de bye bye.

     

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    Un an plus tard sort l’Asylum Choir II. Ça reste très passe partout, même si le son se veut travaillé. Leurs compos se tarabiscotent. On trouve un très beau «Straight Brother» en B qui ne demande qu’à déployer ses ailes, mais qui rechigne pourtant à le faire. Tonton Leon chante exactement comme John Lennon dans «Learn How To Boogie». On sent une fixation chez lui. Mais il tape plus dans le côté baroque des Beatles que dans leur côté classique. Ils terminent avec «Lady In Waiting», un balladif country plutôt chaleureux. Ils sont de toute évidence dans leur petit monde et ne semblent pas concernés par l’agitation extérieure, ni par la course au succès. Ce sont des gens sans histoires, de doux hippies.

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    Le premier album solo de Tonton Leon paraît un an plus tard. En 1970, il est déjà poivre et sel. Il a donc pas mal de kilomètres au compteur, pour parler vulgairement. Ce premier album est une petite merveille pour au moins quatre raisons qui se trouvent toutes en B. Grâce à Joe Cocker, tout le monde connaît «Delta Lady». Tonton Leon n’a pas la voix de Joe mais il pousse bien la mécanique du scream. Il fait ensuite son Dylan pour «Prince Of Peace», un rock US chargé de son et de gratouilles, de chœurs et de fatras. Il passe au gospel batch de choc avec «Give Peace A Chance» et Bonnie Bramlett duette avec lui. Et pour compléter la panoplie, il passe au heavy blues avec «Hurtsome Body». Il y frise le laid-back de génie. En tous les cas, il crée l’événement en maniant ce limon. Tonton Leon sait mener sa barque. N’oubliez pas d’écouter «A Song For You» qui ouvre le bal de l’A, un balladif à vocation océanique, très Procol dans le protocole et très Lennon dans le non-dit. En composant ce hit, Tonton Leon voulait composer un classique digne de Frank Sinatra ou Ray Charles. Il rappelle lors de son interview avec Andy Gill qu’il existe 128 versions d’«A Song For You», dont une par Ray Charles. Il prend aussi un «I Put A Spell On You» qui n’est pas celui de Screamin’ Jay. Il s’agit plutôt d’un boogie rock bien endiablé et chargé de chœurs de filles. Pour l’époque, c’est une belle pétaudière. Les filles amènent une énergie considérable. Avec «Hummingbird», il sonne comme le Richie Heavens de «Motherless Child». C’est là où Tonton Leon excelle, dans les versets océaniques des travailleurs de la mer.

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    Un an plus tard, il enregistre l’un de ses meilleurs albums, Leon Russell & the Shelter People, sur quatre sites différents : Londres, Muscle Shoals, Tulsa et Los Angeles. Il y fait deux reprises parfaites de Dylan, «It’s A Hard Rain Gonna Fall» et «It Takes A Lot To Laugh It Takes A Train To Cry». Il les prend toutes les deux au nasal de circonstance. Le hit de l’album pourrait bien être «Crystal Closet Queen», à cause de la présence extraordinaire de Claudia Lennear dans les chœurs. Elle et Kathy McDonald foutent le souk dans la médina. On entend jouer David Hood et Roger Hawkins sur «Home Sweet Oklahoma». Quel joli coup de Southern Soul de rock ! En B, Tonton Leon tape son fantastique balladif suspendu, «The Ballad Of Mad Dogs And Englishmen», il y glisse de fantastiques notes de piano, just for myself and forty friends. Retour au big Muscle Shoals sound avec «She Smiles Like A River». Quelle vitalité ! Ces gens jouent comme dans un rêve de rock. Il prend ensuite «Sweet Emily» au balladif inspiré. Tonton Leon est alors au faîte de son âge d’or. Il maîtrise bien sa quadrature du cercle. Il termine avec l’extraordinaire «Beware Of Darkness», cut d’une grande complexité mélodique qui n’en finit plus d’envoûter les clés de voûte.

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    Pour faire la pochette de Carney, Tonton Leon se grime. Et si on retourne la pochette, on le voit assis devant sa petite caravane. Mais c’est une Rolls qui la tracte. Tonton Leon ne conduit pas n’importe quoi. Par contre, l’album n’est pas très bon. On retrouve les Shelter People sur «Cut In The Wood» et Tonton Leon fait sa petite crise d’Americana avec «Cajun Love Song». Il pose ensuite les jalons d’un rock à venir avec «Roller Derby», boogie rock bardé de chœurs de filles évangéliques. Voilà ce qu’il faut bien appeler du gros rock de bastringue mal fagoté.

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    On retrouve tous ses hits sur le triple album paru en 1973, Leon Live. C’est une œuvre à la fois attachante et compliquée à écouter. Live, il semble parfois que le talent de Tonton Leon se dilue. Mais en même temps, il fait feu de tous bois avec des reprises de Dylan, des tonnes de chœurs et du gospel en veux-tu en voilà. Dès «Mighty Queen Medley», les sisters rappliquent et chauffent bien le marmiton. On trouve de tout dans ce medley, du heavy blues, du shuffle, du Dylan, mais surtout des exactions de Soul Sisters impénitentes. On trouve aussi une version de «Delta Lady» presque aussi bonne que celle de Joe Cocker dans Mad Dogs. Bel hommage à Dylan avec une version bien pulsée d’«It’s All Over Now Baby Blue». On retrouve aussi «Queen Of The Roller Derby» joué à la bonne franquette et il passe au grand gospel batch avec «Great Day». Son gospel est d’une sincérité à toute épreuve. Il nous en recolle d’ailleurs des louches avec son «Jumping Jack Flash Medley» et rend un hommage spectaculaire à Little Richard avec un «Crystal Closet Queen» emmené ventre à terre. Il faut noter la présence des deux guitaristes, Don Preston et Joey Cooper. Les balladifs de Tonton Leon tiennent bien la route, c’est ce qu’on constate à l’écoute de la version live de «Sweet Emily». Et il termine avec un coup de gospel batch infernal, «Sweeping Through The City». Disons qu’on meurt moins bête quand on a écouté cet album en entier, car Tonton Leon fait partie des très grands artistes américains. Il faut bien sûr le situer à niveau égal avec Doctor John.

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    En 1973, il attaque un cycle country de quatre albums avec Hank Wilson’s Back Vol 1. C’est sa manière de nous révéler sa passion dévorante pour la country-music. Il démarre l’album avec un «Rollin’ In My Sweet Baby’s Arms» monté sur un fantastique beat de rockab. Il swingue sa country avec l’énergie d’un rockab Okie et c’est un véritable coup de génie. Et soudain, ça part en délire de banjo/violon. Franchement, Tonton Leon est un dieu du cirque. Il revitalise l’esprit du country bop. On trouve deux belles reprises d’Hank Williams sur cet album résolument country : «I’m So Lonesome I Could Cry» qu’il chante avec tout le feeling du monde et un «Jambalaya» dansant en diable. Il termine l’A avec un très beau «Six Pack To Go» boppé jusqu’à l’os. En fin de B, on se régalera aussi de sa version du «Lost Highway» jouée au slap de base et de rigueur, sans la moindre faiblesse, et il termine cet album sensible avec un bel hommage à LeadBelly dont il reprend «Goodnight Irene» - Goodnite Irene goodnite/ I’ll see you in my dreams.

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    Sur Hank Wilson Vol II, on trouve deux perles : «Wasbash Cannon Ball», merveilleux coup de Western swing avec du violon à gogo, chanté à deux voix avec Willie Nelson, et puis une reprise somptueuse du grand classique de Johnny Horton, «I’m Moving On». Il en fait une version dynamique en diable.

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    Live In Japan est un album live qui vaut le détour, ne serait-ce que pour entendre les filles gueuler sur «Heaven». Elles gueulent tout ce qu’elles peuvent, sans le moindre discernement. Il règne sur cet album une fantastique énergie. On parle ici de best live act of the seventies. Au niveau son, c’est extrêmement chargé. Tout le monde gueule sur scène. Et Tonton Leon commence à enchaîner ses hits, avec «Queen Of The Roller Derby», un boogie réchauffé par la chaleur intrinsèque. C’est du très haut de gamme, comme d’ailleurs le «Roll Away The Stone» qui suit, effarant de hottitude céleste. Les chœurs de filles explosent tout et le backing band sonne comme une machine infernale. Ça se remet en surchauffe avec «Alcatraz». On y entend Wayne Perkins ravager la frontière en pur guitar killer. En voilà un qui sait incendier la sierra. Tonton Leon se paye son heure de gloire avec «A Song For You/Of Thee I Sing», sa chanson fétiche. Il prend ça dans une fantastique ambiance et tout explose !

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    Il tape encore dans Dylan pour l’album Stop All That Jazz. Il reprend «The Ballad Of Hollis Brown» au gospel batch et en fait une version absolument extraordinaire. Il développe une telle énergie qu’on croit voir un pasteur évangéliste devenir hystérique. Il tape aussi dans Mose Allison avec une superbe jazzerie nommée «Smashed». C’est avec «Leaving Whipporwhill» que Tonton Leon se rapproche vraiment de Doctor John. À travers cette puissante assise pianistique transparaît toute la grandeur de l’Americana, la vraie. Puis il tape dans l’intapable, c’est-à-dire le «Spanish Harlem» de Phil Spector et le joue au piano bar, sur fond de congas des Caraïbes et de trompettes mariachi. Une fois de plus, on se dit qu’il faut avoir écouté ça au moins une fois dans sa vie. Tonton Leon montre à nouveau qu’il est l’un des cracks du groove océanique avec «Time For Love». Il aime s’étendre à l’infini. Il nappe son balladif de toute l’espérance du Cap de Bonne Espérance. Quel album ! Il termine avec le morceau titre, histoire de nous servir du jazz d’exception sur un plateau. Tonton Leon explose littéralement son jive de jazz. C’est un album hors du temps et surtout hors des modes.

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    Steve Cropper joue sur Will O’ The Wisp paru en 1975. D’où la richesse du son. Dès «Little Hideway», on retrouve le chant squeezé de Tonton Leon et la magie des chœurs féminins. Une fois encore, il crée de l’événementiel proto-mélodique. Au fil des cuts, on redécouvre ce fantastique créateur d’espaces inusités, d’interstices praticables, d’astuces cabaniques privées de communes mesures. Avec «Can’t Get Over Losing You», il nous plonge dans une sorte d’étrangeté confondante, bien montée au blues de bastringue et hantée par des chants de sirènes à la clé de sol. Le «Stay Away From Sad Songs» confirme cette impression d’étrangeté. Voilà encore un cut russellien en diable - When I sing my love song/ I sing my song for you - Il attaque la B avec un fabuleux balladif intitulé «Back To The Island». Il envoûte par la seule beauté de sa démarche. On entend Tommy Allsup jouer de la jazz guitar sur «Down On Deep River» et ça vaut tout l’or du monde. Il se passe quelque chose d’absolument extraordinaire dans chaque cut. Tonton Leon se montre très au fait des affaires mélodiques : on le constate encore une fois à l’écoute de «Bluebird». Il boucle avec un «Lady Blue» d’allure parfaite. Il laisse sa voix se perdre dans l’horizon. Cet artiste hors normes vise une sorte de perfection, mais sans prétention, il ne se préoccupe que du bon esprit et se contente de jouer ses notes de piano. Il est à la Californie ce que Doctor John est la Nouvelle Orleans, un homme de vision et d’exception, un cajoleur de son et un amoureux du real cool trend.

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    Les deux meilleurs albums de Leon Russell sont probablement ceux qu’il a enregistrés avec sa femme Mary Russell, en 1976 et 1977. Wedding Album grouille littéralement de coups de génie. «Rainbow In Your Eyes» emporte la bouche. On sent immédiatement la classe et la fabuleuse aisance du jeune marié. C’est joué à la meilleure good time music d’Amérique. On a là dans les pattes une pure merveille d’élégance mélodique et de swing léger. Retour au Southern Foutrack avec «Love’s Supposed To Be That Way». Quelle incroyable vitalité des idées ! Mary apporte des contre-chants de haut vol. On se sent merveilleusement bien dans ce son. «Fantasy» sonne encore à part, comme une sorte de balladif afro-cabanique en forme de sortilège et fantastiquement orchestré. On assiste au développement d’un fouillis de son inéluctable. Leon et Mary chantent «Satisfy You» à deux voix, sur fond de groove délicat et lumineux. Et ça continue en B, avec encore tout un tas de merveilles, à commencer par «You Are On My Mind», une pop de Soul joyeuse et pleine d’allant. Ils battent tous les records d’élégance avec «Lavender Blue». C’est pianoté il faut voir comme. Ce disque sonne comme un miracle permanent. Tout y est dédié, délié, délicat, délibéré et démesurément doux - You’ll be my king I’ll be your queen - Encore un balladif visité par l’ange de bonté avec «Quiet Nights». Ils frisent la perfection de Bobby Womack. Et ça continue avec «Windsong», un balladif choyé par un sax volubile. On ne se lasse pas de cette qualité de chant mélodique. Tiens justement, on parlait du loup : Leon et Mary reprennent le «Daylight» de Bobby Womack pour refermer la marche de ce précieux album. Ils nous plongent dans un groove de magie pure avec de faux airs d’Oh Happy Days des Edwin Hawkins Singers.

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    Le miracle se poursuit sur Make Love To The Music paru un an plus tard. Au dos de la pochette, Tonton Leon et Mary posent en famille. Ils reviennent à la good time music dès «Easy Love». Ils savent très bien ce qu’ils font. Tonton Leon chante d’une petite voix fêlée et pincée. On peut parler ici de qualité hors d’âge. Avec «Now Now Boogie», ils tapent dans la pop richement orchestrée et Tonton Leon passe au calypso de bon ton pour «Say You Will». Avec le morceau titre, il retape dans le balladif de classe infiniment supérieure. Les hits se trouvent en B, à commencer par «Love Crazy», une pop de Soul admirable de qualité intrinsèque. C’est cuivré à la diable et vraiment digne de Sly Stone. Tonton Leon est comme Swamp Doog, il fait exactement ce qu’il veut du son. Retour à la good time music dynamique avec «Love Is In Your Eyes». Et puis avec «Island In The Sun», on tient un hit inter-galactique. On comprend soudain d’où viennent les grands popsters américains contemporains : de Leon Russell et des gens de son acabit.

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    Avec Americana, on tombe des nues, car Kim Fowley co-écrit quasiment tout avec Tonton Leon. Ils démarrent avec «Let’s Get Started», un extraordinaire coup de good time music judicieuse et cuivrée de frais. Tonton Leon chante avec sa petite voix de nez, mais aussi avec un feeling extraordinaire. Il enchaîne avec «Elvis & Marylin», un fantastique balladif chanté au timbre fin et unique. Le «From Maine To Mexico» n’et pas le from Maine to San Diego de Joe Hill, mais un balladif d’une élégance sidérante. Il semble que Tonton Leon ne veuille chanter que des cuts d’inspiration divine. Il swingue ensuite le vieux hit de Percy Sledge, «When A Man Loves A Woman» et en B, il continue de taper dans de beaux soft rocks d’obédience américaine. «Shadow And Me» semble visité par la grâce et il boucle cet album incroyablement attachant avec un «Jesus On My Side» de choc.

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    Paru en 1979, Life And Love amorce une sorte de déclin. Sa pop reste raffinée jusqu’au bout des ongles, mais l’étincelle brille par son absence. «Struck By Lightning» sonne comme du Doctor John et pour «Strange Love», Tonton Leon va chercher des orchestrations de heavy groove paranormal. Il revient à son cher balladif océanique avec le morceau titre - When it comes to life and love/ Baby you can count on me - En gros, on a là un album très romantique et un brin ennuyeux. Il boucle avec «On The Borderline», une pop un peu énervée et chargée d’instrumentation.

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    Le Solid State qui paraît quelques années plus tard confirme le sentiment du déclin. Ses balladifs restent pourtant assez purs, mais ça ne suffit pas à masquer le manque d’inspiration. Tonton Leon crée la sensation avec une reprise de «Good Time Charlie’s Got The Blues» de Danny O’Keefe - Well I got my pills to ease the pain/ Can’t find a thing to stop the rain - Et quand il prend «Rescue My Heart» en tête de B, on croit entendre un curieux mélange de Ten CC et de Steely Dan, quelque chose de doux et de profond comme le Gulf Stream. On sent que Tonton Leon cherche à plaire et pour une fois, il perd un peu de sa grâce naturelle. Il suffit d’ailleurs de voir la pochette : il s’y fait des peintures de guerre.

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    Une pure merveille se niche sur l’album Anything Can Happen paru en 1992 : «Jezebel», un cut tapé au Diddley beat. Tina, la fille de Leon, fait les chœurs. Leon vit son rêve de family group. On a là une version énorme, d’autant que Tina est une bonne. Just perfect ! Edgar Winter joue du synthé sur «Angel Ways», un cut qui sonne comme un groove de rêve. Tonton Leon adresse aussi un joli clin d’œil à Chuck avec une reprise de «Too Much Monkey Business». Il la prend sur un mode de petite excitation étrange. Voilà un homme qui a des idées nettes et précises. Le hasard n’a pas sa place dans un esprit aussi affermi. C’est son fils Teddy Jack qui passe le solo. Il n’a que 14 ans. Plus loin, Tonton Leon lance «Life Of The Party» d’une voix d’entre-deux absolument tendancieuse et chante du nez, à la dylanesque. On entend son beau-fils Matt Harris prendre un fabuleux solo d’égarement sur «Love Slave». Tonton Leon n’en finit plus de réserver de sacrées surprises. Et son «No Man’s Land» sonne très Dr John, alors que ça joue au meilleur rebondi rythmique qui se puisse imaginer ici bas.

