CHRONIQUES DE POURPRE 561 : KR'TNT 561 : RONNIE HAWKINS / MICHAEL DES BARRES / SPIRITUALIZED / TYN COLLINS / THE TRUE DUKES / C' KOI Z' BORDEL / TELESTERION / FALLS OF RAUROS

KR'TNT !

KEEP ROCKIN’ TIL NEXT TIME

LIVRAISON 561

A ROCKLIT PRODUCTION

SINCE 2009

FB : KR’TNT KR’TNT

27 / 06 / 2022

  RONNIE HAWKINS / MICHAEL DES BARRES

SPIRITUALIZED / TYN COLLINS

THE TRUE DUKES / C’ KOI Z’ BORDEL

 TELESTERION / FALLS OF RAUROS

 

Sur ce site : livraisons 318 – 561

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  Hawkins of rock’n’roll

 

         L’un des derniers pionniers du rock vient de tirer sa révérence, aussi allons-nous lui rendre un modeste hommage. Le Canadien Ronnie Hawkins fut un personnage assez haut en couleurs. Jim Dickinson l’évoque dans ses mémoires : «Ronnie Hawkins ? Ah, the Hawk. C’était le roi de la boutade. Il y en a certaines que je n’ai toujours pas compris ! (He has the greatest one liner I ever heard. I could work the rest of my life and not come up with the line !). En 1971, Dickinson et les Dixie Flyers accompagnent Ronnie Hawkins sur l’album The Hawk. Dans l’équipe, on trouve Duck Dunn et Duane Allman (They called him Skydog, reflecting his concious state). Ça joue fabuleusement. Mais on n’en finirait plus avec ces mecs-là. D’ailleurs, on n’en finit pas. Comme les Envahisseurs que traque David Vincent, ils sont partout. Dickinson nous décrit l’arrivée de Ronnie Hawkins à l’aéroport de Muscle Shoals : «Il descendit de l’avion avec un carton rempli de bouteilles d’alcool et accompagné d’une femme qui était un mélange de Playboy bunny et de serial killer. Elle avait une gueule à faire tourner le lait. On aurait dit qu’elle avait le pare-choc d’une ‘49 Cadillac sous son sweater. Ses seins pointaient comme des obus. Cette femme était une lesbienne hardcore, une ancienne Miss Toronto et une star du roller-derby. Ronnie préférait ça aux groupies et aux road whores. Il portait un vieux stetson fatigué. Il lança à Wexler : ‘I got the pills, pot and pussy. I’m ready to rock’n’roll.’»

         Cet album paru sur Cotillon est certainement le meilleur moyen d’entrer dans l’univers du Canadien. Les gens rassemblés par Dickinson swinguent «Sick & Tired» au pur Memphis Beat, avec les Memphis Horns dans le studio. Ils font aussi une fantastique version du «Drinkin’ Wine Spo-Dee-O-Dee». Ça swingue, mais à un point que tu ne peux pas imaginer, avec Sammy Creason au beurre. Les autres cuts sont plus classiques, comme par exemple cette version de «Red Rooster» amenée au boogie-rock de rockin’ tonite. Encore un brin de Memphis Beat dans le «Lonely Weekends» de Charlie Rich. Franchement, l’Hawk a du pot d’être entouré de cette équipe de diables. Le «Don’t Tell Me Your Troubles» d’ouverture de balda vaut aussi le détour, car voilà du wild country rock du Tennessee, tu as tous ces vieux baroudeurs qui sortent du sous-bois, Charlie Freeman, Duane Allman, Duck Dunn, méchante congrégation ! Et comme Ronnie se fait appeler The Hawk, tout le monde chevauche derrière lui. Sur «Ooby Dooby», il chante comme Gene Vincent, ce qui nous le rend éminemment sympathique. En B, tu te régaleras d’un «Patricia» plein de jus et de la romantica d’«Odessa».

         Il existe un deuxième album de l’Hawk paru sur Cotillon, l’année précédente. C’est un album sans titre avec un beau portrait de l’Hawk cigare au bec et Stetson vissé sur le crâne. Jerry Wexler et Tom Dowd produisent cet album à Muscle Shoals. On retrouve une partie de la fine équipe citée plus haut, Duane Allman, mais aussi toute l’équipe des Swampers, Eddie Hinton, Jimmy Johnson, David Hood et Roger Hawkins, mais pas Dickinson ni aucun des Dixies Flyers et c’est toute la différence. On a là une good time music de gros mec à cigare et zéro hit. L’Hawk fait un peu de country bien grasse («One More Night») et du gospel («Will The Circle Be Unbroken»). Il sauve les meubles du balda avec une version de «Matchbox», l’Hawk does it right, il est dans le bain, mais c’est trop délayé dans les coups d’harmo. En B, il fait une version un peu conventionnelle de «Forty Days». Son clin d’œil à Chuck est moins percutant que la version qu’il en fit en 1959 sur son premier album. Il a des chœurs de filles bien propres. Incroyable que Wexler et Dowd aient pu flinguer un album pareil. «Down In The Alley» sauve les meubles de la B des cochons. Cet album dont on attendait à l’époque des miracles peine à jouir. C’est une prod très bizarre, trop propre, comme ces gens qui se lavent tous les jours. C’est encore avec les hommages à Bo que l’Hawk est le meilleur. Il a toujours adoré Bo. Il fait une version cha-cha-cha de «Who Do You Love», mais encore une fois, le son de Muscle Shoals est trop polissé pour du Bo, ces mecs sont bons pour la Soul, mais ni pour le rockab, ni pour du Bo. On perd toute la niaque.

         L’Hawk a bâti toute sa réputation de wild man sur ses deux premiers albums Roulette, l’album sans titre paru en 1959 et Mister Dynamo, paru l’année suivante. C’est là, sur le premier album Roulette qu’on trouve son excellente cover de «Forty Day», excellente parce que wild as fuck, battue à la folie, une vraie mascarade de mavericks malovelents, l’Hawk swingue son «Forty Days à la folie Méricourt. Nouveau coup de Jarnac avec une version de «Ruby Baby», l’Hawk a tout bon, fantastique allure. Il devient même un peu hystérique en B sur «Dizzy Miss Lizzy» et il rend un superbe hommage au grand Billy Lee Riley avec «My Gal Is Red Hot», c’est claqué au gratté de clairette, pur jus de vif argent. On entend aussi un solo de sax épouvantablement bon dans «Odessa». L’Hawk est bon à l’époque, il sait chanter. Il a encore le feu au cul dans «Wild Little Willy». C’est même assez explosif.

         Et puis voilà Mr Dynamo avec l’une des meilleures versions d’«Honey Don’t», fabuleux clin d’œil à Carl, un cover complètement délinquante avec un solo qui s’écroule, ahhh ahhh, et Robertson revient à la pisse froide dans le couplet. On a une belle ouverture de balda avec «Clara», jouée au Diddley Beat, oh-oho ! Le son s’étoffe par rapport au premier album, on le voit avec «Hey Boba Lou». L’Hawk chante «You Cheated You Lied» à l’insistance panaméenne, la pire de toutes. Robbie Robertson passe un wild killer solo flash dans «Baby Jean», ah il sait fouiller sa viande ! Ils terminent en beauté avec «Southern Love», du vieux kitschy kitschy petit bikini de Southern Georgia, allumé au what’s you gonna do, ça swingue, l’Hawk sait y faire.

         Après Roulette et Atlantic/Cotillon, l’Hawk arrive en 1972 sur Monument, chez Fred Foster. On change encore une fois de son, puisqu’après New York et Muscle Shoals, voilà le son de Nashville. Rock And Roll Resurrection est un bon album, même avec son côté conventionnel. L’Hawk s’en sort toujours avec des covers, comme le montre encore sa version de «Memphis Tennessee». Ils ont l’attaque, ils ont le son et l’Hawk in tow, il ne manque rien, wow, le génie de Chucky Chuckah n’en rebondit que de plus belle. Ils sacrent leur ouverture de balda avec une belle version de «Lawdy Miss Clawdy», salée et poivrée au sax free. Tout est bien joué et bien cuivré sur cet album, les Nashville cats ne font pas n’importe quoi. On les voit à l’intérieur du gatefold avec leurs chapeaux de cowboys. Par contre, l’Hawk porte un manteau de fourrure. Il y a du Victor Koramovsky en lui - Remember Dotor Jivago ? - Bel hommage à Fatsy avec une cover d’«Ain’t That A Shame» et en B, ils tapent dans Bo avec un «Diddley Daddy» absolument parfait. C’est avec Bo que l’Hawk est le plus à l’aise, il est tout de suite dessus au mah pretty babhy she tried in vain. Par contre, leur cover de «Maybellene» est trop nashvillaise.

         Le deuxième album Monument s’appelle The Giant Of Rock’n’Roll et il s’y niche une belle cover de «Bo Diddley». Fantastique swagger, nappes de cuivres et chœurs tourbillonnaires. On retrouve dans le backing-band tous les transfuges d’American, le studio de Chips. Pour gagner leur croûte après la fermeture d’American à Memphis, Reggie Young, Bobby Woods et Bobby Emmons sont allés s’installer à Nashville. Le reste de l’album est aussi passe-partout. Tu ne risques pas de tomber de ta chaise. Comme l’Hawk est à Nashville, il fait un peu de country («Home From The Forest») et en B, tu vas trouver une petite reprise d’El Cramped, «Lonesome Town».

         Produit par Keith Allison, The Hawk est très certainement le meilleur album de l’Hawk. Que de son, my son ! Dès «South In New Orleans», ils ont du son et l’Hawk chante à l’admirabilité des choses. Il revient à son vieux forever my dhaling avec «Pledging My Love» et au vieux «Sick & Tired» de Fatsy, qu’il reprend depuis le début. En B, l’Hawk nous fait un gros shoot d’Americana avec «Blue Moon Of Kentucky», c’est un paradis, avec les coups de slide, l’entrain, le violon. On retrouve la fantastique présence de l’Hawk dans «Ain’t That Loving You Baby», encore un cut boosté au big sound. L’Hawk ne fait qu’une bouchée du «My Babe» de Big Dix. C’est l’une des meilleures versions de ce vieux hit séculé par tant d’abus. Cet album est une vraie bénédiction, en tous les cas, celui que tous les fans de l’Hawk doivent serrer contre leur cœur.

         On croisait aussi à une époque le Rrrracket Time de Ronnie Hawkins & The Hawks, paru sur Charly. L’Hawk y proposait un beau «Diddley Daddy» trashé par un wild solo de Terry Bush. C’est en B que l’affaire se corsait avec un «Little Red Rooster» chauffé à l’harp par James Cotton, et ils partaient ensuite en mode rockab avec «Going To The River». Bobby Starr volait le show avec sa clairette dans «Ain’t That Just Like A Woman» et un autre lead, Don Triano, transperçait en plein cœur l’excellente cover de «Let The Good Times Roll». L’Hawk tapait aussi une fantastique cover d’«Ooby Dooby» et finissait en beauté avec le beau «Hey Bo Diddley», son cheval de bataille. 

         Fantastique pochette que celle de Making It Again, un Epic de 1984 : l’Hawk y sourit, barbu et Stetson vissé sur le crâne, une vieille habitude. C’est enregistré à Toronto et c’est hélas pas un big album. Il tape son morceau titre à la nostalgia et ressort son vieux «Patricia». Il a une sacrée présence, comme tous les vieux crabes de son acabit. Il passe à la heavy country avec «Everybody Knows». Toujours cette belle présence de la prestance. Rien de tel qu’un vieil Hawk. Il attaque sa B avec «Hit Record», un joli shoot de boogie rock, et puis tout finit par glisser dans le néant, un destin faut-il le rappeler, commun à tous.

Signé : Cazengler, Ronnie Rognon

Ronnie Hawkins. Disparu le 29 mai 2022

Ronnie Hawkins. Ronnie Hawkins. Roulette 1959

Ronnie Hawkins. Mister Dynamo. Roulette 1960

Ronnie Hawkins. Ronnie Hawkins. Cotillon 1970

Ronnie Hawkins. The Hawk. Cotillon 1971

Ronnie Hawkins. Rock And Roll Resurrection. Monument 1972

Ronnie Hawkins. The Giant Of Rock’n’Roll. Monument 1974

Ronnie Hawkins. The Hawk. United Artist Records 1979

Ronnie Hawkins & The Hawks. Rrrracket Time. Charly Records 1979

Ronnie Hawkins. Making It Again. Epic 1984

 

 

De l’or en Des Barres - Part Two

         

Pendant que Michael Des Barres s’agitait pour faire décoller Silverhead en Angleterre, une petite coquine prenait du bon temps en Californie. Pamela Miller adorait les bites. Surtout celle de Captain Beefheart qu’elle branlait avec toute la candeur de sa jeunesse. Puis elle passa de la branlette au romantisme en tombant follement amoureuse de bassistes célèbres comme Chris Hillman (Byrds), Nick St Nicholas (Steppenwolf) ou Noel Redding (Jimi Hendrix Experience). Elle s’amouracha aussi de Duncan Sanderson (Pink Fairies - «a sensitive prince in search of Sleeping Beauty»), au cours d’un voyage à Londres. Ce qui ne l’empêcha pas d’avoir des relations groupiques avec McCartney, Jagger, Marlon Brando, Jim Morrison (elle ne posa les mains qu’une seule fois sur lui, car il était dit-elle un «one-woman man»). Elle entretint des relations beaucoup plus suivies avec Jimmy Page et Keith Moon, qui d’une certaine façon s’attachèrent à elle et à ce qu’elle incarnait : sex, drugs and rock’n’roll, comme le disait si bien Ian Dury. Puis vint le moment où elle ressentit un violent besoin de stabilité. Coucher avec des rock stars, ça va bien cinq minutes, on s’éclate au Sénégal avec sa copine de cheval, c’est vrai, mais quand on a vingt-trois ans, on aspire à rencontrer le prince charmant. Le destin fit admirablement bien les choses, puisqu’en 1974, Michael Des Barres tournait aux États-Unis avec Silverhead. Alors ce fut le coup de foudre et elle tomba dans les bras du divin marquis. «He was a degenerate drug-taking sex-dog toting two bottles of Southern Comfort, wearing two dozen silver bracelets on each arm. He even wore his sunglasses at night.» (C’était une bête de sexe dégénérée et camée qui descendait deux bouteilles de Southern Comfort dans la journée et qui portait deux douzaines de bracelets en argent à chaque bras. La nuit, il portait ses lunettes noires). Puis elle ajoute qu’il ne s’est rien passé la première nuit «because his dick was about to fall off from some ununterable thing he had caught in Japan» (sa queue était toute pourrie, à cause d’une maladie vénérienne chopée au Japon).

         Les souvenirs de Pamela Miller jettent une lumière crue sur Silverhead qui fut l’un des groupes glam les plus excitants de son temps. Ils enregistrèrent deux albums, Silverhead et 16 And Savaged, très appréciés de ces becs fins qu’on appelle les glamsters. Un vrai glam-stomper, aux puissantes épaules - «Long Legged Lisa» - ouvrait le balda du premier album. On trouvait aussi sur cet album des morceaux comme «Rolling With My Baby» qui roulait sa bosse sur le pourtour, un peu comme chez Alice Cooper. L’un des chefs-d’œuvre du glam anglais se trouve sur cet album. Il s’agit de «Sold Me Down The River», avec ses gros accords hachés et son chant maniéré, joué avec la retenue qui fait le charme fatal du glam. Dans «Rock’n’Roll Band», on entend l’extraordinaire bassiste Nigel Harrison se livrer à quelques acrobaties. Il va d’ailleurs rester l’un des fidèles compagnons du divin marquis.

         16 And Savaged propose aussi son lot de gros boogies des seventies. Il faut rappeler qu’à l’époque, 99% des groupes de rock voulaient sonner comme les Stones. Il faut attendre «Bright Light» pour retrouver le pur glam, celui qui s’empale sur des syncopes émancipées. Dans «Cartoon Princess», Michael Des Barres pousse bien sa voix et ce sera d’ailleurs l’un de ses signes distinctifs. Nigel Harrison fait des ravages et Pete Thompson bat le beurre comme un barbare. Avec son chant perverti et son boogie apesanti, «This Ain’t A Parody» sonne comme du pur jus. Au dos de la pochette, on voit les cinq musiciens poser torse nu : un petit côté MC5, mais sans les cartouchières.

         Pour des raisons qui nous échappent, Silverhead ne marche pas. Qu’importe. Le divin marquis remonte Detective avec Michael Monarch (Steppenwolf) et signe sur Swan Song, le label de Led Zep. Normalement, ça devrait faire un carton. D’autant que Creem Magazine soigne sa réputation de wild rocker : Michael Des Barres fait sensation, au moins autant que toutes les rock stars dévoyées qui à l’époque hantent the Sunset Strip by night.

         L’un des atouts majeurs de Detective est son bassman black, Bobby Pickett. Sur le premier album paru en 1977, il se distingue dès le «Recognition» d’ouverture de balda. Pickett groove autant que James Jamerson, le bassman légendaire de Motown. L’autre atout de Detective, c’est Jon Hyde, batteur-compositeur coiffé d’un buisson de cheveux blonds qu’on dirait taillé par Le Nôtre. Ce mec frappe sec et ça donne tout suite du caractère aux morceaux. On sent une volonté très nette de prédominance sonique, une volonté de son massif et percutant qu’on ne trouvera pas forcément ailleurs. Sauvagement syncopé et bourré de soul-shaking, «Grim Reaper» ouvre une voie royale. Plus tard, Bowie avec les frères Sales s’y engouffreront et ça donnera le fantastique premier album de Tin Machine.

         Sur cet album de Detective, la surprise vient d’un instru, «Deep Down», une compo de Michael Monarch qui sonne exactement comme un classique de Bernard Herrmann. On entend ça et on s’alarme, car on croit voir glisser l’aile d’un taxi jaune dans la nuit pluvieuse. Voilà une étonnante pièce de qualité supérieure, urbaine en diable. La présence de cet instru évoque, par l’incongruité de sa présence ici, le fabuleux «Serenade To A Sweet Lady» qui se trouve sur Every One Of Us d’Eric Burdon & The Animals. Ils passent ensuite au funk avec «Wild Hot Summer Nights» et reviennent au bon vieux stomp avec «One More Heartache». Michael Monarch riffe comme au temps béni de Steppenwolf. C’est lourd et bon comme les seins de la bonne du curé. Solide et convaincu comme une bite en rut. Admirable et bienvenu comme la main de Pamela Miller.

         Quand Michael rencontre Pamela, il est déjà marié. Il tombe amoureux d’elle et rentre en Angleterre pour demander le divorce. Il quitte ensuite l’Angleterre pour venir s’installer en Californie et vivre avec Pamela. Elle vient le chercher à l’aéroport. Il n’a que cinq dollars en poche et son séchoir à cheveux dans un sac en papier. Il a laissé tout le reste. Leur fils Nicky Dean Des Barres voit le jour onze mois plus tard.

         Le second album de Detective s’appelle It Takes One To Know One. On y retrouve le son bien musclé des seventies et la voix du divin marquis. Il peut sonner comme Rod Stewart. Avec «Competition», il élargit son cercle de poètes disparus, car ce heavy blues est un véritable festival de prouesses techniques : Michael Monarch joue comme un dieu, Jon Hyde bat toujours aussi sec et Bobby Pickett tricote des gammes aussi démentes que celles de Ronnie Wood dans «The Hangman’s Knee» (Beck Ola/Jeff Beck Group). Cet album est d’une rare densité. On retrouve le gras double et le son plein comme un œuf dans «Are You Talkin’ To Me» : production d’époque et chant perché, mais il y a chez Detective le petit quelque chose en plus qu’on ne retrouvait pas chez les autres groupes : un vrai son, une vraie voix et un certain parfum de légende. Michael Monarch place dans «Are You Talkin’ To Me» un solo en suspension et l’autre archange du groupe reprend le chant à la suite, très haut dans les cieux. Bobby Pickett embarque «Dynamite» à la basse. On assiste à un festival de syncopes, de glissés de notes, de vibrillons et de roulements inusités. On voulait à l’époque comparer Detective à Led Zep. Grave erreur. Detective avait un son plus lourd et un bassman noir surdoué qui amenait un bassmatic de Soul. Le chanteur avait une voix plus chaude et plus colorée que celle de Robert Plant et le drumming de Jon Hyde s’apparentait aussi à un feeling Soul. Michael Monarch liait tout ça avec un son purement américain. «Warm Love» est un joli mid-tempo d’une incomparable élégance. Le divin marquis sonne cette fois comme le Rod Stewart de l’époque Mercury. C’est le quatrième album de Michael Des Barres, et on note qu’à chaque fois, il s’y passe des choses intéressantes. L’album s’achève avec «Tear Jerker», un heavy rock bien fagoté. Même recette à base : voix perchée et section rythmique rutilante. On entend jouer des surdoués du break et de la syncope. Ils flirtent même avec le funk. Michael Monarch s’octroie une passade jazzy et on sent une fois de plus l’influence du Jeff Beck Group. À part l’Electric Flag, peu de groupes pouvaient prétendre jouer à ce niveau, à l’époque. Curieusement, on trouve les deux albums de Detective dans les bacs des disquaires d’occasion à des prix ridiculement bas, alors que ce sont deux albums fantastiques. À côté de ça, les collectionneurs sont prêts à sortir un ou deux billets de cent euros pour les pires déchets du prog anglais (et quand ils n’ont pas les billets, on les voit chez les disquaires signer des chèques sans provisions). Spectacle hilarant.

         Mais le succès ne pointe toujours pas le bout de son nez. Michael Des Barres tentera une dernière fois le diable en montant un super-groupe avec Steve Jones, Clem Burke (l’un des grands batteurs américains, ex-Blondie), Nigel Harrison (ancien Silverhead) et Tony Sales (qui avec son frère Hunt accompagnait Todd Rundgren sur ses premiers albums solo et qui fera partie de Tin Machine un peu plus tard). Cinq playboys. On les voit sur la pochette, avec les coupes de cheveux ridicules de l’époque. Sauf Michael Des Barres, teint en blond et maquillé. Le groupe s’appelle Chequered Past et l’album subit le même sort que ceux de Detective : on peut l’avoir pour une bouchée de pain, comme dirait Jean Valjean.

         On retrouve pourtant dans cet album tout ce qui faisait le charme de Silverhead et de Detective : le son, la voix et un certain style enraciné dans le glam. Ils font une reprise musclée d’«Are You Sure Hank Did It This Way», cut signé Waylon Jennings (que Pamela a croisé dans une chambre de motel et qu’elle qualifie de vrai mâle américain, «with lots of hair on the chest»). Avec «Let Me Rock», ils reviennent aux sources du stomp, celui du gros glam à la Gary Glitter, le glam-candy que suçaient tous les gamins d’Angleterre, y compris Steve Jones. Il est là-dedans comme un poisson dans l’eau. Pour corser l’affaire, un solo californien incendie le poulailler et tout s’écroule dans la réverb. Comme on le voit dans le cut suivant qui s’appelle «Never A Million Years», Steve Jones est en grande forme. Il sort la cisaille qui l’a rendu célèbre. On reconnaîtrait sa façon de jouer entre mille. Ils repompent le «Start Me Up» des Stones pour jouer le très nietzschéeen «Only The Strong (Will Survive)» et réussissent une incroyable osmose, ce qui les disculpe du délit de repompage. Le reste de l’album semble assez moyen, mais ces gens-là vivaient la nuit, consommaient énormément de drogues et d’alcool et la qualité du travail en studio en pâtissait. Pamela finit par vraiment s’inquiéter pour la santé de son prince charmant et elle réussit à le convaincre de reprendre sa vie en main, ce qu’il fit en acceptant de se désintoxiquer. Michael Des Barres est aujourd’hui membre actif d’un collectif d’aide aux jeunes sans domicile fixe.

         Comme les ventes de disques de ses groupes successifs ne décollaient pas, il fit ce que tout le monde faisait à cette époque : il entama une carrière solo. Son premier album solo parut en 1980, à la pire époque, celle où on synthétisait le son et où on vidait les chansons de tout contenu, comme on vide les poissons sur les marchés. Le rock devenait un produit de consommation au sens cru de l’expression et les gens étaient assez bêtes pour se jeter dessus. Quand on entendait les chansons des groupes à synthés à la radio, on vomissait.

         Malheureusement, on entend des synthés sur I’m Only Human, le premier album solo de Michael Des Barres. Un producteur véreux lui a certainement expliqué que c’était le seul moyen de vendre des disques et, entre deux crises de vomissement, le divin marquis a dû accepter. Ce que n’aurait jamais fait Hasil Adkins, par exemple. Mais on pardonne tout au divin marquis. On pousse même la compassion très loin, puisqu’on écoute cet album foutu d’avance. Heureusement, Nigel Harrison a survécu aux naufrages antérieurs et il ramène un peu de verdeur avec son jeu de basse. Il fallait attendre la B pour voir se réveiller les vieux démons du glam. Eh oui, «Boy Meet Car» pouvait très bien dater de 1972, avec sa belle intro heavy. On y voyait la tentation d’un Saint-Antoine glam posée sur un bon drumbeat d’antho à Toto. Avec «Bullfighter (I’m Not)», c’est le seul spasme silverheadien de l’album. La pochette du vinyle sorti en 1980 mentionne les noms des musiciens. Sur une réédition CD parue récemment, toutes les informations ont disparu, comme si personne n’avait jamais accompagné le divin marquis. C’est dire si certains labels se foutent de la gueule du monde.

         L’autre album solo de Michael Des Barres paru dans les années 80 s’appelle Somebody Up There Likes Me. Comme Steve Jones faisait partie de l’aventure, on nourrissait les plus grands espoirs. On entendait bien son cocotage caractéristique sur deux cuts, mais ça restait hélas très conventionnel.

         Il est arrivé à Steve Jones exactement le même problème qu’à Keef : une perte subite d’inspiration. À une certaine époque de leur vie, ils se sont retrouvés comme deux ronds de flan avec leurs guitares dans les mains et aucune idée en tête. On peut passer des journées entières à gratter sa gratte et ne rien sortir de propre. Les guitaristes à gros nez rouges savent de quoi on parle. Alors, Keef et Steve Jones se sont contentés de reproduire année après année, décennie après décennie, leurs vieux plans usés jusqu’à la corde. 

         Même les fans les plus endurants finissent par décrocher. Un bon copain, qui a passé sa vie à idolâtrer les Stones, vient de se séparer de sa collection de bootlegs auxquels il tenait tant, les oreilles usées par l’inlassable travail des réécoutes inutiles. Comme il fallait essayer de tourner la page en rigolant, on a eu cette conversation digne de Pétrus Borel :

         —  Bon maintenant, tu vas pouvoir te pendre, comme ta vie ne sert plus à rien.

         —  J’attends quand même un peu. Keef ne va pas tarder à crever et là, c’est vrai, je n’aurai plus aucune raison de continuer à me faire chier sur cette terre en compagnie d’imbéciles de ton espèce.

         — Fais gaffe ! Keef risque de durer encore un bon bout de temps. À mon avis, tu ne tiendras pas. Si j’étais toi, j’anticiperais. Essaye de voir le bon côté des choses ! La mort est souvent une délivrance : plus de grosses épouses réactionnaires qui te pourrissent la vie, plus de factures à payer, plus de caillantes en hiver, plus de bagnole qui tombe en panne, plus de corvée de super-marché, plus de coups de fil de l’autre enfoiré de banquier qui veut que tu bouches le trou...

         — Dommage que la connerie ne soit pas reconnue d’utilité publique. T’aurais pu te présenter aux élections cantonales et t’aurais gagné haut la main.

         Figurez-vous que Michael Des Barres est toujours en activité. Il a le cheveu blanc et la tête de son âge vénérable. Il monte encore sur scène avec un tatouage à l’épaule et une Gibson Les Paul à la main. Son troisième album solo s’appelle Carnaby Street, clin d’œil au Swingin’ London de sa jeunesse enfuie. Il pose pour la pochette sur fond d’Union Jack. Terminé la rigolade et les concepts photographiques à la con. Terminé les synthés et les errances californiennes à la mormoille. Le glam de Silverhead était peut-être moins bon que celui de Slade ou des Jook, mais il était quand même costaud. Michael Des Barres revient aux sources avec le gros son de «You’re My Painkiller». Il retrouve le raunchy de sa voix et frise une fois de plus le Rod Stewart de la grande époque. Il remonte le moral des fans de la première heure, même si avec ce genre de morceau, il n’invente pas le fil à couper le beurre. Par contre, «Carnaby Street» sonne comme un hit, bardé de chœurs dollsy - J’avais 19 ans en 1967/ Dans les rues de Londres/ Je planais, j’étais Oscar Wilde en jeans de velours ! - Tout ça sur un riff purement stoogien. Voilà le vrai Michael Des Barres, le rock’n’roll animal qui écumait les ballrooms d’Angleterre en 1972. Eric Shermerhorn qui accompagnait Iggy sur l’album American Caesar accompagne le divin marquis. Il vrille «Carnaby Street» d’un solo névrotique. Michael Des Barres rallume la chaudière de la nostalgie, la pire, celle du Londres de ces années-là, rendez-vous à Carnaby Street, oh yeah et il part en screaming contrôlé. C’est un coup de maître. Les autres cuts de l’album sont plus ordinaires, on va de structure classique en structure classique, ça joue, c’est sûr, mais on ne retrouve pas le panache de «Carnaby Street». Dommage. «Little Latin Lover» sort du lot, avec sa grosse efficacité et on retrouve cette belle spécificité du son plein, à laquelle le divin marquis est resté attaché depuis le début de sa «carrière». Il évoque dans cette chanson son passé de baiseur fou. Mais il tombe aussi dans des panneaux pénibles, avec «Hot And Sticky», par exemple, qui sonne comme du Tina Turner, avec cette voix rauque des vieux de la vieille qui ont encore des choses à dire ou à chanter alors que personne ne les écoute. Comme on ne trouve l’album nulle part, il faut aller le chercher sur Internet. Merci Internet ! 

         Même chose pour l’album live Hot N Sticky. Il n’est disponible qu’en ligne. Les fans du divin marquis se régaleront, car l’album est bon. Version live de «Carnaby Street» sur coussin de riffs stoogiens chantée avec une haine de la médiocrité qui en dit long sur son pedigree. Derrière, on a des chœurs dignes de ceux des Dolls. Grosse pièce de Stonesy avec «Hot N Sticky». On sent la puissance du vétéran qui fut un grand seigneur du glam. Version dévastatrice de «Stop In The Name Of Love». Il en fait un aligot de type Vanilla Fudge. Il a compris le principe de la mécanique quantique. Il suffit juste d’entertainer et de lâcher une bombe au moment du refrain et la ville explose. Il devient Hercule Thanatos. Retour au glam avec un «Detective Man» somptueux. Le divin marquis est intouchable. C’est un glamster légendaire. Avec «Little Latin Lover», on revient aux Stooges et aux puissances des ténèbres. Ça joue dans la fournaise. Michael Des Barres dépasse les bornes de la bienséance. Il emmène tout à la voix rauque. Ce mec est au soir de sa vie, mais comme Iggy, il brandit bien haut l’étendard sanglant. Il n’a vécu toute sa vie que pour le rock. C’est un fabuleux personnage, vraiment digne de notre confiance. On ressent une sorte d’étrange fierté à l’avoir suivi à travers toutes ces décennies. Il finit le disque avec un medley où il chante «I Don’t Need No Doctor» comme Steve Marriott et il balance une version infernale de «Get It On», histoire de boucler la boucle.

         Pendant que Michel Des Barres remonte sur scène, Pamela publie. On ne peut plus l’arrêter, depuis le succès de son premier recueil de souvenirs (I’m With The Band. Confessions Of A Groupie). Mais ses deux autres livres ne valent pas un clou. On ne les lit que par acquis de conscience, et elle ne fait que nous montrer le degré zéro de sa vie intellectuelle. Avec Let’s Spend The Night Together, elle propose une galerie de portraits de groupies qu’elle connaît, et qui ont sensiblement le même problème qu’elle : pas grand chose à raconter. Le book s’avère effarant de platitude. Elles dressent toutes des inventaires des nuits passées avec des musiciens pour la plupart californiens, et forcément, ça ne vole pas haut, quand on connaît la réputation des musiciens en question. Tout l’aspect détestable de la scène rock californienne se retrouve dans ce livre. C’est le néant absolu, à l’image des disques de groupes comme les Guns’n’Roses ou Motley Crüe. Et tout ce joli monde fabrique de l’imagerie «sex and drugs and rock’n’roll» qui est tellement mauvaise qu’on ne comprend pas que ça puisse se vendre. Et comme Pamela, ces musiciens californiens vont même jusqu’à publier leurs mémoires dans des livres dont les titres donnent la nausée. On comprend que Michael Des Barres ait fini par s’éloigner de cette femme et de tout ce qu’elle représente. Leurs mondes respectifs étaient beaucoup trop disparates. Et c’est souvent ce qui détruit les couples : l’incompatibilité intellectuelle. Le décalage culturel ne fait généralement pas de cadeaux. Essayez de vivre avec une femme qui regarde TF1, vous allez voir que c’est compliqué. Même la libido finit par passer à la casserole. Pamela Des Barres se prend pour une star du rock parce qu’elle a réussi à approcher quelques personnages légendaires, mais quand on lit ses pages qui n’en finissent pas, on réalise que ça s’arrête là. Il n’y a rien ni avant, ni pendant, ni après. Ses portraits de Jimmy Page et de Keith Moon sont vides, complètement superficiels. Et c’est normal, puisqu’en plus, elle ne sait pas écrire. Dommage, car elle fréquentait Frank Zappa, et des gens intéressants comme Captain Beefheart ou Chris Hillman.  

         Les seuls portraits intéressants de Let’s Spend The Night Together sont ceux de Tura Satana et de Cynthia Plaster Caster - qui vient tout juste de casser sa pipe en bois - On a droit à une magnifique photo de Tura Satana pleine page offrant au regard gourmand du lecteur une magnifique paire de seins : «I was unique on the Burlesque circuit. Orientals weren’t supposed to be busty like I was.» (J’étais unique dans le monde du Burlesque. Les Orientales n’étaient pas censées avoir des seins aussi gros que les miens). Puis elle raconte qu’Elvis vint la voir à Biloxi, Mississippi. Il était fasciné par sa façon de bouger et voulut savoir comment elle avait appris à bouger comme ça. Tura lui expliqua qu’elle pratiquait les arts martiaux. Et elle proposa de lui donner des cours. Non seulement Tura lui apprit à danser et à remuer les hanches, mais elle lui apprit aussi - et surtout - à baiser.  

