CHRONIQUES DE POURPRE 644: KR'TNT 644: ERIC CARMEN / DAVE CRIDER / VIEUX FARKA TOURE / NOEL GALLAGHER / JAMES PETERSON / GARGUTS / FRACTAL GATES / ASHEN / ROCKAMBOLESQUES

KR’TNT !

KEEP ROCKIN’ TIL NEXT TIME

LIVRAISON 644

A ROCKLIT PRODUCTION

FB : KR’TNT KR’TNT

09 / 05 / 2024

 

 

Z’ATTENTION !

CETTE LIVRAISON 644 EST PUBLIEE AVEC QUELQUES JOURS D’AVANCE. N’OUBLIEZ PAS DE JETER UN COUP D’ŒIL SUR LA LIVRAISON 643 !

KEEP ROCKIN' !

 

 

ERIC CARMEN / DAVE CRIDER

VIEUX FARKA TOURE / NOEL GALLAGHER

JAMES PETERSON / GARGUTS

 FRACTAL GATES / ASHEN

ROCKAMBOLESQUES    

 

 

Sur ce site : livraisons 318 – 644

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Non, Carmen n’est pas un opéra

         Aux yeux des amateurs de grande pop américaine, les Raspberries régnaient sans partage, ou presque. Régnaient à la même époque d’autres cracks, notamment Dwight Twilley et Todd Rundgren. Chacun dans leur coin : Twilley en Oklahoma, Rundgren à New York et les Raspberries à Cleveland. Eric Carmen vient de casser sa pipe en bois, aussi allons-nous lui dresser un petit autel de fortune, ainsi qu’il est d’usage sur ce bon bloggy blogah.

         Pourquoi ramassait-on les albums de Raspberries en 1973 ? Parce qu’on était bien informé. Bomp!, bien sûr, mais surtout Creem. Ces deux canards ratissaient l’underground de la pop américaine et nous servaient les infos sur un plateau d’argent. Il suffisait ensuite d’aller à la pêche, chez les disquaires parisiens qui vendaient ces gros cartonnés US qui nous faisaient tant baver. 

         L’idéal pour les ceusses qui n’ont pas d’étagères serait de commencer par écouter l’excellent Live On Sunset Strip, un Rykodisc de 2007. Parce qu’il s’agit d’un Best Of, avec un son spectaculaire. C’est là qu’on mesure la grandeur d’un groupe comme les Rasp. Ils attaquent avec deux authentiques coups de génie, «I Wanna Be With You» (tiré de Fresh) et «Tonight» (tiré de Side 3). On est frappé par le caractère brillant de cette power pop américaine. Wally Bryson, le guitar slinger d’origine, claque ça aux heavy chords de Cleveland. C’est ultra chargé de la barcasse. Tout aussi surnaturel d’excellence, voici «Overnight Sensation», c’est d’une grandeur qui dépasse la pop, et l’Eric va chercher les harmonies vocales des Beach Boys. Puis ils rendent hommage aux Who de «Pinball Wizard» avec «I Don’t Know What I Want». Power épouvantable d’I don’t know what I want/ But I want it now. Ils rockent la pop avec tout le tonnerre de Cleveland. On entend les carillons de clairette céleste de Wally Bryson dans «Should I Wait», et ça repart au front avec un «Party’s Over» bien tapé à la cloche de bois. Wally Bryson fout le feu au Sunset Strip. Plus loin, «Ecstasy» sonne encore comme un hit interplanétaire. Avec sa petite gueule d’ange, l’Eric est faramineux. Il y a quelque chose de saint chez cet homme, même quand il chante «I’m A Rocker». Ils terminent en mode heavy boogie blast avec «Go All The Way». Et soudain le ciel s’éclaire car l’Eric chante à l’éclat surnaturel. Il bâtit sa pop avec de l’heavy bastaing. 

         Grand souvenir de fascination en sortant du bac la pochette de Fresh, le premier Rasp sur Capitol. Quatre mecs beaux comme des dieux. Aussi beaux que les quatre Nazz ou les deux Dwight Twilley Band. Tous ces groupes alliaient à la beauté du son leur beauté physique, et il n’existait rien de tel qu’une pochette d’album pour sublimer ce phénomène. Tu avais dans les pattes l’objet parfait. On comprendra beaucoup plus tard qu’il s’agissait d’un art à son sommet : perfection à la fois visuelle et sonore. Le rock, quand il est bon, c’est exactement ça, une quête permanente de la perfection globale. Et quel classique ! Fresh from the start avec «I Wanna Be With You» ! Supremo del Carmeno ! Fantastique allure de wild popsters de Cleveland. Tonite ! Tonite ! La pop éclate au firmament des seventies. Exactement le même niveau que celui de Nazz et du Dwight Twilley Band. Et puis en plein balda, tu tombes sur «Let’s Pretend». L’Eric est un pretender, sa pop jaillit comme une fontaine au cœur du désert, sa pop vibre dans la chaleur comme uns source de lumière. En B, tu as encore deux smashing punkhits : «If You Change Your Mind» qu’Eric chante au filet fin, à la longe de babord, et l’effarant «Drivin’ Around», en plein dans les Beach Boys, avec le côté hard de Cleveland. C’est puissant, bien remonté des bretelles de drivin’ around. Pur pop genius. Les domt dah please sont ceux des Beach Boys dans «Do It Again».