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    Cet extraordinaire album qu’est Guitar Blues avait un temps disparu des radars et il réapparut par miracle, alors bien sûr, nous allâmes brûler un cierge à Notre-Dame de Lorette. Car enfin, quel album ! Attention, il met un certain temps à décoller. On y trouve «Dark Carousel», une pop-song de charme, et quand on connaît un peu Tonton Leon, on sait qu’il tape là dans son fonds de commerce, c’est toute son éducation et même toute sa moelle, c’est plein de son et d’esprit, il chante dans sa barbe, on sent l’hédonisme du vieux maître. Même chose avec «It’s Impossible», pris au vénérable beat de session, pourtant sombre et peu avenant mais il entre dans sa chanson avec la classe immortelle d’un dieu de l’Olympe. On reste dans l’enchantement avec «Strange Power Of Love». Tonton Leon plonge dans les abysses du blues-rock de haut vol, c’est stupéfiant, car il semble s’exprimer en technicolor. Il s’installe dans une sorte de goove de classe suprême, il transforme un cut d’apparence ordinaire en chef-d’œuvre quasi-cosmique. Pur génie ! Encore un coup de Jarnac avec «The Same Old Song». Ne faites pas l’impasse sur cet album, ce serait une grave erreur. Tonton Leon y explose le groove à sa façon, mais il le fait avec nonchalance, il puise dans ses racines et dans ce que préfèrent les très grands artistes américains : le music-hall, évidemment. Ce disque est énorme jusqu’à la dernière goutte de son. Tiens, encore une merveille avec «Lost Inside The Blues», et son atmosphère d’Arletty, Tonton Leon y va franco de port, il est conseillé d’écouter cet homme chanter, car il y croit dur comme fer. Il gratte son hard blues dans «My Hard Times» avec une abnégation exceptionnelle. Incroyable présence de but what else could I do ? It’s so impossible. Mais qui va aller écouter ce vieux Père Noël aujourd’hui ? Tonton Leon n’a plus rien de sexy depuis longtemps. Et puis ne se contenter que de bonnes chansons, c’est tout de même un peu austère.

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    Tiens, une belle énormité se planque sur Face In The Crowd, le genre d’album qu’on croise dans les bacs et qui n’inspire rien de particulier. Mais si on écoute «This Heart Of Mine», alors on se félicite de ne pas être si con, car voilà une mélodie à la fois incertaine et déterminante qui remonte bien le moral. C’est même un hit, du pur jus événementiel, une incarnation de l’essor. L’autre merveille planquée dans cet album s’appelle «The Devil Started Talking», qui s’impose par son insistance exceptionnelle. D’autres choses flattent l’intellect, comme ce «Love Is A Battlefield» qui ouvre le bal, un heavy blues à la tontonnade, et dans «Dr Love», on voit Tonton Leon chercher des noises à la noise, et ce de façon à la fois magnifique et passe-partout. Sur cet album, Tonton Leon sonne un peu comme le Dylan des derniers albums, très classique, comme installé dans sa légende, pour ne pas dire endormi sur ses lauriers. Son «Betty Ann» sonne un peu comme «Delta lady», bien boosté du beat. Et puis quand on écoute «Blue Eyes & A Black Heart», on réalise un peu mieux à quel point cet homme connaît toutes les ficelles de la pop, de la Soul et de l’harmonie, du blues, du gospel et du zydeco. Il ne faut donc s’étonner de rien. Il prend «What Will I Do Without You» à l’édentée du heavy blues de l’Oklahoma. Si Dieu chantait, il chanterait exactement comme Tonton Leon. S’ensuit un «Mean And Evil» cuivré à outrance. Et il termine cet album infiniment attachant avec «Don’t Bring The Blues To Bed», pur boogie leonien - Don’t start crying/ We’re not going to work it out - Il swingue son don’t start crying de manière totalement subjuguante.

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    Si vous recherchez une compile de balladifs de choc, c’est Signature Songs paru en 2001. On y retrouve le fameux «A Song For You» tiré de son premier album solo, un balladif mélodiquement parfait et comme pianoté au panthéon. On tombe plus loin sur «Tight Rope» tiré de l’album Carney, un balladif beau comme un dieu. Tonton Leon multiplie les passades d’accords de Steinway et ça sonne comme un miracle, d’autant qu’il chante avec des poils de barbe dans la bouche. Absolue merveille, d’une stature immobile, comme lévitative et donc imparable. On retrouve aussi le fantastique «Delta Lady», ce vieux classique qui ne prend pas une ride. Il chante ça au maximum des possibilités invétérées.

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    Son ultime album s’appelle Life Journey. Un gros plan de son visage usé par les ans remplit toute la surface de la pochette. Il y propose des versions de classiques pour le moins extraordinaires, comme ce «Georgia On My Mind» déchirant d’intensité. Tonton Leon appelle Georgia dans la nuit de son déclin, avec la résonance d’un Soul man hors du commun. C’est joué au boom bash de big band et ça monte jusqu’aux neiges du Kilimandjaro. Quelle extraordinaire façon de saluer la compagnie ! Il faut absolument écouter ce dernier spasme du Père Noël. C’est d’une grandiloquence qui dépasse l’entendement. Il tape aussi dans Robert Johnson avec «Come On In My Kitchen». Dans ses bouleversantes notes de pochette, Tonton Leon explique qu’il vaut chanter une dernière fois in the small piece of spacetime which is my life - Quel vertige ! Il est quand même là depuis l’origine des temps. C’est d’ailleurs la raison pour laquelle on l’écoute. Les grands artistes ont la peau dure, ne l’oublions pas. Il chante comme un vieux crocodile, mais il règne sans partage sur son marigot et tant pis pour la gazelle qui vient se désaltérer. Pourquoi aller tenter le diable ? On retrouve toute l’Americana du monde dans sa version de «That Lucky Old Sun» - Nearing the closure of my adventure, I feel that I must be the luckiest guy in the world - et il salue tous les gens, vous y compris - Bless your hearts - Avec «I Got It Bad And That Ain’t Good», il passe au jazz de Broadway. Il cultive tout ça avec une classe qui effare et qui n’appartient qu’aux vieux boucs un peu magiciens. Il chante à l’agonie du swing et n’en finit plus de redonner vie à l’Americana. On retrouve avec un bonheur non feint «The Masquerade Is Over». Il s’y prélasse comme un jeune homme et enchaîne avec un puissant groove, «I Really Miss You». Tonton Leon a du pot, car derrière, ils jouent comme des dingues, oui, ils pulsent le beat de la fin des haricots, on sent l’imminence du départ, la fin d’une époque, la fin d’un temps où les gens avaient encore une certaine culture. Retour au big-bandisme avec «New York State Of Mind», bardé d’énergie mais d’une autre époque, puis il opère un retour radical au heavy blues avec «Fool’s Paradise» et il termine avec l’excellent «Down In Dixieland», un hommage à la Nouvelle Orleans et aux choses de la vie. On ressort de cet album un peu sonné, comme si on venait d’entendre chanter un vieillard génial.

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    Si on dispose d’un peu de temps libre, on peut aussi jeter un petit coup d’œil au film que Les Blank tourna entre 1972 et 1974 : A Poem Is A Naked Person. Il vient d’être réédité sur DVD. Le titre sort d’un texte de Dylan, on s’en doute. Attention, ce film date un peu, mais il réserve des sacrées surprises, comme par exemple ce plan où Tonton Leon arrive sur scène pour chanter «I’m So Lonesome I Could Cry» d’Hank Williams, ou pire encore, ce plan filmé en studio où on peut voir George Jones chanter «Take Me». Et bien pire encore : Willie Nelson sur scène. On voit aussi Sweet Mary Egan accompagner Willie Nelson au violon, et un peu plus loin, Charlie McCoy accompagne Tonton Leon dans une version de «Goodnight Irene». Voilà comment Les Blank a choisi de nous montrer la puissance de l’Americana. On voit aussi un boa bouffer un poussin en direct, un immeuble s’écrouler à Tulsa et un peintre ramasser des scorpions : ce sont des petites métaphores destinées à illustrer le capitalisme. Oh on voit aussi un mec manger du verre. Leon revient sur scène en Californie pour taper dans l’«I’ll Take You Here» des Staple Singers, puis on le voit dans un studio de Nashville jouer avec des pointures du bluegrass. À un moment, son percussionniste Ambrose Campbell glisse une petite leçon de sagesse : «If you take from life, give back to life. If you do that, you’re on the way.» (Si vous empruntez à la vie, rendez à la vie. Si vous faites ça, vous êtes sur le chemin). Leon Russell fut l’un de ceux qui savaient faire le lien entre le gospel, le bluegrass, Hank Williams, les percus africaines et une certaine idée de la grande pop américaine. Tonton Leon tâtait de tout, ce qui le rendait indispensable.

    Signé : Cazengler, Léon Recel

    Leon Russell. Disparu le 13 novembre 2016

    Asylum Choir. Look Inside The Asylum Choir. Smash Records 1968

    Leon Russell. Leon Russell. Shelter Records 1970

    Leon Russell. Leon Russell & the Shelter People. Shelter Records 1971

    Leon Russell & Mark Benno. Asylum Choir II. Shelter Records 1969

    Leon Russell. Carney. Shelter Records 1972

    Leon Russell. Leon Live. Shelter Records 1973

    Leon Russell. Hank Wilson’ Back Vol 1. Shelter Records 1973

    Leon Russell. Live In Japan. Shelter Records 1974

    Leon Russell. Stop All That Jazz. Shelter Records 1974

    Leon Russell. Will O’ The Wisp. Shelter Records 1975

    Leon Russell & Mary Russell. Wedding Album. Paradise Records 1976

    Leon Russell & Mary Russell. Make Love To The Music. Paradise Records 1977

    Leon Russell. Americana. Paradise Records 1978

    Leon Russell. Life And Love. Paradise Records 1979

    Leon Russell. Hank Wilson Vol II. Paradise Records 1982

    Leon Russell. Solid State. Paradise Records 1984

    Leon Russell. Anything Can Happen. Virgin Records 1992

    Leon Russell. Face In The Crowd. Sagestone Ent 1999

    Leon Russell. Guitar Blues. Leon Russell Records 2001

    Leon Russell. Signature Songs. Leon Russell Records 2001

    Leon Russell. Life Journey. Universal Music 2014

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    Andy Gill : A Song For You. Uncut #237 - February 2017.

    07 / 10 / 2017 / TROYES

    3B

    NITE HOWLERS

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    Pas un chat à vingt heures, une cage de SPA surpeuplée à la veille du grand départ des vacances d'été à vingt-deux heures, les Nite Howlers ne pourront pas dire qu'ils ont été boudés au 3B, une chaude ambiance, mise en train par Fab aux platines qui nous bombarde de vieux rockabs de la mort et d'autres plus récents du cimetière. L'a une sacrée collection notre DJ, passe pas de la daube pour grabataire, un incendiaire. Mais la nature humaine est ainsi constituée que l'on en veut toujours plus, et les Hurleurs de la nuit vont se faire un devoir de nous satisfaire.

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    Une jeune formation, une réunion de vieux renards. De ceux qui vous égorgent un poulailler en moins de cinq minutes. Un carré d'as monumental, jugez-en par vous-mêmes : Franck Abed des Mean Devils, Olivier Laporte des Wild Goners et de Roy Thompson & The Mellow Kings, Jules Moonshiner de Silver Moon, Pedro Pena de Barny & the Rhythm All Stars, le quartet gagnant tous ex-aequo, du cent pour cent bio mijoté à la radiation atomique. La fine fleur du french rockab, une véritable association de malfaiteurs. Comme on les aime.

    NITE HOWLERS

    Le rockab, c'est tout et tout de suite. Du moins pour ceux qui pratiquent le grand jeu, l'ars magna des initiés. Sinon c'est perdu, vous errez dans le désert à longueur de sets insipides. N'a fallu que sept secondes ( je compte très large ) aux Nite pour électriser le public. Jules qui vous envoie deux cling-cling à électrocuter sans rémission tout un pénitencier de hors-la-loi patentés et Pedro qui vous applique la dégelée drumique, un fracas de cymbales digne de ces kaos catastrophiques qui terminaient les prestations des orchestres de la Grèce Antique, ensuite c'est facile, suffit de se mouvoir en orbite selon une courbe spiralée ascendante. Le problème c'est que tous le souhaitent et que très peu y parviennent. Dure loi rockabillyenne qui au contraire du principe de déperdition repositale du système de Carnot énonce que la densité d'énergie produite ne peut-être qu'exponentielle.

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    De façade, elle est trop bien vernie pour être honnête. A croire qu'il passe sa semaine la peau de chamois dans ses menottes à la lustrer amoureusement, à lui parler pour qu'elle ne se sente pas seule. Lui c'est Franck et elle sa big mama. Franck du collier et tabassage en règle, vous la martèle sans pitié, un bourreau jouissif, un sadique qui ne peut s'empêcher de pousser des hurlements de plaisir à chaque fois qu'il porte un coup plus fort que les autres. L'honnêteté chroniqueuse m'oblige à rapporter que la foule remuante loin de s'offusquer d'un tel traitement inhumain le soutient par des cris de contentements admiratifs. Avec Franck le last slap is not the least, l'a encore une spécialité, n'a pas de main, mais une serre d'oiseau de proie qu'il plante dans les cordes tel un aigle royal qui s'abat sur l'échine d'un mouton et lui casse les reins en rien de temps. L'on n'y peut rien c'est dans sa nature, l'a la contrebasse sauvage comme d'autres sont habités par l'instinct de mort. Mais exprime une telle joie sur son visage que vous lui pardonnez, que vous souhaitez qu'il ne s'arrête jamais.

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    Jules est, seulement d'apparence, moins exubérant. Faut dire qu'il donne dans la minutie, micro chirurgien qui pratique la trépanation des cerveaux à grands coups de cisailles mortifères. L'a la guitare qui leade naturellement. Pas le genre de gars qui s'enfonce dans des soli de quinze minutes pour vous perdre en pleine campagne. Plus c'est bref, plus c'est meilleur. Un riff snipper. D'une précision diabolique. Faut dire qu'avec Franck et Pedro qui azimutent à ses côtés, il ne lui reste que des fractions de nano-secondes d'intervention. Tout autre refuserait de jouer et demanderait une heure syndicale de concertation. Lui il se contente du haut-voltage. Vous décharge à chaque fois une ligne à haute tension. Le son de Nite, c'est lui le coupable. Ne cherchez pas plus loin. Joue au frisbee avec des étoiles de guerriers ninja. Saupoudre la nitro. Le comble c'est qu'il est encouragé par le public. Jules triomphe à chaque coup, passe les riffs comme César traverse le Rubicon. En vainqueur. Recouvert de la toge impériale.

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    L'ont caché derrière eux. En pure perte. Trop futé derrière ses fûts pour se faire oublier. De fait, c'est le grand manipulateur. Vous talonne les autres comme cocher de diligence qui fouette son attelage. S'amuse à un petit jeu dangereux. Gagne à tous les coups. Pedro le bonneteau du batteur. Sur quelle timbale, où, quand, comment, pourquoi, vais-je frapper ? Non ce n'est pas de l'interrogation métaphysique. Fait la course. Arrive toujours le premier. Du côté par où on ne l'attend pas. Pousse la pulsation. Ce n'est pas qu'il n'a pas de temps à perdre, c'est qu'il l'a supprimé le contre-temps, un pari qui a le don de plaire à Jules et à Franck. Se retournent sans cesse vers lui, visages rigolards, pour démontrer au maestro es sédition, à ce factieux facétieux, qu'ils ne marchent pas dans la combine, qu'ils y courent, et qu'ils embrayent au quart de tour comme des bouchons de champagne qui pètent et se répandent en milliers de bulles enivrantes. Pedro vous les mènerait en enfer qu'ils ne s'en apercevraient pas.