         Cynthia Plaster Caster raconte dans le détail le moulage de la bite de Jimi Hendrix : «Il plongea sa queue dans la mixture du moule - on leur enduisait la queue de vaseline ou d’huile Kama Sutra, mais je n’en avais pas mis assez - et ses poils pubiens furent pris dans le moule. Il resta très longtemps dans le moule, beaucoup plus longtemps que prévu. Il restait calme et très coopératif. Il ne se plaignait pas. Il baisait le moule pendant qu’on attendait.» Les exploits des Plaster Casters ont fait le tour du monde, depuis cet épisode connu comme le loup blanc. Cynthia a continué de collectionner les moulages de bites (comme celle de Danny Doll Rod) et elle a eu la brillante idée de développer son business en ajoutant les moulages de seins. Ses premières clientes ont été Margaret Doll Rod et sa sœur Christine, Karen la chanteuse des Yeah Yeah Yeahs et Laeticia de Stereolab.  

         Dans Take Another Piece Of My Heart, Pamela nous raconte sa vie insipide de nantie californienne qui n’a rien à dire, mais qui réussit une fois de plus à noircir trois cents pages. Certains pourraient y voir un prodige. Nombreux sont en effet ceux qui rêvent de pouvoir remplir trois cents pages, car c’est déjà une fin en soi. Elle nous raconte en long en large et en travers sa vie conjugale, son accouchement, ses exploits d’actrice et finalement le naufrage de sa vie de couple. On ne retire que deux informations de ce livre pathétique. Voici la première. Un soir, Michael Des Barres rentra bouleversé chez lui. Il rentrait de San Francisco et avait vu les Sex Pistols au Winterland. Bien sûr, il ne savait pas que c’était le dernier concert du groupe, et il déclara que les Sex Pistols allaient conquérir le monde. Il ne se trompait pas. (Curieusement, Rory Gallagher était lui aussi au Winterland ce soi-là et il fut lui aussi tellement secoué par le set des Pistols qu’il revint à un son plus punk). Des Barres fasciné par les Sex Pistols ? Rien de surprenant quand on sait que Steve Jones vient du glam. Si on lit ce livre, c’est dans l’espoir d’y trouver de l’info sur Detective et Chequered Past, mais il n’y a rien, absolument rien, à part de désespérantes banalités. L’auteuse reste en surface, comme si la musique ne l’intéressait pas. On trouve à peine deux lignes sur Tony Sales (qu’elle s’empresse d’ajouter à son tableau de chasse), mais rien ni sur les disques ni sur les concerts. Rien. Le vide abyssal. On ne sait même pas comment Michael Des Barres et Steve Jones se sont rencontrés pour monter leur groupe. Rien. Comme si ça ne l’avait jamais intéressée. Et pouf, elle finit par nous dire que Steve Jones est venu vivre six semaines chez les Des Barres, et elle en fait le portrait d’un ancien voyou («a thief convicted sixteen times», s’empresse-t-elle de préciser) devenu respectable, presque un beauf, l’animal de foire qu’on accueille le dimanche et qui raconte à table ses souvenirs de junkie roublard avec un accent cokney qui fait bien rire les convives, tous aussi bronzés et cons les uns que les autres. Pamela se dit très fière d’avoir un Sex Pistol chez elle. C’est pour elle une façon de rester dans le bain en continuant de fréquenter la crème de la crème. On se demande vraiment ce que Steve Jones est allé foutre dans ce bordel, et comment Michael Des Barres a pu tolérer ça.

         Michael Des Barres a heureusement retrouvé sa liberté, peut-être pas au sens philosophique où l’entend Apollinaire quand il rend hommage au divin marquis, le vrai, mais ce n’est pas si grave, après tout. De retour à Londres, notre vieux libertin s’est jeté à corps perdu dans le carrousel des nostalgies et c’est tant mieux.

Signé : Cazengler, complètement barré

Silverhead. Silverhead. Signpost 1972

Silverhead. 16 And Savaged. EMI Records 1973

Detective. Detective. Swan Song 1977

Detective. It Takes One To Know One. Swan Song 1977

Michael Des Barres. I’m Only Human. RSO 1980

Chequered Past. Chequered Past. EMI 1984

 Michael Des Barres. Somebody Up There Likes Me. MCA Records 1986

Michael Des Barres. Carnaby Street. Gonzo Multimedia 2012

Michael Des Barres. Hot N Sticky Live. Immedia 2013

Pamela Des Barres. I’m With The Band. Confessions Of A Groupie. Beech Tree Book 1987

Pamela Des Barres. Let’s Spend The Night Together. Chicago Review Press 2007

Pamela Des Barres. Take Another Piece Of My Heart. Chicago Review Press 2008

 

 

L’avenir du rock

- La voie Spiritualized (Part Two)

 

         Allez hop ! C’est décidé. L’avenir du rock part en pèlerinage. Il sent qu’il doit se ressourcer spirituellement, car sa passion pour le rock le rend de plus en plus frivole et donc superficiel. Bon, un pèlerinage, c’est bien gentil, mais lequel choisir ? Il hésite entre La Mecque, Compostelle, Graceland, le Tibet et Lourdes. Il a un faible pour Stonehenge à cause d’un vieil album des Ten Years After, mais le voyagiste qui réserve les billets d’avion lui dit que ça n’existe plus depuis des siècles. Le Tibet, non, ça caille trop, éliminé d’office. Finalement, le moins compliqué, c’est encore Compostelle. Alors il va faire ses courses au Vieux Campeur, rue des Écoles. Il a préparé une liste : un couteau suisse, une boussole, une lampe torche, un K-way, un pantalon avec plein de poches hermétiques pour quand il pleut, un bouchon pour l’anus en cas de colique, un chapeau d’Indiana Jones qui s’attache avec une ficelle sous le menton, des lunettes étanches d’explorateur pour marcher dans les tempêtes de sable, des barres vitaminées, une montre d’aviateur qui indique l’altitude, un ciré de marin breton, et des grosses pompes bien laides de rando, vendues généralement avec le tube de pommade pour les ampoules. Et puis une boîte de vaseline, au cas où un curé voudrait l’enfiler. Le vendeur lui recommande en plus le grand bâton sculpté qu’utilisent tous les pèlerins. L’avenir du rock sort de la boutique chargé comme une mule. Il ne s’est jamais senti aussi con. Mais bon, il faut parfois essayer d’aller au bout de ses idées. Comme tout le monde, il a un GPS sur son smartphone et il n’a pas oublié le tube de gel pour les coups de soleil sur le pif. Le lendemain, lorsqu’il sort du métro déguisé en pèlerin pour se rendre au point de rendez-vous, il sent bien qu’un truc ne va pas. Il démarre une petite crise de parano : et s’il rentrait de pèlerinage encore plus con qu’il ne l’était en partant ? La vue des autres pèlerins qui l’attendent au point de rendez-vous achève de le déstabiliser : ils paraissent encore plus grotesques que lui, avec leurs équipements chamarrés et leurs grands bâtons sculptés. Moyenne d’âge : soixante-dix ans. L’avenir du rock sait qu’il ne va pas pouvoir supporter d’entendre leurs conversations plus de cinq minutes, alors il prend la première rue à gauche et décide de rentrer chez lui. En passant boulevard Saint-Michel, il entre chez le grand spécialiste des nouveautés et résout le problème spirituel en s’offrant le nouvel album de Spiritualized.

         — Comment diable n’y avais-je pas pensé plus tôt ?

         Effectivement, Everything Was Beautiful est un album capable de résoudre tous les problèmes, tellement il est génial. Dès «Always Together With You», Jason Pierce fait de son embarquement pour l’hosto une œuvre d’art. La pureté de cette pop anglaise est absolue. Il ré-instaure sa grandeur, il s’insinue dans la mélodie du drug craze. C’est un peu comme si tu réapprenais tout ce que tu dois savoir sur la grandeur du rock anglais. Il n’existe rien d’aussi précis dans l’exercice de cette fonction. Jason Pierce reprend les choses à l’endroit exact où Syd Barrett les laissa jadis, Always together with you/ If you’ve got a lonely heart too. Noyé de voix et so fucking great. Cette pluie de son et les échos à la Spector sont de l’ordre de l’inespérabilité des choses. Ça décroche dans les montagnes. Si le rock anglais est une bénédiction pour le genre humain, l’apôtre de cette bénédiction porte aujourd’hui le nom de Jason Pierce. Ce que montre «Best Thing You Never Had (The D Son)», il revient vers nous avec un cut plus musclé mais fabuleusement inspiré, un son bardé de guitares vives et de réverbérations, il mène ça de front et il n’existe pas en cet instant de meilleur front, il te descend sur le râble, tel une belle coulure de London lave, il te joue le double jeu de l’hyperdisto d’hypercondo nappé de cuivres ensuqués, jamais tu ne verras ça ailleurs, il ne se contente pas de ré-instaurer la grandeur du rock anglais, il la chamarre, il l’aristocratise, il l’anoblit, il est le dernier descendant d’une lignée britannique qui remonte à Keith Richards et à Syd Barrett, il tape dans l’immensité des couches supérieures et envoie un sax, ou plutôt des sax nettoyer les écuries d’Augias, car enfin, il faut bien nettoyer cette crasse de l’humanité qu’on appelle la médiocrité des télévisions, fuck quel album, t’es dedans, tu ne peux pas échapper à cette emprise, il ramène tout le ramshakle du monde et des cuivres d’or. C’est Jason, my friend, le roi des Argonautes. Il reste dans l’excellence du groove électrique pour envoyer un clin d’œil à Iggy avec «Let It Bleed». Pour rendre son hommage aux Stooges, il sort le heavy Spiritualized, comme au temps des Spacemen 3, il monte son cut en neige blanche, c’mon c’mon, il élève un Kilimandjaro de gospel blanc, pour mieux t’aider à entrer en religion. Retour aux puissances telluriques avec «The Mainline Song». Il semble reprendre vie après la mort, il adore danser sur le shuffle de Lazare. On croit que c’est un instro, mais non, il revient au micro sur le tard avec sa voix de dandy angulaire. On se prosterne jusqu’à terre devant ce prodigieux magicien. Sa spécialité est de monter les cuts en neige. Il est le seul avec Martin Carr à savoir le faire en Angleterre. Jason Pierce est un génie du show must go on. S’il a survécu, c’est uniquement pour pouvoir enregistrer cet album. On retombe dans un océan de grandeur totémique avec «The A Song (Laid In Your Arms)». Il plombe son rock avec des cuivres, il est le seul encore une fois à savoir le faire en Angleterre, il pousse son bouchon toujours plus loin, il y a un prodigieux écrivain en Jason Pierce car il a du souffle, il pulse l’extrême heavyness de la psychedelia, Jason la recrée et ça revient au creux de ton oreille, c’est irréel de verdeur tentaculaire. Il tape ça au heavy beat, il ramène dans le son le souvenir de nuées oubliées, il redevient le roi de la mad psychedelia anglaise, comme au temps béni des Spacemen 3. C’est d’une violence hors normes. Il met vraiment le paquet. Et voilà, cet album s’achève avec «I’m Coming Home Again». Jason Pierce revient toujours. Il n’a plus la même voix. Il chante d’une voix légèrement abîmée. Mais il te chante ça aux petits oignons. Jason Pierce est l’une des dernières superstars de notre époque, il est là avec un nouvel album, tu vas pouvoir y savourer son inexorable présence doublée d’une incroyable proximité.

         Du coup, la presse anglaise se prosterne devant le roi des Argonautes. Andrew Male lui consacre le fameux Mojo Interview et Johnnie Johnstone lui consacre huit pages dans Shindig!. Par les temps qui courent, ce sont des pages qui comptent, car on y parle beaucoup des Stooges et des Spacemen 3. Johnstone n’y va pas de main morte, il chapôte à coups de «sonic innovation and re-invention». C’est exactement de cela dont il s’agit. Johnstone le présente aussi comme un survivor qui a tout surmonté pendant 40 ans : «band breakups, drug dependancy, desintegrating personal relationships and battles with ill heath» et à travers tout ça, «he has been responsible», ajoute Johnstone, «for creating some of the most extraordinary records of our time, or indeed any time». Jason Pierce commence par évoquer le Velvet qu’il dit avoir écouté obsessionnellement pendant un temps, tout le Velvet, «bootlegs, demos, everything, all of it endlessly informative, endlessly played», il n’écoutait rien d’autre. Il se souvient aussi du Raw Power des Stooges - Buying the Stooges’ Raw Power when I was 14 really changed my life - Puis c’est Nuggets et la découverte du 13th Floor Elevator, puis il découvre comme nous tous qu’il n’y a pas qu’un seul cut du 13th, il existe «four albums of their stuff» - The adrenaline rush of it ! - Il dit aussi avoir essayé d’écouter le Grateful Dead sur les conseils de Lenny Kaye, mais il ne s’est rien passé, il dit n’y avoir trouvé aucune psychedelia alors qu’ils sont censés être LE groupe psychédélique. Il n’y trouve pas le rush qu’il trouve dans le Velvet ou les Elevators. Il embraye ensuite sur le break-up des Spacemen 3 et le démarrage de Spiritualized. C’est avec le premier album Lazer Guided Melodies qu’il s’éprend du son et du travail en studio. Il dit qu’à l’époque My Bloody Valentine fut une révélation. Pour lui, l’album qu’on enregistre en studio est un jeu, ça se construit et il dit que ça vaut mille fois le son live sur scène, il cite les exemples des Beach Boys, de Lee Hazlewood et de Lee Perry - It’s the sound that is important - Il comprend aussi que se détacher des autres scènes lui permet de devenir timeless. Johnstone pense que la grande influence de Lazer Guided Melodies est le troisième album du Velvet, mais le roi des Argonautes lui dit non, car il ne voulait pas se contenter de faire un beautifully simple record, il voulait au contraire «épuiser toutes les possibilités». Il se dit fier de Pure Phase, l’album suivant, sur lequel on va passer, si vous le voulez bien, et boom voilà qu’arrive Ladies And Gentlemen We’re Floating In Space, «and the blend of metronomic sonics with avant-garde noise and earthly Stooges riffing». C’est l’un des grands albums des temps modernes, Jason dit qu’il est allé travailler sur «Cop Shoot Cop» - a 17-minute voodoo incantation - avec Mac Rebennack  - It was an amazing experience. Il flew to New York to work with Mac and then flew to Memphis to work with Jim Dickinson - Puis arrive la double pneumonie et l’hosto, en 2005, une near-death experience à la Lanegan. Et il évoque the devil, sa petite black guitar - I found it in a little cage in Cincinatti. It’s a 1926/27 black Gibson. It was relatively cheap - about $1,000 - but it seemed like it came with the songs already in it - Il pensait aussi qu’en ressuscitant après sa near-death experience, il allait changer, mais non, «I came out of it all the same disappointing person I was before».  

         Andrew Male repart du même point pour Mojoter le roi des Argonautes, «from the edge of heaven to the brink of death». Le roi dit que «the songs always seem precient». Il ajoute que ça l’inquiète. Puis au fil des questions, il ressort un peu ce qu’il dit dans Shindig!, par exemple qu’il n’a jamais perçu de royalties, même avec les albums de Spiritualized, il redit aussi que son premier album fut Raw Power, «99p at Boots». Quand Male lui dit qu’avec les Spacemen 3, Sonic Boom et lui voulaient sonner comme les Stones, mais qu’ils n’avaient pas la voix, Jason lui répond qu’il a raison : «Definitely. That’s all that American garage music is. On peut être les Stones, mais nourri par notre propre culture et notre inaptitude, ça devient quelque chose d’autre, de greater, something beyond that.» Avec ses questions, Male remue pas mal de mauvais souvenirs, le break-up du groupe à cause d’une question de crédits, le départ de la copine Kate qui s’en va se marier avec un autre mec, et puis la double pneumonie que Jason Pierce n’a pas vu venir, petit malaise, docteur et hosto, de l’eau dans les poumon, «one breath a second pendant neuf jours» et d’immenses difficultés à reconnecter avec le rock en sortant de cette épreuve. Il avoue aussi avoir chopé une petite hépatite C, d’où les rumeurs de chimio. Puis il met les choses au clair sur le nouvel album : les chansons datent du précédent, Nothing Hurts, Jason voulait faire un double album, mais Matthew Johnson de Fat Possum ne voulait pas. Il pensait que c’était trop de boulot pour les gens d’écouter un double album. Bon alors d’accord, Nothing Hurts sort et quatre ans plus tard arrive dans les bacs Everything Was Beautiful. Maintenant, Jason est convaincu que Johnson avait raison : «Finishing one album, then making the other one, was the smartest thing to do.»

Signé : Cazengler, Jason pisse

Spiritualized. Everything Was Beautiful. Fat Possum 2022

Johnnie Johnstone : Brought to heal. Shindig! # 123 - January 2022

Andrew Male : The Mojo Interview. Mojo # 338 - January 2022

 

Inside the goldmine - Down the Lyn

 

         Ses yeux verts et la lithographie de Miro qu’elle avait accrochée au mur de son salon faisaient tout le charme de Baby Doc. Sinon, rien de spécial. Cette femme extrêmement intelligente parlait d’une voix anormalement grave qu’on aurait dit masculine. De petite taille, brune et d’origine espagnole, elle ne portait que des pantalons. Baby Doc était médecin chef dans un hôpital de grande banlieue. Elle ne donnait son avis que sur ce qu’on voulait bien lui dire, comme le font les psychologues, mais elle le faisait avec ce côté maternel qui instaure un climat de confiance. En fait, c’est elle qui menait le bal et il suffisait de se laisser porter. Plus besoin de veiller à la qualité des échanges, c’est elle qui s’en chargeait. Un propos insignifiant pouvait déclencher des ricochets en forme de traits d’esprit, et rester sur le qui-vive devenait une forme de jouissance. Baby Doc était la reine de l’interaction. C’était toujours un plaisir que de la retrouver dans Paris pour boire un verre du côté de Bastille ou aller faire un tour dans une galerie du Quartier Latin, où elle achetait parfois une œuvre d’art contemporain. Elle habitait un petit pavillon en banlieue Sud. Au premier étage se trouvait sa chambre et la pièce voisine était ce qu’elle appelait son bureau. Tous ses livres se trouvaient là, sans doute des milliers de livres, les quatre murs de la pièce en étaient couverts. Beaucoup de littérature classique en langue française et espagnole, mais aussi des ouvrages scientifiques en grande quantité. Elle devait faire de la recherche mais elle ne s’en vantait pas. Elle veillait à rester sur le terrain de ses interlocuteurs. Sans doute n’aimait-elle pas qu’on fasse semblant de s’intéresser à elle, comme c’est généralement le cas dans les jeux de séduction. Ce mode de relation finit forcément par créer un attachement. Rien à voir avec la passion, c’est encore autre chose. Une affinité élective. Le type de relation dont il faut savoir se montrer digne. Et puis un soir, alors qu’elle avait un peu bu, elle voulut baiser. Elle sortit de la douche et vint s’allonger sur le lit. Elle avait un corps magnifique, presque un corps de jeune garçon. Elle changea complètement de discours et devint funky. Elle était du booty. Première surprise. La deuxième surprise coupa court à tout : ses seins n’étaient pas des seins mais des petites prothèses en forme de tue-l’amour.  

 

         On sait bien que le funk est le sel de la terre. Alors que Baby Doc shakait son booty dans son pavillon de banlieue, Lyn Collins shakait le sien sur trois des meilleurs albums de funk qu’on puisse trouver ici bas, en banlieue comme ailleurs. 

         C’est à Jessica Lipsky, à son Daptone book, et donc à la compile James Brown’s Funky People qu’on doit la découverte de celle qui se fait appeler The Female Preacher. Lyn Collins fait partie du cercle rapproché de James Brown, un Mister Dynamite qu’on peut d’ailleurs entendre sur Check Me Out If You Don’t Know Me By Now, le deuxième album de The Female Preacher paru en 1975.

Fantastique pochette, avec une Lyn Collins rayonnante de black power et en B, elle duette avec James Brown, promu Minister of New New Super Heavy Funk au dos de la pochette. On les entend tous les deux fracasser «Backstabbers» et funker comme des cracks «Rock Me Again & Again & Again & Again & Again & Again» yeah yeah, cut mythique entre tous, take the time/ To make me loving good, James Brown fait du vrai c’mon here, ils tapent le booty du meilleur funk du paradis, on comprend que James Brown l’ait prise sous son aile, il la double au chant d’again & again & again sur un beat funk minimaliste, ah il faut l’entendre chanter sa plainte en parallèle ! Elle enchaîne avec une reprise de «Try A Little Tenderness» extrêmement orchestrée, servie par des chœurs de rêve, elle y navigue au long cours, mais elle ne va pas l’exploser au final. Dommage. James Brown traîne aussi dans les parages de «Baby Don’t Do It» qui ouvre le bal de la B. Pur funk genius ! Elle ouvre son balda avec «A Foggy Day», un heavy groove des jours heureux qu’elle chante à l’Aretha. Elle est capable d’aller chercher la clameur de la Soul par dessus les toits, comme le montre encore «To Each His Own». Avec «Mr Big Stuff», elle fait du good time funk fabuleusement bien envoyé.

         Son premier album s’appelle Think (About It) et sort comme le précédent sur People, le label de James Brown, en 1972. Dès le morceau-titre, elle est dans le real deal, dans le funk des reins, elle fait du pur James Brown. En fait, elle navigue entre deux pôles, James Brown et Aretha, comme le montre encore «Wheels Of Life», elle s’y révèle fantastique de présence perçante, elle shake son heavy groove avec la poigne d’une big sister. Elle replonge en plein dans James Brown avec «Things Got To Get Better». Exactement la même moelle ! En B, elle monte son «Never Gonna Give You Up» là-haut sur la montagne, servie par des chœurs de filles frivoles et dévouées. La B est une extraordinaire face lente, Lyn Collins vise avec «Women’s Lib» la supra-intensité, l’hyper-perçant de la Soul, elle ne parvient pas à égaler le perçant d’Aretha mais le sien épaterait la galerie des glaces. Elle nous goinfre d’intensité, elle vise l’éplorée définitive. Elle termine avec cet extraordinaire groove des jours heureux qu’est «Fly Me To The Moon». Elle le bouffe tout cru ! Ah elle veut qu’on l’envoie sur la lune ? Aw yeah yeah, elle est wild et belle, elle envoie des awite et des c’mon/c’mon qui en disent long sur ses appétits.

         Il existe un troisième album plus récent de Lyn Collins, Mama Feelgood, paru en 2006. Si on en pince pour le funk, c’est l’album de rêve. «You Don’t Work» est un petit chef-d’œuvre de heavy funk - Now/ You don’t work/ Ah ! - Elle explose littéralement le booty du funk, ça chante à deux voix, ça pulse dans l’ultimate et à coups de trompettes, et comme les standards du funk, ça dure douze minutes. Elle reprend son vieux «Think (About It)» avec Martha High, Marva Whitney et Guen McCrae. Après une longue intro, elle se barre en mode funk demented - I don’t need no honey/ Think ! - Elle est extrêmement balèze - Get on down ! - Elle ramène tout le funk du monde - This is the right time to think/ Baby / I’ve got to think/ Thinh about it ! - Nous voilà tous prévenus. Elle repart pour douze minutes de funk des enfers du paradis avec le morceau titre. Elle cultive la violence du funk, elle suit la voie tracée par son mentor James Brown. On est là dans le fondamental du funk gratté à l’attaque perpétuelle d’everybody. Dans «Rock Me», elle invite everybody to get funky. Entre chaque cut, on entend un extrait d’interview et bien sûr elle relate ses souvenirs de James Brown. Elle indique que son meilleur souvenir de lui est l’enregistrement de Payback. Sur «Summertime», elle duette avec Martha High - Lyn/ Yes Martha/ The next song we are gonna do - C’est un fantastique hommage à James Brown. Martha évoque les cotton picking songs, the love songs, the songs of pain. Awite now.

Signé : Cazengler, Lyn Colique

Lyn Collins. Think (About It). People 1972

Lyn Collins. Check Me Out If You Don’t Know Me By Now. People 1975

Lyn Collins. Mama Feelgood. Hi & Fly records 2006

 

 

L’ ECORCHE

THE TRUE DUKES

( Sortie : 24 / 06 / 2022 )

Jean-Yves Bassinot : voix / Christian Kikaï : guitare rythmik / Eric Chartier : lead guitar / Jean-Luc Vinot : Bass / Michel Dutot : drums

L’objet n’est pas encore sorti, mais Kr’tnt ! prend ses quartiers d’été, la semaine prochaine, on n’a pas pu attendre jusqu’à la fin août, donc on chronique sans avoir jeté un coup d’œil sur la pochette intérieure.  Huit titres, dont quatre pas tout à fait inédits mais une seconde écoute ne gâte pas le plaisir au contraire ! 

Les esprits chagrins grimacent, huit titres, ces trouducs ne seraient-ils pas un ramassis de feignasses, je concède qu’ils auraient pu pousser jusqu’à douze, comme sur les bons vieux vinyles, mais il faut le reconnaître les True Dukes sont des grands seigneurs – de grands saigneurs aussi – l’opus fonctionne un peu sur le principe de la table ouverte, entrée gratuite : le monde s’est précipité…  Au final l’on croirait lire les Caractères de Théophraste, hélas, depuis la haute Antiquité la race humaine ne s’est guère améliorée, les Trouducs nous ont pondu une espèce de comédie à la Balzac mais inhumaine, en plus ils ont poussé le vice jusqu’à chanter en français, ainsi si par hasard vous vous reconnaissiez dans un des personnages représentés vous ne pourrez pas faire semblant de n’avoir pas compris. Arrêtons de blablater, il est temps de nous plonger dans cette galerie de portraits contemporains. 

Le cafard : ça canarde dur, sont sans pitié pour les cafards, ce n’est pas qu’ils soient pour la sixième extinction des insectes, n’ont rien contre les cancrelats et diverses autres espèces, ne nous trompons pas de sujet, The True Dukes n’ont peur de rien, ouvrent leur album par un texte éminemment politique, tant pis pour ceux qui cachent leurs idées sous un mouchoir, eux ils les agitent comme des banderoles de mise en garde. Ne mâchent pas leurs mots, un texte de combat contre les racistes, les fascistes et tout autre individu du même acabit. Ce n’est pas tout, il y a le fond mais aussi la forme, percutent sec, le morceau équivaut à une rafale de mitraillette, court mais efficace, le JYB ne chante pas, il stigmatise sec, défilent les mots percutants, pas de pitié, pas de regret, derrière les copains catapultent la zique à fond de train, vous avez une envolée de guitares propulsées par une batterie nucléaire, lorsque vous reprenez vos esprits c’est terminé depuis longtemps. Mais qu’est-ce que ça fait du bien ! Ou du mal. Tout dépend de quel côté de la barricade où vous vous placez. L’écorché : on peut frapper ceux qu’on n’aime pas, on peut aussi tendre la main à ceux qui sont au fond du trou, les True Dukes sont gentils mais pas gnangnan la praline au trou du cucul, faut que les blessés de la vie saisissent aussi leur vie à pleines mains, pour les consolations vous repasserez, les Duke ne vous dorent pas la pilule, le plus dur est toujours devant soi, compter sur ses propres forces telle est la loi que les faibles doivent s’appliquer à eux-mêmes, encore un morceau à cent à l’heure, un solo de guitare démentiel au milieu, avant et après ça castagne dur, rien de tel qu’une volée d’horions pour vous insuffler l’énergie nécessaire pour survivre.  Le couperet : un fond de rythmique bluesy qui n’empêche pas les guitares de partir en fusée,  les psychologues vous expliqueront que les True Dukes évoquent un problème difficile, ne les écoutez pas, ne portent aucun jugement, ne racontent pas le pourquoi et le comment, juste l’émotion du gars sur qui tombe le couperet de la justice, qu’a-t-il fait, on ne sait pas, est-il coupable, est-il innocent, là n’est pas la question, juste le moment où le gars enquille sa privation de liberté,  tout ce qui se bouscule dans sa tête, du doute envers soi-même à la haine envers la société, tout y est, les guitares tournoient, le JYB répète ses paroles intérieures à plusieurs reprises, sur tous les tons, le constat est simple, la vie ne fait pas de cadeau, les True Dukes non plus. La rage : ce n’est pas bien d’écrire des mensonges alors je ne dirais pas que c’est un instrumental, mais l’est sûr qu’ici le frontground musical emporte le morceau. L’écrase aussi un peu le vocal qui a compris qu’il valait mieux se faire discret et laisser les copains nous écorcher à satiété les oreilles, ce n’est pas que la rage soit mauvaise conseillère, c’est qu’il est nécessaire de la maîtriser et de ne pas retourner cette arme contre soi-même. L’ennemi est partout. Même à l’intérieur de soi.

Politiclowns : après les deux introspections précédentes retour à la politique, avec un ‘’ p’’ minuscule, un titre prophétique quand on l’écoute en ces lendemains de cirque électoral,   les True Dukes n’y croient  pas, sont du côté des déviants qui mènent leur vie à la lumière de leurs rêves d’enfants, dénoncent la farce mais se revendiquent de cette attitude anarchisante qui refuse de prendre part à cette mascarade éhontée. Le titre est joliment envoyé, se termine brutalement, pas de temps à perdre, ont mieux à faire de leur vie. Black out : guitares grondantes, les Trouducs ont aussi des trous noirs, z’en sont tout fiers, ne savent pas ce qu’ils ont fait la veille, mais la vraie vie c’est ainsi (rien à voir avec un bulletin de vote glissé dans l’urne, voir le morceau précédent) joyeux, jouissif, roboratif, la vie à l’emporte-pièce, totalement assumée. Marie : comment messieurs les True Dukes, vous ne seriez pas pour la parité, seriez-vous d’immondes mâles blancs phallocrates, enfin une femme dans votre disque, on n’y croyait plus, vous vous rattrapez de justesse, en plus ils lui font une belle entrée riffique, plus un solo de basse, plus plein d’autres trucs musicalement extra, l’acclament tous en chœur, vous la couvrent de compliments (c’est moins cher que les diamants ), c’est vrai qu’elle leur ressemble un peu, qu’elle mène le même style de vie…  Dans ma rue : tiens, cèdent à leur mauvaise habitude, encore un texte politique, les esprits timorés parleront d’un douloureux problème social, s’agit de toute autre chose, de ceux qui dans la société de consommation ont une maison en carton… le groove cartonne à mort, que voulez-vous de plus, à chacun son destin… implacable.

         The True Dukes, z’ont un son plein, rond, l’a l’air de rouler tout seul, vous entraînerait au bout du monde, idem pour le vocal qui coule et vous emporte au loin, n’ont pas comme beaucoup le punk décharné, ne cherchent pas l’outrance, posent juste un regard juste sur la réalité de notre époque, tout de suite cela fait mal.

Damie Chad.

  

SUBVERSIF

C’KOI Z’ BORDEL

 Stéphane : basse & chœurs / Olivier : batterie & chant / Cyril : guitare & chant.

La macronie : intro qui débourre sec, trois coups de cymbales et c’est parti au triple galop, bienvenue en macronie, remarquez je vous laisse ma place, suis comme C’ Koi Z’ Bordel cette dictature poigne d’acier dans des gants de gluances molles me déplaît fort, les vocaux n’oublient rien les LBD, les rues barrées par les milices policières, le fric pris aux pauvres, la couverture vaccinale obligatoire, j’en passe et des pires, le clament haut et fort, sont des anarchistes, sont contre la dictature de la valeur travail et la dictature de l’ acquiescement, n’y vont pas mollo, guitare, basse et batterie engagées dans une course contre la mort programmée des libertés individuelles et sociales, un titre qui met les poings sur le I de macronie. Ce morceau est agité comme l’étamine noire qui flotte en tête des manifestations violentes. Le kepon et le psylo : ne confondez pas psylo et psycho, ce dernier est un souvent un fonctionnaire qui fait office de régulateur social, Antonin Artaud lui appréciait les champignons magiques, ceci dit même si le titre évoque les titres des fables de La Fontaine, la morale du punk qui se prépare une omelette d’eukaryota risque de blesser les esprits tempérés, en tout cas le groupe en a tiré une énergie folle et inépuisable, Olivier barate à s’en dilater la rate, la guitare de Cyril prend feu avant, pendant et après le solo, mais ce dernier mot est-il vraiment adapté à cette torrentielle cavalcade collective- surtout lorsque la basse de Stéphane se transforme en coulée de lave noire. Je ne voudrais pas les dénoncer mais je pense que l’enregistrement de ce morceau a dû impacter le taux de carbone de notre planète bien aimée et accélérer la dégradation climatique.

Face contre terre : pas de repos possible, c’est que l’on appelle une soirée arrosée, la météo n’y pour rien, une habitude partagée par bien des ethnies, le vieux fond gaulois qui remonte, boire un petit coup est agréable mais dégueuler dans sa chaussure c’est plus sûr, c’est là que l’on s’aperçoit que le nom du groupe n’est pas uniquement une critique de la société libérale, mais une expression qu’ils ont conçue spécialement pour se décrire. Un gros défaut à ce morceau, je vous mets au défi de liquider un magnum de djack avant que ne s’éteigne la dernière note. L’est trop court. Le bourreau : ralentissent le rythme sur ce morceau, bon ils ont remplacé la  guitare, elle se prend pour une scie sauteuse, le morceau mérite  l’attention, un personnage de choix, l’exécuteur des basses œuvres, donne un spectacle public, l’a le tract mais il assure, pas question d’exécuter le travail à la va-vite, faut que le patient souffre longtemps, c’est C’ Koi Z’ Bordel qui pique une crise de nerf, tous ensemble, eux qui avait adopté un rythme modéré foncent maintenant tout droit, n’en peuvent plus, lancent des anathèmes contre ce pourvoyeur de la douleur et de la mort. C’est tout ce qu’ils peuvent faire pour se soulager de leur colère et de leur haine. Le mal est déjà fait. Allez vous faire enculer bande de bâtards : déjà l’on subodore qu’ils n’ont pas piqué le titre dans une lettre de Mme de Sévigné, belle intro de guitare, la batterie prend le pas de l’éléphant, et le vocal se déploie en oriflamme de colère, c’est la vie des petites mains celles qui sont chargées des gros travaux ou des tâches fastidieuses qu’ils racontent et qui suscitent leur ire, toutes les existences étriquées des mal-payés, le morceau n’est pas bien long mais tout est dit. L’on sent que le bâton est prêt et qu’il ne manque plus que l’étincelle pour qu’il explose. Weekend punk / Quand est-ce qu’on picole ? : c’est le weekend, la musique se précipite, pas question d’en laisser perdre un milliardième de seconde, soirée punk dans les grandes largeurs, ce morceau bourrin est à entendre comme une phénoménologie de l’alcool punk, soyons sérieux, le sens de la fête est une option métaphysique.