         Leur deuxième album n’a pas de titre, alors on l’appelle le bleu. Deux cuts hantent Raspberries : «Go All The Way» et «I Can Remember» en B. L’Eric dote le premier d’une fantastique trame mélodique. Il module en plein air, il travaille sa mélodie au corps, comme le ferait Jimmy Webb. Quant au Remember, c’est une autre paire de manches. Il s’agit en fait d’une grosse compo, une mini-symphonie sertie en son cœur d’un thème mélodique. Alors il faut voir l’Eric se jeter dans l’écume de son thème. Il flatte sa muse qui est la haute pop, il sophistique pour épauler son désir de firmament. Ce Remember est de toute évidence son accomplissement. À l’entrée, on ne se méfie pas, car c’est posé au piano et chanté au doux du menton. Il pose bien les choses, et puis les violons t’embobinent, alors ça endort encore ta méfiance. Il a simplement besoin de temps pour l’élever. Tu passes un pont et soudain, le miracle s’accomplit. L’«I See The Light» qu’on trouve en A n’est pas celui de Todd. L’Eric l’enchante, il le module d’une voix chaude de beau mec. Avec «Don’t Want To Say Goodbye», il préfigure «All By Myself». C’est la même façon de monter sa neige jusqu’au sommet de l’Ararat. Il cède encore à son penchant pour le heavy boogie rock avec «Get It Moving», un peu dans l’esprit du «Back In The USSR» des mighty Beatles.

         Pour Side 3, Capitol leur paye une pochette découpée. Bel objet. Si tu veux voir les Rasp, il sont à l’intérieur, sous forme d’un petit patchwork de photos en noir & blanc imprimées sur la pochette papier elle aussi découpée. Trois coups de génie sur cet album éminemment rock’n’roll : «Tonight», «Ecstasy» et «Money Down». Ah ça rocke chez les Rasp ! Fabuleuse niaque clevelandaise ! C’est même stupéfiant d’éclat mordoré. On se croirait chez Nazz. En B, big Eric embarque «Ecstasy» à la pointe de la glotte. Il fond son ecstasy dans le miel fulminant d’un Fujiyama clevelandais. Rockalama modèle encore avec «Money Down». Power pur. Et puis tu as aussi «Making It Easy» bien tourné, bien monté, bien riffé. Les guitares de l’Eric et de Wally Bryson scintillent. Tu crois rêver face à tant de qualité. Tout est bardé de barda sur cet album. On pourrait encore citer d’autres exemples.

         Paru en 1974, Starting Over est le dernier album studio des Rasp. Ah il faut voir la classe des rockstars. Ils sont restés beaux tous les quatre. Tu as deux jolis clins d’yeux aux Beach Boys là-dedans, «Overnight Sensation (Hit record)», et en B, «Cruisin Music». Les deux basculent dans le burst-out de Beach-Boysmania, ça sonne très Surfin’ USA, très California good time. Oui, ils ont ce talent faramineux. C’est aussi dans ce balda que tu trouves la version studio d’«I Don’t Know What I Want», le clin d’œil aux Who monté que les accords de «Pinball Wizard». Juste avant éclate l’heavy rock à la cloche de bois de «Party’s Over». Pure énormité carmenique ! Et back to the big boogie classique avec «All Through The Night». Quelle énergie !