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    Laissons les garnements jouer ensemble comme portée de tigrons affamés déjà reconnus comme les rois de la jungle rockab. Olivier est à la guitare rythmique. L'est là pour la vitesse de croisière. Qui est aussi celle de pointe. Car le mystère du rockab c'est cela : chaque instrument possède son rôle irremplaçable, irrémédiable. Musique interventive par excellence. Faut être là où l'on doit être à l'instant précis exigé par la loi du genre. Ce qui n'exclut pas toute latitude au génie – ils en ont à revendre - de chacun de batifoler à sa guise, tout en jouant tous ensemble. Comme un seul homme. Le paradoxe de la glace chaude, de la tornade immobile, qui n'est autre que la transcription de la vie mortelle dans laquelle nous nous débattons. Et les Nite Howlers sont les champions de ces galops à fond de train, joliment, salement balancés, une cavalcade qui va s'amplifiant à l'infini mais qui au bout de deux minutes maximum de folie jubilatoire s'arrête brusquement comme la balle de tennis stoppée net sur la raquette pour repartir à l'inverse selon un aiguillage différent. Autres temps, autres heurts. Nous feront deux instrumentaux. Juste pour montrer ce dont ils sont capables, ce wild rock électrique pré-sixties dont ils sont les garagistes en chef. Mais que serait le rockab sans vocaliste ? Le vocal rockab équivaut au cinquième élément, le fluide hyper volatile et étherien, la dimension qui vous permet d'accéder à un autre univers. Réservé aux happy fews comme disait Stendhal, car vous avez beau ouvrir la porte de l'empyrée beaucoup passent devant sans s'en apercevoir. D'ailleurs de temps en temps Olivier en oublie sa guitare, la rejette dans son dos et approche la braise de sa bouche au plus près du micro. C'est qu'il s'attaque à des Himalayas du genre, l'on prend toujours un risque lorsque l'on s'entiche de torches vivantes que sont les pépites de Bob Luman, de Carl Perkins, de Charlie Feathers, de Benny Joy et ce soir le plus beau de tous Ronnie Dawson. Faut la fougue, la foudre et le foutre. Conjugaison de maniérisme et de bestialité. Le rockab respire le sexe et expire le feu. Brûlure et sulfure. Ce miraculeux équilibre Olivier le funambulise sur ses cordes vocales. Une inflexion de trop et c'est la chute libre sans petite branche où se rattraper. Court les pieds nus sur le fil tranchant de la difficulté suprême comme Lancelot sur le pont de l'épée.

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    Je n'en rajoute pas plus. Vous avez compris que vous avez raté quelque chose. Ne sont pas seul Benny aux manettes qui assura le son et le reste qui fait la différence. Le public galvanisé. Chaud chaud, chaud, devant et derrière. Le troisième set s'apparentant à une foule maraboutée par des sorciers. Un entremêlement de corps sous tensions prêts de l'explosion. Guys and girls au bord de la crise sexuelle. Béatrice dispensatrice de nos plus folles soirées, une fois n'est pas coutume, demandant à Fab de relancer la sono, comme l'on arrête les réacteurs d'une centrale atomique pour éviter la surchauffe irradiante. Et vous qui n'étiez pas là et dormiez paisiblement, si vous avez entendu des hurlements de sang retentir dans vos cauchemars, ne cherchez pas les vampires. Ils s'appellent les Nite Howlers.

    Damie Chad.

    ( Photos : FB : Béatrice Berlot )

     

    08 / 09 / 2017 / CHATENAY-SUR-SEINE

    BLUE'SKAÏ GRASS

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    Chatenay perdu au fin-fond de la Brie, une longue rue de village et de l'herbe autour. Mais rien n'arrête le chiendent du rock'n'roll, s'infiltre partout... Des manifestations artistiques sont prévues dans tous les patelins alentour, à Chatenay ils ont choisi de supporter leur local rock band. Initiative des plus louables. Accueil des plus sympathiques, vaste table surchargée de gâteaux et de bonbons en accès libre à l'entrée de la salle des fêtes. Un ancien corps de ferme réaménagé. Vous pourriez y entasser quatre cents personnes, le plafond, avec ses caissons semi-voûtés agrémentés de dizaines de grilles d'aération, d'une hauteur sidérante, traversé à mi-hauteur de longues poutres solitaires qui devaient à l'origine supporter le plancher des greniers, rappelle les carènes de navire renversé qui coiffent les nefs des églises de campagne briarde, m'inquiète un peu... allez équilibrer le son dans un tel volume...

    Blue'Skaï Grass est entouré d'amis. Le groupe s'est formé autour d'Anthony Dean qui fut guitar-mercenaire au Golf-Drouot dans les années d'or et préhistoriques du rock français. Un grand gaillard sympathique pas du tout figé dans la nostalgie. L'est en première ligne, au micro et à la guitare. Hélas, trois fois hélas, n'a pas ouvert la bouche que l'écho s'empare de sa voix et la transforme en un brouhaha assourdissant qui couvre le reste de l'orchestre. Enfer et malédiction ! Basse, deuxième guitare, clavier sont noyés en un charivari dantesque. Il aurait été plus judicieux de jouer dehors, le temps s'y prêtant, que sur cette scène intérieure, dont la maîtrise phonique aurait demandé un sonorisateur plus expérimenté... Mais les rockers sont têtus. Rendez-vous de principe est pris avec Jean-Michel le bassiste pour assister à une répétition un des jeudis soir prochains.

    Un coup pour rien ? Pas du tout, passé l'après-midi à discuter avec des gens passionnants férus de musique, je ne citerai que Jean Rey avec qui il y a quelques années nous avions activement participé à une manifestation peinture-poésie des plus explosives. Bref, vous l'avez compris, nous reviendrons à Chatenay, écouter pousser l'herbe bleue.

    Damie Chad.

    LONELY BOY

    MA VIE DE SEX PISTOLS

    STEVE JONES

    ( Editions : E / P / ASeptembre 2017 )

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    Z'avons surtout donné la parole à John Lydon jusqu'ici dans KR'TNT ! Pas tout à fait de notre faute. La prend souvent. Peut-être une habitude de chanteur posté en première ligne. Sans doute aussi un caractère plus vindicatif que ses collègues. Mais c'est au tour de Steve Jones de s'en emparer. Les fans risquent d'être déçus. Certes le livre est articulé sur trois segments, Avant / Pendant / Après - le lecteur kr'nteur aura deviné que chez notre pistolier il n'y a aucune allusion christologique en ce découpage temporel – mais les Pistols n'ont droit qu'à la portion congrue. Très logiquement si l'on s'en tient à la sainte trinité des rockers, sex prédomine, drugs viennent en deuxième position et le rock'n'roll en est réduit aux acquêts. Serait plus rapide de dire que dans son livre ( écrit en collaboration avec Ben Thompson ) Steve Jones ne parle que de lui. Conçoit l'établissement de son bilan existentiel non pas comme l'on pourrait s'y attendre dans la colonne faits et gestes héroïques fièrement accomplis mais comme le solde de tout compte d'un lourd passif de départ durement apuré. Sans vouloir être méchant ou cynique disons que Steve Jones se la joue un peu Calimero. Le poussin qui n'a pas eu de chance dont la coquille s'est cassée à peine tombé du cul de sa mère.

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    Sa daronne il ne la porte pas dans son cœur. L'a mis au monde et a été incapable de retenir le géniteur. Un teddy ted qui s'en est allé fonder une autre famille plus loin... Deuxième crime impardonnable : l'a arraché du cocon douillet de l'affection de sa grand-mère pour emménager avec celui qui sera son beau-père. Le gamin est la troisième portion de la vache. Pas celle qui rit. Pas celle qui brame non plus. N'est pas du genre à pleurnicher. Réceptionne les coups dans la gueule sans moufter. Intériorise tout. Ce serait mieux s'il était battu pour de vrai, mais non la souffrance est morale. Destruction mentale. Se sent de trop. Moqué, rabaissé, méprisé. Steve perd confiance en lui. Assimile le message. Ne parviendra pas à apprendre totalement à lire et à écrire. L'école l'ennuie et le décourage. Trouve quelque réconfort affectif dans la famille d'un copain du quartier, un certain Paul Cook qui deviendra son meilleur ami.

    Retenez l'eau par un barrage elle finira par trouver un endroit pour s'écouler. Les individus adoptent des stratégies de survie et de compensation. Puisqu'il n'est rien le petit Steve va accumuler du côté de l'avoir. L'est pour l'appropriation directe : par le vol. Commencera comme tout un chacun par les bonbons mais il ne s'arrêtera pas en si piètre chemin. L'est comme un de mes chats qui ne pouvait sortir dans le jardin sans ramener quelque chose à la maison : lézards, taupes, oiseaux, serpents. Une sale habitude dont il ne se débarrassera qu'au bout de trente ans. Les larcins évolueront avec l'âge : trains électriques, bicyclettes, voitures... Ne peut s'aventurer quelque part sans revenir avec un trophée quelconque. Plus tard il équipera les Pistols en sono, micros, guitares, des Small Faces à Bowie il mettra le rock anglais à contribution...

    L'a de la chance, des juges et des policiers peu féroces – remarque qu'en nos jours moins permissifs la surveillance vidéo l'aurait en quelques semaines jeté en prison – se fie à cette cape d'invisibilité psychologique qui le protège et lui permet de rentrer dans les endroits les plus défendus le plus simplement possible en passant en toute innocence devant les gardiens qui n'y prennent pas garde. Crowley a théorisé et expérimenté cette manière de faire : ne s'agit point de devenir invisible mais d'agir en sorte – par un rituel d'auto-persuasion psychique - que vous ne soyez plus visible aux yeux des tiers. Essayez et vous verrez.

    Puisque vous rentrez du commissariat je continue. L'on en arrive au passage pédophilique obligatoire. C'est fou le nombre de biographies qui depuis vingt ans s'arrêtent à la case inceste. A croire que c'est une mode. Pour Steve c'est le beau-père qui lui demande – une seule fois – de le masturber. Fait tout de même amende honorable Steve, précise qu'il aurait peut-être été par la suite victime de sa future addiction sexuelle si la scène ne s'était pas déroulée. Admet qu'auparavant l'avait été déstabilisé par des personnages équivoques du quartier. Et qu'après l'a même sauté le pas tout seul. L'homosexualité ne fut qu'une mise en bouche, trouve vite le bon branchement : les filles.

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    Grandit en touche à tout, un peu supporter de foot, un peu skinhead. N'aime pas le baston denrée de base des skins. L'a un goût prononcé pour la sape. Ne porte pas n'importe quoi. Son art de la fauche lui permet de se fringuer de cap en pied sans rien débourser. La musique aussi. Small Faces, James Brown, Queen, Stooges, David Bowie et Roxy Music... et puis plus tard New York Dolls... L'avenir ne s'annonce guère brillant. Aucune envie de rentrer dans le rang des vies ternes et grises. Une seule échappatoire : former un groupe. Quelques copains, Paul Cook bien sûr, lui au chant. Reconnaît qu'il n'est pas brillant derrière un micro, mais comme il est trop instable pour se concentrer sur l'acquisition et la mémorisation d'un ultra-minimum de bases musicales... le combo qui répond au doux nom de Strand puis de Swankers ( les Frimeurs ) n'est pas en route vers la gloire... Futur incertain...

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    Steve Jones finira par trouver sa bonne étoile. Une boutique de fringues. Y vient pour piquer mais s'y trouve bien. Malcolm Mclaren et Vivienne Westwood se prennent de sympathie pour ce jeune garçon paumé. Jouent père et mère de substitution. Jones est fasciné par le couple, est accueilli, dort chez eux, apprend qu'il existe autre chose que l'univers étroit et prolétarien dont il est issu. Malcolm a une revanche à prendre sur son expérience ratée avec les New York Dolls, l'a l'intuition que quelque chose est à faire avec un groupe de rock. Ne sait pas trop quoi. Il tâtonne. Plus tard il parlera d'un plan d'action concertée de A à Z, froidement appliquée, un peu comme Edgar Poe se vantera d'avoir méthodiquement fabriqué son poème Le Corbeau. Steve Jones n'en croit pas un mot, par contre il ne remet pas en question l'art d'improviser et de manipuler du pygmalion des Sex Pistols. L'accouchement sera difficile. Pour le bassiste, l'employé de la boutique Glen Matlock sera désigné d'office. Paul Cook officie à la batterie, Jones chante trop mal, sera rétrogradé à la guitare, pour les lyrics ce sera un client repéré par Vivienne. Malcolm se trompe d'individu : au lieu de proposer le job à Sid Vicious, il l'offre à John Lydon que Steve surnomme Johnny Rotten.

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    Jusque là tout concorde avec l'histoire officielle. Steve Jones nous donne son interprétation de la saga pistolienne. Au début sont nuls, mais ils s'améliorent. Lui-même se met à taquiner sa guitare toutes les nuits. N'est pas frappé par la grâce, l'avale tant de speed qu'il ne peut dormir. Passe ses blanches nuitées à s'exercer pour exorciser sa nervosité, deviendrait fou s'il n'arrivait à canaliser ses angoisses. Rotten se débrouille au micro et est doué pour écrire des morceaux originaux. Les premiers concerts sont calamiteux mais ils parviennent à produire un son bien à eux. Si les rares essais en studio ne sont pas catastrophiques, il leur manque le déclic et la maîtrise d'un véritable producteur. S'inscrivent tout de même dans l'évolution logique du rock anglais commencé avec le pub-rock, z'ont un son plus crade, moins rhytm'n'blues davantage rock'n'roll et surtout ce qui fait la différence un public qui se reconnaît en eux, et les suit, le fameux Bromley Contingent. Le single Anarchy in the UK leur permet de toucher un public plus vaste.

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    Pour Steve Jones les Sex Pistols sont sur la bonne voie. Empruntent le parcours classique de tous les groupes de rock qui ont su émerger. L'est heureux comme un pape, baise les nanas à la pelle mécanique. Ne lui en faut pas plus pour être au top. Toutes ses belles promesses sont balayées en quelques secondes. Leur première télé tourne mal, tombent dans le panneau tendu par l'animateur Bill Grundy, provoqué Rotten lâchera le mot shit, mais Steve Jones le doublera par un fuck retentissant !

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    Du jour au lendemain, les Pistols sont honnis par l'Angleterre qui y pense très mal. Concerts interdits. La presse se déchaîne. Mais un malheur ne vient jamais seul. Matlock est éjecté de la formation, trop bourgeois, trop poli, trop classe moyenne pour ses comparses. Ne correspond pas à l'image du groupe. Sera remplacé par Sid Vicious. Jones ne mâche pas ses mots. Un crétin absolu. Qui ne sait même pas jouer de la basse. Ne regrettera pas sa disparition. Pour les Pistols les carottes sont cuites. Malgré la sortie de Never Mind the Bollocks. Grandiose mais trop tard. La tentative de repli vers l'Amérique sera un fiasco. Le groupe implosera. Trop de tension, trop d'alcool, trop de dope, trop d'animosité, formé de bric et de broc, trop vite, trop rapidement... Dégomme la légende punk, abomine les crachats et abhorre l'idée aberrante des musiciens géniaux qui n'ont jamais touché un instrument...

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    Pour le dernier tiers du bouquin Steve Jones ne s'attarde guère sur sa carrière musicale. Expédie en quelques paragraphes les Professionals et Chequered Past, quelque fierté à avoir joué sur le So Alone de Johnny Thunders, et d'avoir été demandé pour une session par Bob Dylan. Parle sans aménité des reformations des Sex Pistols qui ramènent du fric, qui procurent des satisfactions mais qui ne reprisent pas tout à fait les vieilles chaussettes trouées. Chacun reste en fin de compte de son côté du trou. L'a eu d'autres chats et chattes à fouetter. Ses addictions à l'héroïne et au sexe. Raconte ses galères. Ce n'est pas l'argent qui pose problème, réfugié aux States, les connaissances ne le laisseront pas tomber. Ce nouvel état de fait lui permettra de se débarrasser de son indéracinable propension à la kleptomanie. Pour l'héro, le combat sera plus difficile, mais il parviendra au bout de plusieurs années à ne plus y toucher. Pour les filles ce sera très dur. Rechutera souvent. Peut-être en consomme-t-il moins parce l'âge venant... Ces trois écueils passés, lui restait encore quelques problèmes originels : revoir sa mère et son beau-père, toujours aussi décevants, et son père une rencontre plus réconfortante... L'a acquis un équilibre, appris à lire et à écrire... L'a trouvé sa place dans le monde. Mène depuis plusieurs années sur les ondes calforniennes une émission radio, passe les disques qu'il aime et interviewe qui il veut...de Bowie à Jerry Lee Lewis...

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    Steve Jones est heureux. Chaque Homme dans sa Nuit s'en va vers sa lumière rappelait Julien Green – l'avait piqué la formule à Victor Hugo – oui mais dans le rock souvent la nuit est plus ensorcelante que le jour.

    Damie Chad.

     

    SUMMER'S GONE / ABK6

     

    SUMMER'S GONE / WORK AND WORK / LET ME GO AGAIN / WIND AND DUST / BRAND NEW TAMBOURINE / THE THINGS I WILL NEVER SEE / THAT'S WHAT I NEED / MY SILVER RING / THUNDER / HEAR A WHISPER / CALL ME ANYTIME / THE BRIDGE.

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    Hypno 005 / Octobre 2017 /

    Daniel Abecassis : Guitars, vocals, keyboards, bass, percussion, bohemianand acoustic guitars, guitar, harp.

    Julien Francomano : drums.

    Artwork : Alan Abecassis.