         Dans les hautes sphères ce genre de groupe punk sera catalogué d’extrémiste. Pour une fois que nos élites énonceront une vérité nous n’allons pas les détromper. D’ailleurs avec leur pochette noire au lettrage d’un rouge subversif, ce n’est pas C’ Koi Z’ Bordel qui se fendront d’une lettre de protestation. Nous non plus, ce CD est trop bon. Excellent.

Damie Chad.

 

 

                  AN EAR OF GRAIN IN SILENCE REAPED

TELESTERION

( Juin 2022 / YT / Bandcamp)

 

Aucune autre indication. Il existe ( ou il a existé ) un autre groupe nommé Telesterion qui en 1998 a sorti un CD intitulé Hall of the Mysteries qui arbore sur sa pochette une image qui provient de la même série que celles qui ornent le CD du groupe qui nous préoccupe. C’est justement la couve de leur EP qui a sauté aux yeux du grand admirateur de l’Antiquité gréco-moderne qui, telle la chouette d’Athéna, ne ferme jamais l’œil en moi.

Deuxième étonnement : le Télestérion était un des endroits les plus importants du sanctuaire d’Eleusis, la grande salle où les participants recevaient un ‘’enseignement’’ dispensé sous forme d’exécution de rites d’initiation. Les mystères d’Eleusis sont d’autant plus mystérieux que quiconque était accusé de les dévoiler encourrait la peine de mort. Pour la petite histoire qui rejoint la grande c’est durant ces mystères que Philippe de Macédoine rencontra Olympias – le culte était ouvert aux hommes et aux femmes – Alexandre le Grand naquit de cette union. Or l’iconographie est empruntée à la Villa des Mystères, qui fut ensevelie sous les cendres du Vésuve à Pompéi. Si mythologie grecque et romaine se rejoignent la manière de les appréhender n’a jamais été similaire. La réflexion grecque n’hésitait pas à s’orienter vers la recherche de principes originels, celle des romains se concentrait davantage sur les applications sensibles.

Il est de troublantes accointances entre ce nous décryptons de la fresque de la Villa et de ce que nous supposons être la signification d’Eleusis. Ainsi il est facile de remarquer que la Villa représente des scènes liées à la vie de Bacchus alors qu’Eleusis évoque Dionysos. Or le Bacchus romain n’étant que l’incarnation nationale du Dionysos grec, un partout, balle au centre.

Il est pourtant une différence essentielle, le culte d’Eleusis trouve son origine dans Hades le dieu des morts, celui de la Villa culmine dans la proclamation de la germination vitale, entrevue dans ses applications sexuelles.

Things done : les choses accomplies : l’on retrouve le mot chose dans les trois premiers titres. C’est un vocable utile, puisque nos connaissances d’Eleusis sont en majeures parties hypothétiques il permet de nommer sans précision. Les grecs l’utilisaient aussi. Nous dirons qu’ici Things signifie actes. Le morceau se déploie majestueusement, une rythmique de marche lente mais affirmée, s’élève bientôt une mélodie qui serpente longuement jusqu’au moment où des choeurs la remplacent, l’on imagine facilement la foule des processionnaires qui partaient à pied d’Athènes vers Eleusis, les voix indistinctes qui psalmodient donnent une idée de la ferveur religieuse et la mélodie keyboardiste qui reprend marque l’élan spirituel qui poussaient nos impétrants vers le sanctuaire. Mais tout se calme, le bruit cesse, un coup sec impose le silence. Things shown : les choses montrées : c’est dans ce deuxième titre que le mot chose prend sa dimension la plus objective. Lors des mystères d’Eleusis l’on présentait aux initiés un panier dans lequel se trouvait la révélation ultime : un épi de blé. Car le grain enfoui dans la terre éclate et disparaît ( mort) pour donner naissance à un épi ( vie ). Au cours des cérémonies il semble que l’on dévoilait un autre objet, un olisbos, lecteurs et lectrices ne dites pas que vous n'avez pas de dictionnaire de grec, cet engin n’était autre qu’un phallus fièrement dressé symbole du principe germinatif de la vie. Rythmes d’entrée saccadés, qui prend aux tripes, des chœurs cette fois-ci à dominante féminine s’élèvent, nous sommes aux moments les plus importants ceux de la révélation, la musique devient plus large, l’on entend comme le bruit des vagues de la mer amère qui frange d’écume la terre, la voix d’une prêtresse s’élève et prononce des mots que nous ne comprenons pas, le son s’éloigne comme s’il tournait autour de lui-même, il revient plus fort, nous sommes aux instants cruciaux du dévoilement, une sorte d’écho tente de traduire le choc révélatif qui doit se passer dans les neurones des prosélytes, ce saut qualitatif qui permet de passer de la vision d’objets usuels à la force opératoire de leur compréhension symbolique. Things said : choses dites : autrement dit les paroles sacrées, sans doute des formules relativement courtes qui résumaient en quelques mots subtilement et euphoniquement agencés – un peu comme les mantras indiens – l’enseignement révélé. Malheur à celui qui les prononcerait en public. Ces formules ne nous sont pas parvenues… Des sons comme des ondes qui se déplacent, volent au loin, à l’intérieur de vous car ils ne sont pas fait pour voyager dans le monde mais pour raisonner, et la machine se met en route, l’on n’entend pas les mots mais l’instrumentalité les propage, sont des diamants irradiants auxquels l’écrin maintenant ajouté des chœurs ne fait pas écran mais accentue leur luminosité, le morceau file vers son apogée, l’en devient grandiloquente, le rythme de la batterie s’accélère tout en gardant une solennité  mystique, illimitée vers les confins du silence. The Rharian field : le champ rharian : sur l’injonction de Déméter ce champ situé à Eleusis fut le premier à être ensemencé de grains de blé et à donner la première récolte. C’est ainsi que l’agriculture fut enseignée aux hommes par Déméter déesse de la terre et des moissons. Hades séduit par la beauté de Koré la fille de Déméter l’enleva et l’emmena pour épouse dans le royaume souterrain des Enfers où elle prit le nom de Perséphone. Déméter se plaignit à Zeus qui décréta que Koré passerait les mois d’hiver avec son mari sous la terre et le reste de l’année sur la terre en compagnie de sa maman. L’analogie avec le grain de blé est évidente…des notes en giclées de grêles que relaie une orchestration luxuriante, les principes sont acquis, le triomphe de l’âme est assuré les chœurs chantent la délivrance de l’angoisse, une joie incoercible chasse les peurs inutiles, la musique par sa beauté étincelante tente de traduire le confort d’esprit que procure l’initiation, rien n’a changé, mais l’individu s’est assimilé le cycle de la vie et la mort. Clarté et apaisement prennent le pouvoir, la musique baisse et disparaît il n’en n’est plus besoin. Elle n’a été qu’une démarche vers la plénitude d’une plus grande transparence. An ear of grain in silence reaped, nous traduirons un épi de blé dans le silence de la moisson.

         Les mystères ne se livrent pas facilement. Telesterion nous en a offert une interprétation – un commentaire préfèreraient dire les anciens Grecs  - musicale, ils nous en offrent une autre qui n’est pas de leur cru en reprenant sur leur CD quatre images issues de la fresque de la Villa des Mystères de Pompéi. Quel rapport existe-t-il entre la Déméter d’Eleusis et le Bacchus romain. Le trait d’union c’est évidemment Dionysos ( = Bacchus ). Dionysos fils de Zeus et de la mortelle Sémélé sera par ordre d’Héra l’épouse jalouse de Zeus déchiré en lambeaux sanglants par les géants. Zeus recollera les morceaux (c’est le cas de le dire) et lui confèrera l’immortalité. Le lecteur fera de lui-même la relation avec le grain de blé dont l’enfouissement et la décomposition dans la terre provoquera la naissance de l’épi, la mort du héros a engendré l’apparition du dieu.   

          La fresque est comme une bande dessinée dont on aurait supprimé les bulles et dont on ignore l’ordre de lecture des images. Très prosaïquement on peut la décrire comme le récit de la vie d’une femme, qui commencerait par les préparatifs du mariage, la fête (présence du vin et de Dionysos ) la défloration ( très symbolique ), la maîtresse de maison souveraine en sa demeure, la fierté de la mère devant les progrès ‘’scolaires’’ de son enfant.

         D’autres interprétations existent. Elle se chevauchent, oscillent entre la précédente très terre à terre et une représentation de l’histoire de Dionysos. Aucune n’est totalement pertinente. Je profite de l’occasion pour présenter très rapidement la mienne, très fragile, renforcée par la présence de la statue de Livie sur le site. Si la fresque est si difficile à interpréter c’est parce qu’elle est codée et que les dessins ne représentent pas les scènes qu’ils illustrent. La statue de Livie, la femme d’Auguste n’est pas là par hasard. Sans doute marmorérait-elle une toute autre personne. La tête de Livie a été rajoutée après coup, un peu comme un paratonnerre pour éviter non pas la foudre de Zeus, mais celle beaucoup plus dangereuse d’Auguste. Se mettre sous la protection de l’épouse de l’Empereur pouvait se révéler une sage précaution, surtout lorsque Auguste s’en est pris aux cultes orientaux qui florissaient dans Rome, par exemple celui d’Isis. Ainsi toute une partie des motifs de la décoration du reste de la villa est inspirée par l’Egypte. Une des hypothèses retenues pour expliquer l’exil du poëte Ovide à l’autre bout de l’Empire serait sa participation à une célébration orphique.  Je me demande si sous le couvert d’une représentation d’Homère (avec la lyre) le sujet initial n’était pas destiné au travers de certains poëtes comme Sapho une espèce d’évocation de la poésie sous laquelle se profilait le personnage d’Orphée. Il se peut que lors de la proclamation des édits augustéens la fresque en cours d’élaboration ait été prudemment modifiée. Il se trouve que les quatre vues choisies par Telesterion sont celles qui corroborent le mieux mon hypothèse…   ( Image 1 : le vin de la poésie, Image 2 : Sappho, Image 3 : lecture de la poésie, Image 4 : Homère ). Poésie et musique ne naissent-elles pas du silence. Comme l’épi du grain.

Damie Chad.

 

*

Lorsque l’on tient un groupe américain qui parle et même chante  en français, on ne le lâche pas des yeux, souvent je fais un tour sur le FB de Forêt Endormie ( non, je n’ai pas traduit leur nom ), vont bien, donnent quelques concerts, mais n’ont pas forniqué un petit frère à leur album Une voile déchirée que nous avions chroniqué le 06 / 05 /2021 dans notre livraison 509 + autre chronique in livraison 515 le 17 06 / 2021  ne les accusez pas de paresse, Jordan Guerette qui a formé Forêt Endormie, participe aussi à Falls of Raucos qui a sorti un nouvel opus, que je décide aussi sec de chroniquer, mais – dans les plus belles histoires il y a toujours un mais – me rendant sur leur Bandcamp, je m’aperçois qu’ils ont déjà à leur actif une dizaine d’albums, dont un, l’avant-dernier, dont le titre tilte en moi, vous trouverez donc d’abord la chronique de celui-ci.

 PATTERNS IN MYTHOLOGIE

FALLS OF RAUROS

( Juillet 2019 )

 Evan Lovely : basse / Jordan Guerette : vocal, guitars, keyboard / Ray Capizzo : drums / Aaron Charles : vocal, guitars.

Détournements : instrumental. Ouverture wagnérienne, écroulements de guitare et surgissement du leitmotiv de la tristesse ou de la nostalgie ou de l’impuissance de l’esprit devant le cours et l’effondrement des choses. Le morceau se finit en queue de poisson on attend un final grandiose, mais non une espèce de grincement qui s’étire non pas pour s’éteindre mais pour culminer dans la violence déchaînée de Weapons of refusal : les dieux sont morts depuis longtemps, Falls of Rauros ne fait allusion à aucune des anciennes mythologies, il y a longtemps que les hommes les ont troquées contre de nouveaux modèles, vous les connaissez tous, ils ne reposent sur aucun récit antérieur, ce sont les chaînes mentales qui régissent notre présent qui correspondent aux comportements de tout un chacun englué dans notre sinistre modernité, c’est pour cela que le leitmotiv du désespoir inéluctable et du regret impossible interrompt parfois l’éruption de colère intransigeante portée par  le vocal, le côté black death metal se marie à merveille à la présence obsédante de cette mélodie du désenchantement qui puise ses racines aussi bien dans la ténuité d’une guitare folk que dans des arrangements à caractère symphonique, n’empêche que le chant se déploie telle une prophétie de haine et de destruction, il n’y aura ni repos ni pitié, les temps ne sont pas à la contemplation. New inertia : une guitare seule, méfiez-vous, elle chantonne doucement et derrière elle monte un blues balladif qui retient votre attention, vous vous arrêtez pour l’écouter, la voix grogne, elle vous explique que ce n’est que du faux-semblant, que le présent possède aussi un visage que l’on aime contempler, il dit calme, luxe et beauté, ils parle d’intelligence mais si vous tentez de gratter l’écaille le système sera sans pitié, vous mettra hors d’état de lui nuire, et dès que la voix se tait les notes douces et ensorcelantes reprennent le dessus et vous mènent par la main, ça scintille, ça miroite, le poignard du vocal se plante en vous pour vous réveiller, le piège renaît sans cesse, autant de fois vous le briserez, et la musique se fait vague destructrice pour vous aider, mais les remparts qu’elle essaie d’abattre tiennent bon, vous n’êtes pas encore sorti de l’auberge du désespoir… Renouvellement : en plein dans la mouise, roulements implacables de la batterie, c’est pourtant ce qu’Heidegger appelait le retournement, l’instant où la route de la pensée tourne pour emprunter une direction opposée à celle qu’elle semblait avoir choisie, l’accompagnement prend une ampleur nouvelle, ce qui n’empêche pas que la joie est absente, que nous sommes au point crucial, mais que rien n’est gagné. Le vocal est en français. Last empty tradition : l’ampleur de la tâche, qui nous nargue, plus on s’approche pour briser les cadres de l’actuelle mythologie qui nous emprisonne, plus elle paraît invincible, détient mille ruses pour nous réduire à l’impuissance, le vocal fronce la voix comme un taureau qui croise ses cornes avec son ennemi, longtemps le combat reste indécis, la musique piétine, fait du surplace, ondes vibratoires pour relancer la machine, toute mythologie renferme une autre mythologie, la forteresse possède une autre enceinte et ainsi de suite, c’est l’assaut, celui qui doit emporter le morceau, impulsion ultime celle de la dernière chance, il semble que l’ennemi recule, qu’il cède, que la place est libre. Memory at night : était-ce un rêve ou un épisode du cauchemar, quelque chose a-t-il changé, comme la plus belle fille du monde le groupe donne tout ce qu’il peut, n'empêche qu’il est rongé par le doute, et si la mythologie oppressive n’était pas au-dehors mais au-dedans, que c’est l’homme qui la sécrète comme l’escargot sa bave, peut-être est-ce déjà une victoire de s’en être aperçu, peut-être le doute est-il un hymne à la joie, la seule délivrance possible, peut-être ne ferons-nous pas mieux, maintenant au moins nous savons, ce qui est terrible c’est que la perte de l’ignorance ne débouche que sur une incertaine vérité à laquelle on se refuse déjà de croire. L’on n’en est pas plus avancé pour autant, tout ce l’on a appris c’est que nous appartenons à une espèce précaire dont l’esprit vacille.

KEY TO A VANISHING  FUTURE

FALLS OF RAUROS

( Mars 2022 /

La différence entre les deux pochettes est éloquente. Celle de Patterns of mythologie dégage une certaine puissance, même si ces vagues qui se brisent sur le rivage en des tourbillons d’écume insistent sur l’inéluctabilité du phénomène, une deuxième lame est là pour la remplacer, et une fois écroulée une autre surgira encore et encore, vous ne brisez les chaînes d’une mythologie que pour vous retrouver dans les fers d’une autre, et votre malheur se répètera ad vitam aeternam. Mais ce recommencement éternel laisse subsister l’espoir insensé qu’une fois il serait possible que vous échapperiez à cette prison perpétuelle. A croire qu’un autre futur est possible…

La couve de Key to a vanishing future dont le titre laisse déjà présager que le futur est incertain, ne vous laisse pas un seul d’espoir. Nous sommes au sommet d’une montagne enneigée, seuls poussent ces sapins sempervirens que l’on plante dans les cimetières (quelle ironie funèbre) pour symboliser l’éternité alors que leur bois sont tirées les planches de nos cercueils… brrr !, quant à la clef on vous l’offre au premier plan, tordue, cassée, incapable d’ouvrir la porte du futur évanoui que l’on ne vous promet pas…

Clarity : l’on ne s’attend pas à quelque chose de gai, de fait l’ambiance est plutôt lugubre, l’album a été composé durant le confinement, le moral n’était pas au beau fixe et la prospective peu engageante, la clarté évoquée n’est pas celle du soleil levant, c’est celle de la lucidité du désespoir, une vision nihiliste du monde et de l’être humain, la voix éraillée, la musique semble courir à sa propre fin, à sa propre perte, pratiquement en apesanteur, légère et comme en train de se désagréger, vocal désenchanté de loup enrhumé qui ne parvient pas à hurler à la lune, gorge en extinction. Silence brutal. Que dire de plus. Rien. Desert of heart : ce n’est pas fini, puisque la promesse du monde s’amenuise, le riff tourne en boucle, la basse tressaute comme un vinyle écorché, la voix glapit et vaticine sur la seule dimension accessible à sa connaissance, la désespérance des hommes, leur esprit tari, la sécheresse des sentiments, le titre s’épanche se transforme en hymne de défaite, lorsque l’on a tout perdu, il ne reste que l’orgueil d’avoir été vaincu, peut-être est-cela la débâcle totale de l’être humain, la nullité de la vanité, l’ortie de la médiocrité pullule dans notre cœur, pas de quoi en être fier, mais l’on se doit de faire avec ce que l’on a. Qui équivaut à ce que l’on n’a pas.  Survival poem : quand on n’a rien  pour vivre, comme dit Rilke qui m’entendrait parmi les anges si je criais, il reste à survivre, un background qui essaie de donner l’apparence qu’il ne rampe dans la boue des désillusions que pour donner l’illusion de monter vers les sphères célestes, pour le vocal il ressemble plutôt aux vomissures excrémentielles de Satan au fond de l’abîme, alors les guitares et tout le bataclan essaient de repeindre la guimbarde sans moteur de couleurs flashantes, il faut bien donner rendez-vous à l’improbable si vous voulez qu’il survienne, certes ce n’est pas la carmagnole mais pas non plus la torgnole pour éteindre la bougie de l’être. Known world narrows : ce n’est pas parce que l’on est parvenu à rester vivant que le monde est devenu beau et grand, les cordes chantonnent le clavier carillonne en cachette, mais pas pour  longtemps, nous voici, le vocal nous prévient, face à l’étendue du désastre, s’il est une échappée possible peut-être réside-telle dans ces parties du monde que nous ne percevons pas, un peu comme si nous regardions que la face obscure de la lune et que nous ignorions son envers lumineux, la basse riffe plus grave pour nous avertir que ces sortes de raisonnements constituent ce que l’on appelle la consolation du pauvre, n’empêche que le background devient lyrique, pas optimiste, ni festif, mais enfin un tout petit peu entraînant. La clef est cassée mais l’on a récupéré les deux morceaux. Ce n’est pas si mal. On a déjà traversé pire. Daggers in floodlight : changement de rythme, plus marqué, davantage affirmé, avec des suspensions, c’est que si vous éteignez la lumière, vous êtes dans le noir, mais au moins vous êtes surs qu’elle existe quelque part, c’est cette bivalence, cette ambivalence que nous conte Falls of Rauros, belle prestation vocale l’on dirait qu’elle se bat avec elle-même et que la batterie lui flagelle la langue, soit pour l’arrêter de trop  parler, soit pour qu’elle se presse d’annoncer la bonne nouvelle, l’on ne sait pas trop, l’on reste un peu le cul entre deux chaises inconfortables, parfois l’on croirait déceler un sentiment de joie allègre et parfois la batterie imite la démarche titubante du dromadaire perdu dans le désert, qui meurt de soif et entre en agonie, manque de chance le voici couché dans le sable, qui s’infiltre dans ses naseaux, derniers spasmes de guitare. Poverty hymn : hymne de la pauvreté, nous parlions tout à l’heure de Rilke, n’a-t-il pas écrit Le livre de la pauvreté et de la mort qui est à comprendre comme un idéal, un effort de vie, la musique triomphe, elle devient hymne à la douleur, un peu retenue mais d’autant plus altière qu’elle vient de très bas, certes la clef cassée est inutilisable mais qui nous dit que la porte est fermée à clef, et qu’il n'est pas interdit  d' enfoncer les portes ouvertes, et que si le futur n’existe pas, il reste l’ éternel présent du vouloir survivre. Sans illusion, avec ce que l’on n’aura jamais. (Très belle vidéo sur YT ).

         Magnifique !

Damie Chad.

CHRONIQUES DE POURPRE 560 : KR'TNT 560 : FREDA PAYNE / ROCKABILLY GENERATION NEWS / MICHAEL DES BARRES / ROZETTA JOHNSON / FULL MOON CATS / T-BECKER TRIO / FUZZY DICE / BURNING SISTER / ALICIA F ! / PHILIPPE MANOEUVRE

KR'TNT !

KEEP ROCKIN’ TIL NEXT TIME

LIVRAISON 560

A ROCKLIT PRODUCTION

SINCE 2009

FB : KR’TNT KR’TNT

20 / 06 / 2022

FREDA PAYNE / ROCKABILLY GENERATION NEWS

MICHAEL DES BARRES / ROZETTA JOHNSON

 FULL MOON CATS / T-BECKER TRIO  

FUZZY DICE / BURNING SISTER

ALICIA F ! / PHILIPPE MANOEUVRE

 

Sur ce site : livraisons 318 – 560

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À chaque jour suffit sa Payne

 

         Quand Freda Payne, bien aidée par Mark Bego, publie son autobio, que fait-on ? On la lit. Pourquoi ? Parce que Detroit. Parce qu’Invictus. Parce que mystérieuse. Parce que Soul Sister. Parce que très belle femme. L’image qui orne la couve est une chose, mais elle n’est rien en comparaison de celle qu’on trouve en quatrième de couverture. C’est l’une des très belles femmes de l’histoire de la Soul. Oh et puis ce corps extraordinairement bandant qu’elle met en scène sur la pochette de Reaching Out, paru sur Invictus en 1973, la voilà dans l’eau jusqu’à mi-cuisses, elle porte un bikini rose qui ne cache rien de ses formes, elle a un corps parfait, alors on comprend qu’un bon paquet de lascars soient partis à sa conquête, car se retrouver au fond d’un lit avec Freda, ça devait être quelque chose d’intéressant. Parmi ses chéris les plus connus, Freda cite Berry Gordy, Quincy Jones et Eddie Holland. Pas mal, non ?

         On approche surtout ce book dans l’espoir d’y trouver tout ce qu’on ne sait pas encore sur Invictus, le label monté par le trio Holland/Dozier/Holland qui après s’être fâché avec Berry Gordy, s’est lancé dans l’aventure d’un label indépendant. L’autobio d’Eddie et Brian Holland saluée ici au mois de décembre 2021 (Come And Get These Memories) en disait long sur Invictus mais nous laissait quand même un peu sur notre faim. On n’apprenait pas grand-chose sur McKinley Jackson et les artistes signés par le label, comme General Jackson & The Chairmen Of The Board, c’est-à-dire Danny Woods et Harrison Kennedy, et puis aussi 100 Proof Aged In Soul, 8th Day, Glass House et Eloise Laws. Quand une autobio est bien foutue, on entre dans les endroits et on touche la réalité du doigt. Les frères Holland parlaient plus de Berry Gordy et de Motown que d’Invictus. On aura le même problème avec Freda qui fait partie des gens simples qui sont obnubilés par les fastes et la célébrité. Freda en pince pour ce que les gens appellent de nos jours les people, alors elle fait des petites brochettes de noms célèbres qui coupent un peu l’appétit, car ça flirte avec l’emputasserie conventionnelle. C’est un risque qu’on ne court pas lorsqu’on lit Lanegan.

         Si Freda signe avec Invictus, c’est parce qu’elle vient de rater deux belles occasions : un contrat chez Motown et un autre comme chanteuse dans l’orchestre de Duke Elington, car Freda est avant toute chose une chanteuse de jazz. Eddie Holland va la signer parce qu’il savait que Berry Gordy la voulait absolument. Elle est très tôt dans les pattes de Gordy. Elle raconte notamment un voyage qu’ils font à cinq en bagnole pour aller voir chanter Little Willie John à l’Apollo de Harlem. Dans la bagnole, il y a Gordy et George Kelly devant, et derrière, Freda, sa sœur Scherrie et leur mère à toutes les deux. C’est d’ailleurs la mère qui supervise les contrats et qui les fait foirer. Gordy est proche de Little Willie John, car il est le frangin de Mable John, l’une des premières Soul Sisters que Gordy ait enregistré à Detroit et qui fait donc partie des pionnières.

         Alors c’est Mama Payne qui examine le contrat que leur présente Berry Gordy et elle commence à chipoter sur les pourcentages mentionnés, elle voit que Berry prend 20 % et l’agent 10 %. Elle demande qui paye les robes, les hôtels et les billets d’avion et quand Gordy répond que c’est sa fille, Mama Payne lui répond du tac au tac : «Alors, il ne lui reste pas grand-chose !». Gordy commence à s’énerver et indique que le Colonel Parker ramasse 50 % du blé d’Elvis. Mais Mama Payne ne bronche pas. Comme Gordy ne cède pas non plus, on arrête les frais. Gordy range son papelard. Il voulait une petite poule pour lancer Motown, alors il va voir ailleurs, et il va signer Mary Wells à la place de Freda. Côté mâle, Gordy vient de signer l’excellent Marv Johnson. À l’époque, Freda rencontre aussi Smokey Robinson et sa femme Claudette, ainsi que les trois autres membres des Miracles. Les frères Holland sont là aussi, dès le début.

         Freda nous explique qu’en fait Berry Gordy avait une réputation de coureur de jupons et Mama Payne voulait protéger sa fille. Mais Gordy est un grand garçon, il va vite passer du stade de coureur de jupons à celui de starmaker et faire du gros business. Devenue amie avec Mary Wilson, Freda connaît bien les tenants et les aboutissants de l’histoire des Supremes. Elle sait que Florence Ballard avait du caractère et qu’elle ne pouvait pas s’entendre avec Berry Gordy, car il était trop autoritaire. Freda qualifie Gordy de control freak - It is either his way or the highway - Elle raconte un peu plus loin qu’elle vivait à Manchester au moment où The Motown Revue tournait en Angleterre avec Little Stevie Wonder, Smokey Robinson & The Miracles, Martha Reeves & The Vandella et Jr Walker. Quand Gordy apprend que Freda est aussi à Manchester, il lui demande s’il peut la voir, ils papotent dans sa chambre, puis Gordy se fait plus flirtarious et bien sûr Freda finit par se faire sauter - Berry kinda talked me into it - Il peut être très persuasif, dit-elle. Alors elle cède. Elle insiste bien pour dire qu’il ne l’a pas forcée. Elle se méfie des procès - And we made love at my hotel - Puis Gordy propose une nouvelle fois un contrat à Freda. Elle soumet le contrat à son avocat, qui veut faire une ou deux modifications. Quand Gordy la rappelle, il lui dit qu’il ne fait aucune modification - First of all: nobody changes my contracts - Alors Freda dit qu’elle sait qu’il l’a fait pour les Four Tops, et Gordy répond que c’est différent, car Levi Stubbs est un ami. Et donc il préfère en rester là avec Freda. Restons bons amis. Pas de biz. Freda pense aussi que ça aurait de toute façon posé des problèmes avec Diana Ross si elle avait accepté de signer. Elles auraient été en conflit direct. Plus tard, Freda apprend de la bouche de Mary Wilson que Gordy dit du mal d’elle. En fait, Gordy ne supporte pas les gens qui chipotent. Toujours le fameux «my way» or «no way». C’est comme ça et pas autrement. T’es pas content ? Dehors ! Beaucoup plus tard, à Las Vegas, on présente Gordy à Freda et Freda dit qu’elle le connaît déjà. Ah bon ?, font les gens. Elle répond : «I know him from Detroit.» Et Gordy se marre : «She knows me quite well.» Alors ça pique la curiosité des gens qui demandent ce que veut dire le quite well, et Berry explique : «Je connais Freda depuis qu’elle est adolescente. She was my first female protégée. I saw in her what I needed to do.» C’est un bel hommage.

         Quand Freda chante avec l’orchestre de Duke Elington, elle est encore mineure. Mama Payne veille sur ses intérêts et en lisant le contrat que finit par lui présenter Duke, elle demande qu’il réajuste le salaire de sa fille, puisqu’elle a déjà tourné partout aux États-Unis et qu’elle va devenir une star. Elle demande de monter à $3,000.00 ou $4,000.00 et Duke rompt les négociations : «Just forget about it.» Terminé. Avec Mama Payne, ça paye pas à tous les coups.

         Freda devient aussi copine avec Miriam Makeba qui allait épouser le trompettiste Hugh Masekela et plus tard l’activiste Stokely Carmichael. Quand elle quitte Detroit pour venir s’installer à New York, elle rencontre Quincy Jones et vit une belle histoire d’amour avec lui - He was definitively one of the loves of my life. He was so young and handsome - Méchante veinarde ! Et bien sûr, Quincy fait chanter Freda à l’Apollo de Harlem. Là, elle nage en plein rêve.

         Pendant sa période new-yorkaise, Freda vit en coloc à Central Park West avec une amie et un jour un copain l’appelle pour lui dire qu’on cherche à la joindre. Ah bon ? Il dit qu’il te connaît de Detroit. C’est qui ? Brian Holland ! Mais oui c’est vrai, on est allés au lycée ensemble. Elle le prend au téléphone et Brian lui explique qu’Eddie et lui ont quitté Motown pour monter Invictus. Il lui demande ce qu’elle fait et comme elle ne fait rien de particulier, il lui propose de venir à Detroit signer un contrat chez Invictus. Cette fois, elle n’hésite pas. Mama Payne n’est pas dans le coin. Elle signe sans avoir lu, pour être sûre de ne pas foirer son coup, comme avec Motown et Duke. Et pouf c’est parti ! Elle revient s’installer chez ses parents et Ron Dunbar vient la chercher chaque matin pour l’emmener au studio, sur Grand River Boulevard. C’est le fameux Holland/Dozier/Holland Sound Studio installé dans un théâtre. Comme ingés-son, Holland/Dozier/Holland ont récupéré Lawrence Horn et Barney Perkins, qui eux aussi ont bossé chez Motown. Freda enregistre «Band Of Gold» qui est crédité Dunbar et Wayne mais qui en réalité est du Holland/Dozier/Holland, mais ils ne peuvent pas signer de crédits tant qu’ils sont engagés dans une procédure judiciaire contre Motown. Freda évoque aussi le producteur Tony Camillo. Tony dit avoir composé la musique de «Band Of Gold», mais il n’apparaît pas non plus dans les crédits, parce qu’il avait refusé de signer avec Eddie Holland un contrat qui le liait pour sept ans, Avec «Band Of Gold», Freda décroche le jackpot et devient célèbre. Elle entame une relation amoureuse avec Eddie - Eddie Holland? What the heck? - Mais les choses vont vite se gâter. Freda est une star, mais elle ne voit pas de compensation financière. Pas d’avance à la signature, pas de royalties, alors elle comprend qu’elle doit se faire la cerise. Elle pensait qu’Holland/Dozier/Holland avaient tiré des enseignements de leur expérience chez Motown, mais dit-elle, ils répétaient exactement les mêmes erreurs.

         Freda enregistre trois albums sur Invictus, à commencer par Band Of Gold en 1970. Avec le morceau titre, Holland/Dozier/Holland lui donnent un superbe hit Motown, lourd de conséquences et de gros popotin, gorgé d’aplomb et de rage contenue. Comme l’indique Freda, le cut est effectivement crédité Ron Dunbar. C’est du pur Motown Sound, et Freda chante d’une voix de rêve. Avec «Rock Me In The Craddle», elle règne sur la terre comme au ciel et «Unhooked Generation» vaut bien des early hits de Stevie Wonder, c’est pas loin d’«I Was Made To Love Her». Tous les cuts de l’album sont soignés, ce ne sont que des grosses compos. Elle monte bien en neige le «The World Don’t Give You A Thing» signé Holland/Dozier, et elle revient nous enchanter avec «Happy Heart», une merveille de Soul magique violonnée comme il se doit.

         Paru l’année suivante, Contact est un peu moins dense. Il semble que cet album soit conçu comme une comédie musicale. C’est très orchestré avec du narratif intempestif. Ça bascule dans l’hollywoodien. Elle fait un tout petit peu de Motown avec «You Brought Me The Joy» et casse la baraque en fin d’A avec «You’ve Got To Love Somebody (Let It Be Me)», qui sonne comme du Motown de l’âge d’or. Elle monte en B au sommet de son chat perché pour «I Shall Not Be Moved», elle sait parfaitement pousser son Motown dans les orties. Freda est terriblement savoureuse. Et dans «Mama’s Gone», on retrouve le filet mélodique du «Patches» de General Johnson. 