     

    Summer's gone : rythmique imparable, terriblement américaine, la pochette ne ment pas, ABK6 qui vole sur fond de ciel bleu au-dessus des gratte-ciels, les grands espaces et l'occupation des sols, l'azur célestial et la lie terrestre, cloaque estival dont sont pétris les hommes qui courent au-devant d'eux-mêmes. Un millier de références discographiques – un lyrisme musical à la Neil Young pour ceux qui ont besoin que l'aiguille de leur boussole indique une direction incertaine – mais l'été des illusions s'achève et les pistes qui s'ouvrent sont inexplorées, ABK6 fonce la tête en avant sur ses chemins de traverse, l'on pressent que l'aventure solitaire sera douce et amère. Country électrifié et blues mélodique. Pour le moment les guitares mènent le train et s'accélèrent, la voix s'affirme péremptoire. Nous sommes à l'orée de possibles. Work and work : batterie appuyée, la guitare commente, la voix proclame, la vie n'est pas de l'apple pie, mais cela fait aussi partie de votre fierté, optimisme de virilité appliquée aux choses de la vie qui ne se passent jamais comme il se devrait, guitares s'exacerbent comme chignoles et gonflent et débordent en grondements de milliers de voitures sur la highway. Let me go again : mieux vaut être seul que mal accompagné, assurance tous risques, oser lutter, oser vaincre, partir sans se retourner, enthousiasme de guitares, allégresses drumiques, la voix claironne et assume. Wind and Dust : les trois premiers morceaux comme entrée fracassante, ici le ton change, la voix module d'un cran au-dessous, se charge d'une gravité expérimentale car l'on est déjà de l'autre côté de la rivière que l'on voulait traverser, les guitares font encore le gros dos et foncent droit devant. Pour combien de temps ? Brand new tambourine : nouvelles sonorités, narquoises, voix en ballade mais plus creuses, optimisme de façade, rupture avec ce qui précède, intrusion dylanienne, le temps des révolutions intérieures est survenu. These things I will never see : les introspections ne sont guère joyeuses, l'on oscille en sourdine entre folk et blues, velours moiré de l'orchestration entremêlée de quelques fils d'or. That's what I need : retour du tonus, chat dans la gorge, inflexions jagueriennes idéales pour régler les comptes et remettre les pendules à l'heure. Guitares incisives qui tire-bouchonnent les oreilles. My silver ring : la guitare s'insinue, l'aurait des sonorités de pedal-steel, faudrait savoir à quoi l'on va se décider, prêt à partir ou à rester. La musique se fait tendresse de coton feutré, la voix s'inflexionne sur ce qu'on sait ne pas vouloir. Thunder : cristaux de guitares font mieux que bourrasques de violence, la voix s'affirme, c'est elle qui gronde et emmène la caravane jusqu'à résonner dans le lointain. Hear a wisper : cordes lugubres et la voix qui déclame. L'est des chuchotements qui claquent comme des proclamations, mais l'orchestration mange les mots. Call me anytime : Lassitude et espérances. Décrochages et promesses. La partition se fait douce comme un appel qui résonne dans le vide. The bridge : les ponts mènent bien quelque part peut-être bien là où l'on ne voudrait pas. Mieux vaut se taire et laisser le pont dérouler ses arches et se perdre au loin dans la brume. Piste 13 : pas prévue au programme, pas annoncée sur la bande-annonce. Un cadeau. Rien à voir avec un bonus pour les heureux acheteurs. Le bout de la piste est à portée. Suffit de le décider. L'errance est terminée. Joie champêtre. Piste 14 : marche en avant. La boucle d'optimisme se referme. Juste deux couplets pour résumer et conclure la pérégrination. Plaisir de jouer, de laisser la musique remplir la bande. Satiété. Le but n'était que le chemin.

     

    Ne pas se fier à la beauté des guitares. A première écoute ça ronronne comme un matou exposé au soleil sur son épais coussin. Ça emporte l'adhésion. Bien foutu, bien balancé. Idéal en arrière-fond pour amadouer la copine qui vient chez vous pour la première fois. Erreur dont vous ne tarderez pas à vous repentir. Trop beau pour être vrai. Agit comme ses fleurs carnivores dont le suave parfum vous empoisonne. Ne touchez pas avec votre âme, poisseux de blues. Caché sous des arrangements à la Bruce Springteen, à la Gram Parson. Sachez écouter entre les notes bleues et dorées, Daniel Abecassis nous raconte la sempiternelle histoire des loosers que nous sommes. Porteurs de rêves si simples qu'ils en deviennent monstrueux. Nous tend un miroir américain à notre effigie. La copine s'est débinée. Plan foireux. Mais l'on n'est jamais au mieux ( ou au pire ! ) qu'avec soi-même. Entre intensité et juste milieu le choix n'est pas difficile. C'est ainsi que l'on apprend à se connaître. Daniel Abecassis nous convie à un itinéraire secret, intimiste, empli de guitares juteuses et généreuses. Un ovni dans le rock français. A découvrir.

    Damie Chad.

     

    FOLLES DE DJANGO

    ALEXIS SALATKO

    ( Robert Laffont / Août 2013 )

     

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    Roman. Spécifié dès la couverture. Pour qu'il n'y ait pas tromperie sur la marchandise ? Pour ne pas avoir à se justifier auprès des esprits tatillons ? Ou peut-être pour signifier que la vie de Django Reinhardt était déjà un roman à elle toute seule et que, puisque l'on n'attrape pas plus les mouches avec du vinaigre que l'on ne capture point l'âme gitane en la mettant en fiches, il importait avant tout d'en saisir quelques reflets avec cet outil miroir de mots kaléidoscopiques que serait le roman littéraire ?

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    Trois femmes pour Django. Trois générations. Grand-mère, fille, petite-fille. Maggie, Jenny, Dinah. Par ordre chronologique. Ne comptèrent guère pour Django. Sentimentalement parlant. La dernière n'était qu'une enfant lorsqu'il mourut. L'était le mur et elles la vigne vierge qui s'accroche au moindre interstice. Le tronc tolère le lierre mais s'en soucie peu. Hiatus profond. Entre elles et lui. Sont d'un monde civilisé, rationnel. Lui d'un peuple des marges. Méprisé et méprisant. Si éloigné des représentations romantiques de la psyché européenne. Vit à part. Dans la zone des fortifs. Qu'il transporte toujours et partout dans sa tête. Qu'il reconstitue à chaque étape, dans chaque chambre d'hôtel, dans chaque appartement. Un joyeux foutoir, peuplé de rires, de cousins, d'amis, de musique, d'alcool, de fêtes sans fin. L'instant présent. Passé annihilé. Le futur n'existe pas. ( Un no future très éloigné de celui des Sex Pistols ). L'argent n'a aucune valeur, se boit, se mange, se perd au billard, sans compter, tout de suite. L'aurait peut-être été plus heureux si tout avait pu continuer ainsi, mais il n'en fut rien. Trop doué, ne sait ni lire ni écrire mais saisit d'instinct la musique. L'entend une fois, et est capable tout de suite de broder dessus. Virtuose mais qui ne se répète pas. C'est là son secret qui deviendra sa malédiction. Les gens sont des enfants qui aiment qu'on leur relise chaque soir le même conte. Cela leur permet de dormir debout.

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    Un profond malentendu. Django n'a pas que des qualités. L'est attiré par tout ce qui brille. Surtout les babioles et les bagnoles. Se contente de peu : joyeuse assistance dans un bar, boisson offerte par le patron, pourboires et cachet minimal. Avec en plus, dans son imagination, le rêve qui clignote de l'Amérique... Ce sont les rencontres qui font la différence, Maggie, jeune veuve d'un as de l'aviation mort en mission, qui le découvre par hasard et qui a prescience de son génie. Qui le pousse, qui le présente à Maurice Alexander accordéoniste star qui l'emmène en tournée. La belle vie pour Django... Mais au-delà des circonstances qui l'ont fomenté et formaté, reste la musique et le parcours de l'artiste. Le temps a passé et aujourd'hui Django pour le grand public n'est plus que le roi du jazz manouche, une catégorie étiquetable figée en elle-même, comme la mentalité française aime bien en créer, sœur cousine du jazz New Orleans. Le jazz fut la chance inouïe de Django, ne pouvait mieux rêver que surgissement de ce type de musique qui était en train de déferler depuis les Etats Unis sur le monde. Le jazz lui ressemble, rassemble en lui les postulations essentielles qui participent de l'âme de Django. Liberté et virtuosité. Deux qualités assez antinomiques quand on y réfléchit. L'improvisation est l'âme du jazz, fonctionne comme une métamorphose incessante qui n'est pas sans rappeler les ronds de fumée mallarméens abolis en d'autres ronds. Mutation et renaissance perpétuelle. Une chaîne dont les anneaux se détachent du précédent plutôt qu'ils ne s'y cadenassent. Tout en assurant une continuation formelle des plus structurées. Nous ne sommes pas loin de la transcription de ce qui plus tard prendra pour nom en mathématique théorie des catastrophes, selon laquelle la répétition d'une structure donnée peut du seul fait de sa répétition à l'identique engendrer de monstrueuses mutations comme si la matière procédait par d'incompréhensibles ruptures afin d'assurer son devenir. Une manière de concevoir le monde très éloignée de l'algébrique vision prédictive du triomphe algorithmique, algorythmique, de notre binaire modernité, en fait très proche du mythe de l'éternel retour nietzschéen du même qui induit une telle tension dramatique que la perpétuation cyclique débouche immanquablement sur une rupture catharsique aristotélicienne, ce qu'en rugby l'on nomme l'art du dégagement conclusif de l'essai en cours. La virtuosité vous enferme dans le cercle du chien qui tourne de plus en plus vite sur lui-même pour attraper sa queue, sous l'enthousiasme communicatif des spectateurs, elle est un piège redoutable qui se referme sur vous-même et vous empêche de progresser.

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    La guerre amputa Django de sa carrière. En traître. Sa carrière culmina sous l'Occupation. Un sommet de contradictions, le métèque est l'empereur du Paris by-night. Toute situation de crise vous pousse à chercher des sorties de secours, même si elles conduisent dans les impasses des arrières-cours où l'on entasse les poubelles de l'Histoire. Le swing sera le dérivatif de la capitale occupée. Musique entraînante qui vous tourne la tête et qui permet à Django de laisser libre-cours à son imagination rythmique débridée. Le retour du bâton ne se fera pas attendre. Les allemands n'apprécient guère ni la musique de nègre ni la sous-race des tsiganes. Django tente de fuir, et dans l'impossibilité de quitter la France, se fait discret... La Libération le trouve vivant. Le plus dur est passé. Semble-t-il. Car en Amérique une profonde mutation est en train de germer. Charlie Parker casse les patterns reproductifs du jazz, la révolution Be-Bop change radicalement le visage du cette musique. Le livre décrit à merveille le déchirement du jazz français ( qui par ricochet aura une grosse et néfaste influence sur la naissance du rock par chez nous ) : coupés durant une demi-décade de l'Amérique nos musiciens par la force des choses ont ossifié leur style, eux qui durant des années ont suivi plus ou moins bien le mouvement venu d'outre-Atlantique se retrouvent dix ans plus tard dans la totale incapacité de comprendre l'impérieuse nécessité d'évoluer. Se mettent au diapason du public, tout heureux à la Libération de retrouver la joyeuse ambiance du jazz d'avant-guerre mais qui peu à peu se détournera de cette musique qui commence à dater... Seul Django comprend le danger, ces nouveaux enregistrements dans lesquels il parvient à une plus grande maturité rythmique qui l'éloigne des galopades débridées du début ne ravissent que les connaisseurs. Le jazz devient une musique branchée pour intellectuels... Les masses se détourneront de lui. De nombreux musiciens à court de contrats guignent vers la variété. Les pages sur Grappelli sont d'une sévérité exemplaire... Alexis Salatko ne prend même pas la peine de citer les galéjades d'un Boris Vian. En dernier recours Django aura tenté l'aventure américaine, qui tournera mal, les ténors du Be Bop qu'il brûle de rencontrer sont en tournée très loin de New York, sa programmation dans l'orchestre de Duke Ellington le déçoit, terrible impression d'être exhibé en tant que singe savant dans le quart d'heure des célébrités exotiques... Un soir, mais pas deux. Retourne en France. Jouer ne l'intéresse plus, l'est passé à l'essentiel : créer.

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    L'est déçu et terriblement conscient que pour lui les épinards sont hachés. Quitte la guitare qu'il suspend au mur de sa maison de Samois. Va à la pêche, s'occupe de son gamin et de Dinah... S'est trouvé un autre hobby : la peinture. Qui n'est pas sans lui poser de graves problèmes : la culture tsigane exclut la représentation de la nudité sexuelle de la femme... Contradictions intimes. Ses amis insistent pour qu'il reprenne le flambeau, ce seront les derniers enregistrements, les plus aboutis, mais le cœur n'y est pas, est passé à autre chose, l'a accompli ce qu'il avait à faire en ce bas-monde, inutile en quelque sorte, s'effondre brutalement au mois de mai 1953, coda brutale.

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    Folles de Django est à lire. Une approche oblique d'un musicien englué comme tout un chacun dans le piège de l'existence. Alexis Salatko nous décrit Django du dehors, mais nous permet de le connaître du dedans. Django le viveur, Django le flambeur, Django le noceur, Django l'inconséquent. N'en fait qu'à sa tête. L'a voulu la célébrité et la liberté. A obtenu les deux. Ne les a jamais monnayées. Ni entassées. Des colifichets que l'on exhibe fièrement sur sa poitrine comme des décorations sur la veste des militaires mais dont on se débarrasse dédaigneusement arrivé à la maison. L'insouciance du gamin et le poids indu de la maturité comme un cadeau empoisonné. N'y a qu'à comparer sa vie avec celle d'Elvis Presley pour comprendre lequel des deux fut le plus heureux. Le pire c'est que dans leur grande majorité nos contemporains n'ont d'yeux que pour le colonel Parker.

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    Damie Chad.

    CUIRTUREL !

    FILE-MOI TON CUIR

    ( 4 / 10 ) CUIRS ROCK

    REALISATION STEPHANE GARREL

    CULTURE ET pop / ARTE TV

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    Christian Eudeline fait le buzz sur le net. L'a participé à une mini-série, six minutes maximum l'épisode, consacrée au cuir sur la télé. Lui est échu de présenter l'épisode 4 sur les cuirs rock. Surprise, première image sur Djivan des Howlin' Jaws, comme tout Howlin' qui se respecte entreprend de recoiffer sa banane, aussitôt imité par Lucas – un Jaws sans peigne c'est aussi invraisemblable qu'un alligator sans dents – plus modestement Baptiste Crac Boum Hue se contente de faire tournoyer ses baguettes entre ses doigts, commencent à jouer, profitez-en, c'est court, ne pleurez pas ils reviendront, en coups de vent. Patrick Eudeline prend la parole et là c'est le délice, images mouvantes et émouvantes de Vince Taylor sur scène, beau comme un Dieu Grec, félin échappé du zoo... Vince a-t-il été le premier à porter du cuir sur scène ? Christian Eudeline le pense. D'autres opinent pour Gene Vincent. M'étonnerait que dans les fifties un pionnier ignoré des grandes anales au fond d'une salle perdue dans un bled paumé n'ait pas une fois franchi le pas... On est toujours le second de quelqu'un d'autre... L'est vrai qu'avec Vince et Gene l'on accède au seuil symbolique de la représentation signifiante. Pochette Barclay de Vince – nous l'avons plus d'une fois exhibée sur KR'TNT ! pédagogiquement expliquée et entrecoupée de la prestation impeccable des Jaws qui comin'on on the speed. Hélas tout a une fin, voici les détestables yéyés qui surgissent et font passer les rockers «  pour des vieux cons ». Nous sortons nos mouchoirs pour pleurer, mais rien ne nous sera épargné, l'on doit s'enquiller vingt secondes, de trop, l'annonce du prochain épisode, Renaud tout jeune qui nous parle de provocation. L'a bien changé depuis, s'est bien renié, appelle à voter pour les représentants du capital et embrasse les flics que pourtant tout le monde déteste. Comme quoi si l'habit ne fait pas le moine zen, le cuir ne fait pas le samouraï.

    Damie Chad.

    ATTITUDE ROCK'N'ROLL

    ANNE ET jULIEN / HYPPOLYTE ROMAIN

    ( Editions Plume / Février 1993 )

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    Ne suffit pas d'avoir la dégaine. Faut les mots qui marchent avec. Objets transactionnels des plus utiles mais si vous n'avez pas l'esprit, cause perdue... Joli format allongé avec couverture cartonnée. Si vous tenez à l'emporter avec vous, discrétion peu assurée, dépassera de votre poche. N'était pas donné à l'époque. L'équivalent de quinze euros, rajoutez vingt-cinq ans d'inflation. Ne vous ruinez pas. N'est pas indispensable non plus. Je doute fort que vous séchiez avant de lire les définitions. Beaucoup d'anglais, beaucoup de verlan à la mode à l'époque, un soupçon de manouche, bonjour les narvalos, du simili argot. Pour ceux qui n'aiment pas lire quelques silhouettes d'encre noire, traits épais. Pour retrouver la mémoire de ses vingt ans qu'ils écrivent en quatrième de couve. Comme quoi déjà à l'époque c'était un bouquin pour les retours d'âge.

    Damie Chad.

     

  • CHRONIQUES DE POURPRE 223 : KR'TNT ! 342 : CEDDEL DAVIS / LINDSAY HUTTON ( + NTB ) / ABK6 / SKYVOX / MOOVIE / CORA LYNN & THE RHYTHM SNATCHERS / YANN THE CORRUPTED / BLACK PRINTS / ANDY WARHOL ( + ULTRA VIOLET )

    KR'TNT !

    KEEP ROCKIN' TILL NEXT TIME

    , CEDELL DAVIS, LINDSAY HUTTON ( + NBT ), ABK6, SKYVOX, MOOVIE, CORA LYNN & THE RHYTHM SNATCHERS, YANN THE CORRUPTED, BLACK PRINTS, ANDY WARHOL ( + ULTRA VIOLET )

    LIVRAISON 342

    A ROCKLIT PRODUCTION

    LITTERA.INCITATUS@GMAIL.COM

    05 / 10 / 2017

     

    CEDELL DAVIS / LINDSAY HUTTON ( + NBT )

    ABK6 / SKYVOX / MOOVIE

    CORA LYNN & THE RHYTHM SNATCHERS

    YANN THE CORRUPTED / THE BLACK PRINTS

    ANDY WARHOL ( + ULTRA VIOLET )

     

    Cedell ne cède pas

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    Cedell Davis vient de casser sa pipe. Le cœur. De toute façon, il était baisé d’avance. Paralysé de partout, coincé dans un fauteuil roulant, écrabouillé par la main de Dieu, et malgré tout ça, il a réussi à se tailler une solide réputation de real raw bluesman. Il utilisait un couteau à beurre en guise de bottleneck, oh il n’était pas aussi précis qu’Eric Clapton, mais à la limite, ne préférerait-on pas que tous les guitaristes de blues jouent comme Cedell Davis, un peu au pif ?

    Cedell était un vieux de la vieille d’Helena, dans l’Arkansas. Un proche d’Isiah Doctor Ross. Il vit Robert Johnson quand il était môme et il connaissait Elmore James avant que celui-ci n’entrât dans la légende. Cedell reconnaissait volontiers qu’Elmore jouait mieux que lui - He was a better guitar player than I was - Elmore venait jouer chaque week-end chez le père de Cedell, dans un bar sur Plaza Street, à Helena. Le pauvre Elmore avait déjà un gros problème avec l’alcool - And the doctor told him : Elmore don’t mess with that whiskey - Et il savait bien sûr jouer de la slide - Elmore James could slide - Taquin, Cedell ajoutait : «Savez-vous de qui il tient ça ? De Robert Nighthawk ! Robert Nighthawk was the best slide man you could find back in them days !» Pendant dix ans, de 1953 à 1963, ce veinard de Cedell accompagna Robert Nighthawk.

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    Dans un très bel article paru dans Blues Magazine, Alice Clark raconte que Cedell a fait une crise cardiaque en 2015. Depuis, il ne peut plus jouer de guitare. Il ne pouvait déjà plus marcher et il était aussi quasiment sourd. Mais Cedell ne cède pas. À 88 ans, il répétait qu’il ne céderait jamais - I am the type of person who is not going to give up - Comme Jerry Lee, il peut se permettre d’intituler un album «Last Man Standing», version américaine du S’il n’en reste qu’un je serai celui-là. Cedell rappelait qu’Helena et West Memphis, Arkansas, étaient les biggest music towns, bien avant Memphis, Tennessee. Cedell vit aussi jouer Robert Lockwood. Rice Miller voulut le prendre avec lui en tournée, mais Cedell se méfiait de lui. Rice Miller avait pour habitude de disparaître avec la recette des concerts.

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    Son premier album The Horror Of It All est sorti en 1988 sur Fat Possum, évidemment. On l’adore pour son primitivisme enragé. Il suffit d’écouter «Chicken Hank» pour comprendre que Cedell ne se mouche pas avec une cuillère en or dans la bouche. Rien de plus primitif que ce cut tapé sur une caisse et chanté au chicot qui tombe dans la soupe au chou - Uh ! Uh ! - Cedell hoquette le blues et derrière ça bat très approximativement. Ah t’as voulu voir la cabane ? Eh bien voilà la cabane ! Même le solo est pourri, ça pue le vieux bidon. Ils font n’importe quoi ! On a le même genre de désaille avec «I Want You». Cedell fait les choses à sa façon, au mépris qu’en dira-t-on - I love ya baby - Il gratte son vieux riff tout seul - I’m gonna do the best I can - Tu parles, qui voudra de toi, cripple ! Kenny Brown ramène sa fraise sur «If You Like Fat Mama», un heavy blues de boogie boogah classique. On se régale aussi de «Coon Can Mattie», un vieux heavy blues chanté à l’édentée, sauf que Cedell le fait pour de vrai. Il n’a plus de jambes, plus de dents et plus de bras. Un pervers ajouterait : pas de chocolat. Mais son «Keep On Snatchin’ It» vaut tous les coups de bastringue du monde. C’est joué à la ramasse et gratté à la va-comme-je-te-pousse, au pur Grosjean-comme-devant du pousse-toi-de-là-que-je-m’y-mette. On reste dans le pur approximatif avec «Come On Baby». Cedell y va au pif du groove et avec sa guitare, il fout le souk dans la médina. Il joue tout ça à la mesure aventureuse. On l’entend gratter ses cordes au couteau à beurre dans «Cold Chills» - You know baby/ She told me so this morning - Il joue son blues de cabane pourrie, celle qu’on voit là-bas, tout au bout de ce champ abandonné par les patrons blancs dégénérés.

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    Sur la pochette de Feel Like Doin’ Something Wrong, Cedell ressemble vraiment au diable. Attention, c’est un album terrifiant de qualité, l’un des grands disques de blues contemporain. On est littéralement happé dès «Don’t Know Why», bien soutenu et plein de son. C’est Robert Palmer qui produit. Nous voilà donc dans le saint des saints. Cedell claque son boogie à l’édentée. Handicap man est un sacré meneur. Cripple man est protégé des dieux. Il chante son boogah à la pure perfe et gratte ses cordes au couteau à beurre. Alors forcément, ça tourne vite à l’énormité cavalante. Avec «Everyday Day Every Way», Cedell invente un genre nouveau : le blues du bord du fleuve au couteau à beurre. Il sonne comme un délinquant atroce, sa voix traîne dans le caniveau. Plus primitif, ça n’existe pas. Il fait tout à l’ancienne. Il gratte tout à la lame. Il tape dans John Lee Hooker avec «Boogie Chillum Nb2» et chante ça avec une voix de mauvais bougre de la frontière. Puis il tape son «Baby I Want You So» au groove problématique. Avec Cedell, il faut s’attendre à tout. Il a un petit côté trash qui finit par le rendre indispensable. Il traite «If You Like Fat Woman» à l’édentée pure et dure. Sa langue chuinte à travers les gencives abîmées. C’est raide, il faut bien l’avouer. En plus, il s’amuse à gratter en décalage, histoire d’effaroucher les puristes. Mais il faut l’entendre chanter «Feeling Rain Blues». C’est pas compliqué : il chante comme un dieu du blues. Cedell Davis pourrait ben être le vrai truc, au sens où RL Burnside et T-Model Ford pouvaient l’être. Avec «In The Evening», il chante du nez à la délinquance suprême. Voilà la vraie heavyness du fleuve. Mais tout cela n’est rien en comparaison de ce qui arrive. Il claque «Sit Down On My Knee» à la violence de voyou malveillant. Cedell joue comme un punk des bas-fonds d’Helena. Il gratte comme il peut et ses notes traînent la savate. C’est tellement mal joué que ça en devient idéal. Il est le plus crade des bluesmen. Il tape dans Lowell Fulson avec «Reconsider Baby». C’est faux mais c’est bon. Son «Got To Be Moving On» est aussi complètement faux, mais ça passe bien, car c’est l’apanage du diable. À la limite, on préfère Cedell le trash à Steve la gerbe. Il termine avec une reprise de «Green Onions». Il y va au couteau à beurre !

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    Cedell Davis et Herman Alexander se partagent Highway 61 paru en 2003. Herman est excellent, mais ce n’est pas lui qu’on filoche. Il joue le blues qu’on a envie d’entendre, dommage. Et dès qu’on arrive chez Cedell, on sent la différence. Cedell ne rigole pas. Avec «Blues For Big Town», il gratte la cabane. Il explose le blues. C’est Cedell qu’il vous faut. Dans «When I Woke Up This Morning», il fait le show à l’harmo. Il chante comme un soudard, à pleine bouche. Il tape dans «Sugar Mama» et il écrase le blues comme une merde au coin de la rue. Il nous refait le coup des coups d’harmo. Oh il bat Taste, c’est sûr ! Le blues revient toujours au black, c’est son truc. Les petits culs blancs n’ont qu’à se rhabiller, sauf Bonnie, bien sûr. Il joue «Got To Move Down The Road» à la cabane branlante. C’est le style de Cedell, prince de la désaille de fauteuil roulant. Il est dans la précarité du blues, c’est qui fait sa grandeur. Il claque «74 Is A Freight Train» à l’éclaircie du heavy blues. Terrible et patibulaire à la fois. Ce black est un punk du blues, il est mille plus violent que Wolf. Il pousse ses syllabes très loin et il joue faux. Il gratte «Hard Luck Blues» au désespoir d’une vie baisée. Cedell remonte à la surface, on sent son haleine chaude. Ce vieil infirme a le génie du blues.

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    Sur la pochette de Last Man Standing Cedell ressemble encore plus au diable. Décidément, ce mec fait tout ce qu’il faut pour hanter les imaginaires. En fait, Last Man Standing est couplé avec When Lightning Stuck The Pine, le quatrième album de Cedell. Le mec qui joue de la batterie sur ces disques n’est autre que Barrett Martin, le batteur des Screaming Trees. Avec «Catfish & Cornberead», Cedell le punk va chercher son catfish au fond du deep blue sea. Oh yeah, il tape dans le punk-blues, le vrai, celui du couteau à beurre. Ce cut d’ouverture est terrible de heavyness et de son. Si on aime le vrai blues à diction mouillée, alors il faut écouter Cedell Davis. Sur «Party Woman», Cedell duette avec une fille et ça devient vite gras et déconnant. Avec «Who’s Loving You Tonight», Cedell passe au heavy-très-heavy blues. Il règle ses comptes - But that’s alrite/ I know you don’t love me no more - Et il envoie sa gerbe de that’s alrite. Dans «Mississippi Story», il évoque Howlin’ Wolf et Doctor Ross - We were born on the same farm - Il fait le talking blues le plus trash de l’histoire du blues. Et Cedell nous plie «Need You So» en quatre avant de trasher «Yackety Yack» jusqu’à l’os. Il embraye son orchestre à la volée et bascule dans la démence de l’instance furtive. Il faut l’entendre chanter «Everyday Seems The Same». Comme il va - Everyday ! Everyday ! - Spectaculaire ! Et il revient au heavy blues de rêve avec «Further Up On The Road» qu’il chante du haut de sa classe épouvantable.

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    Le second disque s’appelle When Lightning Stuck The Pine. Les gens qui accompagnent Cedell Davis ont bien compris qu’ils allaient jouer du punk-blues. Et ça démarre en trombe avec «Pay To Play». Le vieux Cedell y va franco de port. Il n’a plus rien à perdre. Il s’inscrit dans LA tradition, la vraie, celle des blacks qui n’ont absolument plus rien à perdre. Il reprend le flambeau des géants qui l’ont précédé, comme Muddy et Wolf, avec une niaque exceptionnelle. Il enchaîne avec un heavy blues infernal, «Come On And Ride With Me». Il peut se montrer terrifiant de grandeur bluesy - Please come and stay with me - Il faut entendre Cedell gratter dans la clameur. Il attaque «Woke Up This Morning» avec une violence de soudard. Sa voix grasse à l’édentée fait tout la différence. Retour à la heavyness des enfers avec «So Long I Hate To See You Go». Non, Cedell ne cède pas. Il ne cédera jamais. Il tape là dans la pire des heavyness qu’on ait pu voir ici bas, avec un son exceptionnel. Avec «Give Me That Look», ça déboule aussitôt. Quelle violence dans le riffage ! Cedell en profite car il a le son. Même chose pour «Love Me A Little While». Il reprend «Cold Chills» et en refait une énormité. On n’est plus à ça près. On y entend le son monter brutalement, comme la marée dans la vallée de la mort. Puis il attaque «One Of These Days» à l’assaut frontal. Il rend hommage à T-Bone Walker. Il chante ça à l’énergie du désespoir. C’est vrai qu’il dégage une énergie phénoménale. Il prend «Propaganda» au low-down de la lo-fi et nous envoie valser une fois de plus au fond du marigot de la heavyness avec «Rub Me Baby». Cedell connaît les femmes, alors pas de problème. Derrière lui, ça pulse avec un son dément - Rub me everyday ! - On sort complètement rubbé de ce disque.

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    Son dernier album Even The Devil Gets The Blues vient de paraître. Matthew Smith et toute la bande de Detroiters qui accompagnaient jadis Nathaniel Mayer sont là, derrière Cedell le punk pour «Play With Your Puddle». Ce sont les mecs des Screaming Trees qui font la rythmique. Nous voilà donc une fois encore dans le saint des saints. Ça envoie des coups de trompette dans la gueule du drive ! Et la trompette wha-whate, mon pote, alors attention aux yeux ! Ils jettent du Miles Davis dans la fournaise. Heureusement, ils se calment avec le deuxième cut, «The Silvertone». Ouf ! On l’a échappé belle ! Cedell chante à la cancéreuse, il n’a plus de dents depuis longtemps. De toute façon, il s’en branle des photographes, il rampe jusqu’au micro, alors inutile d’aller le faire chier. Faites pas chier Cedell Davis. C’est une certaine Annie Jantzer qui attaque «Love Blues», elle est bonne, mais quand Cedell entre au cinquième couplet, il fait du Wolf ! Quel fabuleux duo ! La petite Annie a du chien à revendre. Puis Cedell prend «Crap House Bea» à la voix de corbeau poitrinaire, un truc unique au monde. Il reprend aussi «Can’t Be Satisfied». Tu m’étonnes ! Pas facile d’aller limer une gonzesses quand tu rampes par terre comme une limace. Il n’empêche qu’il chante le blues comme un dieu du delta. Il explose «Kansas City» here I come, il en fait un heavy blues exceptionnel. Encore du heavy blues d’exception avec «People Of The Mountain», un truc de zone terminale. Cedell semble remettre tous les compteurs à zéro, tellement il sonne comme le diable. C’est explosé à la pire heavyness qui se puisse imaginer ici bas. On reste dans le même genre d’enfer pour «Cold Chills». Il continue de chanter à l’édentée, et le son accourt au rendez-vous. Tiens, encore une énormité avec «Catfish Blues» et son deep blue sea et ses women fishing afeter me, c’est ultra cuivré et même complètement apoplectique. S’il tape dans le mythe, c’est à l’article de la mort. Avec lui, le blues reprend tout son sens. Les frères Van Conner viennent taper la note dans «Gandma Grandpa» et tout ça se termine avec une version terrible de «Rollin’ And Tumblin’» jouée à la folie avec cette petite folle d’Annie. Voilà le genre de version qui résistera à toutes les critiques, surtout que Cedell entre dans la danse d’une manière plus que déterminée. Les intonations d’Annie sont un modèle du genre. Le vieux Cedell ne fournit plus aucun effort. On assiste en direct à l’explosion d’un vieux classique. Amen.

    Signé : Cazengler, Séquell Davis

    Disparu le 27 septembre 2017

    Cedell Davis. The Horror Of It All. Fat Possum Records 1998

    Cedell Davis. Feel Like Doin’ Something Wrong. Fat Possum Records 1994

    Cedell Davis & Herman Alexander. Higway 61. Wolf Records 2003

    Cedell Davis. Last Man Standing/ When Lightning Stuck The Pine. Sunyata 2015

    Cedell Davis. Even The Devil Gets The Blues. Sunyata Records 2016

    Lightning Strikes Again by Alice Clark. The Blues Magazine #19 - February 2015

     

    Cause you know baby it’s the Next Big Thing

     

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    S’il en est un qui fait autorité aujourd’hui en ce bas monde, c’est bien Lindsay Hutton. Il suffit de feuilleter le Special Issue de The Next Big Thing (Teenage, Excitement, Romance and Mystery) pour s’en convaincre une bonne fois pour toutes. Pour les quarante ans de ce zine de zone, Lindsay Hutton s’est fendu de ce qu’on appelle un bel objet : un 32 pages au format 45 tours enfermé sous pochette plastique avec, comme par hasard, un joli 45 tours des Dahlmans, un couple assez doué en matière de power-pop. Sommaire très copieux avec notamment des textes d’Amy Rigby et d’Art Fein, le mec qui a tout fait pour essayer de manager les Cramps. Les dernières pages sont bourrées de chroniques lapidaires, typical Hutton style, quelques 45 tours - Still the vessel of choice in the bunker - dont un du Dictator Scott Kempner - This guy is one of the greats - et quelques 33 tours dont celui de Full Toilet - Possibly my record of the year for 2016 - Et voilà comment il le présente : «Imagine the Angry Samoans shredding Peter Brotzmann’s ‘Machine Gun’ while Derek and Clive have a sherry in the background. Don Sheets, the man behind this outrage is a genius» - C’est vrai qu’on a tous tendance à crier au génie, ces temps-ci, mais il se pourrait que Lindsay Hutton soit le plus habilité à le faire.

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    Mais les deux choses qui pourraient rendre cette lecture indispensables aux yeux de tout amateur éclairés sont l’édito fait main de Lindsay Hutton et le texte surprise d’un revenant, Long Gone John, qu’on croyait installé sur une île déserte depuis longtemps.