         Dernier shoot d’Invictus en 1973 avec Reaching Out. Elle attaque l’album avec une belle Soul de sexe chaud, à l’image de la pochette. Corps de rêve. Toute l’A est consacrée au sexe chaud. Les affaires reprennent en B avec «We’re Gotta Find A Way Back To Love», big Soul de prestige, tout est là, l’ambiance, le swing, la voix, la classe, c’est à se damner pour l’éternité. Elle reste dans la Soul de satin jaune avec «Rainy Days & Mondays» - Rainy days & mondays/ Always get me down - Avec Freda, le trio Holland/Dozier/Holland tenait une très grande artiste. Elle tape à la suite dans l’«If You Go Away» de Jacques Brel, elle en fait une version honorable mais pas aussi définitive que celle de Scott Walker. Elle le chante pourtant à pleine gorge. Elle finit en classic Motown Sound avec «Right Back Where I Started From», elle tape ça au gros popotin, à la suprêmo des Supremes, Freda fait sa Ross quand elle veut, avec tout le gros chien de sa petite chienne.

         Quand Freda quitte Invictus en 1973, elle signe avec ABC/Dunhill Records à Los Angeles. Lamont Dozier débarque aussi chez ABC et y enregistre deux albums, Out Here On My Own et Black Bach. McKinley Jackson produit le premier album de Freda chez ABC, Payne & Pleasure et bien sûr, Lamont Dozier compose pour elle des hits magiques, comme l’«It’s Yours To Have» d’ouverture de balda. Une vraie merveille de Soul californienne et on peut faire confiance à Freda, elle sait monter au front. On la voit encore défendre sa Soul pied à pied dans «Didn’t I Tell You», elle reste systématiquement dans le haut de gamme. À voir la pochette, on pourrait penser que Freda est tombée dans le panneau des Diskö Queens, pas du tout, elle tape des fantastiques balladifs de Soul, comme cet «I Get Carried Away» dûment violonné par McKinley Jackson. Grosse présence effective, avec un son différent de celui de Motown. Lamont Dozier compose aussi «Don’t Wanna Be Left Out», une belle Soul de grande insistance, elle ne s’accorde aucun répit, la Freda - Don’t wanna be left out/ in the cold baby - Encore un fantastique balladif en B avec «I Won’t Last A Day», elle chante par dessus les toits de la Californie et elle termine cet album magnifique avec l’«A Song For You» de Tonton Leon, elle le jazze comme le ferait Sarah Vaughan, elle ruisselle de feeling, elle est hallucinante de virtuosité vocale. 

         L’année suivante, elle enregistre Out Of Payne Comes Love. Le hit de l’album se trouve en B : «(See Me) One Last Time», un slowah d’inspiration divine, avec des accents de Jimmy Webb et des attaques qui renvoient à «Tell Me Like It Is». L’autre gros coup de l’album est un r’n’b signé Ashford & Simpson, «Keep It Coming». C’est quasi-Stax, pas de problème, elle est dessus, elle est au-devant du mix. «You» vaut aussi pour un joli You d’inspiration divine. On reste ici dans la Soul classique de Detroit, c’est très beau, très pur, à l’image de ce God bless you. Avec «Lost In Love», elle tape un groove de good time music. Freda est l’artiste parfaite, intense quand il le faut et apte à groover sur Coconut Beach. Elle termine avec une shoot de Soul pop très sophistiquée, «Million Dollar Horse», une Soul pop très ambitieuse, qui ne mégote pas sur les investissements qui ne recule devant aucun obstacle. C’est très Jimmy Webb comme projet, elle capte l’attention, et elle impressionne au plus haut point.

         Puis Freda se retrouve devant un sacré dilemme : on lui propose deux contrats, l’un chez Philadelphia International Records avec Gamble & Huff et l’autre chez Capitol. Le premier a les O’Jays, Harold Melvin & The Blue Notes, The Third Degrees, le deuxième a Nathalie Cole, le Steve Miller Band, Glen Campbell, Paul McCartney & Wings et Frank Sinatra. En plus Capitol propose plus de blé, alors Freda va chez Capitol. Sacrée Freda, elle a fini par apprendre à ne pas perdre le Nord.

Signé : Cazengler, peigne-cul

Marc Bego & Freda Payne. Band Of Gold. Yorkshire Publishing 2021

Freda Payne. Band Of Gold. Invictus 1970

Freda Payne. Contact. Invictus 1971

Freda Payne. Reaching Out. Invictus 1973

Freda Payne. Payne & Pleasure. Dunhill 1974

Freda Payne. Out Of Payne Comes Love. ABC Records 1975

 

 

Talking ‘Bout My Generation - Part Six

 

         La Suissesse Lily Moe est en couve du n°20 de Rockabilly Generation. Très beaux tatouages. Comme toujours, l’icono qui fait la loi dans ce canard nous en met plein la vue. L’esthétique rockab est l’une des dernières grandes esthétiques du rock system et c’est bien qu’un petit canard puisse la célébrer en lui donnant autant de place. En plus des tatouages, Lily Moe a deux très beaux albums under the belt.

         Ça swingue chez Lily Moe & The Barnyard Stompers ! On peut même parler de big swing action, elle chante à la revancharde, elle te tombe dessus au dancing show, elle peut faire sa gutturale et passer comme une lettre dans ta poste. Il faut la voir se mettre en pétard dans «Ripple The Tripple» ! C’est avec «Hey Little Boy» qu’elle trouve sa distance et les Barnyard Stompers swinguent comme des bêtes de bop, alors elle est en confiance, et encore plus en confiance dans «Ho Ho Ho», un vrai chaudron de swing. Les Stompers tapent un instro de swing faramineux avec «Baked Potatoes». Avec «Why Don’t You Hold Me Back», ils passent au swing de jazz, et cette fabuleuse poulette tatouée s’y colle, avec tout le chien de sa petite chienne, ouaf-ouaf-ouaf-ouaf ! Elle passe au wild drive de fifties sound avec «I’m A Wine Drinker», elle ne lâche rien, elle croque la vie à belles dents et plus loin, on la voit charger la barque du heavy jump avec «Mama He Treats Your Daughter Mean», elle s’y plaint, son mec se conduit mal avec elle - Mama he takes my money - elle a raison de se plaindre, des fois les mecs sont des vrais cons, alors elle perd la boule, he drives me crazy.

         En 2018, Miss Lily Moe enregistre un deuxième album, Wine Is Fine. Joli titre. Mais attention au gros nez rouge. Dès «Daddy You Can’t Come Back», elle swingue son swing au boo boo ! Avec ses deux étoiles tatouées sur les épaules, Lily Moe est une grande dame du swing, elle y va au doux d’entre-deux, suivie par un solo de sax. Encore du pur jus de swing avec «Rockin’ On A Saturday Night». Elle règne sur son petit empire de groove de swing, rocking with my babe, grosse énergie ! Solo de jazz swing, et la pauvre Lily sonne comme une cerise perdue là-haut sur le gâtö. Tout sur cet album est à la fois ultra-joué et ultra-chanté. Elle revient à son cher swing avec «Sammy The Rabbit», elle est partout à l’intérieur du cut, elle chante au petit sucre candy. Encore une petite merveille avec le morceau titre, elle nage dans l’excellence du wine, elle te swingue tout ça au retour de manivelle. Elle termine avec un «Find Me A Baby Tonight» assez engagé, elle perd le raw mais tape ça aux fusées de baby tonight.

         On retrouve Marlow le marlou en couve du n°21 de Rockabilly Generation. Il y raconte à tombeau ouvert l’aventure de sa vie, une vie vouée au rock. On ne pourrait pas imaginer plus vouée que cette vie-là, d’autant qu’il la narre au présent, à la manière anglo-saxone, il est dans l’action et le temps de l’action, c’est le présent. Non seulement son voué de vie grouille d’action, mais elle grouille de gens, de projets, de groupes, de concerts, de tous les détails qui font le vrai du voué, un vrai qui ne s’invente pas, alors ça devient palpitant, car c’est extrêmement bien écrit. Tous les fans de rock rêvent d’avoir vécu un tel voué, avec une telle intensité, et le plus spectaculaire, c’est que le présent narratif couvre quasiment cinquante ans, puisque Marlow le marlou débarque à Paname en 1974 - Je quitte la Corse où j’ai grandi pour monter à Paris - Ça démarre presque comme un roman. Tu en as qui longtemps se couchent de bonne heure, et tu en as d’autres qui montent à Paname, ce n’est pas la même chose. Et hop ça part en trombe à coups de Victor Leed, de Golf Drouot, de Crazy Cavan & de Flying Saucers, de rockers de banlieue qui viennent pour la shoote, pif, paf, et pouf, il monte les Rocking Rebels avec Tintin et un copain corse, Jean-Marc Tomi, Marlow cite le noms par rafales, son récit swingue dans le temps et voilà qu’arrivent deux héros, d’abord Jean-Paul Johannes et puis Marc Zermati qui signe les Rebels sur Skydog en 1978.  

         Alors on ressort deux albums des Rockin’ Rebels de l’étagère. Le dommage du premier, paru en 1979, est que Jean-Paul Johannes joue de la basse électrique. Pas de slap. Pire encore, les Rebels ne jouent que du rock’n’roll plan-plan alors qu’ils sont parfaitement capables de swinguer le go cat go. Et bien pire encore : ils ratent l’«One Hand Loose» de Charlie Feathers. Et comme une série noire ne s’arrête jamais en chemin, ils ratent aussi le «Put Your Cat Clothes On» de Carl Perkins. Par contre, c’est avec les deux doigts dans le nez qu’ils swinguent le «Gonna Rock Tonight» des Groovies. Ça mérite un coup de chapeau.

Trois ans plus tard, les Rebels passent à autre chose avec 1, 2, 3... Jump ! paru sur Underdog, le label du duo Lamblin/Zermati. Jump est un album de swing phé-no-mé-nal. Et quand on a dit ça, on n’a encore rien dit. Dès «Loli Lola», Jean-Paul Johannes drive le bop sur sa stand-up. Les Rebels affichent un côté très Boris Vian, ils savent aussi jazzer leur java comme le montre l’excellent «Hoodoo». Même s’ils sortent un son très commercial, très early sixties, c’est en place et diablement bon. Il faut voir ce dingue de Joannes swinguer son bop ! S’ensuit un «Bleu Comme Jean» incroyablement groovy et mal chanté. Mais l’album est solide, les thèmes varient, tiens, voilà «A Kiss From New Orleans» et une nouvelle leçon de swing. Jean-Paul Joannes et JJ Bonnet constituent une section rythmique de rêve. On l’entend encore le Joannes faire des gammes dans «Gallupin’». Et ça repart de plus belle en B avec un «Hey Bon Temps» mal chanté mais swingué jusqu’à l’oss de l’ass. «Cinq Chats de Gouttière» sonne très Chaussettes Noires, mais Joannes nous slappe ça sec au saucisson sec. Ils shootent un gros fix de New Orleans barrelhouse dans «Bim Bam Ring A Leavio» et jivent «Preacher Ring The Bell» comme des bêtes de Gévaudan. Et ils swinguent à la vie à la mort jusqu’au bout de la B, avec «Dansez Dansez» et «Bop Jump And Run».

         Et vroom, ça repart de plus belle avec de nouvelles rafales de noms, Jerry Dixie, Victor Leeds, le Alligators et Vince Taylor, des affiches de vieux concerts qui font rêver. Ah le temps de l’abondance ! Et puis nouvelle rafale avec Matchbox, Shakin’ Stevens et les Stray Cats, 1981 et l’élection de François Mitterrand, Brian Setzer le virtuose que l’on sait, puis nouvelles rafales de dates, tournées à travers la France, avec Marlow le Marlou, ça ne s’arrête jamais, et ça reste passionnant. À travers son histoire, il raconte la vraie histoire de France, les pannes, les salles, les Olympias, les premières parties, les sonorisateurs, les ovations, il ne manque rien, on a même les 10 000 personnes du Palais d’Hiver de Lyon, on est content pour les Rebels et pour Marc qui avait cru en eux. Et ça repart de plus belle avec Jackie Lee Cochran, Best et Rock&Folk, vroom vroom, Serge Gainsbourg, Sonny Fisher, Big Beat, alors t’as qu’à voir ! Et puis les télés, toutes ces vieilles émission de télé, Marlow le marlou envoie de nouvelles rafales, puis d’autres encore avec des producteurs, des test pressings, du show biz à tire-larigot, du Blanc-Francard, et des radios, bien sûr en veux-tu en voilà, puis il nous embarque dans l’épisode Betty & The Bops, mélange knock-outant de Ted Benoît et de Betty Olson. C’est là qu’il devient Tony Marlow

         Alors on ressort vite fait Hot Wheels On The Trail de l’étagère. L’album date de 2005. C’est Betty qui slappe et qui chante. On sent la réalité du son dès «Hound Dog On My Trail». Tony Sasia bat son bord de caisse. Ils passent aux choses sérieuses avec «You Better Run». C’est plutôt wild avec un petit côté banlieue bien ficelé. Marlow le marlou passe un killer solo flash, il en a la carrure, il sait jouer au dératé. Quand Betty reprend le lead au slap avec «Go Cat Go», le marlou joue en clair derrière. Le niveau va hélas baisser pendant une petite série de cuts, mais ils font un retour en force avec «The Memphis Train» et sa belle dégringolade de basse à la Bill Black. Comme Marcel, Betty chauffe, on peut lui faire confiance, et soudain, le marlou rentre dans le lard du Train avec un solo demented are go. On reste dans l’énormité avec un «All I Can Do Is Cry» claqué au big riffing de marloubard. C’est encore une fois slappé derrière les oreilles et saturé de big sound. Il faut voir le marlou swinguer la cabane ! Betty et ses amis ne font pas n’importe quoi, sur ce mighty label Sfax. Et paf, voilà la cover définitive : «Please Don’t Touch». Betty rentre dans le lard du Kidd avec une niaque héroïque. Côté son et esprit, c’est absolument parfait. Ils font aussi une reprise du «Tear It Up» de Johnny Burnette. Betty la prend comme il faut, à la bonne franquette et boucle l’affaire avec «Bop Little Baby». Elle y va sans se poser de questions et le marlou sonne bien le tocsin du riff raff. On peut dire que ça shake en blanc.

         Et ça repart de plus belle avec la reformation des Rockin’ Rebels et Skydog, Elvis, Graceland, voyage initiatique, puis Bandits Mancho, Marlow le marlou ne s’accorde aucun répit et c’est tant mieux pour nous. Tout s’emballe encore avec Rockers Kulture et les fameuses compiles, six en tout, concerts à la Boule Noire et au New Morning et comme il le dit si bien, du jamais vu en France ! C’est effectivement un épisode mythique car il est le seul depuis Big Beat à avoir su donner un cadre à la culture rockab en France, une culture si vivace, et ça embraye aussi sec sur Johnny Kidd et le tribute band K’Ptain Kidd, puis Marlow Rider et Alicia F, vroom vroom !  

Signé : Cazengler, dégénéré.

Rockabilly Generation. N°20 - Janvier Février Mars 2022

Rockabilly Generation. N°21 - Avril Mai Juin 2022

Miss Lily Moe. Wine Is Fine. Rhythm Bomb Records 2018

Lily Moe & The Barnyard Stompers. Rhythm Bomb Records 2013

Betty And The Bops. Hot Wheels On The Trail. Sfax CD 06. Sfax Records 2005

 

 

L’avenir du rock

- De l’or en Des Barres (Part One)

 

         Quand on lui demande s’il existe une limite d’âge en matière de rock, l’avenir du rock éclate de rire. Pour ne pas blesser son interlocuteur qui visiblement n’a jamais rien compris, il répond que c’est comme avec Tintin, ça concerne tout le monde, «de 7 à 77 ans», et s’il lui faut argumenter, alors il cite en vrac le Moulinsart total de Scriabine, les Dupontificaux de la causalité  terminologique, la Castafiore du Castle Face de John Dwyer, le Rastapopoulos Bitchos de la vie, le Capitaine (hello Damie) Haddrock me baby/ Rock me all nite long, Milou Reed on the wild side, and the colored girls go Doo do doo do doo do do doo, l’Alcazar du Back In The USSR, you don’t know how lucky you are boy, le Yeah Yeah Yéti, she loves you, yeah, yeah, yeah, le Tchang Guy de check it out, baby, le Tournesol-La de la montée d’accords sur «My Generation», why don’t you all f-f-f-f-f-fade away, la chute de Szut dans le stock de coke et son patch Keefy-Ziggy, Ziggy played guitar Jamming good with Weird and Gilly, oh et puis Rackhamala Fa Fa Fa aux frontières du free et de la flibuste, I’m the man/ for you, baby/ Yeah I am, Abdallah La La Means I Love You, all I know is/ La la la la la la la la la means I love you, le Nestor de Blaise que n’en déplaise à Suter, Muskar XII de baby you can drive my kar, le Lampion des lampistes aux étoiles de Starman waiting in the sky/ He’d like to come and meet us, le Figueira qui ne figure que dans les Cigares d’Edgar du Nord, and that’s just about the death of a/ Like I mean/ Electric citizen, et le Müller des symphonies inachevées, le Rascar Capac de Race with the Devil, move hot-rod move man,  le professeur Calys des Fleur de Lys, you say you love me but you don’t know why, le Chiquito jolie fleur de banlieue, le fakir de Kih-Oskh qui chante Phil Ochs sur sa planche à clous, et puis dans le même rayon d’action surnaturelle, le lama Foudre Bénie qui lévite à la moindre alerte sonique, l’encore plus allumé Grand Prêtre Huascarbonisateur d’offrandes humaines au dieu du Soleil, Sun Ra, Philippulus le Prophète aérolithe qui annonce au mégaphone l’apocalypse selon Jaz Coleman, les frères Loiseau qui Licornent la brocante de l’art total sur fond de Big Bird, open up the sky/ Cause I’m coming up to you, le boucher Sanzot qu’appelle l’Iggy-No-Fun de maybe call Sanzot on the telephone, le Colonel Sponsz qui éponge les dirty sponges de Misty White Satin, l’Allan vital du cargo cat go,  voyez-vous lance l’avenir du rock en guise de conclusion, il y a de la place pour tout le monde, surtout pour les vieux marquis de 74 ans ! 

         Il fait bien sûr allusion à Michael Des Barres. Ce vieux marquis appartient à l’élite des survivants. D’où la quintessence de sa présence. Il a eu plus de chance que certains de ses collègues glamsters. Lou Reed et Bowie ont cassé leurs vieilles pipes en bois. Michael Des Barres continue de rocker la médina. Ça fait cinquante ans qu’il rocke. And what a rocker ! Peu de gens peuvent se prévaloir d’un pedigree qui repose à la fois sur le glam et Steve Jones. Qui se souvient de Silverhead, un groupe glam emmené sur la route de la gloire en 1972 par Michael Des Barres, fils unique du Marquis Philip Des Barres ?

         Un nommé J. Elvis Weinstein vient de lui consacrer un bon vieux docu, Who Do You Want Me To Be. On peut même le choper sur DVD. C’est la façon idéale d’entrer dans l’histoire du petit marquis glam. Weisntein a choisi d’ancrer l’histoire dans l’Histoire, puisqu’il démarre sur la bataille de Bouvines en 1214 où le premier Marquis Des Barres affronte aux côtés de Philippe Auguste une coalition anglo-prussienne. Michael Des Barres est donc the 26th Marquis Des Barres. Son père Phillip tourne mal et va moisir au trou, la mère est partie en goguette, alors le jeune Michael est élevé chez des filles de joie, puis il va se retrouver à l’âge de 8 ans dans une English Public School. Dans l’aristocratie, dit-il, tout est prévu et financé à l’avance.

         Avant d’entrer dans la caste des survivants, il appartient déjà à une autre élite, celle des enfants prodiges qu’on envoyait tourner des petits rôles devant les caméras. Comme Steve Marriott en Angleterre et deux Standells (Larry Tamblyn et Dick Dodd) aux États-Unis, Michael devient ce que les Britanniques appellent un child actor et il va continuer de faire du cinéma toute sa vie. Il est l’un des rares veinards à pouvoir prétendre mener des carrières à succès à la fois dans le rock et dans le cinéma. Il connaîtra une forme de célébrité relative en jouant le rôle de Murdoc dans la série MacGyver, mais ce n’est pas notre propos.

         Quand il arrive à Londres dans les mid-sixties, il se fout du rock. Il veut juste baiser - I want to fuck ! - Puis il décide de devenir une rock star et on le voit bientôt dans les canards, torse nu avec un collier de chien. La parenté avec Iggy saute aux yeux. A lot of sex. D’ailleurs il tient le même discours qu’Iggy dans Vive Le Rock : «J’ai 74 ans, une taille de jeune homme, tous mes cheveux, une garde-robe fantastique, une très belle femme et une maison spectaculaire.» Gerry Ranson est ébloui par ce Brit aristocrat qui a «vécu the life of a Hollywood star for the best part of fifty years.»

         Comme le fait Ranson dans son article, le docu déroule la vie du petit marquis. C’est Andrew Lloyd Webber qui lui donne sa première chance en finançant Silverhead. Le futur Blondie Nigel Harrison y joue de la basse. Deux albums et un troisième inachevé.

         En 2016, Cherry Red réédite le fameux Live At The Rainbow de Silverhead et ajoute à la suite un autre Live datant aussi de 1973. On sent un souffle dès «Hello New York». Le guitariste s’appelle Red Rock Davies. Le groupe se situe à la croisée des chemins, quelque part entre le gros son américain des seventies et les Faces, mais des Faces qui seraient américanisés. Le petit marquis va chercher des intonations de caïman. C’est un rock sans histoires, monté sur du big riff raff. «Rolling With My Baby» vaut largement le détour, c’est joué au sliding d’Amérique et drivé à l’énergie maximaliste, le tout étant saupoudré d’une pincée de démesure perverse et d’un soupçon de débauche. On retrouve les mêmes cuts dans le second live. Silverhead se veut glammy mais peine à l’être. De toute évidence, ils n’inventent pas le fil à couper le beurre. Mais ils font preuve d’une belle opiniâtreté, leur opiniâtreté est même un modèle du genre. Ils jouent «Bright Light» au heavy romp et ça accroche bien, on se croirait de retour dans la cour du lycée, dans les années soixante-dix, au temps où on vantait les mérites de groupes anglais à des mecs qui s’en foutaient. Ouuh yeah, Michael Des Barres introduit «16 And Savaged» avec un ton menaçant. Il lance sa cavalcade de heavy rock à l’assaut du ciel, mais la ruine en l’interrompant brutalement.

         C’est lors d’une tournée américaine que le petit marquis rencontre Miss Pamela. Coup de foudre. Mais il doit divorcer de son épouse anglaise qu’on voit d’ailleurs dans le docu. Silverhead splitte et le divin marquis lance un nouveau projet, Detective, avec l’ex-Steppenwolf Michael Monarch et l’ex-Yes Tony kaye. Ils sont sur Swan Song et Jimmy Page produit le premier album.

         Par miracle, un petit label ressort en 2016 un live de Detective, occasion inespérée de goûter une fois de plus au fruit défendu que fut leur stomp. «Get Enough Love» est en effet un pur stomp à l’Anglaise, bien plus puissant que celui de Mick Ralph dans Bad Co. Michael Monarch le joue comme un dieu. Leur défaut consiste à jouer des cuts interminables qui durent parfois cinq ou six minutes. «Detective Man» sonne comme du gros rock anglais de type Faces, c’est chanté dans la force de l’âge avec une belle puissance de feu. Ce groupe savait se montrer flamboyant, récurrent et astringent, une vraie purge de nectar d’avatar. Ce mec Monarch se montrait encore irrésistible dans «Grim Reaper» et «Fever». Detective stompait un rock tragiquement classique.

         «Then I went in San Francisco and saw the Sex Pistols. It changed my life.» Il lance un nouveau projet, Chequered Past avec Clem Burke et Frank Infante de Blondie, son vieux sbire Niguel Harrison et Steve Jones. Tony Sales vient très vite remplacer Infante. Bon on reviendra sur tout ça dans un Part Two. Même chose pour les trois premiers albums solo du divin marquis. Cette fois, on va juste se focaliser sur son dernier album solo, The Key To The Universe, paru en 2015.

         Joli en retour en force ! Il ne perd rien de sa superbe glammy et de sa niaque aristocratique, comme on le constate à l’écoute d’«I Can’t Get You Off My Mind». Il semble même plus enragé qu’avant. Il fulmine. Ça tourne à la grosse explosion d’encadrement. Quel son ! Le divin marquis se jette à fond dans l’expression d’un glam cockney. Avec «Room Full Of Angels», on goûte à l’ultra-puissance du descendu de guitares voraces et ça part en heavy-duty balladif. Le divin marquis a toujours eu un sens aigu du son, ne l’oublions pas. Il ressort sa grosse cocotte pour «I Want Love To Punch Me In The Face». Pas de quartier pour les canards boiteux. Le divin marquis hante son château avec une belle persuasion glam. C’est un bonheur que de l’entendre jouer. Tous les exégètes devraient se jeter aux pieds de cet homme. Il sait tout faire à la perfe : les solos, les envois, les envies et les envols. On reste dans le haut de gamme avec «Maybe Means Nothing». Il prend le claqué au supérieur et on note l’excellence de l’emprise du chant. C’est d’un classicisme extravagant. On tombe plus loin sur un «Yesterday’s Casanova» visité par des flots de lumière. Le divin marquis nous plonge dans une sorte de chaos d’épouvante. Excellent, d’autant que cette masse dégouline de fuites de guitare. Grosse attaque pour «Black Sheep Are Beautiful», certainement l’une des attaques du siècle. Le divin marquis percute comme un beau diable. Il groove comme un démon de bréviaire et chante comme Steve Marriott. 

Signé : Cazengler, complètement barré

Silverhead. Live At The Rainbow London. Cherry Red 2016

Detective. Live From The Atlantic Studios. HNE recordings 2016

Michael Des Barres. The Key To The Universe.  FOD Records 2015

1. Elvis Weinstein. Michael Des Barres. Who Do You Want Me To Be. DVD 2020

Gerry Ranson : Some like it hot. Vive Le Rock # 89 - 2022

 

 

Inside the goldmine

- La pierre de Rozetta

 

         La première chose qu’on t’apprend, c’est à te servir d’une machette : jamais tailler de front, taille de biais, tu vois comme ça, tchac, tchac ! Ta vie dépend de ta machette, donc graisse bien ta lame et prends soin du tranchant. Ensuite, si un serpent te mord, ouvre une plaie autour de la morsure et aspire le sang aussi vite que tu peux. Ta vie dépend de ta vitesse à réagir. Ensuite, si tu traverses un cours d’eau boueuse, fais passer le guide ou ta femme avant, car tu ne vois pas le caïman, mais lui il te voit. Équipement léger, nécessaire de survie, boussole, carte sommaire, et hop c’est parti ! Direction le cœur de la jungle, vers la mystérieuse cité du Haut-Xingu, plein Nord, tchac tchac ! Au début on est tout content, mais ça tourne vite à la galère. Putains d’insectes ! Tu passes ton temps à écraser ces putains de bestioles qui se faufilent par les manches et par l’encolure de la vareuse. C’est-y pas Dieu possible un pays pareil ! Une semaine, deux semaines, trois semaines passent avec le sentiment d’avancer à la vitesse d’un escargot, tchac tchac ! Ça n’en finit pas. Tout ça pour une soit-disant cité mystérieuse découverte au XVIIIe siècle par un soit-disant explorateur portugais ! Mon cul ! Quatrième semaine. Tchac tchac ! Effectivement, les caïmans sont énormes dans le coin. Celui qu’on a vu a chopé le guide, woaurffff, alors on fait demi-tour et on cherche un autre passage. Putain, ce monstre fait au moins cinq mètres de long, il faudrait un bazooka pour le dégommer. Bon, tout ça n’arrange pas nos affaires. On trouve un autre passage, mais au-dessus d’un petit ravin. Pas génial, surtout quand on a le vertige. Il faut tailler des arbustes pour fabriquer une sorte de passerelle. Tchac tchac ! On l’attache avec des lianes. C’est vraiment un coup à se casser la gueule. Mais bon, c’est ça ou le caïman de cinq mètres. Alors on ne se pose même pas la question. Évidemment, celui qui teste la passerelle fait les frais de l’opération, il se casse la gueule en poussant un cri, comme dans les films. C’est vraiment nul. Alors c’est pas compliqué, le choix est vite fait : soit le caïman de cinq mètres, soit demi-tour et retour au bercail. On vote à main levée. Qui veut continuer ? Le chef de l’expé lève la main. L’enfoiré ! Tchac tchac ! On lui coupe les deux mains, comme ça, il ne peut plus voter. Qui veut rentrer ? On lève tous la main. Donc on rentre. Fuck la cité mystérieuse ! Encore trois ou quatre semaines de galère pourrie et d’insectes et on pourra caler son cul dans un bon fauteuil au sec pour écouter Rozetta Johnson. Mmmmmmm...

         Rozetta Johnson nous vient d’Alabama et si ses singles sont devenus légendaires, la raison en est bien simple : les compos sont signées Sam Dees. Dans le booklet qui accompagne la compile A Woman’s Way (The Complete Rozetta Johnson 1963-1975), Rozetta qui s’appelle en réalité Roszetta, raconte sa vie très simplement : un peu d’église, puis un peu de club au flanc à Birmingham, puis elle est repérée et pressentie pour les Supremes, puis Sam Dees, puis zéro royalties, puis elle jette l’éponge, reprend ses études, diplôme de sociologie, puis mariage, puis mari qui dit fini les clubs, alors fini les clubs, puis secrétariat pendant 23 ans, la durée du mariage, puis divorce, puis retour à la liberté.

         Rozetta Johnson travaille sa Soul au corps, un peu comme Aretha, elle cultive le psychodrame de la Soul de manière plutôt intense. Dans «I’ve Come Too Far With You», elle pousse des pointes et derrière les mecs font des chœurs de rêve, believe me when I say. Cette Rozetta stone couine par-dessus les toits, elle chante du ventre, au pussy power. Elle travaille sa Soul au corps, elle semble redoubler de power lorsqu’elle est amoureuse. Il y a d’ailleurs deux versions d’«I’ve Come Too Far With You» une en ouverture de bal et l’autre en fermeture. Si on veut du sexe, alors il faut écouter «Willow Weep For Me», un heavy blues dégueulasse, elle se plonge de façon démente dans la bauge du génie, et lorsqu’elle gueule sa sexualité, on décolle. Les nappes d’orgue exacerbent le sexe. Le weep for me est un vrai jus de bite. Autre coup de génie avec «I Understand My Man», elle navigue au gré du pire heavy blues de l’univers, elle est tellement explosive qu’elle redore le blason du Soul Genius. Elle casse encore la baraque avec «Personal Woman». Elle se positionne au départ de tout, elle est en permanence dans la permanence, elle dans l’Aretha, elle est dans le foin, dans la cime, elle est partout, elle pousse des hey hey comme Aretha et d’ailleurs, dans «It’s Been So Nice», elle expecte du respect, comme Aretah - Respect together - On la voit aussi entrer dans un son plus profond, plus hip-hop avec «How Can You Lose Something You Never Had», mais elle reprend vite le contrôle, elle est urbaine et libre dans la ville des mecs à casquettes.

         Avec Rozetta, tout est toujours nickel. Elle y va sans se poser de questions, elle connaît toutes les ficelles du hey hey hey et du c’mon baby. Elle refait sa Aretha avec «Can’t You Just See Me», elle est parfaitement à l’aise dans ce rôle, elle dispose du même genre de niaque, un truc qui n’appartient qu’aux petites Soul Sisters, cette façon qu’elles ont de gueuler en secouant les hanches. Encore de la fantastique allure avec «To Love Somebody». Elle est bonne dans toutes les positions, ce qui n’est pas peu dire. Comme si elle faisait tout mieux que personne. Retour au sexe pur avec «(I Love Making That) Early Morning Love». La petite coquine aime le cul à l’aube, elle y va via le via-groove reggae, c’est cousu mais comme c’est bon. Et si on aime bien le raw r’n’b, alors Rozetta nous gâte, elle fait son shoo shoo et son chain chain dans «Chained & Bound» et du raw primitif avec «Mama Was A Bad Seed» - She said loney honey - C’est tellement primitif que ça devient énorme. Elle chante son «You Better Keep What You Got» au sommet du dancing strut, dans une incroyable promiscuité, elle ne recule devant rien, c’est flamboyant ! On va de surprise en surprise, c’est une chose certaine. On trouve aussi deux versions d’«I Can Feel My Love Coming Down». Cette compile est un panier de crabes aux pinces d’or. Rozetta rentre dans le lard de chaque cut comme dans du beurre, elle doit être la première surprise d’être autant éclaboussée de lumière. Elle rôde sans fin dans les coulisses du génie. Elle se jette sans discuter dans toutes les fournaises. Elle ramène du power en permanence, avec «It’s Nice To Know You», elle devient la reine de la Soul Kent, elle pulse ça du ventre, sa Soul est un truc à part, il faut le savoir. Elle est dans l’omniscience de l’omnipotence, il suffit d’écouter «That Hurts» pour le comprendre. Elle va vite et repart de plus belle avec «Mine Was Real», elle se projette dans l’essor incomparable, elle est partout dans ses cuts, son r’n’b n’en finit plus d’éclater au firmament de la sharpitude, bienvenue au paradigme du peuple noir ! Elle illumine tout automatiquement. La Soul de «Who Are You Gonna Love» est tragique et sentimentale à la fois, c’est d’une pureté à peine croyable.

Signé : Cazengler, Rozette de Lyon

Rozetta Johnson. A Woman’s Way (The Complete Rozetta Johnson 1963-1975). Kent Soul 2016

 

*

La Teuf-teuf 2 roule allègrement vers le lac d’Orient, non elle n’ira pas tremper ses roues  dans l’onde réparatrice, l’a mieux à faire, elle veut voir l’exposition de voitures anciennes et les Harley du Bootleggers Club, quand Billy   concocte un concert de rockabilly, il n’oublie pas les ingrédients mécaniques qui vont avec, je suis aussi pressé que la Teuf-teuf, de revoir les copains du 3 B, deux longues années, depuis le confinement… Vous décris pas les retrouvailles l’on file direct aux trois concerts du soir.