    Lindsay Hutton travaille comme Peter Frame : non seulement il dessine ses textes à la main, mais il remplit l’espace imparti. C’est un exercice passionnant et extraordinairement difficile à réussir. Ça se joue au mot près. Si j’en parle, c’est tout simplement parce que je me suis prêté deux fois à ce petit jeu. D’abord pour un portrait d’Oscar Wilde écrit à la plume sur un bristol A4, à partir des citations que je trouvais les plus remarquables : les pleins et les déliés re-dessinaient l’ombre de son visage. Le portrait parut voici trente ou quarante ans dans un petite revue littéraire. Puis je fis le même travail pour le Service Culturel d’une mairie de la banlieue Ouest qui voulait célébrer le centenaire de la disparition de l’un des mes anciens chouchous, Guy de Maupassant. Je fis donc un portrait écrit, en tirant de ses nouvelles des extraits consacrés au canotage sur la Seine : Maupassant y évoquait bien sûr les rats et ces filles légères qu’il embarquait pour les baiser aussitôt après le premier coude de fleuve. Les pleins et les déliés dessinés à la plume reconstituaient l’ombre du visage familier de Maupassant. Comme je travaillais au service d’une municipalité conservatrice, le texte fut censuré et je dus opérer quelques corrections, mais globalement, je réussis à sauver ce portrait qui devint une affiche.

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    Alors bien sûr, le travail de calligraphe de Lindsay Hutton ne laissera pas indifférents ceux et celles que cette forme d’art peut intéresser. Il écrit son édito en deux parties, la première en pleine justif sur la deux de couve, et la fin sur une colonne qui fait les deux tiers de la page en vis-à-vis. Il compose son texte d’une écriture serrée, extraordinairement bien dessinée. On sent l’homme versé dans les arts graphiques, dans le goût de l’imprimé, dans ce qui fait le charme de cette culture qui remonte au fond des âges. Écrire comme il écrit, ça s’apprend, ça répond à un besoin de produire du beau, ce qu’on appelle des gris typographiques parfaits. Il interligne très serré, mais il prend soin de créer des quarts de blancs entre ses paragraphes, car il connaît son code typo, l’animal. Si vous voulez être lu, apprenez à composer vos textes : c’est ce qu’on vous enseignait à l’École Estienne, au temps d’avant. Il faut aussi savoir qu’il existait encore, voici quarante ou cinquante ans, des gens qui dessinaient des caractères à la main. Des fous ! C’est vrai qu’il existait alors une passion pour la typographie qui depuis lors semble avoir disparu. De toute évidence, Lindsay Hutton s’ancre dans ce monde sacré.

    Voilà en gros ce qu’on peut dire pour la forme. Mais comme Lindsay Hutton est un homme de l’art, il veille à la cohérence : à quoi lui servirait de soigner la forme s’il ne soignait le fond ? S’il dessine des petit caractères calligraphiés, c’est pour mettre sa pensée en forme. Et comme il parle essentiellement de rock - une culture qui nous intéresse - alors ça prend une tournure fascinante, au moins aussi fascinante que les Rock Family Trees de Peter Frame.

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    Il s’exprime si bien, dans un ton si franc, qu’on croit parfois entendre sa voix - I had a thought while scribbling this stuff - Sacrée entrée en matière ! Il pense à un truc alors qu’il commence à dessiner ses lettres patiemment. Il se demande s’il peut encore amener quelque chose, amener a tangible alternate to the bullshit we have to put up with on a daily baisis. This is my shot at providing escape - Comme beaucoup de gens, Lindsay Hutton tente de lutter conte le mal du siècle, la médiocrité, et il voit son zine comme un moyen de lutter. Il rappelle que ses chroniques sont laconiques - The thesis was never my style - Puis il ente dans une polémique justifiée et s’en prend à tous ces phénomènes commerciaux contemporains qui tuent l’esprit de collection de disques, comme ce qu’il appelle the fucking R*cord St*re D*y, qui comme toutes les bonnes arnaques, pave le chemin de l’enfer - down the road to hell - Et puis comme tous les gens de sa génération, il commence à comprendre qu’il ne pourra pas emmener sa collection de disques dans la tombe et qu’il va falloir lâcher du lest - The notion that ‘you can’t take it with you’ is something that could barely have been though possible - c’est amené à l’humour d’Écosse, alors attention aux yeux. Il y pense s’y mettre rapidement - It’s all set to swing into action - Il rend hommage à son vieil imprimeur Martin Lacey qui est toujours en activité. Et en tant que vieux pro, Lindsay reconnaît que tout a changé du tout du tout - et pas en bien - dans ce qu’on appelait autrefois la chaîne graphique - I know that technology in that industry has changed out of all recognition. Once again, not necessarily for the better - Il finit en remerciant les gens qui l’ont suivi depuis le début. Il rappelle qu’il approche de la soixantaine et qu’il a fait ça durant les deux tiers de son existence. «Il n’est pas possible d’aider ceux qui ne s’aident pas eux-mêmes et si tu es entrain de lire cette ligne, c’est qu’elle est la dernière» - Then I do believe that we’ve made the finish line - Quel style !

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    Long Gone John refait surface pour annoncer qu’il sort un nouvel album, après dix années de silence radio. Le groupe s’appelle the Schizophonics. Il en fait un apologie long-gone-johnienne, et comme il fait partie des gens dont on boit les paroles, alors on boit. Chez les amateurs éclairés, Sympathy For The Record Industry fait partie des trois ou quatre labels de référence. Long Gone John raconte que la scène actuelle ne le fait plus trop bander, mais en découvrant ce groupe, son vieil instinct s’est réveillé - And that was so great I simply could not refuse - Refuse de quoi ? Redémarrer Sympathy, bien sûr !

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    Long Gone John raconte que Pat et Lety Beers se sont un jour installés à San Diego et ont commencé à écouter le John Reis Swami Sound System weekly radio slow. Ils se goinfraient déjà de MC5, de Stooges, d’Hendrix et de James Brown, alors ils se sentaient en terrain de connaissance. Ils ont donc monté le groupe et sont vite devenus les chouchous de Mike Stax qui a sorti un single sur Ugly Things - I think the Schizophonics are an amazing force, deserving attention - Et ce fier poète qu’est Long Gone John ajoute que trop de bons groupes disparaissent dans l’indifférence générale, while stylish derivative piles of useless wet shit continue to flourish and thrive (tirade scatologique que je traduirai pas, car ça sentirait mauvais dans la machine de Damie Chad). Long Gone John termine en conseillant vivement d’aller voir les Schizophonics sur YouTube, et surtout d’aller les voir jouer en concert. You will love them and you can thank me later.

    Le problème c’est que ce numéro spécial de The Next Big Thing tiré à 300 exemplaires est déjà épuisé.

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    Mais on peut suivre les conseils de Lindsay Hutton et de Long Gone John, en écoutant simplement les albums qu’ils recommandent si chaudement. À commencer par l’excellentissime All Dahled Up des Dahlmanns, certainement ce qui se fait de mieux aujourd’hui en matière de power-pop. Un son, oui, mais surtout la voix de Line Dahlmann qui nous entourloupe dès «Candy Pants». Tout y est : le sucré de femme avertie, une réelle prestance, la furia del sol d’une power-pop éclairée et le solo vertigineux. Quelle fabuleuse explosion de beauté diaphane ! Line Dahlmann ensorcelle par le seul timbre de sa voix rose et humide. Ils sont tout bêtement effarants de professionnalisme. Même s’ils vont parfois du côté de Blondie, ça reste power-poppé jusqu’à l’os de la gidouille. On entend une belle basse bouger derrière dans «Wake Me Up Tonight», encore un cut d’une rare puissance motrice et «Going Down» semble sacrément bien tenu en laisse. Il semble que ce cut pourrait mordre, car il est acéré et acidulé comme pas deux. On ne peut pas se passer d’un tel son, et s’il n’existait pas, il faudrait alors l’inventer. Merveilleux hit que ce «Love The Haters» profilé sous le vent de la meilleure power-pop qui soit ici bas. C’est à la fois éclaté et porté aux nues, chanté à la candide et porté par le vent du son. Ils passent en mode mid-tempo avec «This Time», alors oui, I can pretend this time, pure énormité, ça vaut tous les hits séculaires de Jackie De Shannon, c’est même une bénédiction de bénédictin, appelons-ça du génie à la fraise, si vous voulez bien, un génie qui scintille à la lumière du jour, c’est tout simplement effarant d’allure édulcorée. On tombe ensuite sur un «Bright City Light» plus banal mais sacrément joué. Dans les remerciements, on trouve les noms de Lindsay Hutton, Andy Shernoff et Amy Rigby. Mais ce n’est pas fini, car voilà l’énorme «Get Up Get Down» monté sur les accords de «Louie Louie», assez cousu, donc, mais Line est une diablesse, elle grésille de génie vocal sur fond de pur power surge. On voit rarement des phénomènes soniques aussi spectaculaires. C’est au-delà de toute expectation, avec en prime un solo killer de congestion fatale, et Line repart à l’assaut du ciel. Quelle extraordinaire débauche d’énergie ! Quand on écoute «Teenage City», on comprend que Line sait attaquer le mâle. Ils font aussi un clin d’œil aux Ramones avec «I Want You Around», certainement le cut que les Ramones auraient rêvé d’enregistrer et ça se termine avec un «Smash You» en forme d’extraordinaire fin de non-recevoir. On ne croise pas souvent des fins d’albums aussi surpersoniques que celle-ci. Il y est question de picker a fight, on est dans les sixties délinquantes, c’est juvénile et terriblement juste - Pick a fight !

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    L’album des The Schizophonics s’appelle Land Of The Living. Il bat tous les records de pétaudière et vaut aussi largement le rapatriement. D’ailleurs on sent que c’est un gros disk rien qu’en contemplant la pochette. Une pure merveille ! On les voit tout les trois photographiés au fish-eye et serrés dans un cadre ovale. Ils ont des gueules de bouffeurs d’écran. Pas beaux mais spéciaux. Comme leur son. Le hit de l’album s’appelle «In Mono». Ils nous tombent dessus à bras raccourcis. Ô puissances des ténèbres ! C’est le riff qui gouverne. On peut parler ici d’impact cataclysmique, et même de meilleur son qu’on ait entendu depuis des lustres. C’est shaké des reins et roulé dans la farine du pur Detroit Sound. On peut même parler de son très intense qui se situe au-delà de toute attente. Tous les diseurs de bonne aventure qui prétendent que le rock est mort vont pouvoir fermer leur boîte à camembert, car avec les Schizo, le rock n’a jamais été aussi vaillant. Surtout quant Pat prend son solo de Krakatoa. Voilà des kids américains qui redonnent au rock ses lettres de noblesse, hey hey, ils démolissent tout sur leur passage, il regorgent de hargne et de son, ils jouent le heavy beat marmoréen et les chœurs font ‘Mono’ ! Pur génie ! Encore du sacrément haleté avec «This Train» - Waiting for the tain - Voilà encore une supercherie bien énervée. Ils sont à cran. Ils grattent si sec. Ils s’exacerbent dans leur coin. Ils font leur truc. Rien à voir avec les Stooges ni le MC5. C’est leur truc, et donc leur force. Pat prend encore un solo qui démolit tout sur son passage. Il riffe à la barbare sur fond de heavy Diddley beat et les descentes vont droit en enfer. Ça syncope comme une bite qui tousse dans le feu de l’action. Les Schizo ont le génie du sonic démento. Ils jouent tout à la clameur extrême et Pat farcit sa dinde de cris de harpie. Ce vieux pirate de Long Gone John avait raison : les Schizos sont taillés pour la route. «Streets Of Heaven’s Hell» dégouline de son. Pat chante ça au pantelant. Il gratte ses puces à sec. Il nous plonge dans le confort d’un enfer sonique brûlant et radicalement inventif. Encore du visité de l’intérieur avec «Make It Last». Pat génère du ouh de combat. C’est infesté de fièvres intestines. Tout est bon sur cet album, ils enfilent les hits comme des perles et réveillent tous les vieux démons du rock incendiaire, celui de No Sleep Till Hammersmith et de Super$hit 666, de Super Shitty To The Max et de Kick Out The Jams. Tiens, justement, puisqu’on parle du MC5, voilà «Welcome», qui sonne comme un hommage aux géants de Detroit. Pat peut pulser du pur jus de MC5, il t’envoie te faire foutre, même rythmique, on se croirait au Grande Ballroom, exactement le même pathos de pétaudière, peut-être même encore plus défenestré du bigorneau et ce démon nous enveloppe tout ça au solo de gras double. Pur démence, il pousse des ouh de vierge folle. Ça MCifayote dans les brancards. Notre héros passe aussi un solo de cathédrale engloutie dans «Open The Door» - Don’t you open the door - Il invente un concept : le heavy-dudisme. Quasiment psyché dans l’os. Encore une petite giclée de MC5 dans «World Of Our Own». Pat ne se prend pas la tête : il rejoue le riff de «Kick Out The Jams». Même tension de ventricule palpitant, même bah-boom de niaque invétérée, yeah in a world of our own, on y est, l’animal repart en solo démentoïde, il Kramérise tout sur son passage et en prime, il renoue avec le génie vocal de Rob Tyner. Qualifions ça d’hommage du siècle ! Et tous les amateurs de killer solo flash se régaleront de celui qui traverse «Move» - Yes you want move - et Pat relance, ça claque des clameurs de red sky, ça tombe bien car voilà «Red Planet», barbouillé au violent fuzz movin’ trash. Ils jouent tout à la non-accalmie, dans la plus parfaite exaction intrinsèque. «Red Planet» sonne les cloches à la volée, tout sent le Kramé à la Kramer sur cet album, jusqu’au dernier cut, allumé en pleine gueule, alors qu’il ne demandait rien à personne.

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    Dans Shindig, Paul Osborne demande à Pat s’il se revendique de Wayne Kramer et de James Brown. Pat s’esclaffe : «I’ll never be as badass as them but I’m very influenced by James Brown and Little Richard.» Il dit aussi admirer la façon dont Jimi Hendrix bougeait sur scène tout en claquant ses notes d’une main pour les laisser résonner dans l’écho du feedback. «I could try some kind of punk version of that technique.» Et Osborne indique que leur album pourrait bien faire d’eux one of the most exciting bands on the planet. Grosse tournée anglaise en octobre, deux dates en Espagne et que dalle en France.

    Signé : Cazengler, Next Big Singe

    The Next Big Thing 40th Anniversary Issue 199-77/2017 (Merci au Professor Von Bee)

    The Dahlmanns. All Dahled Up. Pop Detective Records 2012

    The Schizophonics. Land Of The Living. Sympathy For The Record Industry 2017

    Paul Osborne. The Schizophonics. Shindig #69 - July 2017

    P. S. : Damie Chad se permet de rajouter ce flyer d'un concert ( 27 août 2017 à Los Angeles ) des Grys Gryz ( french combo pétaradant par 2 fois chroniqués dans KR'TNT ! voir # 329 )   avec les Shizophonics

    , CEDELL DAVIS, LINDSAY HUTTON ( + NBT ), ABK6, SKYVOX, MOOVIE, CORA LYNN & THE RHYTHM SNATCHERS, YANN THE CORRUPTED, BLACK PRINTS, ANDY WARHOL ( + ULTRA VIOLET )

    PARIS / 28 - 09 – 2017

    QG OBERKAMPF

    SKYVOX / DANIEL ABK6 / MOOVIE

     

    RDV ABK6 O QG. Tant pis pour ceux qui ne comprennent pas les messages chiffrés de l'armée. Généralement dans les films les QG se situent dans de beaux et spacieux châteaux entourés de vastes pelouses verdoyantes, le Quartier Général d'Oberkampf n'arbore point une telle noblesse, à l'intérieur c'est plutôt spartiate, à peines quelques tables et chaises le long des murs, mais méfiez-vous, l'endroit n'en possède pas moins son quadrilatère de lanceurs de missiles rock : une scène qui accueille chaque soir un ou plusieurs groupes, plus un véritable public d'habitués qui viennent pour écouter les combos.

     

    SKYVOX

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    L'en manque un à l'appel. Un tire au flanc. Un certain Pierre qui a préféré rester au lit avec ses microbes. Prennent une décision – qui se révèlera décevante – de ne jouer qu'une demi-douzaine de morceaux. Ce qui est une erreur. Auraient pu doubler la mise, parce que même sans batterie, le set avait du charme. Ne sont plus que quatre. Trois tisseurs de cordes et Sophie au micro. Ne se sont pas moqués d'elle, lui ont tricoté de belles broderies planantes et nuancées, et la grande Sophie devant, deux bras blancs – Saint-Pol Roux aurait parlé de deux serpents de lait – longues jambes gainées de cuir noir, fine silhouette qui impose de par sa seule apparence une présence indiscutable. Belle diction avec parfois comme des intonations d'outre-Rhin qui apportent ce soupçon de mystère qui transcende les quotidiens les plus ternes. Qu'elle chante en anglais ou en français importe peu, sait faire passer les émotions des jours de déception et des nuits d'angoisse, raconte des histoires, dessine avec les mots, les situations et les scènes de la vie qui nous accapare et qui finira par nous tuer. Hervé souligne la noirceur de l'existence de sa basse alors que le contre-chant emmêlé des guitares de Florent et John insiste sur les éclats doucereux de lumière qui éclairent le chemin. Faut voir le geste de la main de Sophie lorsque le morceau s'achève – rien que pour cela le set vaut la peine d'être épié – ces doigts écarquillés qui s'abaissent vers le sol, l'on ne sait plus si elle caresse cérémonialement sans y penser un chien fidèle ou la musique aimée. Une atmosphère versicolore, drama-pop, qui vous prend à la gorge et vous file une pêche extraordinaire. A savourer. Lentement, mais sans clore les yeux, sinon vous ne verriez plus Sophie l'ensorcelante. Ce qui manquerait de sagesse.

     

    ABK6

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    Lui, l'est venu tout seul. Enfin presque, avec sa guitare et sa voix. Ce qui suffit amplement. Acoustique mais tonitruante. Prend toute la place. Un peu comme Bonaparte sur le pont d'Arcole. Et le public qui suit de plus en plus fort à chaque morceau. C'est que Daniel ABK6 sonne américain mieux que personne en notre douce France. Naturellement. Sans effort. La voix et le jeu. Au fond vous trouvez l'or du blues, le vieux blues des marais, prend garde à ne pas déverser toutes les eaux du Mississippi, l'est plus malin que cela ce diable d'ABK6, juste quelques gouttes qu'il extrait de son tube métallique, des espèces d'écorchures qui vous remuent le fond de l'âme comme la cuillère qui tourne la mayonnaise dans son pot, mais ne vous laissez pas dévorer par les varans du désespoir, le son s'amplifie et vous emporte, le bottle neck disparaît dans la paume de sa main. Maltraite ses cordes, tout autre que lui en romprait une en moins de deux minutes, l'a la pesée exacte, la prestesse et la prestance.

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    N'a pas de voix. L'en a deux. Une forte, grondante, virile, et l'autre luminescente, les emploie en alternance, la seconde plus claire comme un rai de soleil pour rendre par contraste l'autre plus sombre, une pour vous oppresser et l'autre pour vous laisser respirer. Forêt et clairière. Montagnes rocheuses et prairie. Le miracle, c'est toute la mythologie de l'Amérique qui défile dans ses doigts et sous sa voix. Paysages, nature et villes, naïveté et turpitude, tout ce que le rock des amerloques véhicule dans ses veines. Cette transfusion de lymphe qui nous irrigue de fond en comble depuis l'adolescence, d'instinct avant même que nous parvenions à déchiffrer un lambeau de refrain. ABK6 restitue cette innocence première, cet instant magique, cette ouverture à un idiome étrange dont les clefs sont fournies au moment même où le rock'n'roll s'est emparé de vous, il y a longtemps à l'orée fondatrice de votre véritable naissance.

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    Expression méchamment doorsienne m'étais-je dit lorsqu'il a annoncé le titre phare de son nouvel album, Summer's Gone, vous avez envie d'ajouter almost comme le grand Jim. Attention ni le placement de la voix ni la structure du morceau ne sont ni veule citation ni vile inclusion, juste la réminiscence d'un esprit qui n'appartient à personne mais qui s'incarne en quelques uns. De même si Celebration évoque directement Ian Curtis et Jim Morrison, ce n'est en rien imitation de peau de lézard ou de corde plastifiée.

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    Les yeux sont rivés sur lui. Capte toute l'assistance, mais il n'est plus là, son timbre éclate, sa guitare tonne, mais lui est ailleurs, incliné sous sa casquette, comme enfermé dans la tourmente dévastatrice d'une musique qui n'appartiendrait qu'à lui, quelque part entre les rives d'un rêve qu'il est en train de toucher de la main et les applaudissements qui lui sont renvoyés en écho. Démonstration magistrale de cette force titanesque que le rock'n'roll infuse dans les individus qui les emporte quand ils ont pris la décision de chevaucher le tigre. Et ce soir, celui qu'a enfourché Daniel ABK6 nous a emmenés avec lui sur son dos.

    ( Photos : Renaud Dumeur )

    MOOVIE

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    Ne sont que trois. Vont faire leur cinéma. Amateurs de films intimistes avec couple qui se déchire dans une deux-pièces-cuisine d'Habitation à Loyer Modéré, hâtez-vous de changer de salle, car ici c'est le film d'aventures, Armagueddon ou La Horde Sauvage, choisissez votre scénario vous-mêmes, eux ils vont peaufiner la bande-son en direct. Le public agglutiné en guise d'images mouvantes et trépidantes. Trois, mais du raffut comme un régiment – dans un quartier général, ça s'impose – aurait dit Tante Agathe. C'est que quand ils branchent le compteur, ils ne mégotent pas. Vous enfilent les morceaux comme porcelets en broche. Ne soyez pas pressés, vos oreilles vont siffler et pourtant ils ne parlent pas de vous.

    Je vous fais défiler le générique. Gros plan sur le pistoléro number one, Franck Ederhi aussi connu sur les avis de mise à prix sous le nom d'Albert Franck – l'est sur votre gauche avec gouaille et guitare. Arrêt sur image sur l'homme aux poings d'or, au fond, de noir vêtu, s'apprête à saccager une batterie innocente qui ne lui a rien fait. Enfin à droite, Lulu Bass, le taciturne qui parle peu mais dans trois minutes fera main basse sur vos oreilles.

    C'est ce que les énarques au ministère de l'économie appelle la théorie du ruissellement. Archi-simple à comprendre. Dès qu'ils ouvrent le robinet du rock'n'roll le déluge s'abat sur vous. Une orgie de sonorités électriques, un torrent de décibels qui déboule sur vous et la crue vous bouffe tout crus. Pas de délais avec les delay. Franck effleure une corde et une infinité de modulations s'enroulent autour de vous tels des mambas affamés, le bassiste préfère les coups bas et tordus qui partent en vrille et qui se plantent entre vos omoplates, quant à Jérôme Jabordes abordez-le avec politesse car il est du genre à vous polir votre carrosserie faciale à coups de marteaux, déploie une imagination débridée à ce jeu dangereux. Qui les amuse. Moultement. Tous ensemble. Se lancent des regards de farces et arttrape-moi-ça-si-tu-peux en faire quelque chose. Soudés comme les trois mousquetaires qui n'auraient même pas besoin de d'Artagnan pour s'emparer des douze ferrés de la reine.

    Pour les paroles Tout y Passe de Dans La peau de Frank Sinatra à Hero Rebelle Destroyer, Franck vous débite les lyrics alternativo-punk à toute vitesse, l'air de s'en défaire au plus vite pour se consacrer à ses échoïtiques orchestrations guitaristiques, d'ailleurs leurs douze morceaux réglementaires menés à fond la caisse, ils se regardent, clignent de l'oeil comme le dernier des hommes dans le Zarathoustra de Nietzsche et sous prétexte d'un dernier rappel, ils se lancent dans un opéra électrique de vingt minutes mené à bride abattue qui explose la tête de toute l'assistance. S'arrêtent sur les rotules, z'ont encore envie mais muscles et doigts doivent être fourbus. C'est Chris qui sauve la mise. Le programmateur du QG, gueule à la serpe, coupe à la Ron Wood, qui prend le micro – belle beuglante, et c'est parti pour une ultime sarabande des mieux syncopées toute bruissante d'électricité avec présentation classique des trois musiciens, deux minutes vingt-cinq secondes de gloire en solo pour chacun d'eux. Mais point trop n'en faut le trio se reforme pour vider les cartouchières et la sarabande instrumentale finale. Certains en redemandent mais Moovie débranche les instruments pour inscrire le mot fin sur la pellicule du plaisir. Ce soir le Quartier Général a gagné la guerre du rock'n'roll !

    Damie Chad.

     

    30 – 09 – 2017

    TROYES / LA CHHAPELLE ARGENCE

    BOP ROCKABILLY Party # 4

    CORA LYNN & THE RHYTHM SNATCHERS

    YANN THE CORRUPTED / THE BLACK PRINTS

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    L'on attendait le Bop Rockabilly Party # 4 pour le mois de juin. Tout le monde. Sauf Billy. Manifestement n'était pas pressé de nous faire son Bop à Billy. Le mois de Junon se profilait à l'horizon et pas une annonce, pas une affiche, rien. Billy restait serein. Pas du tout genre organisateur dévoré d'inquiétude et de tics. Faut que j'en parle à la mairie, se contentait-il de répondre. Parce que Billy quand il organise il donne la liste des groupes qu'il invite, après c'est l'intendance municipale qui se charge du reste. Grand seigneur Billy ! Son job, c'est de téléphoner aux copains pour qu'ils emmènent leurs voitures américaines sur le parvis de la Chapelle Argence et puis de monter sur scène pour présenter les combos. L'a enfin lâché la nouvelle, ce sera en septembre. L'a encore fallu attendre jusqu'au dernier jour ! On lui a pardonné, car maître Billy nous a proposé des plats de choix et de roi.

     

    CORA LYNN & THE RHYTHM SNATCHERS

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    Petit bout de femme en robe rouge sur le devant de la scène. Un triangle de cadors autour qui ne la quittent pas des yeux, veillent sur elle, elle est la perle et eux l'écrin. Pas question de lui faire écran. Lui tissent un fond de ce byssus dont on faisait les voiles de pourpre les plus fins pour la parure des statuts des déesses dans les temples antiques. Trame millimétrée et résistance indéchirable. De la belle ouvrage comme on n'en trouve plus dans le commerce, denrée rare. Précise et précieuse. Alexis Mazzoleni à la guitare. Pas un en France qui ait un jeu aussi sec. Jamais trop, pèse ses interventions au trébuchet. Juste ce qu'il faut. Pas plus, ni moins. La hauteur de son exacte, celle qui s'encastre si parfaitement dans l'ensemble qu'elle consolide l'édifice, la pierre de clef de voûte.

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    Z'avez l'impression qu'à chaque fois il résout un calcul infinitésimal. Réponse exacte sans défaut. Dix-huit chiffres après la virgule. Ne s'agit pas de pousser le rocher de toutes ses forces pour qu'il dévale la pente en emportant tout sur son passage, le nécessaire et l'inutile gaspillage du superflu. Mazzoleni évite ce genre de dégâts collatéraux. Frappe au cœur de la cible. Rien de plus. Tireur d'élite qui élimine la difficulté. Froide précision d'un bouton tourné d'un quart de millimètre et d'un doigté de corde différentiel. A ma connaissance l'est l'unique à user pour une seule note du vibrato avec une parcimonie si réfléchie qu'elle en devient méditative, effet d'une brièveté si confondante qu'il continue à résonner dans votre tête non pas en tant qu'onde sonore mais en tant qu'irremplaçable concours à une perfection architecturale qui n'existerait point sans sa pointilleuse participation.

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    Red Denis adopte le même point de vue. Avec sa carrure de géant ne lui faudrait pas se forcer pour vous produire ces roulements titanesques dont il ne se prive pas en d'autres occasions. Mais là, l'est à l'unisson, l'est au service de Cora Lynn, pas question d'écraser la pitchoune sous un tonnerre de fûts cycloniques, retient ses bras, frappe dure mais constructive. Pas les coups de boutoir à exploser le mur de pierres sèches empilées au millimètre près par Alexis, au contraire, pose des arcs-boutants qui consolident le tout. N'allez pas croire qu'il joue en sourdine, vous assène de ces tabassages de gong à chaque frappe qui s'ouvrent comme pétales d'une fleur carnivore géante qui entend dévorer un rhinocéros. C'est Red Denis qui donne l'ampleur, vous construit les volumes, vous élève un palais sonique somptueux pour la princesse, vastes salles et couloirs démesurés pour que Cora ne soit pas à l'étroit.

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    La tâche la plus délicate échoit à Andras Mitchell, silhouette racée et contrebasse blanche, l'est celui qui est au plus près de la gamine, la précède, court au-devant de toutes ces fantaisies, la protège en la suivant trois pas derrière, ou chevauche à ses côtés, sa big mama dessine des arabesques qui répondent à ses caprices, peut s'aventurer où elle veut, l'est toujours là au plus près, l'enveloppe de courbes phoniques nerveuses, l'agite des foulards de toutes les couleurs, bleu-bop, rose-rockab, mauve-swing, s'adapte à toutes les inflexions coralynéennes, droit comme un I-talique, cérémonialement, impeccablement, immobilement, très légèrement penché sur son instrument, seuls ses doigts trahissent, traduisent et répercutent la tension stylée de son corps qui se découpe dans la lumière des projecteurs, avec la classe du soliste d'un orchestre symphonique.

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    Tous pour une, et une pour le chant. Avec de telles tapisseries de parade feutrées derrière elle, Cora Lynn est dégagée de tout souci. Elle chante, et eux s'adaptent. Verbe haut et clair. Tranchant et virevoltant. Perso j'aurais préféré quelques harmoniques dans les dégradés, mais ses goûts et ses couleurs, elle ne les discute pas. L'a le timbre tourné vers ses modèles, Brenda Lee, Wanda Jackson, Janis Martin, rapide et péremptoire, la voix ne s'attarde jamais, syllabes claires et propulsées au bon endroit, ne se retourne jamais, ne revient jamais sur les cristallineries, les jette et les oublie à la seconde suivante. L'en a toute une flopée de scintillances amadantines, elle rejaillit de joailleries, qu'elle puise à une fontaine intarissable comme la jeune fille du conte de Perrault. Enchaîne les titres, ne prend même pas le temps de respirer, ou alors des phrases rapides qu'elle lâche avec un petit sourire mutin, mais l'est pressée de s'envoler, de bondir vers le faîte de l'arbre, de fendre l'air avec une facilité déconcertante. Fujiyama Mama pour s'envoler vers les sommets éruptifs, Crazy Beat pour moduler les arpèges en apnée, My Boy Elvis pour la légende dorée du rockabilly féminin, Telephone Boogie pour enflammer le bal des pompiers, la salle ondule de plaisir et ronronne de satisfaction comme une chatte qui allaite ses petits, un petit Shakin' All Over comme le dernier verre de l'amourtié avant de reprendre la route. Fêtée comme une reine, musiciens applaudis comme des princes. Billy monte sur scène pour un rappel, Mercy beaucoup, c'est peu mais le show must go on !

     

    YANN THE CORRUPTED

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    Changement de casting. Après l'américaine princesse au petit pois, l'invasion des voyous de l'autre côté du channel. British inspiration, ainsi les présente Billy. Texas est le premier sur scène à brancher sa basse électrique. La grande classe, drap jacket – le smoking des Teds – favoris blancs qui agrémentent sa figure comme neige qui épouse la forme stylée des parterres du jardin. Souriant, relax, mais impatient de jouer. Jacky Lee cale sa batterie, l'a intérêt dans quelques secondes il va casser du bois, ses favoris à lui dessinent comme deux haches d'abordage que les vikings manipulaient en les âges de fureur quand leurs drakkars couraient à la rencontre de l'ennemi. Yann s'installe au micro. Lorsque sept ou huit titres plus tard il se sera dédrapé de son edwardienne jacket, l'exhibera une tenue bleu sombre sur laquelle le rouge de sa guitare tranche comme une blessure sanglante.

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    Ne vous fiez pas à son nom, contrairement à ce qu'il affiche Yan the Corrupted est beaucoup plus corrupteur que corrompu. N'a pas entamé Hang Loose depuis trente secondes que déjà vous êtes séduit, perdu, pourri jusqu'à la moelle épinière. Que vous vous voudriez ne pas apprécier que vous êtes emporté par le torrent tumultueux, inutile de résister, les Corrupted vous emmènent avec eux comme fétu de paille balayé par la tempête. Un titre de Whirlwind - combo germinatif du mouvement de renaissance rockabilly-ted en Angleterre à la mi-temps des années soixante-dix pour confirmer que le vent souffle en tempête. Le phrasé de Yann écume et se bouscule sur la crête de chaque nouveau morceau, lame de fond qui déferle sans que rien ne puisse l'arrêter. Ne se regardent même pas, connaissent la feuille de route par cœur, assez simple en vérité, vite balancé au milieu et bien appuyé sur les bords. Enchaînent les tsunamis sans faiblir. Une précision diabolique. Une régularité époustouflante. Jacky Lee tape plus vite que ses baguettes, se démène, enfile les breaks sans débander une seconde, ça roule et ça cabosse de tous les côtés. Corvette pirate qui se joue des creux de quinze mètres et qui file droit face à la lame, toute voilure dehors. Volcan en éruption. Nous sommes tous Pompéi, rayés de la carte, ensevelis sous les cendres qui n'arrêtent pas de pleuvoir.

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    En capitaine qui tient la barre Yann se permet quelques mots affectueux vis-à-vis de Texax, qu'il présente fièrement comme son père – comme quoi les teds n'engendrent pas des moitiés de cageots sans poignée - attention l'ancêtre en a vu d'autres, c'est lui qui a conseillé et aguerri les chatons, sont grands maintenant, griffent de leurs propres pattes, mais le matou ne se laisse pas distancer, les mène au bal des ardents, vous souffle sur la fournaise, de longues échappées de flammes noires comme l'enfer sortent de sa basse et poussent les deux incendiaires à se surpasser. Comment Yann fait-il pour assurer en même temps sur sa Gretsch et au chant ? Certes n'est pas le seul dans le métier, mais avec les Corrupted les mots s'entrechoquent et les notes se bousculent. L'en cassera une corde. Juste le temps de se saisir de sa seconde guitare déjà prête, la malmène comme les flambeaux que les phalanges d'Alexandre agitaient dans les salles du palais de Persépolis qu'ils réduisirent en cendres. Just for fun. Le plaisir de jouer et l'impact de vaincre.