 

ROCK ‘N’ ROLL PARTY II

18 / 06 / 2022

LA GRANGE

LUSIGNY-SUR-BARSE ( 10 )

 

THE FUL MOON CATS

Dans le triangle des Bermudes ce ne sont pas les trois sommets du triangle qui sont dangereux – encore que cela se discute, nous y reviendrons - mais c’est de se trouver au centre de la zone de grand péril. C’est exactement la même chose dans le rockabilly. Sommet du haut, Stéphane derrière sa batterie Gretsch, dans sa robe blanche elle semble aussi radieuse que la colombe de l’immaculée conception. Quand il s’y colle ça tourne au noir grabuge. Certains pensent qu’un bon batteur est là pour donner le rythme, ne vous inquiétez pas il sait le faire, mais il rajoute un paquet cadeau, le son, la tonitruance qui apporte l’ampleur du désastre.

En bas à gauche Pascal, l’a le cœur aussi rouge et saignant que sa double-basse, slappe comme un madurle, un fou-furieux, un mec méthodique qui accomplit son devoir sans faillir, les âmes naïves demanderont pourquoi il assure avec tant de hargne le shclack-schlak-shclak typique de la rythmique rockabilly, alors qu’il y a déjà un batteur, justement braves gens parce que le Stéphane lui il bâtit le volume, alors Pascal il joue le rôle du pendule fatidique qui à chaque frappe sonne le tocsin du destin.

En bas à droite la Gretsch de Sacha. Pas le genre de mec qui attend son heure pour sortir le solo qui tue et qui met tout le monde d’accord, sa guitare se colle à la contrebasse et ne la quitte pas, une course de formule 1 avec deux pilotes en tête, qui roulent côte à côte, se regardent de temps en temps et repartent encore plus rapidement. Pour pallier les caprices de l’acoustique je me permets de me déplacer dans la salle afin de discerner lequel des deux mord sur l’autre, aucun des deux, le résultat n’est pas probant, de véritables frères siamois.

Bref trois cats sur le toit brûlant d’un soir de pleine lune. Comme les trois mousquetaires, survient le quatrième, Charly à la guitare rythmique et au chant. C’est cet aspect qui nous intéresse, comment un chat peut-il parvenir à se faire entendre avec le boucan qu’entretiennent ses trois acolytes, ses trois aérolithes. Très bien, très facilement. L’a sa technique à lui, il ne chante pas en anglais, il ne chante pas en français – mais oui il chante dans les deux langues, mais il chante surtout en idiome rock, l’a une manière bien à lui, de poser les mots, sa voix un peu haut perchée mais point trop, juste un tantinet acérée et pointue comme la lame d’un cran d’arrêt manié avec tant de dextérité qu’il taille dans la couenne du lard du rock ‘n’roll des morceaux saignants de barbaques délicieuses. Pour le répertoire, ne cherchent pas la rareté ultime, utilisent les classiques, et vous les ressortent en même temps totalement reconnaissables et si hardiment relookés que vous croyez les entendre pour la première fois. Un seul exemple, Twenty fligth rock interprété en français avec une telle fougue et une telle pertinence que vous ne voyez pas la différence avec par exemple le Mystery train entonné en sa langue originale. Le Charly est un grand Monsieur, s’est approprié le vocal rock ‘n’roll et vous le sert direct avec le costume trois pièces qu’il a redessiné à sa façon.

Les trois spadassins derrière ferraillent sans désemparer, Pascal étreint de sa main gauche le manche de sa up-right bass comme s’il était en train d’étrangler un cobra, vous zèbre de sa seconde main le corps de la pauvre bête de coups tranchants. Sachez que Sacha n’est guère ému, de sa guitare il découpe le corps vivant du reptile en rondelles qu’il vous retourne sur la braise de son jeu, prêtes à être consommées par un public affamé. Derrière Stéphane vous emballe les parts et nous distribue sans relâche les hosties rockabillyennes imbibées du venin du rock ‘n’ roll. 

Viennent du sud, les nordistes estabousiés de tant de savoir-faire et d’originalité, leur dressent une ovation enthousiaste.

T BECKER TRIO

Did, Tof – ne confondez pas avec Titeuf – et Axel sont alignés sur le devant de la scène, non leur batteur n’est pas en retard, ils n’en ont pas. Z’ont du culot, après la tempête force 10 que nous venons de subir, de se présenter sans force d’appoint, ou alors ils sont totalement crétins, il semble que cette dernière hypothèse soit la bonne, ce n’est pas moi qui le dis, c’est Tof au micro qui nous prévient, non ils ne sont pas un groupe de rockabilly, sont juste des amateurs de hillbilly, la musique des péquenots.

Pas de panique, ils sont en pays de connaisseurs, qui ne préjugent pas et qui ne demandent qu’à entendre, même si le trio cherche la difficulté, ce qui est déjà un plus, en proposant une set-list principalement basée sur leurs compositions originales.

Sur notre droite, Axel ne slappe pas comme un dément, caresse sa big mama doucement, donne l’impression de jouer non pas de la musique mais du mime, suit les paroles que chante Tof, sans avoir trop l’air de croire à leur message, transcrit toutes les émotions par d’imperceptible changements d’attitude, ne peut pas rester trente secondes sans qu’un sourire s’épanouisse sur sa figure. De la musique populaire qui existait avant l’explosion du rock ‘n’roll, il incarne une certaine naïveté des classes les plus humbles, elles pensent que le cœur sur la main est la seule arme qui puisse s’opposer à la méchanceté du monde.

Tof est d’un autre calibre. L’est plus près non pas du western swing mais de ce que nous appellerons le western bop, le bop est une musique instable, l’est de la même nature que la nitroglycérine, celui qui se charge de manipuler un de ces deux produits, doit être sûr de lui, et Tof est doué, n’en fait pas trop, ne cherche point à atteindre le point de déséquilibre, son chant navigue à vue, fait attention à ne pas éperonner le rocher du rock et encore moins à se perdre dans les eaux paisibles de la facilité. Vous captive, vous séduit, l’est un funambule qui avance courageusement, et le fil ne manque jamais sous ses pieds.

Did est à la lead. C’est vrai et c’est faux. Un guitariste qui ne joue pas au matamore, pas de brillance, égrène les notes une par une, mais l’on se rend compte qu’il compose dans sa tête, développe une structure subtile, l’est un peu le cube de base dont l’assise impose la stabilité des autres que l’on empile sur son aire, ne court pas après le riff pimpant, recherche les harmoniques, procède un peu d’une esthétique jazz, à plusieurs reprises il m’a semblé entendre des échos, des saveurs, du jeu de Charlie Christian.

Trois artistes de sensibilité différente, mais ils parviennent non pas à coexister pacifiquement, mais à s’interpénétrer, à s’épauler, à s’entraider, à produire un son captivant, unifié, neuf, qui a saisi l’assistance. Sont magnifiquement applaudis.

Dans la livraison 562 nous chroniquerons leur premier CD.

( Photos : Gisèle Doudement )

THE FUZZY DICE

Dans la série l’on prend les mêmes et l’on ne recommence pas. Ne manque que Charlie. Ce coup-ci c’est le triangle des Bermudes sans personne dedans. Zone noire particulièrement dangereuse. Pascal nous fait la surprise, certes il maltraite toujours sa contrebasse, la slappe sans pitié. On n’en attendait pas moins de lui. Je ne vous refais pas le dessin. S’empare du vocal et ne le lâchera pas une seule fois. Quelle voix, dès qu’il aborde Please don’t leave me s’échappe de son larynx un orage de goudron gloomy aussi dur, aussi épais qu’une grêle de plaques d’égouts, son timbre traduit toutes les noirceurs et toute la hargne de l’âme humaine. 

Sacha ne le suit plus comme son double, impulse son propre jeu, certes il doit rester à la hauteur du torrent dévastateur de Pascal, et il ne s’en prive pas, mais selon sa propre partition sonique, cette fois la guitare se distingue, elle hausse le ton, elle gronde, elle fait le  gros dos, ses notes se hérissent à la manière d’un tigre qui feule avant l’attaque, certes Pascal ne lui laisse pas le temps de faire son numéro, mais Sacha en rajoute, pas des tonnes, entre deux morceaux, pas plus de trois secondes, mais ce minuscule laps de temps lui suffit pour lâcher deux, trois notes vibratoires qui atteignent à une densité extraordinaire, ou alors quand un morceau est terminé, qu’il n’est plus que de l’histoire ancienne que l’on se prépare au suivant, il plaque sur ses cordes une intumescence sonore aussi destructrice qu’un missile. Vous transcende la forme pure et parfaite du rockab en lui conférant une force extraordinaire.

Stéphane a changé le son de sa batterie, moins de tonitruance, des coups explosifs, plus secs, plus raides. L’est comme un cuisinier sur son piano qui boute le feu à deux plats différents, l’on dirait qu’il a partagé fûts et cymbales en deux, cette partie-ci pour Pascal, cette-là pour Sacha. Ça tonne de tous les côtés, toutes voiles dehors en pleine tempête.

Pascal en appelle aux vieux hymnes des Teddies ( boys & girls ), ça claque, ça chamboule, ça remue méchant, une version de The Train kept a rollin s’avère être une interminable apothéose. Z’ont la rage, ce qui se passe devient monstrueux, un ouragan emporte tout son passage, on essaie de varier les morceaux s’exclame Pascal, si l’on veut, disons que si celui-ci ressemble à une tornade qui remonte une rue en détruisant les maisons du côté droit, le suivant est la même tornade qui fait demi-tour pour raser les immeubles du côté gauche, ce qui se passe ensuite n’est même pas un rappel, le groupe ne peut plus s’arrêter, Pascal pousse un hurlement ininterrompu de plus de deux minutes et Sacha ne joue plus du rockab, se transforme en guitariste de metal, respecte le séquençage habituel du rockab, mais ses doigts, sa position sur les cordes, cette manière de les remonter en les égrenant, sont et viennent d’ailleurs, l’on danse sur scène et l’on crie dans le public, le rock emporte tout, faudra encore cinq morceaux plus un tout dernier pour juguler la folie…

Un dernier merci à Billy pour cette mémorable soirée. On eût aimé un peu plus de monde, les absents ont toujours tort.

Damie Chad.

Attention : une deuxième chronique sur Rock’n’roll Party II sera publiée au mois de septembre.

 

BURNING SISTER

MILE HIGH DOWNER RIGHT ROCK

Mile High est le surnom de la ville de Denver, qui comme chacun sait est la capitale du Colorado et qui est située exactement à un mile d’altitude soit mille six cent neuf mètres. Ce n’est pas cette particularité qui m’a attiré vers Burning Sister de Denver. Mais un groupe qui se réclame de Blue Cheer, de Mountain, de West Bruce and Laing, d’Hawkind, des Stooges, du MC5 et de quelques autres du même acabit accapare d’un seul coup tout mon capital de sympathie avant même d’en avoir écouté une seule note.

A la première vidéo, je n’ai pas été déçu, enfin si, pas par eux mais pour les voisins, répètent dans le salon d’un appartement avec le son qui pousse les murs. J’en ai conclu que les habitants de Denver doivent être de bonne composition ou sans exception des amateurs de rock bruyant.

Sont trois. Drake est aux guitares, Steve au chant, au synthé et à la basse. Quant à Alison il ne m’étonne pas qu’ils aient pris la précaution de la cacher derrière la batterie, trop belle avec ses longs cheveux blonds, un sourire radieux, sur la photo où elle porte son bébé sur le dos, le bambin est ravi d’avoir une si jolie maman.

N'ont publié qu’un EP et deux singles.

BURNING SISTER / BURNING SISTER

 (Décembre 2020)

Couve d’Armon Barrows, Art teacher et graphiste à temps perdu, un tour sur son instagram et son site vous permettra de visualiser nombre de dessins et de peintures. La pochette est à l’image de sa fantaisie, proche de la bande dessinée, Burning Sister, sourire aux lèvres revolver (ô my pistol packing mama ) et poignard en mains s’attaque gaillardement à ce pauvre diable qui n’en demandait pas tant,

Path destroyer : bruissement assourdi, ondulations de basse, sautillements de cymbales, de très loin le vol du faucon d’un riff majestueux se pose sans douceur, les couches de guitares se superposent, va falloir appliquer la méthode stratigraphique des archéologues, la frappe lourde nous évite toutes ces minuties, la voix de Steve nous demande d’ouvrir notre esprit, à coups de caisse lourde Alison nous bouche toutes les issues de secours, ère nouvelle   la basse de Steve chantonne, Drake bouscule cette oasis d’un riff caterpillar, et l’on s’achemine doucement vers la fin sans se presser. Lord of nothing : guitare moelleuse, attention à ce qui se cache par-dessous et cette batterie qui roule comme si elle se promenait sur une route départementale alors qu’elle se dirige vers l’abîme du néant, le riff taille droit sa route, semble aller   directo mais l’est formé de mille rigoles qui nécessiteraient un plus grand nombre d’oreilles, encore une fois ces vaguelettes de basse alors que par-dessus volent des mouettes qui soudainement se transforment en un immense stégosaure qui continue son voyage au loin sans se soucier de nous. Maelstrom : entrée de riffs courts empilés comme les cubes d’un jeu de construction qui ne demande qu’à s’écrouler, Alison tape le pas d’un géant débonnaire qui avance imperturbablement, sait où il va et le riff qui l’accompagne nous avertit du danger, qu’importe monte-t-on ou descend-on, est-ce le cratère béant d’un volcan ou la bouche d’ombre tournoyante de l’enfer, pour le savoir il faut écouter ce que chuchotent les instruments, ne pas rester obnubilé par leur déploiement, révèlent bien des secrets mais s’arrangent pour que l’on ne s’en aperçoive pas. Instrumental qui joue pour lui, pour l’ouïe fine. Burning sister : morceau éponyme, la sister Alison trébuche le rythme sur ses tambours et Drake parle d’elle, pas besoin de nous faire un dessin, les cordes peuvent se démener tout ce qu’elles veulent, l’on n'entend qu’elle. Pour le riff quand il se déploie, pas de problème on le suivrait au milieu des flammes de l’enfer. Ils le savent, font durer le plaisir, lui coupent même les ailes pour qu’il ralentisse encore. Faux-semblant maintenant comme le paon il déploie sa roue ocellée et le morceau prend une couleur creamique surprenante. Oblivinot :  dans la même veine que la fin du précédent, l’on agite l’éventail du riff en douceur exaltée, Alison tape des œufs d’autruches si fort, que le silence retentit, nous avons vu le riff du côté face, on vous le refait côté pile, démarche riffique cubique, mettre à plat toutes les facettes, silence on reprend, vous avez cru tout voir, l’on peut vous en montrer encore, l’on s’enfonce dans les aîtres de la beauté, ce morceau est  un diamant brut, le plus terrible c’est que quand ils arrêtent l’on est sûr qu’ils en ont encore sous la pédale.

         Z’ont le doom tranquillou, on ne se prend pas la tête, de temps en temps l’on n’oublie pas de chanter un peu pour que ça paraisse plus sérieux, et leur pattern de base est très simple, ne jamais mettre les bœufs rapides devant la charrue travailleuse, tant pis pour les tempi, ils visent l’excellence, le papillon qui s’extrait de sa chrysalide et qui enfin déploie ses ailes flamboyantes.

ACID NIGHT VISION

( Vidéo YT /Novembre 2021)

Sont pas fous, z’ont mis Alison sur la couve et si vous regardez  l’officiel vidéo elle se démultiplie en trois, alors que la basse court de tous les côtés comme la fourmilière sur laquelle vous avez marchée, ensuite ça tournoie, les images et la musique, un miroir d’eau coulissant, une flaque d’eau mutante, une drache rimbaldienne agitée, pareil pour le riff se transforme en gerbes d’étincelles qui partent dans tous les sens, surtout les interdits qui sont les plus tentants, les images se stabilisent, enfin vous apercevez des formes, celle d’un homme qui bouge les bras, qui ne sont pas les siens, des trucages du tout premier âge du cinéma, mais mal faits, la grâce surannée des choses passées dirait Verlaine, l’est sûr que les montées d’acide vous dévoilent le monde d’une autre manière, l’image tourbillonne et le riff se stroboscope à la manière d’un ectoplasme qui a mis les doigts dans la prise, l’herbe pousse à l’envers et la musique ondule comme des algues agitées par un courant souterrain, comment dire : il semblerait que la musique éprouve des décollements de rétines, maintenant vous la regardez et vous écoutez les images, la batterie gouttège, le reste nage sur le dos, la guitare rame, le clavier coule, la tapisserie se décolle du mur et ses motifs incompréhensibles se mélangent, peut-être sont-ce le songe des lames de plaquettes microscopiques de plasma sanguin atteint de la danse de saint Guy, Drake croit qu’il chante, le pauvre il ne sait pas qu’il miaule, qu’il est perdu pour l’humanité, mais pas pour nous, surtout que maintenant fini le cinéma gris, l’on passe aux couleurs lysergiques, des signes cabalistiques à vous faire tomber en catalepsie dansent dans votre conduit auditif, et le gars de tout à l’heure qui se démenait comme s’il veillait à l’atterrissage des aéronefs sur le pont d’un porte-avions a pris des couleurs, colle au riff de si près qu’à chaque fois qu’il devient plus violent  il se rapproche de vous, s’il continue va sauter hors de l’image et squatter votre figure, le riff vous avertit, il barrit comme un éléphant pris dans un incendie, au 14 juillet de votre enfance vous en voyiez de toutes les couleurs, le beau jaune d’or et le rose flamant, redescendrions-nous sur notre planète, ces découpages colorés ne serait-ce pas les pièces d’un puzzle qui assemblées devraient ressembler à un orchestre de rock, oui c’est sûr les silhouettes des deux guys, la batterie d’Alison, elle l’absente de tous bouquets, et cette guitare inouïe qui pousse vers les orties de la folie, un point final en suspension, le petit bonhomme qui fait semblant de jouer au tennis fonce vers vos pupilles. Retour de l’image de départ, Alison, peut-être pour nous dire que la beauté existe aussi sur terre.

         Plus psychédélique, tu meurs. Rock synesthésique.

CLOVEN TONGUES

( Vidéo YT /  Février 2022 )

Le monde est vraiment petit, ce titre est sur la compilation de Cave Dweller Music où la semaine dernière nous avons trouvé The Sun le deuxième titre de Thumos issu des chutes de The Republic. Même type de vidéo que la précédente.

Ecran noir et geyser d’eau bleue qui retombe, l’on se croirait dans un de ces innombrables poèmes symbolistes sur les jets d’eau des fontaines qui s’élèvent vers le ciel idéal pour hélas retourner à la lourdeur de la terre, notre interprétation pas si gratuite et hasardeuse qu’il y pourrai paraître, nous voici apparemment dans un parc, l’on distingue un escalier, des feuillages, une ombre mouvante, si c’en est une dans cette obscurité bleutée, la musique passe-partout sur ses premières notes se teinte de noir, l’atmosphère s’appesantit, vocal inquiétant, serait-ce un déluge, l’eau coule, les gouttelettes qui dessinent des cercles concentriques  dans les bassins de marbre échappés des poèmes de La cité des eaux  d’Henri de Régnier, sont-elles devenues des rivières, effet ou rêve d’optique, maintenant l’on aperçoit une blanche limousine stationnée dans le jardin de cette propriété que l’on imagine en vieux manoir mystérieux,  vite effacée par l’eau  qui coule de partout, peut-être simplement un gros plan sur ces vieilles tuyauteries des jardins d’antan terminées en cols de cygne, bec de bronze ouverts et moussus, changement subit d’esthétique, nous étions en plein dix-neuvième siècle, nous voici en plein art moderne, fond bleu ripolin, avec projection spectrographiques de quelques gouttes d’eau filmées pour les mettre en équation mathématiques, dans le but de ne rien perdre de l’expérience, le fond d’écran change de temps en temps de couleur, revoici l’escalier ruisselant surmonté de sa vasque et de son mini jet d’eau, pour que le décor soit plus romantique à la manière d’Anna de Noailles, l’on a rajouté un vase de fleurs coupées, l’on en oublie la musique, à peine sa souvenance est-elle venue à notre mémoire qu’elle s’efface accaparée par cette forme blanchâtre qui se déplace, l’on pense à la silhouette de la Dame Blanche tandis que son regard se perd sur quelque chose d’indistinct dans un fond d’eau, dans la noirceur quelque chose d’inidentifiable bouge, voici qu’apparaît un de ces masques grimaçants, ces gueules ouvertes d’aegipans barbus qui crachaient  l’eau des fontaines par leur bouche, yeux peints si expressifs que le visage paraît vivant, la caméra prend du large, quelque chose se déplace, l’on ne croit pas à un rayon lunaire, un autre visage apparaît, la vitre de la caméra s’écrase sur elle, retour de la séquence moderniste avec son coloriage moins criard que la première fois, la musique en profite pour revenir dans le champ du regard, nos sens sont pervertis, maintenant elle prend de l’importance, le riff gargouille, il grouille sur lui-même, il s’illumine, il reprend des couleurs, ne nous laissons pas distraire, dans le parc encore une fois, victime d’une hallucination, ce jaillissement d’eau qui prend l’apparence d’un petit homme, d’une espèce de pantin qui ne fait que passer, dernière gerbe d’eau jaillissante, le son se dégonfle la vidéo se termine comme elle commence, l’image triple puis unitaire de burning sister blanche sur fond noir, tandis que la musique agonise, des éclairs de lumière bleue s’amusent à simplifier la blancheur de sa silhouette, la voici réduite à une gerbe d’écume bleue, notre burning sister serait-elle une ondine que nos bras ne sauraient saisir…

Une drôle d’expérience cette écoute qui se transforme en regard. Notre perception de la réalité ne serait-elle qu’un sentier possible parmi d’autres, comme si de temps en temps à la fourche d’un chemin une autre approche du monde nous serait proposée, que nous refuserions d’essayer par peur de changer nos habitudes. Déstabilisant.

LEATHER MISTRESS

( FB / 2021 )

De nombreuses vidéos sur leur FB, des bouts d’essais, des extraits qui la plupart du temps ne durent que quelques secondes. Nous avons choisi celle-ci de presque sept minutes. Sont chez eux, à contre-jour, par la grande baie vitrée nous apercevons arbres et buissons, nous sommes vraisemblablement à la campagne. Est-ce un sampleur qui bruite ou des doigts qui s’amusent sur un keyboard, Drake est pratiquement invisible relégué sur le côté gauche de l’écran, jouent au jeu du homard, prenez un riff et portez-le à ébullition à feu doux, attention le jeu consiste à ce qu’il ne meure pas, le riff doit se perpétuer, aussi longtemps par exemple qu’une phrase de Marcel Proust, faut avoir l’esprit inventif et chacun se doit de participer hautement à l’action, très instructif sur l’état des recherches de Burning Sister, ne visent pas la rapidité, z’ont le doom paisible, mais ile le dorent à l’or brut ou à l’étain fondu de mille pyrotechniques, pire qu’un film d’actions dont les séquences s’entremêleraient lors de la projection, c’est un peu l’écoute bonneteau, vous avez trois timbales mais seulement deux oreilles pour écouter le bruit de la mer qu’elles recèlent quand vous appliquez vos conduits auditifs à suivre la musique. Je vous souhaite bien du plaisir. Vous êtes sûrs de perdre  à chaque coup.

Damie Chad.

 

HEY YOU !

ALICIA F !

( Official Vidéo / 02 - 06 – 2022 YT )

L’était toute fière Alicia de prévenir que sa première vidéo officielle allait voir le jour. Y avait de quoi, certes elle est courte, deux misérables minutes trente-deux minuscules secondes, mais l’effet j’y vais yatagan sans mettre les gants est garanti, sabre de samouraï aïe ! aïe ! aïe !

Fond noir, en rouge ce n’est pas le logo du sacré cœur de Jésus, mais le cœur d’Alicia transpercé du poignard du rock ‘n’ roll. Profitez des trois innocentes secondes qui suivent, une main introduit une cassette dans un lecteur. Si vous ne supportez pas les émotions violentes, vous arrêtez tout de suite et vous zieutez Les 101 dalmatiens de Disney… Vous refusez ce conseil damie, alors je vous le fais le plus cool possible.

Pas grand-chose, Alicia qui chante devant un rideau de garage, entrecoupé de vues du concert au Quartier Général du 06 mai ( le mois où il est autorisé depuis 1968 de faire tout ce qui déplaît aux autres ) 2022. Voilà, c’est tout, vaquez à vos occupations favorites, allez en paix. Vous voulez davantage, tant pis pour vous.

Donc une mise en scène minimaliste. La caméra commence par le bout des boots, d’Alicia évidemment, remonte très vite d’une caresse tout du long pour s’arrêter sur son visage. C’est le moment de méditer : comment l’Histoire se serait-elle déroulée si au lieu d’être piquée par un redoutable aspic ce fût Cléopâtre qui d’un coup de dent aurait tranché la tête du reptile répugnant, puis l’aurait recraché et écrasé sous son talon. Vous n’en savez rien, moi non plus. Mais c’est exactement l’effet venimeux que produit Alicia quand elle entonne son texte. One, two, three, four, contrairement à Cap Canaveral quand la fusée Titan remplie de carburant explosif décolle, elle le répète deux fois, question mise à feu, vous pouvez être tranquille avec Alicia ( F comme flamme ) elle n’oublie pas, respiration, sur scène avec ses trois spadassins, nouvelle séquence de non-repos, elle agite ses cheveux et vous perce de ses yeux verts de vipère, baissez les paupières pour ne pas voir ses lèvres rouges, chaque fois qu’elle ouvre sa bouche sanglante, vous avez l’impression que panthère Alicia ( F comme férocité )  vient de vous arracher un morceau de chair, refrain pour mettre un frein, l’on en profite pour admirer le profil étrusque de Tony Marlow et la guitare Pistol Packin’ Mama de Matthieu Drapeau Blanc Moreau, notre incendiaire préférée revient, cette fois elle affiche un ton sardonique et ses mains se meuvent tels les serpents de la chevelure de Méduse, sur le solo du Marlou qui file fort, elle se fait rare, perversité de fille qui sait que l’absence aiguise le désir, mais Alicia ( F comme furie ) surgit encore plus violente, elle vous repousse des mains et termine d’un coup mortel de savate porté sur vos maxillaires.

Ouf, c’est terminé, vous comptez et recomptez vos dents sur le trottoir, c’est tellement bon que vous remettez le clip au début. Alicia ! ( F comme fatidique ).

Damie Chad.

 

*

Denys n’était pas sur le marché la semaine dernière, camion en panne, pour se faire pardonner il m’accueille avec le sourire des bonnes occases, un truc pour toi Damie, rock’n’roll bien sûr, du bout de son étalage il agite un livre, trop loin pour reconnaître le type pris en gros plan sur la couve, l’a une grosse tête de vieux sage dont les yeux sont cachés par d’énormes lunettes noires, je ne le reconnaîtrai qu’en lisant le titre :

FLASHBACK ACIDE

PHILIPPE MANŒUVRE

( Robert Laffont / Octobre 2021 )

Waouah ! ( ainsi parlent mes zaratoutouextras ), la tronche ! l’a vieilli le mec, on ne peut pas lui en vouloir, ce style de facétie arrive à beaucoup de monde, voyons quel genre de message l’ancien directeur de Rock & Folk tient à délivrer au monde de la piétaille rock. Commence par raconter les reproches d’un lecteur déçu par son précédent bouquin, Rock… ( je n’ai pas lu ) qu’il n’a pas trouvé assez rock ‘n’ roll ! Un comble !  Cette fois, il promet de se lâcher, de la sainte trilogie il s’épanchera sur le deuxième terme le plus litigieux chez les pères-la-morale, drug, la drogue comme l’on disait dans les seventies pour ceux qui ne comprennaient pas l’anglais.

Petit aparté : le sujet me fait peur. J’en ai lu des pages et des pages de rock stars qui racontent leur addiction, je vous résume le topo, un soir que j’étais un peu fatigué un copain m’a refilé du truc, c’était super, j’étais devenu un surhomme, tout me paraissait facile, j’étais en pleine forme, avant il me fallait huit heures pour achever la lecture d’une oiseuse chronic de Damie Chad, et là en dix minutes j’en lisais quatre, c’est après que c’est devenu plus difficile et plus cher car, j’avais besoin d’une tonne du truc pour comprendre les quatre premières lignes…

Ben, Phillipe l’est comme les autres, Manoeuvre à la godille pour s’en sortir, car tonnerre de Thor il s’en sort, l’est maintenant plus clean qu’un kleenex encore emballé dans sa boîte. Vingt ans d’addiction et hop grâce à un champignon mexicain, il se soigne tout seul comme un grand, pourtant avec sa copine Virginie ils étaient sur la mauvaise Despentes.

J’avoue qu’à la fin du troisième chapitre je suis en surdose, j’ai dépassé le coma éthylique de l’ennui profond, dans ma tête je cherche dans la liste de mes ennemis à qui je vais refiler le bouquin, oui je suis un être profondément vicieux, l’instinct du rocker me sauve, avant d’abandonner le book je tourne la page du quatrième chapitre, et le miracle du champignon du pays de Quetzalcoatl s’accomplit, un seul mot du titre me tire de ma léthargie, en une fraction de seconde mon esprit s’illumine, je suis aussi clean qu’une clinique aseptisée, je ne sais si tous les Kr’tntreaders le méritent, mais je refile, oui je suis aussi un mec intensément généreux, la formule magique, très simple, un mot de deux syllabes Lemmy !

C’est le côté un tantinet énervant du Philman, faut qu’il se mette un peu ( beaucoup ) en avant, nous parle un max de lui et un peu de Lemmy : mais il en dresse un beau portrait, l’a rencontré à maintes reprises, l’on suit ainsi sa carrière, mais décrit surtout l’homme, tout d’une pièce, un mec entier, mais pas dupe, ni des autres, ni de son personnage, ni de lui-même…

Je suis requinqué, comme à l’armée je rempile pour trois ans, n’exagérons rien, trois chapitres suffiront. L’on commence par la visite du Musée de la drogue en Suisse et se termine par la Convention du LSD dans le pays où les banques et les coffres-forts paissent en paix dans d’opulents pâturages. C’est bien raconté, avec humour, idéal pour ceux qui n’ont pas vécu les voyageuses sixties aux States, z’apprendront des tas de noms – names droppin’ is his job – je m’incline respectueusement devant l’édition de Moonchild d’Aleister Crowley dont nous chroniqué la traduction française de Philippe Pissier dans notre livraison 537 du 13 / 01 / 2022… Je fatigue un peu, notre auteur doit s’en douter alors entre les deux tranches du pain il glisse un beau morceau de jambon bon. David Bowie. Nous surfe le coup de toutes les fois où il l’a interviewé, certes c’est intéressant comme tout ce qui touche à Bowie, les fans aimeront mais au final le portrait de Bowie n’est pas aussi fin que celui de Lemmy. L’homme est métamorphose, changeant, Manœuvre ne détache pas les yeux de ses avatars successifs, mais le marionnettiste de ce théâtre d’ombres chatoyantes lui échappe.

Le nouveau quatrième chapitre ( le huitième pour ceux qui ont des difficultés en math ) se profile à l’horizon, souhaitons qu’il soit aussi réussi que celui de Lemmy. C’est que des rockers aussi essentiels que Lemmy ça ne court pas les rues. Ne tremblez pas, le Philman en connaît un, pas n’importe lequel, un personnage essentiel du rock ‘n’ roll, classe internationale. En plus il est français. Vous l’avez deviné. Marc Zermati. Manœuvre lui dresse un bel hommage. Une statue chriséléphantine, de celles dont les anciens grecs honoraient les Dieux, Manœuvre  raconte sa vie comme une légende que les enfants écoutent bouche bée, il conte le héros, ses exploits mythiques et ses blessures humaines. Trop humaines. Les mêmes que les nôtres.

Clean d’œil ! Evidemment Philman est clean depuis vingt ans, donc il fume du truc herbeux depuis deux décennies et se rend en Hollande le seul pays qui nourrit ses vaches et ses touristes avec de l’herbe, boulot oblige à la Cannabis Cup. Il s’en sort défoncé à mort…

Avant-dernier chapitre, un conte qui se termine mal. Une épopée de trois ans, celle des baby rockers. Une de ces histoires dans lesquels l’on est toujours trahi par les siens. Le dernier mouvement d’ampleur rock de la jeunesse française sur laquelle tout le monde est tombé dessus à bras raccourcis. Philman qui fut un des principaux protagonistes la raconte de l’intérieur. Le milieu rock a fait la moue, a agité de faux prétextes de classe, ce sont les enfants de l’élite, c’est sûr qu’ils étaient moins bon que Led Zepe, mais là n’était pas la question. La réponse est donnée avec les conséquences de la fin de l’aventure, beaucoup de ces jeunes travaillent aujourd’hui dans la musique… à l’étranger… et le boulevard qui a été ouvert au rap national…

Un dernier chapitre, l’arraisonnement du rocker par la technologie l’aurait titré Heidegger, Philman en générationnelle sonic fashion victim, un peu le même cancer qui mine certains courants du rockabilly, ceux qui recherchent le son de l’époque 55, ou 56, ou 58, sachez apprécier la différence, mais à l’envers, ceux qui ont écouté le rock ‘n’ roll le nez sur les vitrines des vendeurs de chaîne stéréo, Philman les a toutes essayées de la deutcholle pourave aux engins intergalactiques du dernier cri, jusqu’au jour où il s’est aperçu qu’il n’existait rien de mieux que le vinyle, n’ose pas dire que son ancien teppaz, mais il devrait, je pense que l’on peut écouter un disque de rock sur n’importe quel engin, de toutes les manières vous avez votre cerveau qui sert d’équaliseur, réceptionne le son qui entre  dans votre oreille et illico vous le reduplique à l’identique du son originel du rock, celui qui vous a commotionné la première fois  dans votre adolescence, ce que vous entendez c’est le son qu’ a emmagasiné  et que reproduit votre cortex reptilien, celui de votre jeunesse, celui qui vous empêche de vieillir. La seule drogue de jouvence disponible sur le marché intérieur.