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    Un seul instant de douceur, The Rose of Love, déjà présent sur leur premier CD Dangerous Youth, dernière ballade que Gene Vincent enregistra à la guitare sèche en compagnie de Ronny Weiser qui garda précieusement la bande. Les Corrupted rajoutent quelques épines aux rosacées, ne vont pas jusqu'à faire de ce bouquet d'amour une gerbe de haine, mais ont choisi de remplacer l'eau du vase par une belle rasade de Jack, les pétales n'en sont que plus vifs. Mais la course reprend aussitôt Fool's Paradise de Buddy Holly survitaminé, Teddy Boy Boogie de Crazy Cavan classique ted incontournable entonné par toute la salle, de même que plus tard We are the Teds, hymne fédérateur de la nation édouardienne. Les filles ne seront pas oublié avec le viril She's the One to Blame juste pour leur apprendre à être trop belles.

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    Z'ont aussi des originaux, présenteront même des titres du prochain album en préparation à la hauteur des hymnes légendaires, mais ils n'en abusent guère, ne sont pas du genre à dédaigner l'héritage, le gardent vivant, l'entretiennent, le bichonnent et le respectent... Les Corrupted nous ont offert une heure de bonheur au milieu du cœur brûlant du pur rock'n'roll. Se retirent sous une monstrueuse ovation.

     

    BLACK PRINTS

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    Billy prévient les âmes sensibles. Nous annonce une véritable tuerie. Se révèlera un excellent prophète en son peuple de rockers. Ne prenait pas trop de risque le Billy, les Black Prints se sont formés autour des frères Clément, voici six années, résurgence d'une formation culte du mouvement french rockabilly, les Dixie Stompers. Pouvait pas me faire un plus grand plaisir Billy, un de mes groupes phares, tous styles confondus, de la scène française actuelle, pas vu depuis deux longues années.

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    J'observe leur installation. N'ont pas changé, enfin si, si Thierry Clément et son frère Olivier restent identiques à eux-mêmes, il y en a deux qui ont pris une sacrée assurance, rien qu'à voir la manière dont Yan Leignel s'accapare la batterie et le sourire carnassier avec lequel Jean-François Marinello ceint sa basse l'on sent qu'ils ne sont pas venus pour compter les hirondelles. Voudrais pas vexer les guys, mais je – et ne suis pas le seul - ne leur accorde qu'un rapide regard. C'est qu'un nouveau guitariste est en train d'escalader les marches d'accès à la scène. Mistake, it's a fake ! pas un, une. Et pas n'importe qui. Emilie Credaro herself. Je l'aurais reconnue entre mille. A son allure de lakota squaw, visage serein et détermination de guerrière sur les pistes les plus dangereuses.

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    Change la donne. Teinte l'empreinte noire de bleu. Sombre comme la tristesse du monde et insidieux comme la rage de vivre. Le son du groupe en est transformé. Certes Olivier assure la rythmique avec l'arme royale et tutélaire du rockabilly, la Gretsch, mais Emilie sur sa Godin – burst flame si j'en puis juger sous les lumières déformantes des projos - ouvre des gouffres et soulève les nuages, un son fabuleux, fabluesleux, elle apporte toute la terre du Delta et l'incoercible puissance du Mississippi, donnant au vieux rockab des familles un espace sonore de déploiement illimité. Emilie libère les forces. Yann Leignel s'engouffre dans cet horizon, y déploie une énergie extraordinaire, commence par inverser la hiérarchie drumique, tant pis pour la caisse claire, la reine est détrônée, Yann ne marque pas le rythme, il l'explose. Une orgie de tambours.

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    L'emboutit le son, bye-bye le cliquètement solitaire des sabots d'un mustang au petit matin, nous convie à un stock-car faramineux, chocs et contrechocs se succèdent sans faiblir d'une seconde, fracasse le décorum traditionnel et fonce à tout instant dans les décors. Genre c'est encore mieux quand le sang des spectateurs que je viens de faucher ruisselle sur la carrosserie déglinguée. Sauvage le Yann, une boule d'énergie pure, crie dans le micro, entonne le début des morceaux, agite sa monstrueuse choucroute de cheveux dans tous les sens, une tignasse sauvage, hors-norme, la sueur dégouline sur ses vêtements, l'est obligé toutes les trente secondes de ramener la grosse caisse qui se carapate en douce sous la violence de ses coups. Barbare batterie. Baratte incessante de baraterie naufragère.

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    Jean-Pierre Marinello n'est pas en reste. Joue de la basse comme le renard du désert chasse la faim qui lui tord le ventre. N'en finit pas de bouger. Voûté, tordu sur son instrument, le compas de ses jambes explorent les sentiers de fuite mais il revient toujours au centre de son territoire. Essore le son. Le torture, l'assombrit, le noircit à outrance, le ronge tel un chacal qui a déterré un os de momie dans un tombeau égyptien et qui se régale de mastiquer à pleines molaires la mort anibusienne dont il abuse d'un sardonique rictus qui tue. L'est à lui tout seul la marque maudite de l'Empreinte Noire, le sceau fatidique et le sourire fatal, la morsure du cobra et le crachat du naja. Violemment applaudi à plusieurs reprises.

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    Thierry Clément en a vu d'autres. Rockabilly man par excellence. Bottes, jeans, chemise black country à liseret blanc et son éternel chapeau. Tambourin en main. L'assure le fil, les petits cailloux du rythme basique qui ne doit jamais être rompu. Aux autres tous les écarts possibles. Thierry trace la piste, celle qui s'enfonce dans les régions inconnues encore aux mains des peaux-rouges. Qu'Arthur Rimbaud qualifiait de criards dans son Bateau Ivre.

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    Olivier Clément et sa Gretsch au centre. La prestance et la grâce incisive. Grand, mince, une silhouette aussi fine qu'une lame de poignard. Two-tones shoes creeperiennes, sombre futal, chemise blanche immaculée, la classe du dandy, l'élégance du rocker. Une voix d'une netteté incroyable. Flexible et vibrante. Un timbre qui s'adonne à toutes les suavités déclinantes comme à toutes les échoïtés métalliques. D'une clarté irradiante et d'une plasticité formelle sans équivalence. Se plie et se plaît à toutes les inflexions, parfaite pour le rockabilly, car dominatrice et apollinienne, toute la furia instrumentale s'ordonne autour d'elle. Axis Mundi la qualifieraient les tenants des doctrines ésotériques.

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    Essaime sa rythmique cochranique insoutenable sur ses cordes sur laquelle vient se greffer la lead d'Emilie, leur faut un doigté extraordinaire pour faire convoler en justes noces de notes l'oronge triomphante du pur rockabilly avec le sombre azur primordial du blues rampant. N'a pas touché une seule fois le bottle-neck qu'elle avait pris soin de déposer soigneusement à ses pieds, cela ne l'a pas empêché de donner l'impression de jouer en slide toute la soirée, agit en prise de terre qui permet de maîtriser les éclats de foudre et les boules de feu du rock'n'roll en les ramenant à la glaise nourricière originelle et semencielle. Des titres comme Restless, Shakin'All Over, Brand New Cadillac en sortent magnifiés, la guitare d'Emilie monte d'autant plus haut qu'elle s'élève de plus bas. Marche aisément sur les traces de Joe Moretti qui joua sur les trois plus grands classiques du rock anglais. Là-haut, Thierry Credaro doit être salement fier de sa fille.

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    La musique ne suffit pas. Le rockab impose le style. L'on n'y chante pas le nez sur le micro comme quand tante Agathe reprise vos chaussettes. Et à ce jeu-là, Olivier emporte la mise. L'a la souplesse féline de Vince Taylor et la sûreté du geste du jeune Elvis, n'en abuse pas, seulement de temps en temps mais alors là la salle exulte. Ce qu'il en reste car les Black Prints l'ont atomisée, que ce soit avec Long Blond Hair, leur époustouflant Stray Cat Strut, ou leur Ready Teddy dévastateur. Une très belle interprétation de Dixie, guerrière et campagnarde, façon de rappeler que le rockabilly est né sur la terre des plantations et le sang des esclaves, qu'il est le pays lointain et mythifié de Julien Green, la terre natale des fantômes d'Edgar Poe et des fêlures de Tennessee Williams, ors et misères mêlées, corps de colères entremêlés.

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    Un dernier Train Kept A Rollin' explosif et Billy qui vient remercier le public invite le Trio Corrompu et Cora Lynn accompagnée de ses arracheurs de sacs à mains de vieilles dames à monter sur scène. Trois guitaristes confirmés au style différents réunis, voilà de quoi entamer non pas un boeuf musqué mais une corrida meurtrière sur l'heure. Mais non, redescendent sous les applaudissements, nous ont tous tellement donné qu'on est rassasiés jusqu'au gosier.

    *

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    Ne reste plus à Billy qu'à préparer la programmation de la Bop Rockabilly Party 5. Au vu de cette quatrième saison qui fut une splendide réussite, nous pouvons lui faire confiance.

    ( Photos : FB : Carl de Sousa et Rey Fonzareli )

    Damie Chad.

    MA VIE AVEC ANDY WARHOL

    ULTRA VIOLET

    ( Albin-Michel / 1989 )

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    Folles années soixante ! Un vent de liberté soufflait sur les arts, la musique et les mœurs, une tornade qui est passée et dont on retrouve encore aujourd'hui bien des traces dans notre quotidien mais qui n'a pas emporté avec elle l'Establishment politicien, peut-être parce que ce qui semblait les signes avant-coureurs d'une révolution n'était que la mue nécessaire aux adaptations des mutations productivistes du capitalisme. Andy Warhol est une des légendes de cette grande secousse qui commotionna bien des existences. Fut un précurseur, et beaucoup plus qu'on ne le croit, il ne révolutionna pas l'art comme on le dit souvent, mais les rapports de l'Artiste avec le public, institua une règle simple, la reconnaissance de celui-ci ne passe plus par le rapport direct avec l'œuvre produite mais par le truchement productif de sa communication. L'a eu des précurseurs, certains éloignés comme Dada qui désacralisa la notion d'œuvre d'art, Picasso qui rompra et déstructurera les canons intangibles de la représentation de la beauté classique, et beaucoup plus contemporain par son utilisation des media, Salvador Dali qui fut un fabuleux metteur en scène de l'artiste en jeune chien fou fauteurs de multiples troubles à qui les maîtres pardonnent toutes les turbulences en expliquant qu'il est génial...

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    Comme par hasard Ultra Violet fut présentée à Andy Warhol par Salvador Dali. En vérité elle s'appelle Isabelle Collin Dufresne. Ne sort pas de nulle part. Est née avec une grosse cuillère en argent dans la bouche. N'y a que la tendresse que l'on ne déverse pas à la louche dans la famille. Dynastie bourgeoise, retenue de rigueur. L'enfant se rebelle, après maintes admonestations, se retrouve en pension chez les bonnes Sœurs. S'ennuie, fugue – en profite à quatorze ans pour perdre sa virginité en l'ayant cherché mais sans l'avoir voulu – bref l'est la brebis noire de la couvée, on l'éloigne chez une de ses sœurs à New York. In the Big Apple. Non, ça ne signifie pas Trognon Pourri mais ça y fait penser.

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    Lui arrive alors ce qui n'advient jamais au peuple anonyme des sans-dents : un petit héritage à point nommé qui lui sert d'argent de poche. Se trouve en sus un amant richissime et passe son temps à courir musées et galeries d'art. Ce n'est pas en ces lieux que l'on pourrait accroire prédisposés qu'elle va rencontrer le grand adorateur de la Gare de Perpignan et du chocolat Lanvin, l'est envoyée chez lui par une ancienne dame d'honneur de la Reine d'Egypte ( en exil ), c'est ce genre de personnes qu'elle fréquente, le gratin des salons les plus huppés. Devient en quelques heures l'égérie du grand Catalan, davantage porté sur la mise en scène de l'acte sexuel que sa réalisation proprement dite. Nous dresse un beau portrait de la mise en œuvre quotidienne de cette paranoïa critique qui reste la philosophie essentielle de la démarche du Maître. Elle saura retenir la leçon, jamais avec, jamais pour, jamais contre, une marionnette est faite pour être manipulée. C'est Dali qui lui présente Andy Warhol.

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    L'est subjuguée par Warhol. Ce sera du donnant-donnant. Lui, il lui ouvre la Factory et l'admet dans son premier cercle. Elle apporte ce qu'il n'a pas : un monstrueux carnet d'adresses. Le haut du panier : artistes reconnus, millionnaires, hommes politiques, dirigeants de sociétés, actionnaires fortunés... Warhol n'est pas ébloui, il a juste ferré une prise juteuse. N'est à l'époque qu'un artiste de seconde zone. L'a gagné ses galons dans la publicité et la mode. De la broutille. L'a une autre ambition. L'a tout compris du monde des affaires. Principe de base : gagner de l'argent, beaucoup d'argent, très vite, sans travailler. Laisser cette pénible tâche aux autres. Si possible sans les payer. Lui, il donne l'idée. Ne va pas la chercher bien loin, se contente de reproduire ce que tout le monde connaît, la figure de Marylin Monroe comme les boites de conserves les plus utilisées par la ménagère américaine. Touche le moins possible ses ustensiles, laisse faire ses aides, peinture et signature comprise. Si c'est mon nom dessus, l'argent de la vente me revient à cent pour cent. C'est son apport à la création artistique. N'est qu'un réaliste mais aussi le père de l'art conceptuel moderne.

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    Sa grande affaire ce n'est pas la peinture, mais le cinéma. Tourne sans arrêt des films. Qui ne lui coûtent pas chers. Impose son mode de production : décors naturels, une seule caméra – ce n'est pas lui qui la tient -, en temps réel, une heure de film égale une heure de tournage, pour les acteurs propose à n'importe qui qui veuille bien accepter, l'on se bat autour de lui, certains de ses proches ( rares) finiront par faire carrière. Le sujet gravite autour du sexe. Pas comme les ailes des moulins de Don Quichotte, préfère les gros plans fixes, visages comme trous du cul. Films pour petits publics présentés dans les universités aux étudiants sensibles à ces expérimentations.

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    Moment d'introduire la grande trilogie : sex, drugs and rock'n'roll. Mon premier a déjà pointé sa bite dans le paragraphe précédent. Priorité donnée à l'homosexualité. L'on baise à couilles rabattues et à bouches pleines dans tous les coins de la Factory. Froidement, sans émotion, sans manifester de plaisir, un acte naturel dépourvu de tout romantisme. On ne donne pas dans la sublimation érotique. Un besoin pornographique. Point à la ligne. La drogue est là, partout présente, forte. Speed et héroïne. Warhol devance son temps. Certes l'arrive dix ans après l'éclosion rockabillique mais le rock'n'roll rapidement écarté par les autorités jouit d'une sulfureuse réputation. Trouvera son groupe. N'est pas meilleur que les autres, mais il joue plus fort que tous. Impossible de ne pas le remarquer. Et puis le timbre si particulièrement monocorde de Lou Reed, si lisse, si éloigné de toute expressivité grandiloquente ! Le groupe possède une curiosité, l'a un batteur femme. Warhol double la mise : impose Nico au chant. Ultra Violet ne concède qu'un chapitre au Velvet, en profite pour dire beaucoup de mal de cette dernière. La présente un peu comme une poupée atone. L'on sent qu'elle a surtout peur que Andy ne la place au plus près de lui...

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    N'a pas trop à craindre. Warhol n'est pas sempiternellement confiné dans sa manufacture. Saisit toutes les occasions. Ne lui suffit pas d'être riche, veut aussi être célèbre. Se doit d'être partout. Où traînent le journalistes, épluche les compte-rendus des expositions et des soirées de la hight society aime voir son nom cité... Vise à la gloire, pour les autres il a théorisé le concept du quart d'heure de célébrité pour tous... Ultra Violet lui ouvre des portes qui seraient restées fermées autrement, le suit aussi dans ses achats compulsifs chez les brocanteurs, les antiquaires et les marchands de tableaux...

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    De 1964 à 1973 Ultra Violet sera de toutes les parties, nage dans le bocal warholien comme un poisson violet. En 1968 Andy a échappé à la mort, Valerie Solanas militante féministe radicale lui a tiré dessus. Ce geste fascine Ultra – tonton Freud parlerait de la mort symbolique du père. Le retour de bâton dû à la coupure du cordon phallique tardera à se faire sentir mais en sera d'autant plus violent. Dépression. Un an au lit... et son bon sang bourgeois la rattrape, juge sévèrement son passé, lit la Bible, adopte une conduite davantage en accord avec les principes chrétiens, se réconcilie avec sa famille, se range des excès en gagnant sa vie dans la mode... Décevante. Même si elle ne renie pas l'artiste qui lui a tant apporté. Andy a déménagé sa Factory, est devenue une véritable entreprise de vente et d'expédition de ses productions. N'a plus le temps aux fariboles. L'a obtenu ce qu'il a voulu, la gloire et l'argent. N'est plus que la reproduction répétitive de ce qu'il est.

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    Le vedettariat médiatique d'Andy Warhol n'est pas sans analogie avec la super-starisation des vedettes rock des années soixante et soixante-dix, pas un hasard si nous croisons les noms de Mick Jagger et de David Bowie dans ces mémoires de petite fille riche. Comme quoi la richesse mène à tout à condition de ne pas en sortir. Sort toutefois de ce monde en 2014.

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    Damie Chad