Damie Chad.

CHRONIQUES DE POURPRE 559 : KR'TNT 559 : GENE VINCENT / ETHAN MILLER / BUTTSHAKER / THE EYES / TWO RUNNER / THUMOS / COSSE

KR'TNT !

KEEP ROCKIN’ TIL NEXT TIME

LIVRAISON 559

A ROCKLIT PRODUCTION

SINCE 2009

FB : KR’TNT KR’TNT

13 / 06 / 2022

GENE VINCENT / ETHAN MILLER

BUTTSHAKERS / THE EYES

TWO RUNNER / THUMOS / COSSE

 

Sur ce site : livraisons 318 – 559

Livraisons 01 – 317 avec images + 318 – 539 sans images sur :

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Là où il y a du Gene, il y a du plaisir

- Part Two

 

         On papotait paisiblement avec Damie quand, à un moment donné, la conversation est revenue sur Gene Vincent. Ça tombait à pic, car un journaliste anglais venait tout juste de créer la sensation avec six pages dans Record Collector ET un nouvel angle, une façon toute neuve d’exprimer son admiration pour Gene Vincent. En matière de presse rock, l’angle c’est capital : c’est ce qui détermine le fait qu’on lit ou qu’on ne lit pas. Yves Adrien ajoutait du style à l’angle, ce qui fait qu’on le relisait. Avec Mick Farren et Nick Kent, il fait partie du triumvirat des grands stylistes.

         Le nouvel apologue de Gene Vincent s’appelle Jack Watkins. C’est un tour de force que de trouver un nouvel angle alors que la messe est dite depuis un bail, principalement par Mick Farren (There’s One In Every Town), par Luke Haines (dans l’une de ses columns) et par Damie Chad dans le Spécial Gene Vincent de Rockabilly Generation. Pour être tout à fait franc, il faut bien dire qu’on attaquait l’article du pauvre Watkins en craignant le pire, c’est-à-dire l’assoupissement. Quand on attaque des séances de lecture à des heures indues, on compte essentiellement sur l’excitation pour rester sur le qui-vive.

         En six lignes de chapô, Watkins définit Gene Vincent comme personne ne l’a fait avant lui. Il commence par rappeler qu’on surnommait Gene the Screaming End et embraye avec ça : «Il a su rajouter une couche par-dessus le showmanship et les catchy hooks de Bill Haley & the Comets, les guitar licks et l’élégance ingénieuse de Chuck Berry, l’extravagance outrancière de Little Richard, le sex appeal et la musicalité d’Elvis. En retour, il n’a pas eu beaucoup de hits, mais il a obtenu en retour une loyauté à toute épreuve, notamment en Angleterre et en Europe.» La loyauté, c’est le cœur battant du mythe de Gene Vincent. C’est un truc précieux et fragile qui marche dans les deux sens. Watkins explique que Gene a continué de tourner en Europe avec le même son et le même look, alors que tous les autres avaient arrêté depuis longtemps - Vincent flew the flag for the primitive 50s rock when everyone else had abandonned - Watkins dit que c’est extra-special. On revient donc au cœur du mythe rock : la relation entre l’artiste et ses fans. C’est l’angle qu’a trouvé Watkins pour dire en quoi Gene Vincent est un artiste exceptionnel. En Angleterre, on a eu tendance à mettre Chuck Berry (les Stones) et Buddy Holly (les Beatles) en avant, mais Gene Vincent a influencé des tas de gens, Ritchie Blackmore, Ian Dury, Robert Plant et surtout Jeff Beck, qui dans une interview avoue qu’il n’appréciait pas trop Elvis, parce qu’il le trouvait «trop parfait», et qu’il préférait Gene Vincent pour son uglyness, c’est-à-dire sa laideur, et son ugly rock’n’roll - He was pure rebellion, the first punk - Voilà, les chiens sont lâchés, le mythe prend ses jambes à son cou.

         Loyauté et ugly rock’n’roll. En lisant ça, tout s’éclaire. On sait pourquoi on a toujours vénéré Gene Vincent, depuis soixante ans : loyalty and ugly rock’n’roll. Bon, Watkins essaye de rattraper le coup en expliquant qu’au fond, Gene Vincent n’était pas vraiment laid, mais plutôt pâle et maigre comme un clou, skinny. C’est justement le côté ordinaire de son physique qui attirait les gens vers lui. Au moment du Rockabilly Revival des années 80, il réussit l’incroyable exploit de redevenir culte. Il refascine de plus belle, notamment Shakin’ Stevens et les Matchbox guys.

         Watkins a aussi une façon assez originale d’évoquer «Be-Bop-A-Lula» - un hit qui est devenu un tel cliché qu’on a oublié how alien the record originally sounded - Il parle d’une production «sparse and echoey», c’est-à-dire légère et pleine d’écho, avec un tempo «très lent pour un rock» et le son de guitare de Cliff Gallup est «tellement précis qu’il en devient presque gracieux» - The frantic elements come from Vincent’s hipcupping, hyperventilating delivery of the puzzling lyric et des cris du batteur Dickie Harrell - Watkins a raison de dire que Be-Bop est devenu un cliché, alors que c’est un chef-d’œuvre d’ugly rock, comme le sera d’ailleurs la B-Side «Woman Love», encore plus porté sur le dirt sex - Vocal pornography, déclare le NME en Angleterre - Watkins est surtout impressionné par le professionnalisme des Blue Caps qui ne jouaient ensemble que depuis quelques semaines. Et Gene Vincent n’a alors que vingt ans.

         Puis après, Watkins tombe dans la routine, avec l’accident de moto, la patte folle et le recours à l’alcool et aux pain-killers pour contenir la douleur. Il est un peu obligé de redonner tous ces détails, car en 2022, il est possible que certains lecteurs de Record Collector parmi les plus jeunes ne sachent pas qui est Gene Vincent. Si Gene Vincent atterrit chez Capitol, c’est uniquement parce que le label avait besoin d’un artiste pour soutenir la concurrence avec RCA qui venait de récupérer Elvis. Alors en 1956, Gene et les Blue Caps enregistrent 35 cuts à Nashville avec Ken Nelson. Watkins est dithyrambique : «Ces 35 cuts constituent l’un des most consistently excellent and beautifully recorded bodies of work of the early rock’n’roll era.»

         Bluejean Bop et Gene Vincent & The Blue Caps sont deux des grands albums classiques du rockab. Pochettes parfaites, quatre faces hantés par l’un des meilleurs slap sounds de l’époque - oh la rondeur du slap sur «I Flipped» ! - avec un Gene qui chante en douceur et en profondeur. Il faut voir les Blue Caps jazzer la pop d’«Ain’t She Sweet», quand on réécoute ça soixante ans après la bataille, ça produit toujours le même effet et tu as Gene qui minaude en guise de cerise sur le gâtö. «Bluejean Bop» est le pur rockab de Capitol, avec tout l’écho du temps. Le bop s’articule comme un numéro de trapèze au cirque, break de caisse claire et solo de clairette. On reste dans le pur jus avec «Who Slapped John», pulsé au beat des reins. On entend Dick Harrell battre le big bad beat sur «Jump Back Honey Jump Back» et les Blue Caps recréent de la légende à gogo sur «Jump Giggles & Shorts», magnifique exercice de style de rock steady go à gogo. Sur le deuxième album de Gene avec les Blue Caps, le «Red Bluejeans & A Pony tail» d’ouverture de balda est un authentique coup de génie. On a là le vrai beat rockab original. Gene a une façon très spectaculaire de lancer ses Blues Caps à l’assaut, c’est tapé à la caisse claire et chanté à la délectation. Tout est beau ici, le groove de slap («You Told A Fib»), le «Cat Man» insidieux monté sur un Diddley beat, yeah, et la belle explosion de Blue Cap Bop sur «You Better Believe». Mais c’est encore en B qu’on se régale le plus avec la fantastique allure groovy de «Blues Stay Away from Me». On entend aussi les Blue Caps déclencher des tourbillons dans «Double Talkin’ Baby» - Please make up your mind - et quand Gene envoie «Pretty Pretty Baby» au firmament à coups de never saw a gal like you, les Blue Caps font «Pretty pretty baby» !». Ces mecs swinguent comme des démons.

         Watkins parle d’un rockabilly holy grail. Il a du mal à préférer un cut, étant donné l’abondance de merveilles sur ces deux albums, «though Cat Man is Vincent at his most eerie». Alors après l’ugly, voilà l’eerie, c’est-à-dire le sinistre. Mick Farren avait bien perçu la dimension tragique de son héros, il en fit même un personnage shakespearien. Watkins ajoute : «Vincent and the Blue Caps swing like crazy on Jumps Giggles And Shouts». Crazy, ugly, eerie, tout est là.

         Watkins dit aussi que les cuts plus pop («Jezebel», «Peg O’My Heart» ou «Ain’t She Sweet») furent probablement choisis par Ken Nelson, mais, ajoute Watkins, «Gene les chante beautifully, with total commitment. Like Presley, he was a superb balladeer.» Ces deux albums sont tellement solides qu’ils se vendent bien, à une époque où le marché reste dominé par les singles.

         Galloping Cliff Gallup quitte les Blues Caps fin 56. Gene et les Blue Caps vont enregistrer au Capitol Tower de Los Angeles. Watkins note que le son est fuller. C’est Johnny Meeks qui remplace Gallup. Le groupe passe aussi à la basse électrique, un piano et un sax entrent dans la danse. Ce n’est plus du tout le même son. Watkins parle de poppier sound. «Dance To The Bop» sera pour Gene sa dernière visite dans le charts américains et «Rocky Road Blues» est l’un de ses greatest, most representative vocals. 

         Le son change, bien sûr, mais la voix ne change pas. Le Gene Vincent Rocks! And The Blue Caps Roll qui paraît en 1958 est encore un big album, pochette magnifique, Gene en vert pistache et la fabuleuse tension du «Brand New Beat» d’ouverture de balda. Il chante ça du coin des lèvres et derrière lui gronde le vieux beat rockab. Sur cet album, le coup de génie est sa version de «Frankie & Johnnie» swingué aux clap-hands, Gene interpelle Johnny Meeks - Oh Johnny - qui passe un solo d’éclate tragiquement désenchanté. On tombe plus loin sur un «Flea Brain» wild as fuck, un absolute beginner, rock it now !, et Johnny Meeks te passe dessus avec son killer solo flash.

         La même année paraît A Gene Vincent Record Date avec un Gene en gros plan sur la pochette. Le son, la voix, tout est là dès «Five Feet Of Lovin’», mais c’est «Somebody Help Me» qui fait vraiment des étincelles. La qualité de la prod bat tous les records. On a une fantastique profondeur de son et des basses bien rondes. Il boucle son balda avec «Git It», un joli shoot de dance craze avec des chœurs de doo-wop and a diamond ring - I’ll do the best I can do to/ Git it/ Git ! - Et pour illuminer une B qui sent le filler, Gene nous claque «Look What You Gone And Done To Me», un wild & frantic rock’n’roll. Il y met toute sa niaque de Virginien.

         Mais on sent bien au fil des albums que l’intensité baisse. En 1959, le rockab est mort et Capitol, comme tous les autres barons de l’industrie musicale, vise un son plus commercial. Ça va donner deux albums plus poppy, Sounds Like Gene Vincent et Crazy Times. On perd complètement le Gene du rock. Capitol lui a mimé les dents. «I Might Have Known» est encore un peu rocky road mais aussi cha cha cha, et avec le solo de piano, la niaque disparaît. Sa version de «Reddy Teddy» est un peu ridicule, il fait du sautillant, il est complètement aseptisé. Il faut attendre «I Got To Get To Yet» pour renouer avec le swing et il sauve son Sounds Like avec une version bien endiablée de «Maybelline».

Sur Crazy Times, «She She Little Shorta» fait office de Saint-Bernard sauveur d’album, un vrai délice de deepy deep, mais le morceau titre est trop poppy pour un artiste qui nous a habitués aux miracles. Il passe au heavy blues subtilement orchestré avec «Darlene» et on finit par s’ennuyer en B, car les cuts sont très produits, un peu à la limite de la variété. Et bizarrement, sur «Accentuate The Positive», sa voix est mixée à l’arrière des chœurs.

         C’est l’époque où Gene commence à faire le con. Il disparaît en Alaska et les Blues Caps qui ne sont pas payés se font la cerise. Comme sa carrière bat de l’aile aux États-Unis, Gene entame sa carrière anglaise. Joe Brown qui l’accompagne sur scène est très impressionné par Gene : «He had this evil eye he used to fix on you.» Ugly, eerie, crazy, evil. Ça ne s’arrange pas. Tant mieux.

         Selon Watkins, Gene redémarre sa carrière à Abbey Road en 1961, accompagné sur un remake de «Pistol Packing Mama» par les Beat Boys, Colin Green (guitar) et Georgie Fame (piano), et «I’m Goin’ Home (To See My Baby)», accompagné par Sounds Incorporated. Fin 1962, Gene est le roi du circuit rock en Angleterre. Il va bientôt être détrôné par les Beatles. Gene est alors vu comme outdated. T’es passé de mode, pépère.

         En 1964, Gene enregistre Shakin’ Up A Storm avec The Shouts, un groupe de Liverpool. Ce n’est pas l’album du siècle, Gene y propose une série de classiques, comme le faisaient tous les pionniers à l’époque. Il tape principalement dans Little Richard («Hey Hey hey Hey», «Slippin’ & Slidin’», un «Long Tall Sally» embarqué au fouette cocher, et «Good Golly Miss Molly»), il est bien énervé, mais cet Anapurna appartient à Little Richard. Et puis le son est trop anglais. Sur ces classiques, on est habitués au son de la Nouvelle Orleans. C’est avec «Private Detective» qu’il rafle la mise, car il chante ça au big raw, puis il se lance à l’assaut de «Shimmy Shammy Shingle» avec un courage qui l’honore, mais bon, il arrive après la bataille et les gens sont passés à autre chose.

         Tous ses fans attendaient des merveilles de son retour aux affaires. L’album sans titre paru sur London Records en 1967 répondit aux attentes. Car on y trouvait «Bird Doggin», qu’il faut considérer comme l’un des plus beaux hits de l’histoire du rock, puisqu’il illustre le grand retour de Gene Vincent. On le trouvait à l’époque sur un EP Challenge, mais pour les ceusses qui n’eurent pas la chance de choper l’EP, il restait la possibilité de choper le London album. Bon, on a déjà dit ici tout le bien qu’on pensait de «Bird Doggin’», Gene chante ça comme un dieu - All these sleepless nights/  I’m so tired of - pulsé par un beat des reins et fracassé à deux reprises par le wild killer solo de Dave Burgess, avec un retour en tiguili sur le tard. Cut magique. On trouve d’autres énormités sur cet album, comme par exemple «Poor Man’s Prison», un solid romp monté sur une belle structure de boogie, avec un Gene qui chante à l’insidieuse pervertie. Et puis «Ain’t That Too Much», belle giclée de Genetic power, monté sur un drive de basse atrocement dévorant et chanté au sommet du lard fumant. En 1967, Gene pouvait encore mener le bal des vampires.

         On se souvient d’avoir éprouvé un grosse déception à la parution d’I’m Back And I’m Proud. On s’attendait à la merveille des merveilles, car l’album paraissait sur Dandelion, le label de John Peel, il était produit par Kim Fowley et on avait encore dans l’oreille le mythique «Bird Doggin’». En plus, la pochette du pressage américain était un petit chef-d’œuvre. Mais ce fut une déconvenue aussi sévère que celle occasionnée par Shake Some Action, l’album beatlemaniaque des Groovies : on avait dans les deux cas des versions édulcorées d’artistes qu’on vénérait. Le Shake est passé par la fenêtre et le Gene a été revendu aussi sec, mais racheté à la première occasion, en croisant un pressage anglais dans un bac de Goldborne Road. I’m Back And I’m Proud fait en effet partie des albums qu’il faut réécouter régulièrement, même si la fin de la B indispose toujours autant. On revient toujours à la triplette de Belleville, «Sexy Ways», «Ruby Baby» et «Lotta Lovin’», car Gene est un remarquable interprète, il remplit bien l’espace et derrière, on a l’heavy attack de Skip Battin et de Johnny Meeks. C’est du classic rockalama, mais quel son ! Kim Fowley ne fait pas n’importe quoi. En A, Red Rhodes illumine «Rainbow At Midnight» d’un solo de slide et Johnny Meeks arrose «White Lightning» d’une belle dégelée de wild craze. On le voit aussi rôder dans l’«In The Pines» - Where the sun never shines - Skip Battin y vole le show avec un bassmatic aventureux, ce qui paraît logique pour un Byrd.

         En 1970, paraissait un nouvel album sans titre de Gene Vincent sur Kama Sutra. C’est l’un de ses meilleurs albums. Il ouvre son balda avec un «Sunshine» signé Mickey Newbury et tu sens aussitôt monter un parfum Tex-Mex, logique puisque Johnny Perez et Augie Meyers jouent derrière. On se croirait sur Mendocino, c’est bourré d’esprit, de feeling et de spiritual spiritus sanctus. Petite cerise sur le gâtö, c’est enregistré par Dave Hassinger à Hollywood et produit par Tom Ayres. Toute la bande embarque «Slow Time Comin’» pour un voyage hypnotique de 9 minutes, à la croisée du Tex-Mex et du Cubist Blues. Bien vu et bien foutu. On trouve un autre cut hypno en bout de B, l’excellent «Tush Hog», chanté à la Gene et allumé par des guitares vicelardes. Gene fait aussi du Cajun avec «Danse Colinda» - Elle dansait pour moi Colinda/ Elle dansait ce soir - Une pure merveille. C’est à ce genre d’exercice qu’on mesure la hauteur d’un géant. Le «500 Miles» qui ouvre le bal de la B sonne comme «J’entends Siffler Le Train». Et Augie Meyers ramène son shuffle sur «I f Only You Could See Me Today». On s’y sent tout de suite en sécurité, c’est fabuleux de Texarcana. 

         Le deuxième (et ultime) album de Gene Vincent sur Kama Sutra s’appelle The Day The World Turned Blue. Il paraît en 1971, l’année de sa disparition. On a le choix entre deux pochettes : Gene en gros plan à côté d’un lion, et Gene photographié derrière une baie vitrée fracassée, à l’image de sa carrière. On sent qu’il se bat comme un beau diable sur cet album qu’il attaque comme le précédent avec une compo signée Mickey Newbury, «How I Love Them Old Songs». Il ramène encore une fois un parfum de Cajun dans le chant et c’est un délice que de l’entendre chanter. On le sait depuis le début, Gene adore les bluettes, alors il se ramène avec «You Can Make It If You Try» qu’il savoure dans sa bouche. Puis il s’enfonce encore un peu plus dans la romantica avec «Our Souls», une compo signée Jackie Frisco, the beautiful wife. Si on attend un miracle, il est en B, en ouverture de bal, c’est le morceau titre, une compo à lui, une big pop de type «Eve Of Destruction», il ramène pas mal de power dans son turned blue. Puis il rend un bel hommage à son copain Carl avec «Boppin’ The Blues». Il ramène pour ça du piano et des guitares bien rock. 

         Absolument indispensable à tous les fans de Gene : le coffret Rock’n’Roll Legend, paru en 1977 en France sur Capitol. Très bel objet, quatre LPs et un book de photos, plus un 45 tours d’interview. Il est indispensable car on y trouve tous les hits qui ne figurent pas sur les cinq albums Capitol, tiens comme par exemple «Race With The Devil» ou encore «Crazy Legs», des vraies bombes de bop, uniques et parfaits, avec un joli départ en solo du grand Gallopin’. Pulsatif d’excelsior embarqué au slap de she’s may baby et ça tatapoume dans l’écho du Capitol. Et puis la pureté du slap ! Le son Capitol est capital. On réécoute avec un plaisir sans nom le vieux «Be-Bop-A-Lula». Que de soin apporté à ce hit ! C’est du niveau de ce que fit Uncle Sam avec Elvis. Encore du Capitol Sound avec «Well I Knocked Bim Bam», Gene adore lancer ses Blue Caps à l’assaut de la fête foraine et tu as toujours l’énergie du slap de Capitol. Sur le disk 2, tu vas croiser l’infernal «Lotta Lovin’», bien claqué par le Gallopin’, la classe absolue, solo insidieux comme pas deux. Et puis tu as la haute voltige de «Dance To The Bop» et un Gallopin’ qui croise le slap. À cette époque, tout est solide chez Gene, il est sur tous les fronts. Alors qu’Elvis s’enfonce dans la mouscaille chez RCA, Gene Vincent rocks it hard avec «Right Now» et «I Got A Baby». Sur le disk 3, tu vas te régaler avec «Rocky Road Bues», l’un des rockabs les plus parfaits de l’époque. Il le développe au cri de relance, avec une énergie considérable. Il monte au créneau du ooouh et laisse le champ libre au solo de piano. C’est ce qu’on appelle le pulsatif du diable. «Say Mama» sonne comme un classique intemporel, c’est même le bulldozer de Gene, il enfonce tous les barrages. Il s’en va tester sa voix avec «Over The Rainbow» et fait son Fatsy avec «Wild Cat». Mais c’est «Pistol Packin’ Mama» qui va t’emporter la tête comme le ferait un boulet d’abordage. Fantastique intro de basse et Gene chante à la frénésie exacerbée, c’est d’autant plus explosif que le bassmatic tend ce cut qui flirte avec une certaine exotica. Et puis comme on l’a vu avec les cinq albums Capitol, on perd le Gene qu’on aime sur le disk 4 du coffret. Trop mou du genou.

         Si on est curieux et qu’on en pince pour le grand art de Gene Vincent, alors on peut se payer le luxe intérieur d’écouter une compile de wannabes, They All Wanna Sound Like Gene. On la trouvait facilement dans les bacs de rock’n’roll, à l’époque. Et tous les groupes qui y figurent s’arrangent pour rendre de vrais hommages à leur idole, tiens, par exemple Mike Waggoner & The Bops, avec un «Hey Mama» bien wild, ou encore les Muleskinners avec une fantastique cover de «Rocky Road Blues», on les voit débouler dans le Rocky Road avec une énergie similaire à celle de Gene. Johnny Carroll fait un Be Bop pas très bon, par contre, en B, The Keil Isles montrent une belle tenue de route avec «Boogie Boy». Et ça repart de plus belle avec Gene Rambo & The Flames et «My Little Mama», ils basculent dans le Gene pur, c’est extrêmement bien exacerbé aw yeah avec du piano à la Jerr. Le mélange monte droit au cerveau ! Le mec des Superphonics chante exactement comme Gene, au petit sucré pointu, son «Teenage Partner» fait illusion. Et on retrouve The Keil Isles avec une explosive version de «Say Mama» ce qui sera en ce qui nous concerne la plus belle des fins de non-recevoir.

Signé : Cazengler, Blême Vincent

Gene Vincent & His Blue Caps. Bluejean Bop. Capitol Records 1956

Gene Vincent & His Blue Caps. Gene Vincent & The Blue Caps. Capitol Records 1957

Gene Vincent. Gene Vincent Rocks! And The Blue Caps Roll. Capitol Records 1958

Gene Vincent & His Blue Caps. A Gene Vincent Record Date. Capitol Records 1958

Gene Vincent. Sounds Like Gene Vincent. Capitol Records 1959

Gene Vincent. Crazy Times. Capitol Records 1960

Gene Vincent & The Shouts. Shakin’ Up A Storm. Columbia 1964

Gene Vincent. Gene Vincent. London Records 1967

Gene Vincent. I’m Back And I’m Proud. Dandelion Records 1970

Gene Vincent. Gene Vincent. Kama Sutra 1970

Gene Vincent.  The Day The World Turned Blue. Kama Sutra 1971

Gene Vincent & The Blue Caps. Rock’n’Roll Legend. Capitol Records 1977

They All Wanna Sound Like Gene. Thunder Records

Jack Watkins : Be-Bop don’t stop. Record Collector # 526 - Christmas 2021

 

 

Miller Ethan son empire

 

         Dans un bel article de Classic Rock, Dave Everley indique qu’Ethan Miller ressemble à sa musique - He looks equally as wild as his music sounds - Avec sa coupe de cheveux improbable, sa barbe d’ostrogoth en rut et son manteau afghan, Ethan Miller semble sortir des bois, comme le fit Jimi Hendrix à une autre époque : avec une classe animale. Si Miller sort des bois, c’est pour rocker la planète à sa façon. Il hume l’air : «On sent qu’il y a de l’espoir et du désespoir en même temps.» Et il ajoute : «I want to echo that.» Bien vu, Mister Miller. Il vient des Redwoods du Nord de la Californie. Située entre San Francisco et Portland, il appelle ça the lost coast. C’est la région des séquoias géants. Il a quinze ans quand il découvre la scène d’Eureka et Buzz Osbourne des Melvins, c’est-à-dire l’apanage de la heavyness. Mais il dit aussi garder un pied dans le rock classique des Beatles, de l’Airplane et de Crosby Stills & Nash. Monsieur a le bec fin. Et c’est à peu près tout ce que nous apprend Dave Everley.

         Si les Hellacopters furent longtemps considérés comme les rois du blast, ce titre revient désormais à Ethan Miller. Son premier album avec les Comets On Fire est un chef-d’œuvre blastique incomparable. Ethan dit au bassman Ben : «Let’s do a little project where we just blast this thing out.» Alors ils blastent. Disons que Comets On Fire propose une certaine idée du son. Ça saute à la gueule dès «All I Need», trash démentoïdal d’action directe. On gagne beaucoup à connaître cette bande d’activistes. Avec son chant incendiaire, l’Ethan éclaire la plaine. «With the Echoplex, I went bananas», dit-il. Il se comporte comme un puissant défenestrateur, un horrible trasher. Il barde ses cuts de son et de spoutniks. Ce groupe fait plaisir à voir. L’Ethan prend tout à la hurlette contrite, à la grosse gueulante, il braille comme cet hérétique tombé aux mains de la Sainte Inquisition, ouuaaahhh, ça fait mal rien que d’y penser, c’est bardé de coups de wah enragés et ça trash-boome in the face of God. Encore une vraie dégelée avec «Got A Feeling», cut invraisemblable et bourré de son. Ils passent à la heavyness avec «Rimbaud Blues», l’Ethan hurle comme un damné, mais un vrai damné, pas un faux, il joue la carte du malheur définitif, avec le beat des éléphants de Scipion. Ils embarquent «Let’s Take It All» au pire trash-beat de la stratosphère, ils en arrivent au point où les notes ne signifient plus rien, ils livrent un blast liquide, tout est porté à incandescence, c’est du génie de destruction massive. Même chose avec «The Way Down» explosé d’entrée de jeu, au-delà de tout ce qu’on peut imaginer, et même encore bien au-delà de ça, l’Ethan est un démon, mais un démon avec une vision, celle dont parle Bourdieu, oui, brûler des bagnoles mais avec un objectif. Les comètes sont en feu, tout est battu comme plâtre, tout est poussé au maximum des possibilités, le Miller n’en finira plus d’Ethan son empire. Il explose littéralement le son des seventies. Il règle tous les problèmes à coups de wah techtronique, il retrouve les vraies clameurs des armées d’antan, il manie le son comme une hache de combat. Ses coups de wah vacillent dans la torpeur d’un désastre sonique. Il bouscule même «Days Of Vapours», le dernier cut d’apparence pourtant ordinaire, pour en faire une énormité, un truc qui contient toute la violence d’un combat de plaine, vous savez, cette orgie de violence dont personne n’espère sortir vivant.         

         Si on lit les notes de pochette au dos de Field Recordings From The Sun, on voit qu’Ethan Miller joue de la Destruction Fuzz Guitar, et ça s’entend dans «Return To Heaven», un simili-cut balayé par des vents violents. En fait, ça sonnerait plus comme une tentative de hold-up, car voilà du violent freakout doté de soubassements dévastateurs. Avec «Unicorn», Ethan et son équipe de desperados trempent dans une invraisemblable bouillasse coactive, et même coaxiale. Ils n’ont aucune chance d’atteindre la tête des charts, mais ils montrent des tendances affirmées et d’authentiques réflexes de violence sonique. Quand on écoute «The Black Poodle» qui ouvre le bal de la B bazire, on comprend que leur style s’apparente plus aux vents de sable du désert qu’au rock traditionnel. Ils cultivent une sorte de violence par rafales et mettent les oreilles d’autrui en danger, ce qui est tout à leur honneur. Cet album dépenaillé est tendu à l’extrême, bousculé dans le son, avec une quête constante de chaos sonique. Et Ethan le destructeur nettoie les tranchées au sonic boom.

         Bong Voyage : deux faces, deux dégelées. Pas d’infos, pas de rien. Tout ce qu’ils savent faire, c’est démolir un immeuble. Ils ont tout ce qu’il faut pour ça : le foutraque, les puissances des ténèbres, les rognures de wah, la démesure sonique, le nihilisme et toutes les outrances. Ils démolissent le sacro-saint format disk. Il ne reste que le son, rien que le son. Plus de repères, plus de rien. Ils montent leurs cuts sur des modèles parfois hendrixiens, mais avec un côté outrancier. Miller n’en finit plus d’Ethan son empire. Il réduit le live à l’état de clameur improbable. On reconnaît le riff de basse de «Who Knows». Vers la fin de l’A, ils trempent en effet dans le Band Of Gypsys.

         Il faut suivre l’Ethan à la trace, car il est capable de belles exactions. Blue Cathedral en est la preuve criante. Dès «The Bee And The Cracking Egg», on voit monter la démence d’une virée tourmentée par une basse incontrôlée. Des vents atroces balayent ce pauvre cut. L’Ethan joue au petit jeu de la tempête shakespearo-hawkwinesque, il vise l’ultra de l’au-delà du monde connu. Les oreilles du casque palpitent, tout bouge dans la cambuse, on se croirait au passage du Cap Horn par une nuit de tempête. Les Comets On Fire font carrément leur Fun House. Ils nous proposent une chevauchée sauvage digne des Walkiries. Rien d’aussi dingoïdal. Mais attention, les cuts sont interminables. On risque de décrocher. Ces mecs sont bien gentils, mais ils ne se rendent pas compte. Ils repartent pour sept minutes de «Whiskey River», nouvelle giclée d’expérimentation co-axiale. L’Ethan s’étend à l’infini. Comme Néron, il vise la folie. C’est un amateur d’excès. Il a rassemblé toutes les légions de la prog aux frontières et les fait défiler en hurlant de l’imprécatoire. L’Ethan sait allumer les brasiers. On le sent investi d’une mission divine. Il gueule tout ce qu’il peut dans l’écho du temps. Et ça wahte dans des tourbillons de vents violents. Le seul moyen de s’en sortir avec ce genre de mec, c’est de se prêter à son jeu. Autrement, il vaut mieux s’en aller et donner le disque au voisin qui ne l’écoutera même pas. Avec «The Anthem Of The Midnights», on repart sur du quatre minutes - durée acceptable - mais quatre minutes de violence indescriptible. Ethan Miller est un fou dangereux, un amateur de violentes tempêtes, un Achab de Cap de Bad Espérance. C’est joué sans pitié pour les canards boiteux. Ce mec hurle tout ce qu’il peut hurler et graisse son mayhem aux pires guitares. On croirait entendre hurler la reine emmurée vivante dans le donjon. Trop d’énergie, beaucoup trop d’énergie ! Avec «Wild Whiskey», ils vont là où Syd Barrett n’a jamais osé aller. Too far out, baby. C’est tablé aux tablas et immensément wild. Mais too far out. Ils bouclent cet album d’époque épique avec «Blue Tomb», une pièce de heavyness étalée sur dix minutes. Qui peut résister à ça ? Nobody, baby. Ils partent sur les vieux accords de blues rock de Croz. Le groove est celui de «Cowboy Movie». Ils y plongent comme des dauphins. C’est inspiré par les trous de nez. Pure démence de baby low, heavy comme la tombe, lourd comme l’enfer, dur comme la mort, si bien vu. Bienvenue dans le son de l’au-delà.

         Si on rapatrie l’Avatar paru deux ans plus tard, c’est uniquement pour écouter ce coup de génie intitulé «Holy Teeth». L’Ethan amène ça à la furia del sol du trash-gaga. On le sent déterminé à vaincre. Quelle tranche de trash ! Une fois de plus, il sort de sa réserve et devient violent. Comme le cut est court, ça reste de la vraie violence d’écho de guitares. Une fois encore, les Comets balayent tout ce qui est autour. Mais attention, les autres cuts valent aussi le détour, à commencer par «Dogwood Rust», jazzé du jive et chanté à plusieurs voix, on a du féminin et du masculin aux barricades, mais ils échappent à tous les formats. Ils continuent de jazzer le jive avec «Jaybird». Ils ne se refusent aucune figure de style et s’amusent une fois de plus à échapper aux formats. L’Ethan fait des bras et des jambes pour se montrer intéressant. Les Comets reviennent aux morceaux longs avec «The Swallow’s Eye». Quand on écoute un album des Comets, il vaut mieux éviter de prévoir des rendez-vous. L’Ethan vire proggy et on se demande ce qu’on fout là, sous le casque. Ce n’est pourtant pas la première fois qu’on écoute cet album. Ses long cuts intriguent tellement qu’on y revient. Ce sont des fourre-tout gorgés de sonic trash. Plutôt que de chercher à plaire, ils vont dans l’autre sens, ils en rajoutent. Même chose avec «Sour Smoke», 8 minutes de stomp barbare. On croirait entendre une armée antique en marche, celle dont les fantassins frappent leurs boucliers à coups de glaives pour se donner du courage face à un ennemi en surnombre, et soudain, les instruments se livrent à des fantaisies inespérées. Comme tout cela est curieux ! On voit même des pianotis chatouiller le stomp. L’Ethan nous en fait voir des vertes et des pas mûres. Il dit aussi que cet album est un destroyer pour Comets, car ils atteignent leurs limites.

         L’Ethan conduit une autre meute à travers les plaines : Feral Ohms. Un Live In San Francisco récemment paru témoigne de leurs exactions soniques. Dès «Early Man», la violence s’impose. Ils jouent très vite, dans une sorte de folie incontrôlable avec un son à la Motörhead. C’est un peu comme si Attila avait inventé en son temps le rouleau compresseur. Nouvelle expérience tragique avec «Teenage God Born To Die» : tout est densifié aussi bien dans l’espace que dans le temps. On sent l’air se raréfier. Ethan et ses hommes trépident ventre à terre, ils tâtent du gros son américain. Pour les amateurs de napalm, c’est un bonheur. Tout est démesurément clamé dans la clameur, tout passe dans le rouge du vif de l’action, dans l’excès démentoïde de la furia del sol. Inutile de préciser que le carnage se poursuit en B. Tout y nivelé au plus haut niveau de la banalité du blast. Aucune rémission n’est envisageable. On assiste même au naufrage de «The Glow», noyé de son et destiné au néant psychédélique.

         Il vient juste de réaffirmer sa tendance au blast définitif avec un nouvel album de Feral Ohms. Il y joue ouvertement la carte du power-trio déblastateur, de type Motörhad/Husker Dü, mais en mode californien, c’est-à-dire hautement énergétique. Dès «Love Damage» et «Living Junkyard», on est fixés sur ce qui nous attend. Il vise le grand large de l’ad vitam aeternam blasmatique. On note au passage qu’il travaille avec le mec du Dock, Chris Woodhouse, comme John Dwyer. Il chauffe toute l’A à blanc avec un chapelet de saucisses fumantes, «God Of Nicaragua», «Value On The Street» et «Super Ape». Chez lui, tout n’est que luxe poilu, calme impossible et volupté stridente. Il ultra-blaste en permanence. On dirait même qu’il parvient à aller plus loin que les autres, alors qu’on croyait ça impossible. Son «Super Ape» paraît extrêmement énervé, c’est une véritable bénédiction pour tous les tympans crevés. Relentless, telle est la morale de cette sombre histoire de blast marmoréen. N’allez pas croire qu’il va se calmer en B. Bien au contraire. Dès «Teenage God Born To Die», on est fixé sur ce qui nous pend au nez : une trombe cyclonique qui emporte tout sur son passage. Ethan pourrait bien être le grand balayeur définitif. Son «Early Man» est tellement blasté de la paillasse qu’il en devient inclassable. On pourrait presque parler de Millerisme. Chez lui, trop de blast ne tue pas le blast, comme on pourrait le croire, mais au contraire, son blast génère du blast. No seulement il le génère, mais il le dégénère. Cet album est plein d’une vie insolite. Il tape dans le heavy blues avec «Sweetbreads» et nous livre une pièce de gros rock coulant et onctueux. Tout y est : le stonage du stoner à la Monster Magnet et la démesure de Blue Cheer, c’est-à-dire l’excellence de l’intemporel. Il boucle cet album pour le moins faramineux avec «The Glow», qui sonne comme une délectation de heavyness considérable. Tout est joué sur le mode du raid d’aviation à la pulsasivité démoniaque, tout est saturé de son oint, de glue jaune. Ce génie de Miller Ethan encore l’empire du sonic trash.

         La troisième mamelle de l’Ethan s’appelle Howlin Rain. Avec ce groupe, l’Ethan teste un autre son et un autre mode de fonctionnement : Comets est une démocratie, avec Howlin Rain, il est bandleader. Un premier album modestement titré Howlin Rain paraît en 2006. Il y fait des miracles en termes de pop atmosphérique, comme on le constate à l’écoute du premier cut, «Death Prayer In Heaven’s Orchard». C’est à la fois puissant et souverainement emmené. Il hurle sa fin de cut avec toute la puissance dévastatrice d’un Bob Mould frank-blacklisté, mais en plus raunchy, if you see what I mean. La fête se poursuit avec «Calling Lightning With A Scythe», une sorte de balladif possédé par le diable. L’Ethan est l’un des grands génies du songwriting américain contemporain. On a là un cut chargé de son et de texte, complètement ravagé par un solo d’une trashitude définitive. Ce mec a tellement de génie qu’on s’en émeut sincèrement. Il va encore plus loin que William Reid, comme si c’était possible. Avec «Roll On The Rusted Days», il tâte du rock rapide qui file ventre à terre. C’est presque de la Stonesy. L’Ethan est capable de taper dans tous les genres confondus. Il repasse un solo de distorse maximaliste. On sent chez lui une liberté de ton unique au monde et comme il savait si bien le faire au temps des Comets On Fire, il finit en belle apocalypse. Dans «The Happy Heart», on l’entend hurler à la tête de l’escadron et ça se termine évidemment en apothéose de destruction massive. Cet album se montre étonnant de bout en bout. L’Ethan tape dans la heavyness pour «In The Sand And Dirt», mais pas n’importe quelle heavyness, celle de la dernière chance - These beat a new heart in space and soil - Quel fabuleux explorateur d’espaces - Like a choice of rabid hens - C’est vrillé de son, gratté en fond de cale et pianoté dans un recoin de la conscience - Burry with you all of your songs/ All of your death dreams -  et il termine cet album mirobolant avec l’énorme «The Firing Of The Midnight Rain».           

         Wild Life est un drôle d’album. L’Ethan y propose un cut sur chaque face, une sorte de slow burning heavy jam system of it all. Howlin Rain joue live, comme l’indique l’insert, together and with no overdubs, vocals or otherwise. L’Ethan ajoute que le morceau titre qui remplit toute l’A est une méditation improvisée sur la chanson de McCartney. On a donc un chant de fou dangereux, une espèce de jam immanente et sur la pochette, un painting de Raeni Miller intitulé Cow’s Heads, bien macabre, car les têtes des vaches sont pelées. Rahhhha oui, comme dirait Rahan, on se demande quel intérêt présente un tel album. On fuyait les longues jams jadis, mais on finit par s’intéresser au chant tantrique d’Ethan, qui, comme les prêtres martyrisés d’Andrei Roublev, avance dans la toundra les yeux crevés. De la même façon que l’ineffable Andreï Tarkovski, l’Ethan restera mystique jusqu’à la fin des temps. 

         Un joli papillon orne la pochette de Magnificient Fiend paru en 2008. Quel album ! L’Ethan s’y révèle prince des apocalypses. Il dédie «Dancer At The End Of Time» à Michael Moorcock. On a donc du prog, mais du prog musculeux. L’Ethan n’est pas un plaisantin, on l’a bien compris. Il semble toujours vouloir se situer aux avant-postes catégoriels. Il cherche en permanence le plein du son et le délié des idées, et ne lésine jamais sur les quantités. Il tape dans la Stonesy de mid-tempo pour «Calling Lightning Pt. 2». Il ne laisse absolument rien au hasard. L’Ethan se veut fervent défenseur des droits du son. Pas question de maltraiter une chanson. Il lui redonne chaque fois un terreau d’élection et une manne nourricière sous forme de texte dodu - We are only slaves to our distant youths and coming graves - Comme il a raison ! Les choses se corsent sévèrement avec «Lord Have Mercy». L’Ethan s’impose en leader accompli. Il grave tout son art dans le meilleur marbre de Carrare. Il officie en vrai chef de guerre, il ne plie jamais devant l’adversité et tient tête quoi qu’il arrive - Lord have mercy on my soul - Il prie intensément. Oui, l’intensité reste son maître-mot, son passe-droit, son Memo from Turner, c’est extrêmement puissant, chargé de son et embarqué au-delà de toute mesure. Tiens, encore une énormité avec «El Ray». On assiste en direct à l’explosion d’un refrain. L’Ethan pulvérise tous les records de qualité intrinsèque. Il chante avec la voix blanche d’un mec qui a trop hurlé dans son micro. Les cuivres explosent le refrain. Il faut avoir vu ça au moins une fois dans sa vie - You don’t have to go through any more changes/ It’s all done now - Il revient à sa chère démesure. Il faut vraiment ranger l’Ethan sur l’étagère des seigneurs. Sous ses aspects sauvages, «Goodbye Ruby» reste très classique. C’est tout de même très bardé de son, comme d’ailleurs tout le reste de cet album qui se noie dans l’océan du son.   

         On retrouve ce chanteur exceptionnel sur The Russian Wilds paru en 2012. Rick Rubin entre dans la danse. L’Ethan est assez critique, car à l’époque Rubin est une superstar qui se mêle de tout et la pré-production dure trop longtemps - Masterpieces can be made in one session, nous dit l’Ethan - L’album est très décousu, car l’Ethan touche à tous les styles. Il attaque avec le heavy blues de «Self Made Man» - You’re a haunted man - C’est assez admirable de stonérisation des choses et une nommée Isaiah Mitchell vient mêler sa salive à celle de l’Ethan - You’re a violent dog/ Like the death squad boys down in Brazil - C’est sûr, ils créent un monde et ça fuit au long du cours d’un beau solo fleuve. Quelle extraordinaire expédition ! L’Ethan monte de sacrées architectures, comme savaient le faire les groupes ambitieux des années de braise, les King Crimson et autres Soft Machine. L’Ethan se veut plus poppy avec «Phantom In The Valley». Et puis on revient au fatras épique avec «Can’t Satisfy Me Now». L’Ethan semble vouloir absolument se disperser. Dommage car on sent en lui la force du géant. Il sait gueuler au moment opportun. Il peut screamer la Soul de pop avec aplomb. Il force la sympathie et vise inlassablement l’ampleur. Avec ce cut, il redevient un fabuleux Soul Man. Et puis avec les derniers titres, on voit qu’il s’efforce d’échapper aux genres. Avec «Dark Star», il revient à sa chère hurlette et passe à la Soul de pop avec «Beneath Wild Things». Il chauffe sa soupe avec un talent certain. Terminus avec «Walking Through Stone» qui a des allures de hit fatal. L’Ethan est une espèce de roi du Soul-baladif de barbu. Il brille comme un phare dans la nuit et se plait à porter les choses à ébullition. Petit conseil d’ami : ne le perdez pas de vue.

         Après la tournée de promo, l’Ethan perd ses copains Joel, Raj et Isiah. Le cirque Rubin et The Russian Wilds leur est fatal.

         Le problème avec l’Ethan et son petit label Silver Current, c’est qu’il sort des albums tirés à 300 exemplaires et ils disparaissent aussitôt des radars. Et on comprend pourquoi quand on écoute The Griffin, paru en 2013, et qui fait justement partie de ces petits collectors de San Francisco. On y retrouve l’effarant «Calling Lightning PT. 2», pétri d’excellence et doté de toute la prestance des passations d’accords. L’Ethan s’ancre dans le Marriott System, avec une incroyable stature. Il enchaîne ça avec la merveilleuse explosion de «Killing Floor/Evil». Il y gère la folie de l’âge d’or du rock, et il y ramène tout le souffle de sa fournaise. Rien ne peut résister à un tel géant. On entre dans ce disque live comme dans un rêve, et ce dès «Phantom In The Valley», une pop qui attache bien au plat, grattée avec une détermination non feinte. Il sonne vraiment comme Steve Marriott dans «Darkside» et renoue avec la puissance exponentielle dans «Can’t Satisfy Me Now». Il faut vraiment écouter les albums de ce géant, il a toutes les puissances chevillées au corps, il peut prétendre jouer dans la cour des grands. D’ailleurs, il n’a besoin de l’avis de personne, puisqu’il y joue déjà. On retrouve aussi l’extraordinaire «Roll On The Rusted Days», soulfull en diable, ancré dans le meilleur Seventies Sound qui soit ici bas. L’Ethan y refait son Marriott avec un bonheur égal, c’est chargé de son à ras-bord et joué avec une fracassante aménité. Sa bonne foi finit par troubler le lapin banc.

         En 2016, l’Ethan se retrouve sans groupe et sans label. Il forme un autre groupe, Heron Oblivion. Un album sort sur Sub Pop et encore une fois, c’est un album énorme. Il met une petite chanteuse au centre, une nommée Meg Baird et dans «Sudden Lament», elle se noie dans les vagues de son. L’Ethan ramène des guitares incendiaires dans le flou du cut et joue des notes à la traînasse, c’est un fabuleux tripatouilleur de brasier, et c’est d’autant plus choquant que Meg Baird chante d’une voix paisible. Même ruckus avec «Faro», où Miller Ethan une fois de plus son empire avec des power chords écrasants de béatitude, il défriche des zones de non-retour, il explore des corridors interlopes, il bouscule les limites de l’horreur sonique, il cherche des échappatoires impossibles, c’est un cœur qui bat et qui explose. Violence pure ! Il tire ses notes par les cheveux. Chaque fois, la voix de la petite Meg fonctionne comme un hameçon et t’es baisé, comme avec «Your Hollows», elle aguiche le chaland et l’Ethan se charge de le cueillir ! Et il te wahte dans le chaos. «Oriar» sonne encore comme une violente tempête, il en fait un jeu, une vierge chante et lui sème la chaos sur la terre comme au ciel. Il organise une fabuleuse fournaise de wah et de dévastation. La fête se poursuit avec «Rama», Meg Baird est toujours dans le vif du sujet et l’Ethan aussi, parfois il se met à sonner comme un requin devenu fou, il crée trop de tension, on s’attend au pire à chaque instant, la basse sature, elle va crever sur place, te voilà au milieu de Miller l’absolu dingoïde de freakout.

         L’Ethan demande ensuite à Heron Oblivion de l’accompagner pour redémarrer Howlin Rain. Il décide cette fois d’improviser, the complete opposite to The Russian Wilds. Ça donne encore un album extraordinaire : Mansion Songs. Il s’y niche une merveille intitulé «Ceiling Far» dans laquelle l’Ethan cite Fellini, Werner Herzog et d’autres géants de la libre pensée - I’m in a white suit on a Herzog river/ Full of insects snakes and honeybees/ Wearing insane eye make-up and a silver gawn - Fantastique chanson littéraire et dans les deuxième et troisième couplets, il va sur Londres et Dylan. L’Ethan tape là dans l’universalisme. On reste dans la chanson d’exception avec «Lucy Fairchild», une histoire qu’il situe en 1895 - Down in Texas found our fight/ My head dripped in Apache blood and smoked in canon fire - Il rêve de revoir Lucy Fairchild’s bed. L’Ethan se situe au niveau de Midlake et des Drive-By Truckers. Oh et puis attention à ce «Big Red Moon» d’ouverture de bal car l’Ethan y fait du gospel batch de bitch. On assiste à une fantastique envolée d’ampleur cosmique - Shine on down - L’Ethan n’en finit plus d’étendre don empire. Il shoote dans son bras toute la démesure du rock américain - Shine on down - Il n’en finit plus de créer des mondes - Bleached in smoke and whiskey and/ Black hole nova eyes with nothing/ Left behind us when we/ Ride the skies - Et dans le «Meet Me In The Wheat» qui suit, les chœurs font hallelujah ! L’Ethan installe le gospel batch dans les champs de blé, c’est bardé de coups de gimmicks de vieille Stonesy et c’est chanté à l’incroyable feeling déflagratoire. Quel créateur d’empires ! Il tape là dans des ardeurs cosmiques de cinépanorama, c’est gorgé de son jusqu’à la nausée salvatrice. L’Ethan chante comme un Raspoutine des plaines d’Amérique, en vrai possédé. On retrouve la démesure du gospel batch dans «Wild Bush» et ça vire à l’exponentiel d’excellence cathartique. L’Ethan recrée un par un tous les bons plans du rock américain. Ici, on croit entendre un énorme classique de rock seventies, un truc qui serait du niveau des grands albums de Delaney & Bonnie.

         Nouvelle équipe pour The Alligator Bride. On peut dire que l’Ethan s’est calmé. Il passe à une sorte de folk-rock hanté par les démons de la cavale. Ce qui ne l’empêche nullement de renouer avec le génie, comme on peut le constater à l’écoute de «Missouri». Quel shoot d’Americana ! Il part en bonne vrille dans un délire de bassmatic à la Jack Bruce. On peut parler ici de musicalité exponentielle. L’Ethan presse et presse encore, alors ça jugule dans les culbuteurs, jusqu’à l’apothéose des paradis perdus, un peu vieillis, un peu dandys. Comme toujours, ses cuts sont très écrits, il suffit d’écouter «Alligator Bride» pour s’en convaincre définitivement - I just stopped to light a cigarette/ And found a dime in the street - Ça joue à deux guitares, lui et Daniel Cervantes, épaulés par ce diable de Jeff McElroy au bassmatic. On pourrait les comparer aux Drive-By Truckers. Ils tapent le «Rainbow Trout» au boogie classique de type Canned Heat - It’s eating me alive/ And it’s just outside - L’Ethan colle le boogie au poteau pour le fusiller, et il coule in the cold blue sea. Il prévient, believe me, you’re gonna need another day. Très captivant. Il boucle cet album étrangement calme avec «Coming Down», un balladif éperdu - Only the shadows remain - Il a foutrement raison. On assiste à un final flamboyant, mais on sent une légère tendance à ralentir.

         Annoncé dans Shindig! par un bel article de Johnnie Johnstone, on attendait The Dharma Wheel comme le messie. Un double album en plus ! Johnstone n’y va pas de main morte puisqu’il parle d’une renaissance d’Howlin Rain, de comet-shattering space-psych, de country funk et de down-home southern soul et il redouble de lyrisme en déclarant subitement : «It’s like a sonic ménage à trois between Danny Whitten, Paul Rodgers and Shuggie Otis, moving effortlessly through stadium, space and swamp.» Mais il semblerait que l’Ethan n’étende plus son empire et qu’il ait mis beaucoup d’eau dans son vin d’Howlin. Il va plus sur la country. On se croirait chez les Flying Burrito Bros. On s’ennuie en A et on aborde la B avec circonspection. Le cut s’appelle «Under The Wheels». L’Ethan se veut résolument poignant, juteux, plein de lumière et de vitamines. Il veut darder aux Dardanelles, il déclenche de vieilles averses de son radieux, son truc c’est l’apothéose, alors il se déguise en Saint-Jean pour que ça éclate et ça éclate enfin. Johnstone parle d’un huge sonic leap forward. Il remarque aussi que la musique d’Howlin bascule dans la spiritualité, comme si l’Ethan cherchait son propre dharma, c’est-à-dire la réponse qu’on se pose tous à propos du sens de la vie. L’Ethan se pose des questions, se demandant si l’air est Dieu ou une partie de Dieu ? Pareil pour la musique. Est-elle Dieu ou une partie de Dieu ? Mystère et boules de gomme. Alors Johnstone qui est rusé comme un renard en conclut que la musique d’Howlin Rain incarne l’esprit de ce mystère. Comme ça au moins on est content car on n’a rien compris.

       L’Ethan nous refait le coup de la petite apothéose sur le deuxième cut de la B, «Rotoscope». En C, il ne se passe rien, c’est même un peu mou de genou. On arrive hagard en D pour se farcir le morceau titre. L’Ethan y sonne un peu comme Stephen Stills, il cultive les bouquets d’harmonies vocales. Mais on sent aussi qu’il rêve d’apocalypse, il parie sur le démontage des éléments, il faut que le ciel noircisse, que la menace se précise et surgissent alors les pianotis d’Aladin Sane dans le chaos qui s’annonce. Après une petite accalmie, il refait son Saint-Jean et libère ses fureurs. Mais bon, Miller n’Ethan plus son empire.

         Par contre, il conclut l’article de Johnstone sur une note d’espoir : «Il y a plus de grande musique et d’excellents albums qu’il n’y en avait auparavant.» Et il ajoute plus loin que les manœuvres sournoises de l’industrie du disque n’altèrent en rien la fantastique explosion de créativité actuelle - The incredible creative explosion happening out there - Il parle d’un infini de possibilités. Avec sa grande barbe, l’Ethan ressemble à un messie.

Signé : Cazengler, Howlin Ruine

Comets On Fire. ST. Not On Label.        

Comets On Fire. Field Recordings From The Sun. Ba Da Bing 2002

Comets On Fire. Bong Voyage. Bad Glue 2003

Comets On Fire. Blue Cathedral. Sub Pop 2004

Comets On Fire. Avatar. Sub Pop 2006

Feral Ohms. Live In San Francisco. Castle Face 2016

Feral Ohms. ST. Silver Current Records 2017

Howlin Rain. Howlin Rain. Birdman Records 2006          

Howlin Rain. Wild Life. Three Lobbed Recordings 2008

Howlin Rain. Magnificient Fiend. Birdman Records 2008  

Howlin Rain. The Russian Wilds. Birdman Records 2012

Howlin Rain. The Griffin. Silver Current Records 2013

Howlin Rain. Mansion Songs. Easy Sound 2015

Heron Oblvion. Heron Oblivion. Sub Pop 2016

Howlin Rain. The Alligator Bride. Silver Current Records 2018

Howlin Rain. The Dharma Wheel. Silver Current Records 2021

Heron Oblivion. Heron Oblivion. Sub Pop 2016

Dave Everly : Howlin Rain. Classic Rock # 251 - Summer 2018

 

 

L’avenir du rock

- Nothing butt the Buttshakers (Part Two)

 

         On frappa à la porte. L’avenir du rock alla ouvrir. Un chevalier en armure rouillée lui tendit sans mot dire un rouleau de parchemin, salua d’un hochement de heaume et remonta péniblement en selle, poussé au cul par un valet ventripotent et court sur pattes. Puis le valet enfourcha sa mule et suivit le percheron de son maître. Avançant au pas, clapota-clapoto, ils s’enfoncèrent tous les deux dans les ténèbres. L’avenir du rock alla s’asseoir près du candélabre et déroula le parchemin. Il s’agissait d’une invitation d’Hugues de Gournay, sis en son domaine castral de Montfort, à venir festoyer de tout son Soul en gente compagnie, le premier samedi de juin de l’an de grâce en cours. L’avenir du rock loua donc un percheron chez Perchavis et prit le chemin de la vallée. Trois jours plus tard, il arriva en vue des ruines de la forteresse. Bien que transparent, Hugues de Gournay faisait un très beau fantôme. Comme l’avenir du rock l’aimait bien, il s’autorisa une petite familiarité :

         — Par Dieu, Seigneur Hughes, l’Anglais vous a citadelle bien démantibulé. Quelle outrecuidance !

         — Hélas oui, avenir du rauque, j’eus bien le malheur de murs livrer à Philippe Auguste, ce qui ne manqua pas d’attiser le courroux de Jean, roi d’Angleterre, lequel envoya ses gens d’armes tours détruire et puits boucher. J’en versai moult larmes de sang.

         — Puisque vous reçûtes Philippe Auguste, vous connaissez donc le preux Marquis Des Barres, lequel vint à la rescousse du roi son maître au plus noir de la bataille de Bouvines ?

         — Ah roi du ciel, certes oui, j’ai de le connaître cet honneur.

         — Savez-vous que son héritier, le 26e Marquis Des Barres, de nos jours rocke la calebasse de la rascasse ?

         — Nous rauquerons la calebasse de la rascasse un autre jour, avenir du rauque, car il est temps de festoyer jusqu’à l’aurore en compagnie des Buttes Chaquères, de hardis ménestrels qui comme le gentil seigneur de Bayart, rauquent la soule sans peur et sans reproche. 

         Personne n’en voudra à Hugues de Gournay de franciser les noms des gens. On comprend qu’il soit traumatisé par le destroy no future des Anglais. L’avenir du rock est ravi, car il tient les Buttshakers en très haute estime. Ils sont sans doute les derniers en Europe à maintenir la sacro-sainte tradition des Revues, telle qu’elle existait au temps d’Ike & Tina Turner, de James Brown & the Famous Flames, et de Sharon Jones & The Dap-Kings.

         D’ailleurs, ça la fait bien rire Ciara Thompson quand on lui dit qu’elle est meilleure que Sharon Jones. Elle capte l’humour du trait puis se reprend aussitôt en signe de respect, she’s in the ground, dit-elle, et cette soudaine gravité dans le ton de sa voix nous renvoie au voodoo. Voodoo reste le mot clé, car elle reprend le flambeau de Sharon Jones et danse sur scène pendant plus d’une heure, dans un hallucinant climat de Juju fashion craze, elle danse et elle shoute, elle a tout le Black Power en elle, et comme chez les Dap-Kings, ça swingue tout autour d’elle, rien que des blancs, mais des cracks de la Soul.

Comme le gang de Gabe, ces mec-là sont fiers d’accompagner une Soul Sister aussi puissante, elle peut tout chanter - She can sing anything (Révérend Cleveland à propos d’Aretha) - la Soul, le blues, le funk, le gospel, elle a tout en elle, Ciara Thompson, la Soul Sister aux yeux clairs, she sets the stage on fire, oui, elle te met un show en feu en deux temps trois mouvements, avec une niaque qui vient de loin, puisqu’elle remonte non seulement à Sharon Jones, mais aussi jusqu’à l’early Tina de St-Louis, Missouri, lorsqu’elle s’appelait encore Anna Mae Bullock et qu’Ike venait de la dénicher.

Ciara Thompson véhicule cette tradition purement américaine des petites blackettes élevées dans la religion du gospel et de la Soul, alors la voilà comme tombée du ciel sur la petite scène d’un festival exotique, organisé dans les tréfonds de l’Eure, au pied des ruines d’un château du Moyen-Age. Le côté improbable de ce contexte donne à ce concert la touche surréaliste qui fait hélas défaut dans la plupart des événements urbains. Le fait que le concert ait lieu sous un chapiteau de cirque accroît encore ce délicieux sentiment d’incongruité. C’est un festival, d’accord, mais ce n’est pas Woodstock.

Il n’empêche que Ciara Thompson va chauffer la petite assistance avec l’énergie qu’elle mit jadis à chauffer la grande salle du Tétris, elle veut de toutes ses forces partager le power de la Soul avec les gens, elle descend de la scène et va les trouver pour danser avec eux, elle fait tout à la force du poignet et remonte sur scène d’un bond, aussi légère qu’une plume. Elle attaque son set avec «What You Say» tiré de Sweet Rewards, grosse dégelée de hard funk, suivi de «Never Enough», pur jus de Stax Sound tiré d’Arcadia. De la voir danser et chanter donne le vertige. Toujours cette impression d’assister au plus beau show du monde, comme au temps de Sharon Jones,

c’est un émerveillement de chaque instant, tout est en place, tout est puissant, les pas de danse des musiciens, les solos de trombone et de sax, le bassmatic à la Gabe et cette Soul Sister en mouvement perpétuel, cette Tinguelynette de la Soul. Elle va revenir au hard funk avec «Hypnotized» et «Not In My Name». Ouvre bien tes yeux et tes oreilles, mon gars, car des spectacles aussi intenses et aussi parfaits que celui-là, tu n’en verras pas des masses. Quand on est confronté à des artistes de ce niveau, chaque fois se pose la même question : en est-on vraiment dignes ? Lorsqu’elle est bien faite, la Soul relève du domaine du sacré. Ce n’est pas un produit de consommation.   

         En 2014, on disait déjà le plus grand bien des trois premiers albums des Buttshakers (Headaches & Heartaches, Wicked Woman et Night Shift), alors maintenant on va dire le plus grand bien de Sweet Rewards et Arcadia, qui, comme l’a montré le show, marquent une nette évolution en direction du firmament de la Soul. Comme déjà dit, l’«Hypnotized» qu’ils jouent sur scène sonne comme un classique un hard funk digne de Parliament. Elle est dessus et les Buttboys aussi, ces mecs n’ont pas de problème, ils savent jouer le funk, malgré leur peau blanche. Ciara travaille son «Hypnotized» au corps, elle groove dans le giron du funk avec une fabuleuse ténacité, elle n’en finit plus d’y replonger.

Sweet Rewards est un album qui grouille de coups de génie, tiens comme ce dirty motherfucker monté sur un big bassmatic, «Weak Ends». Ciara la tigresse rentre dans le chou du lard fumant, elle shake son sock it, elle explose son Weak avec la niaque de Lisa Kekaula et là tu télescopes la réalité de plein fouet, c’est une démolition en règle, à coups d’I wanna know you now. Nouveau coup de génie avec l’enchaînement «Tax Man» et «Trying To Fool», Ciara est une pro du feel, elle commence par rôder dans l’ombre du groove, mais fais gaffe, elle allume sans prévenir, wow baby this is the tax man, un tax man submergé par un killer solo flash. «Trying To Fool» est plus groovy, elle le prend aux accents sucrés de petite Soul Sister légère comme une plume, elle fait son trying to fool now, elle sait de quoi elle parle, elle est dans la diction définitive. Le hard funk de «What You Say» monte droit au cerveau, à condition d’en pincer pour le funk, bien sûr - She got a mind/ So you better watch out/ Yeah yeah yeah - Wild as fuck, elle mène sa meute au better watch out et relance au c’mon babe. On se croirait sur un album de Lyn Collins ! Le morceau titre de l’album flirte lui aussi avec le génie de la Soul. On a le heavy sound et elle est devant, pulsée par un drive de basse infernal, elle pointe la Soul à la glotte en feu et génère de l’émotion pure. Elle tient tout à la seule force de sa voix. On reste dans les énormités avec «In The City» qu’elle chante à pleine voix. Elle chante avec des accents profonds de Soul Sister engagée dans le combat, sa présence est inexorable, elle chauffe tellement la Soul qu’elle en devient explosive. Elle se bat pied à pied avec ses cuts. Comme Merry Clayton, elle prend feu !

         La plupart des cuts joués sur scène sont titrés d’Arcadia, paru l’an dernier, comme par exemple le «Back In America» d’ouverture de bal, une heavy Soul bien sciée du cocotier par les tikatics du guitar slinger Sylvain Lorens qu’ils enchaînent, comme sur scène, avec «Not In My Name» et là tu débarques chez les Famous Flames, bombardé au can’t you see/ That I don’t be free, elle est fabuleusement juste, I keep praying for a change, et petite cerise sur le gâtö, tu as un solo de free digne d’Albert Ayler. Avec «Pass You By», on se croirait chez Stax, ça pulse au poumon d’acier, ça gratte à la Cropper et Ciara bouffe tout au chant comme une réincarnation féminisée de Sam & Dave. Ils reprennent aussi sur scène l’excellent «Keep On Pushing», elle est dessus et dévore tout au don’t push me down, il faut voir comme elle écrase la champignon du raw. Sur cet album hanté par l’esprit du funk, on trouve au autre classique, «Daddy Issues», on se croirait chez James Brown. Au beurre, Josselin Soutrenon fait un job fantastique. Vers le fin de l’album, on croise deux des autres temps forts du show, «Never Enough» qu’elle chante au meilleur raw de l’univers et «Gone For Good», plus soft et qui sonne comme un hit.

         En souvenir d’Olivier de Montfort, d’Hugues de Gournay, de Jean Sans Terre et de Philippe Auguste.

 

Signé : Cazengler, Buttmontmartre

Buttshakers. Rock Montfort. Montfort-Sur-Risle (27). 4 juin 2022

Buttshakers. Sweet Rewards. Underdog Records 2017

Buttshakers. Aracadia. Underdog Records 2021

 

 

Inside the goldmine - Got my Eyes on you

 

         Toutmésis ouvrit soudain les yeux. Il quitta sa couche et réveilla les esclaves endormis à ses pieds. Debout ! Debout ! Passez-moi le pagne de lin blanc et la cape d’or fin, je dois me rendre sans tarder au temple de Sun Ra ! Ainsi paré, il traversa les salles du palais. Seuls les gardes plantés de chaque côté des larges portes ne dormaient pas. Toutmésis les avait tous fait châtrer, ainsi ne risquaient-ils pas de somnoler après avoir succombé aux avances des esclaves africaines, toutes ces belles nubiennes nues et polies comme l’ébène, aux sexes béants comme des bouches avides. Il se fit aider pour monter sur son char et indiqua la direction du temple, au bout de l’immense avenue déserte. Le jour allait se lever. Le conducteur fouetta l’attelage et le char fit un bond. Toutmésis se cramponnait d’une main à la rampe et de l’autre à l’épaule du conducteur, le seul être humain dans tout l’empire qui fut autorisé à partager les frayeurs de son maître. Le fouet claquait dans l’air chaud et les six chevaux blancs de l’attelage filaient comme l’éclair sur l’avenue mal pavée. L’ossature en bois précieux transmettait fidèlement l’enfer des chocs. En arrivant au pied des marches du temple, le conducteur tira violemment les rênes vers lui et stoppa net l’attelage. Toutmésis gravit les marches d’un pas pressé et s’engouffra dans la bouche d’ombre. Il réveilla les prêtres qui dormaient à même le sol et leur ordonna de peindre sur le mur principal de la grande salle l’image qu’il venait de voir en rêve : un œil symbolique, ouvert sur le néant et vide de toute rétine. Ainsi que le disait le rêve, l’œil accueillerait en son temps l’objet d’un culte circonstancié.

 

         L’œil qui orne la pochette de My Degeneration s’inspire de toute évidence du songe de Toutmésis. D’autant plus évident que le groupe s’appelle The Eyes et qu’il fait l’objet, comme le voulait Toutmésis, d’un culte circonstancié. Donc, il semble logique qu’une photo ronde des Eyes s’encastre dans l’œil de Toutmésis. Quoi de plus sympathique au fond que la pertinence de la cohérence ? On ne se félicitera jamais assez de célébrer cette union. L’histoire va loin puisque cet album des Eyes qui reproduit le songe de Toutmésis est un bootleg, un album interdit par les préfets de Rome, l’un des objets suspects qu’on croisait à une époque dans les bacs du plus grand disquaire parisien, le Born Bad de la rue Keller. Ah comme ces bacs gaga pouvaient être tentateurs !

         My Degeneration n’est donc plus en vente. Ce qui n’empêche pas de l’écouter. On croit y retrouver les Who dès «I’m Rowed Out», car les accords tintent bien, tout au moins avec le même aplomb, mais les Eyes ne sont pas les Who. Ce sont les covers des Stones dont est truffé cet album qui vont en faire son charme, car elles sont toutes criantes de véracité, à commencer par ce «Route 66» qu’on dirait sorti tout droit du premier album des Stones paru en 64. Même incidence de l’insidieux. Et ça continue avec «I Wanna Be Your Man». Pur jus d’early Stones. On dira la même chose d’«It’s All Over Now», de «19th Nervous Breakdown», monté au drive rebondi de look around et là on plonge dans la magie de la vieille Stonesy. Ils nous en bouchent encore un coin avec «Get Off My Cloud» et décrochent le pompon avec une version incroyablement racée de «Satisfaction». La fuzz est là, avec toute l’useless information, oh non no no, c’est là, intact, parfaitement restitué. Quand les Eyes enregistrent tous ces classiques des Stones, ils s’appellent les Pupils. Ils font aussi un peu de pop, «Man With Money» et une version de «Good Day Sunshine» qui n’apporte strictement rien. Par contre, le morceau titre se montre digne des Yardbirds, et la basse de Barry Achin sonne exactement comme celle de Paul Samwell Smith, ce qui vaut pour compliment. Ils font en B une version sournoise et mal intentionnée de «Shaking All Over», mais c’est avec «You’re Too Much» qu’ils raflent définitivement la mise. C’est le hit gaga-Brit par excellence, extatique, monté au riff freakbeat, ça sonne comme un classique, on peut même parler de coup de génie.   

         Toutes ces merveilles sont rassemblées sur un CD, l’hautement recommandable, l’inestimable The Arrival Of The Eyes paru en 1996 sur un label anglais. Un booklet dodu nous conforte dans l’idée qu’il vaut mieux en savoir plus que pas assez dans le cas d’un groupe aussi méconnu que les Eyes. Comme des milliers d’autres groupes anglais, les Eyes ont tenté leur chance. Ils avaient deux gros avantages : ils vivaient à Ealing, un borough du Grand Londres, et avaient un chanteur nommé Terry Nolder qui composait des shokingly good numbers. Et pouf, ils enregistrent leur premier single en 1965 avec Shel Talmy, «When The Night Falls»/«I’m Rowed Out», un single qui aurait dû faire d’eux des instant legends. On retrouve bien sûr ces deux hits sur la compile, avec un son nettement supérieur à celui du boot, car le Rowed Out est amené aux accords de wild gaga, les mêmes que ceux de Really Got Me ou de Can’t Explain, du Talmy pur, du claqué d’accords invincibles, l’absolu modèle du genre. Même chose pour le Night Falls, c’est du freakbeat anglais pur et dur, avec ses coups d’harmo en plein dans le mille, in the face, avec en prime toutes les dynamiques des Yardbirds. On l’aura compris, les Eyes sont un concentré de tout ce qu’il y a de mieux à Londres à l’époque et on a encore rien vu : le pire est à venir, avec les covers des Stones. Les rares mecs qui découvrent le single des Eyes à l’époque n’en peuvent plus, ils parlent de sinewy whiplash lead guitar et de pounding demonic jungle telegraph drums. Ils ont raison : truly unforgettable ! Brash and raw. On dit même que ce premier single capturait the essence of Mod - Look no further - et le mec ajoute : «Two knock-out punches of pure angst expressed with a cocksure swagger.» Alors du swagger, on n’a pas fini d’en trouver chez les Eyes. Et pouf, les voilà en première partie des Kinks, des Move et des Action. Ils tournent pendant trois ans dans toute l’Angleterre. Leur deuxième single est l’insubmersible «The Immediate Pleasure»/«My Degeneration». Encore une fois, il est impératif de les écouter sur ce CD, car le boot aplatit le son, alors que le CD le fait exploser. L’Immediate Pleasure est tout de suite monstrueux, wow comme les Eyes voient clair ! Ils sonnent encore comme les Yardbirds et c’est vraiment le meilleur compliment qu’on puisse leur faire. Ils sont dans l’excellence du rave-up, ils jouent au shaking de clairons, dans l’immaculée conception, ces kids d’Ealing claquent plus de notes que les Byrds, ils sont brillants au-delà de toute expectative, il faut entendre ces descentes d’organes, tout y est. Avec «Degeneration», ils tentent de réactiver non pas la folie des Who, mais celle des Yardbirds. C’est fabuleusement tendu. Et quand ils jouent «I Can’t Get No Resurrection» devant un crucifix, ils sont mis au ban par la BBC. Ils parviennent néanmoins à sortir un troisième single, «Man With Money» / «You’re Too Much». Le Man est une cover des Everly Brothers qu’ils transforment en vieux shoot de power pop, par contre, le Too Much est une compo de Terry Nolder, et attention aux yeux ! Ils attaquent ça au riff insidieux. Il n’existe pas grand-chose qui soit au même niveau. Ils ramènent des chœurs de Yardbirds et bien sûr, on tombe de sa chaise. Le fameux EP des Eyes qui a le même nom et la même pochette que cette compile rassemble les deux premiers singles du groupe. Il paraît en 1966 et ne se vend pas. Si tu le veux, tu devras sortir un billet de mille. Ils sortent encore un single avec une reprise de «Good Day Sunshine», mais bon, leur destin est scellé. Il existe aussi une version de «Shakin’ All Over» qui ne figure pas sur les singles. C’est encore une merveille bien claquée du beignet, claire comme de l’eau de roche, ah il faut voir comme ces mecs taillent bien leur bavette.

         En 1966, Philips leur demande d’enregistrer un exploitation album of Rolling Stones covers pour 180 £. Ça ne vous rappelle rien ? Oui, les Pretties, avec de Wolfe et l’Electric Banana. Les Eyes changent de nom et deviennent les Pupils. La session d’enregistrement dure 8 heures - session that included flashes of brillance - On peut écouter l’intégralité de l’album qui s’appelle The Pupils Tribute To The Rolling Stones sur cette compile. Et là, wow ! Encore une fois, le son ici est mille fois supérieur à celui du boot, ça claque dès «Wanna Be Your Man», imparable, même énergie, «19th Nervous Breakdown» retrouve ses couleurs avec un puissant bassmatic, tout y est, l’here it comes, ils injectent des tonnes de fuzz dans «As Tears Go By» et vont rôtir dans l’enfer du mythe avec «Satisfaction», certainement la cover le plus wild jamais enregistrée de cet hit séculaire, c’est noyé de fuzz imputrescible, aw my gawd, quel déluge ! Tu ne peux pas lutter contre les Pupils, ils dépasseraient presque les maîtres, ils développent un véritable vent de folie, ils sont effarants d’and I try. Pure violence que celle de leur «Route 66», c’est une authentique leçon de niaque, ils sont dans le Chicago to LA, avec un drive de basse joué au tiguili, ce mec Barry Allchin est un fou dangereux, il rôde dans le son avec des tiguilis de pervers. «The Last Time» ne figure pas sur le boot et les Pupils le bouffent tout cru à l’I told you once I told you twice, c’est en plein dedans. Ils ramènent tout le heavy pounding dont ils sont capables pour «Get Off My Cloud», l’irréprochabilité des choses de la vie ! Hey you ! Ils sont l’œil du typhon, ils dardent au cœur d’un mythe qu’on appelle le Swingin’ London. Ils restent crédibles jusqu’au too lazy to crow for day du «Little Red Rooster», ils se tapent même les coups de slide et ils tirent soudain l’overdrive avec «It’s All Over Now», suprême hommage à la Stonesy, baby used to stay out all nite long, ils sont en plein dans cette exubérance canaille qui fit l’extraordinaire grandeur des Stones. Les Pupils ne font pas que la restituer, ils la subliment, avec un soin extrême. Ça va jusqu’au départ en solo de syncope d’excelsior, un truc de corps qui va tomber et Terry Nolder reprend le contrôle du brûlot dans une frénésie de tiguilis extravagants.

Signé : Cazengler, coco bel-œil

Eyes. The Arrival Of The Eyes. ACME 1996

Eyes. My Degeneration. Emarcy Records (Boot)

 

 

NEWS ( II ) FROM TWO RUNNER

HIGHWAY GIRLS

 

Dans notre livraison 541 du 10 / 02 / 2022 nous écoutions Two Runner donner un concert depuis la maison, entre autres elles y interprétaient Highwayman ce classique country que Paige Anderson chérit particulièrement, elle l’écoutait souvent en voiture lorsque ses parents conduisaient leur marmaille de concert en concert. Ce titre la faisait rêver, il est vrai que la chanson écrite par Jimmy Webb est étrange, sur un rythme continu, un peu passe-partout, elle raconte une histoire si bizarre que l’on est obligé de la réécouter pour mieux la comprendre, et bientôt vous cédez à sa magie hypnotique. June Carter affirme que c’est elle qui a révélé à son père que les quatre couplets ne présentent pas quatre personnages différents mais les réincarnations successives d’un seul… Two Runner nous en propose deux interprétations. La première sur YT :

Highwayman ( acoustic ) Two Runner. Sont toutes deux assises sur le sable d’un des déserts de Californie, à leur chapeau et à leur tenue l’on comprend que le soleil chauffe, au loin derrière les monts enneigés de la Sierra Nevada. Emilie au violon et Paige au banjo, difficile de trouver une interprétation plus roots et si différente, la voix de Paige plus douce que d’habitude et les brefs coups d’archet d’Emilie Rose, transforment la chanson, elles en gomment l’aspect épique, cet homme de tous les dangers, de toutes les aventures, de toutes les époques qui crie la prochaine victoire de son retour, ne serait-ce que sous la forme d’une goutte d’eau, elles en offrent une interprétation, quasi-nietzschéenne, celle de l’horreur de l’éternel retour de la vie dans les passages les plus sombres d’Ainsi parlait Zarathoustra, l’homme roule sa peine, celle de la pensée la plus lourde, le chant devient poignant, l’implacable trottinement fatidique du banjo poursuit sa route inexorable,  du violon d’Emilie éclosent comme des pétales de larmes et de regrets, la voix de Paige se charge d’une indéfinissable tristesse, une interprétation de toute finesse, de toute beauté.

Le deuxième aussi sur YT et autres plateformes de chargements.

Highwayman. Two Runner : avec Sam Gallagher ( drums ), Drew Beck ( guitar, bass ), Brady McGowan ( keyboard ).  La même équipe qui accompagnait Paige sur Burn it to the ground. Le background saute aux oreilles, surtout si l’on sort de l’écoute de la version acoustique. Omniprésent il réussit le miracle de rester discret tout en étant au premier plan, faut écouter deux ou trois fois avant de repérer le banjo de Paige et le violon d’Emilie, cet accompagnement joue le rôle que tient la musique dans les westerns, il apporte ampleur et se fond dans le paysage. Colle très bien à la photo (de Kaylalili ) qui accompagne  la bande-son, l’on espère un clip pour bientôt, les rares images vidéos que nous avons entraperçues  nous font rêver.  Cette version est sublimée par la voix de Paige, beaucoup plus claire, moins murmurante, elle transcende le morceau, le porte à son plus haut point d’incandescence, c’est une autre manière de rendre sensible l’inexorabilité du Destin, de nous faire réfléchir au sens de la courbe de notre propre vie, il ne s’agit plus de revenir, mais de s’interroger sur le fondement de notre existence, de ce qui nous appartient d’agir et de ce qui nous pousse, le violon d’Emilie Rose, par ces longues giclées fulgurantes indique les moments où nous sommes soumis à ces forces plus grandes que nous qui nous rabattent vers la tombe de nos illusions. Paige et Emilie qui nous regardent et avancent vers nous sont à l’image de tous les desesperados qui font face à la vie. Grandiose. Bluegrass métaphysique.

Damie Chad.

 

NEWS FROM THUMOS

         Dans nos livraisons 541 et 542 des 10 et 17 février 2022, nous avons chroniqué la discographie entière parue jusqu’à ce jour de Thumos groupe américain originaire du Kentucky, il semble que Thumos n’ait pas perdu de temps ces derniers trois mois puisque la sortie d’un prochain album est prévue pour le 4 juillet de cette année, toutefois pour calmer notre impatience, un des morceaux du futur opus est déjà sur Bandcamp. Leur Instagram annonce d’autres surprises, essayons donc de procéder avec ordre et méthode.

*

1°) Un titre de Thumos, The divided line apparaît sur la compilation Warband Comp United Together de Razorwire Handcuffs sur Bandcamp qui regroupe soixante-huit morceaux et presque autant de groupes. (Vendue au profit des réfugiés ukrainiens.)

         Rappelons pour ceux qui ne l’auraient jamais entendue que The Republic de Thumos est une œuvre strictement instrumentale. Parler de la philosophie platonicienne sans employer de mots pourrait paraître une entreprise de pure folie, cette démarche s’inscrit toutefois dans cette notion de mimesis chère à Platon selon laquelle un art peut traduire la dynamique d’une autre art, exemple la danse qui permet de visualiser les mouvements de la musique.

         C’est à la fin du livre 6 de la République que Platon résume les différentes manières de percevoir la réalité, les deux premières très grossières restent prisonnières au pire de l’apparence des choses  au mieux des choses elles-mêmes, nous nous laissons guider par nos imaginations ou nos croyances, pour accéder aux suivantes nous devons quitter nos opinions doxiques non fondées sur une connaissance épistémologique en nous livrant à des hypothèses rationnelles dont la logique nous conduit au quatrième stade de la  connaissance intuitive qui nous permet de reconnaître la nécessité de la présence des Idées qui forment la véritable réalité. En début du morceau se déploie une espèce de fuzz sombre comme des ombres indistinctes qui flotteraient dans l’espace, s’installe un rythme binaire qui s’appuie sur la précaire solidité de choses claudicantes et instables, un long passage dans lequel le son des guitares s’intensifie correspond à ce moment où l’intelligence humaine met en route des stratégies d’appréhension du monde beaucoup plus fines, par lesquelles l’on s’abstrait du domaine du sensible pour entrer dans celui de l’intelligible, une gradation intensive s’amplifie, roulements mathématiques de batterie qui permettent d’entrer dans une dimension supérieure dont les bruissements des cymbales simulent l’éclat idéel et irradiant

2°) Un autre titre de Thumos, The sun apparaît sur la compilation Cave dweller music com / album / mind over-metal 2 : volume 2 . (Vendue pour récolter des fonds au profit du mois de la sensibilisation à la santé mentale.)

Ces deux morceaux créés durant la gestation de The Republic ont été écartés lors du choix final des titres de l’album. Thumos espère bientôt les réunir en une trilogie avec The Cave sélectionné dans The Republic, afin de coller de plus près à l’articulation de la pensée de Platon.  

         Lorsque Platon cite le soleil dans le Livre VI de la République, il ne s’intéresse en rien à l’astre physique que nous connaissons bien. Se pose à lui une question importante : comment faire entendre ce qu’est une Idée, comment donner une idée de cette chose purement intelligible qui par nature n’appartient pas au monde sensible. Il emploie pour cela l’analogie de la lumière. Si notre œil voit un objet c’est grâce à la lumière qui fait le lien entre l’œil et l’objet. Mais d’où provient cette lumière, nous lui trouvons une cause, une origine : le soleil, c’est de la même manière que notre connaissance appréhende la réalité, cette connaissance procède d’un but et d’une origine : l’Idée.

         Musique plastique dans laquelle l’on retrouve les cymbales, nous sommes en voyage, le rythme est lent car la distance à parcourir est longue, plus nous nous rapprochons de cet ailleurs vers lequel nous nous dirigeons le son s’intensifie, l’on imagine facilement que nous voguons dans un vaisseau spatial vers le limites de l’univers, nous atteignons des zones éthérées qui ne sont pas sans danger, comment notre intelligence sensible même dopée par notre intuition se comportera-t-elle, arrivés à destination, comment assumerons-nous cette plénitude illuminante. Très beau morceau.

         L’on comprend mieux ainsi pourquoi Thumos souhaite un jour prochain joindre ces deux morceaux à The cave de The Republic, car tous deux évoquent des étapes intermédiaires et préparatoires qui selon Platon étaient destinées à faciliter la compréhension du mythe de la Caverne.

3° ) Un renvoi au blog de Julien Voisin qui présente An Abriged History of Painting with Metal Album Covers. Les amateurs s’y reporteront avec délices, nous ne sommes pas si éloignés que cela de Thumos puisque la couve de The Republic y figure, mais surtout parce que le sujet de leur prochain disque est en rapport immédiat avec la peinture.

4° ) J’ai d’abord aperçu l’image la couve du futur nouvel album de Thumos, sans savoir qu’il s’agissait d’eux, puisque la pochette ne porte aucune inscription, cette espèce de colonne trajane posée comme une tour d’ivoire immarcescible sur un champ de ruines antiques a tout de suite interpellé l’amateur de l’antiquité romaine qui toujours veille en moi. C’est en voulant en savoir plus que je me suis rendu compte qu’il s’agissait du nouveau projet de Thumos intitulé

COURSE OF THE EMPIRE

qui peut se traduire par Cours de l’Empire ce qui n’évoque pas grand-chose en notre langue, il est aussi sous-titré sur You Tube : Course of the empire rewiew ( Revue du cours de l’Empire ) guère plus précis mais qui n’est pas sans évoquer le livre History of the Decline and Fall of the Roman Empire d’Edward Gibbons paru en Angleterre de 1776 à 1788, traduit en français en 1819, remarquons comme ces dates sont par chez nous symboliques, un an avant la Révolution française, un an avec l’éclosion du romantisme ( français ) marqué les Méditations Poétiques de Lamartine, le livre de Gibbons, aujourd’hui critiqué pour son anti-christianisme, nous souscrivons à cette thèse, reste un ouvrage considérable, de fait le premier livre de métapolitique, la première étude de géopolitique de notre époque. C’est d’ailleurs sa lecture qui a inspiré à Thumos leur nouvel opus.

         Le titre de l’album est emprunté à une série de cinq tableaux regroupés par le peintre américain Thomas Cole sous le titre de Course of the Empire que l’on a traduit en notre langue par Le déclin de l’Empire.  Il est important d’en donner les titres : The savage taste / The Arcadian or pastoral state / The consummation of Empire – consummation signifiant accomplissement, apogée  / Destruction / Desolation.

         L’album présente dix morceaux : ( Introduction / Commencement / Arcadian / Interlude 1 / Consummation / Interlude 2 / Destruction / Desolation.

         Nous reviendrons sur les tableaux de Cole lors de notre chronique sur l’album. Sa parution le jour de la fête nationale des Etats-Unis n’est pas fortuite. Quel devenir pour l’Empire américain d’aujourd’hui ? That is the question ! L’idée du tableau est venue à Cole par la lecture d’un poème du philosophe Berkeley : Vers sur la perspective d’implanter les arts et l’apprentissage en Amérique ( 1726) dans lequel Berkeley pronostique le futur développement de la colonie anglaise qui pourrait déboucher sur la création du nouvel empire, celui de l’Amérique.  

         C’est lors d’un voyage de trois années en Europe que se cristallise dans l’esprit de Cole le projet Déclin de l’Empire qui sera terminé aux Etats-Unis en 1836. Cole réalise en visitant les musées et les édifices la richesse du passé prestigieux de l’Europe et est en même temps séduit par le rayonnement contemporain du romantisme, l’on ne s’étonnera pas de l’influence de l’œuvre de Byron sur le peintre. Le romantisme n’est-il pas en même temps une renaissance entée sur la nostalgie de la grandeur humaine passée à retrouver.

         De Course of the empire, Thumos ne dévoile que le troisième titre : Arcadian. Les trois membres de Thumos ne sont pas seuls, ont intégré pour la réalisation de leur album l’artiste Spaceseer, un guetteur de l’espace qui traduit sur sa guitare les vibrations du cosmos. Nous nous intéresserons prochainement à sa démarche.

ARCADIAN

( mis en ligne sur YT et bandcamp le 7 mai 2022 )

Ce long morceau correspond au deuxième stade de l’Empire, le plus heureux, celui que les Anciens nommaient l’âge d’or, un monde que prophétise Virgile dans sa quatrième églogue, l’homme n’est plus une bête, il a atteint un certain bonheur menant une vie pastorale, nous ne pouvons nous référer à l’Arcadie sans évoquer les deux mystérieux tableaux de Poussin Et in Arcadia ego qui dans leur interprétation la plus platement insipide instillent une idée de fragilité au sein même du bonheur humain… Cette dimension n’apparaît pas dans Arcadian, au contraire la musique remplit son propre espace, pas le moindre trou creusé par la souris du doute, elle n’est que profusion instrumentale, une crête flamboyante que rien ne saurait éteindre, une avancée de plus en plus rapide emportée par une batterie ravageuse, avec en filigrane des motifs de danse populaire et de joyeuses farandoles, le tout est mis comme entre parenthèses par les tintements du début et le bruissement final, comme s’il était nécessaire d’isoler cette île de plénitude terrestre, de la préserver de toute fin dérélictoire, de la fixer dans sa propre êtralité, de sa propre éternité temporelle. Un chef d’œuvre hors du temps.

Damie Chad.

 

 

*

- Damie, n’as-tu pas honte ?

Je me fais tout petit, je n’en mène pas large, j’ai tout de suite reconnu la voix, non ce n’est pas celle de Dieu, il y a longtemps qu’il est mort, ni celle de ma conscience, je ne sais plus où je l’ai fourrée, c’est la voix de ma prodigieuse mémoire.

• Euh, non, à première vue, je n’ai pas honte !
• Damie n’essaie pas de jouer au plus malin avec toi-même, tu vas perdre !
• Bon, qu’est-ce qu’il y a encore, j’ai oublié de remplir ma déclaration d’impôt ?
• Damie, moi qui croyais que tu étais un gentleman, tu n’es qu’un goujat, un rebut de l’Humanité, la honte de la nation, la…
• Bon, bon, dis-moi tout !
• Tu ne te souviens donc pas Damie, c’était avant le confinement, tu scribouillais une de tes infâmes chroniques sur Pogo Car Crash Control, lorsque tu t’es aperçu que la bassiste Lola Frichet jouait aussi dans un autre groupe : Cosse. J’étais dans ta tête et j’ai entendu ta voix intérieure déclarer : ‘’ Super je vais écrire une chronique sur Cosse’’. Les jours ont passé, les mois se sont entassés, les années s’écoulent et si je n’étais pas là ce sont les siècles et les millénaires atterrés qui attendraient en vain que tu réalises ta promesse.
• Ö ma divine Mémoire infaillible, mon altière Mnémosyne ! Tu as raison, j’ai failli à mon engagement, heureusement que grâce à toi je vais pouvoir réparer cet intolérable oubli, regarde je m’empare d’une plume de corbeau aussi noire que l’eau du Styx je la trempe dans la noirceur de mon âme et…
• Plus un mot Damie, tu devrais déjà avoir terminé !
• Ne me trouble pas, regarde, tel un dromadaire je bosse sur Cosse, c’est désormais une Cosse sacrée !

*

Tel un méhari arpentant le désert dans l’espoir hypothétique de rencontrer un puits d’eau croupie asséché je suis parti à la recherche de Cosse. Pour me donner du courage je chantonnais gaillardement l’hymne stirnérien que Long Chris a composé voici un demi-siècle pour Johnny Hallyday :

Je peux brûler les églises

Je peux éclater de rire

Je n’ai besoin de personne

De personne, de personne !

ce qui était un mensonge puisque moi j’avais besoin de Cosse, et la première chose sur laquelle je tombe net, cela ne s’invente pas, serait-ce un intersigne du hasard ou du destin, c’est une vidéo  intitulée : Un concert avec Cosse dans l’Eglise du Sacré-Cœur d’Audincourt. Ça m’a fichu un sacré coup au cœur, moi dont un de mes oncles s’était distingué durant la guerre d’Espagne à faire sauter à la dynamite les clochers des maisons de Dieu, j’ai hésité, mais une promesse c’est une promesse, alors j’ai poussé la porte et je suis rentré. C’est tout beau. Voûte de béton à caissons boisés et large abside magnifiée d’un diadème de vitraux modernes de toute beauté conçus par Fernand Leger, et réalisés par le maître-verrier Jean Barillet.

Moi j’adore Jean Bazaine, je l’ai rencontré une fois à la Maison de la Poésie de Paris, tout autour de lui les officiels et sa famille étaient offusqués, lui tout joyeux était écroulé de rire, l’on avait accroché un de ses tableaux à l’envers, il trouvait cela génial et ne voulait pas qu’on dérange un manutentionnaire pour le remette à l’endroit. Non, je ne suis pas hors-sujet, cet aparté c’est juste pour regretter qu’avant de rentrer dans l’Eglise la caméra ne se soit pas attardée sur le tympan rectangulaire, qui comme chacun sait, est une mosaïque de Jean Bazaine…

Pas le temps de nous attarder, dans une demi-obscurité Cosse traverse l’allée centrale de la nef, leurs pas résonnent dans le vide et le silence, je reconnais la silhouette de Lola Frichet, ce sont bien eux. Sont déjà en train d’accorder leurs instruments. Sur un fond d’halo bleuté s’élèvent les premières notes de Sun don’t forget me, silhouettes sombres et gros plans sur les doigts qui s’activent aux derniers réglages… profitons de ce court répit pour adresser nos compliments à l’équipe qui a filmé, mixé et monté, un véritable film, l’on sent que l’on a étudié les plans, un travail de pros qui aiment leur métier, les conditions techniques sont parfaites pas de public, nous sommes le 22 janvier 2021 en triste période coercition confinatoire… 

Commencent comme finissaient les concerts de musique aux temps de l’antique Rome par une précipitation chaotique instrumentale, mais au lieu d’exploser en une apothéose sonore Cosse débute par une douce précipitation bémolique qui culminerait dans le silence si Nils Bo en solitaire n’égrenait ( on ne s’appelle pas Cosse pour rien ) quelques notes sur sa guitare, ondée sonore générale, rien d’orageux ou de cataclysmique, Nils s’avance, une résonnance de coup feutré de batterie le plie en deux et l’arrête, il s’approche du micro, le chant s’élève, toute l’orchestration suit cette voix frêle et tranchante, torturée, amplifiée par son visage romantique, la musique enfle mais n’éclate jamais, elle redescend comme la vague de la mer s’échoue abruptement sur le sable d’une rive désertique, c’est du précis et du millimétré, plans de coupe sur les musiciens, aux drums Tim Carson gère l’amplitude des temps forts, l’ensemble est assez prenant, l’on a l’impression d’assister à une tempête mais de si haut que le son qui nous parvient en est assourdi, maintenant seule la guitare de Nils frissonne, et le chant perd ses angulosités, la caméra dévoile Lola Frichet, elle double l’amertume du chant de Nils, par-dessous, en sourdine elle dépose un tapis de douceur qui apaise l’âpreté nilsienne, et le morceau prend de l’ampleur, s’élève comme le char d’Apollon surgit de derrière la mer pour atteindre le ciel, le soleil nous oublie, le morceau est terminé, alors que le son s’ébruite, la caméra s’enfuit hors-champ vers le calme du baptistère, est-ce un contraste voulu avec la tension des visages crispés de Tim Carson et de Felipe Sierra, deuxième guitariste,  que l’on nous emmène dans cette salle transpercée de lumière que laissent passer et réchauffent les vitraux dessinés par Jean Bazaine.

Après Sun Forget me, Cosse entame Seppuku,  les premiers moments ressemblent un peu trop à l’introduction de toute retenue du morceau précédent, mais le climat change, nous entrons dans un monde de brisures et de saccades, plus grave qui se termine sur quelques notes fragiles de Nils mais le son se vrille et nous voici partis dans une espèce de cavalcade ralentie qui n’est pas sans évoquer les images de Ran d’Akita Kurosawa, et l’on entre dans une transe répétitive de tintements aigrelets agressifs dont la fonction première semble d’être de vous horripiler le cervelet, afin que vous puissiez ressentir un semblant de plénitude lorsque tout s’évanouit en un dernier galop… Cosse enchaîne tout de suite sur le dernier morceau Welcome to the newcommers.

Toujours Nils à la guitare mais très vite la section rythmique se met en place, le chant est beaucoup plus rock, c’est aussi le moment d’apprécier les interventions de Felipe Sierra à la guitare il impose un soutien abrupt et pousse la musique en des sortes de montées successives qui culmineront en   l’éparpillement zen de quelques notes finales.

Cosse se définit comme un groupe post-rock noise. Je veux bien mais je réserve le dernier terme de cette étiquette pour des groupes qui ont le noise plus tintamarresque, même si je n’ignore pas que certains définissent le noise en tant que l’a-structuration de leurs composition qui confine, le plus souvent, à ce que j’appellerai le bruissement… quant au post-rock de Cosse je le qualifierai plutôt de post-prog, mais un prog qui tourne le dos à la symphonisation de leurs morceaux pour s’adonner à une espèce de quatuorisation de leur musique, sur la ligne de crête un pied dans  l’unité synthétique du quatuor classique et l’autre dans les ruptures du quatuor jazz, cette ambivalence se remarquant  quand un musicien joue seul il ne donne pas l’impression de se lancer dans un solo performatif mais qu’il prépare les pistes d’envol de ses camardes.

Il ne nous étonne pas de retrouver Lola Frichet dans ce type de groupe à l’opposé des sauvages tumultes de Pogo Car Crash Control, elle procède du conservatoire et ce n’est pas un hasard si elle a remporté le concours (difficile) de meilleur(e) bassiste organisé par le magazine américain the Shreds. Un esprit ouvert, n’était-elle pas en mars dernier sur la scène de La Comédie Française interprétant le rôle de Marotte dans Les Précieuse ridicules de Molière. Sur scène avec les Pogo, au cœur de la tourmente, elle joue avec fouge et concentration, l’intelligence en éveil.

Revenons à Cosse : pour une deuxième vidéo Nuisances Live Session # 7. Cosse :  Pin Skin. En Live en studio ( Pantin ) dans une belle couleur orangée. Moins de mise en scène qu’Audincourt. Chacun rivé à son instrument. L’on a compris le fonctionnement : guitares en intro, signal battérial, entrée de la rythmique, Nils au chant, cède bientôt la place aux modulations de Lola, la musique monte pour s’arrêter bientôt, avec Cosse elle n’atteint jamais les neiges éternelles, l’on redescend vers des zones plus tempérées, pourtant l’on suit sans regimber, de nouveau Nils au chant, et l’on repart pour une gradation, plus sombre, plus appuyée, recoupée par la voix de Niels et soudain les alpages s’enflamment, le feu s’éteint, les cordes vrillent, Niels se tait et la voix de Lola s’évapore , telle une pensée qui perd contact avec sa propre représentation dans Iris et petite fumée le mystérieux roman  de Joë Bousquet.   

         Les quatre morceaux que nous venons d’écouter se retrouvent sur le premier EP de Cosse :

NOTHIN BELONGS TO ANYTHING

COSSE

( A tant rêver du roi Records / Juin 2020 / Bandcamp )

Drôle de nom pour un label, de Pau, bientôt vingt ans d’âge, son responsable élude un peu la question que tout le monde se pose en répondant qu’il avait un groupe qui s’appelait Ravaillac, laisse donc la porte ouverte à toutes les suppositions, les plus gratuites, pour ma part j’y vois comme un écho du livre Dans la forêt de Fontainebleau de Jean Parvulesco.

Que représente la couve, cette flamme de torchère dans le ciel serait-elle une capsule spatiale tombée des astres qui aurait pris feu en rentrant dans notre atmosphère. La terre triste n’a pas l’air très accueillante.

Le titre n’est guère encourageant. Que signifie-t-il, ou plutôt que voulons-nous qu’il signifie. Comment recevoir cet adage selon lequel rien n’appartient à rien, faut-il en rire ou s’en désespérer, ricaner cyniquement pour montrer que cette déclaration nihiliste qui nous libère de toute contrainte nous rend plus fort, ou se désespérer de cet atroce constat que l’existence n’a point de sens.

Welcome Newcomers : un son assez différent de celle du live dans l’église d’Audincourt, plus ramassé et en même temps plus coulant, moins fragile et peut-être plus chaotique, davantage de climax, la voix quelque peu normalisée et les guitares davantage chantantes avec un léger parfum sixties-psyché. Pin Skin : chuintance de calmitude, la batterie en avant, le vocal moins aventuré sur les trapèzes de la mise en danger volontaire, plus rond moins épineux, la basse de Lola jazze en sourdine, les guitares  fuzzent et couvrent la suavité de son timbre, les attaques moins aventurées et plus brutales, très belle partie orchestrale, la voix esseulée de Lola illumine de rose paganité la fin du morceau. Sun forget me : entrée en matière ronde et affirmée, le chant de Nils n’est pas écorché de barbelé, il est interrompu par des clinquances noisy mais toutefois respectueuses des oreilles sans coton, duo Nils-Lola des mieux venus, la musique se teinte de romantisme et se tinte d’une musicalité de plus en plus entreprenante. Seppuku : une intro que l’on nommera civilisée pour des tympans orientaux, feulement de cymbale, Tim Carson tout en douceur tandis que les guitares batifolent, attendent que l’on ait le dos tourné pour marcher avec des gros pataugas cloutés sur le gazon anglais des rêves, s’immobilisent dès qu’on les regarde, doivent jouer à 1, 2, 3, soleil ! , sonorités cristallines qui s’enrouent avant d’éclater en mille pétales que le vent de la mort éparpille. The ground : nous l’écoutons avec la virginité de notre ouïe vite déflorée par cette vrille rouillée qui perce notre audition jusqu’à ce que la voix comme engourdie d’alcool de Nils nous jette dans une ambiance très Velvet, le drame s’éteint, l’on change de dimension nous flottons dans un entonnoir de rêves mais la voix revient et nous angoisse, elle crie dans notre tête, même balayée par une instrumentation de plus en plus violente elle revient, avant que le vaisseau spatial ne vienne en un sifflement de tuyères infernales s’écraser sur le sol. Très mauvais pour les passagers, excellents pour les auditeurs.

         Très différent mais très proche de Bowie, dans cette manière de composer des morceaux qui répondent à une certaine mise en scène intérieure, à une dramaturgie qui refuse les canons extatiques de la libération aristotélicienne. Une musique qui n’extériorise pas, qui se confine en ses tourments, qui exprime et résume à la perfection les indécisions des âmes de notre époque. Musique analytique et intellectuelle. Ces deux adjectifs étant pour moi signes de qualités extérieures.

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         - Voilà ô ma sublime mémoire prodigieuse ma mission réparatrice accomplie !

         - Damie ne fais pas le faraud, n’oublie pas que bientôt devrait sortir le prochain album de Cosse, tu n’as pas intérêt à l’oublier, je te tiens à l’œil !

Damie Chad.