         L’omnivore n’a pas fait dans la dentelle avec Pop Art Live : un triple album bourré à craquer de dynamite. Six faces palpitantes, tous les hits sont là, plus des covers magnifiques des Beatles («Ticket To Ride» et l’infernal «Baby’s In Black», tapé au crack boom de Cleveland), plus une imparable cover du «Can’t Explain» des Who ! En plein dans le mille de la cocarde, t’as pas idée. Les Rasp démarrent en super-trombe avec l’explosif «Wanna Be With You», ça saute à coups de c’mon baby/ I just wanna be with you. En B, tu tombes sur la mélodie du paradis : «Go All The Way» et Wally Bryson te gratte les pires power chords d’Amérique pour lancer «Ecstasy». C’est quelque chose d’extravagant. En C, tu croises l’«Hard To Get Over A Heartbreak» et le solo tentaculaire de Wally Bryson, suivi de «Let’s Pretend», le hit magique qui annonce «All By Myself». L’Eric monte son power mélodique au sommet. Et ça continue en D avec l’«If You Change Your Mind» qui rentre en toi par tous les pores de la peau, par tous les ports d’attache, par toutes les portes ouvertes. En clair, tu n’en peux plus. Trop de beauté finit par t’aveugler. L’Eric est un magicien. Live, il devient encore plus fulgurant. Il termine sa D avec «I Can Remember», qui part en mode romantica pianotée, et soudain, ça explose en gerbes mélodiques à la Brian Wilson. Ça monte par vagues subliminales. Avec ceux de Brian Wilson et de Lennon/McCartney, les hits d’Eric comptent parmi les plus parfaits. Sur scène, ils parviennent à jouer les développements extraordinaires d’«I Can Remember», ça monte droit au firmament de la pop, l’Eric chante à l’éclat mordoré, il monte son Remember à la pointe d’une glotte rose et palpitante : te voilà confronté à la perfection, et le dernier refrain jaillit comme un saumon dans la rivière du bonheur éternel. Tu n’en peux plus de tant d’éclat. L’E est encore plus fabuleuse, avec l’heavy boogie des Rasping Rasp, «I’m A Rocker», et la fantastique aisance pop d’«It Seemed So Easy» qui sonne comme un hit des Byrds, aussi généreux en harmonies vocales. Sidérant ! Puis L’Eric rend hommage à The Choir qu’il qualifie de best band in town, avec deux covers, «When You Were With Me» et surtout «It’s Cold Ouside». Fantastique allure. Partout les Rasp foutent le paquet. En bout d’F, ils repartent de plus belle avec «Drivin’ Around/Cruisin’ Music», en plein dans les Beach Boys, pour finir avec le simili-Whoish «I Don’t Know What I Want», monté sur les accords de Pinball Wizard. Ce triple album va tout seul sur l’île déserte.

         On fit aussi main basse sur le premier album solo sans titre d’Eric Carmen, un Arista de 1975. En fait, c’est un album très rock, qui s’est vendu sur la foi d’«All By Myself», l’un de ces grands balladifs dont l’Eric s’est fait une spécialité. C’est vrai qu’on adorait ça à l’époque - When I was young/ I never needed anyone/ Making love was just for fun/ Those days are gone - En gros, il dit qu’à présent, il a besoin d’une poule dans sa vie. Mais à côté de cette superbe tarte à la crème, il aligne une belle série de big rockers : «Sunrise», «That’s Rock’n’Roll», et surtout ce «No Hard Feelings» claqué à la claquemure de Cleveland, avec de vieux relents de Stonesy. Son «My Girl» est franchement digne de Brian Wilson. Même sens de l’explosion de pop dionysiaque ! Il va encore t’en boucher un coin avec une cover d’«On Broadway», ce vieux smash signé Mann & Weil. L’Eric y met toute son âme de pop star iconique. Il y va au raw d’ange de miséricorde.

         Puis la carrière solo va suivre son cours avec Boats Against The Current, un Arista paru deux ans plus tard. Belle pochette et quelques perles, notamment ce «Take It Or Leave It» qui sonne comme de la Stonesy. Il pompe Keef. Tu te croirais sur Exile. On croit même entendre Rod The Mod accompagné par les Stones. On retrouve Bobby Keys aux horns, ce qui explique tout. Dommage que tout l’album ne soit pas de ce niveau. Il renoue aussi avec la passion pour les Beach Boys avec «She Dit It». C’est l’On The Beach raspberrien. Oh la qualité de la claque ! Mais le reste n’accroche pas. Il cherche toujours la voie du Seigneur Pop. Il ne parvient plus à renouer avec la grandeur des Rasp.

         Nouvelle tentative de renouement avec Change Of Heart paru l’année suivante. Le balda s’épuise et arrive en son bout avec une belle cover du «Baby I Need Your Lovin’» des Four Tops. Quelle joie d’entendre l’Etic chanter ça ! Pur genius productiviste. Deux belles surprises viendront consoler les nostalgiques des Rasp en B : «Hey Deanie», où l’Eric emprunte le riff de «Tumblin’ Dice», et «Someday» qui marque le grand retour de l’Eric On The Beach avec du tip-tip-tili emprunté aux Beach Boys de «Do It Again». Power intact ! Tip Tip Tili !

         Malgré son horrible pochette m’as-tu-vu, Tonight You’re Mine est un bon album. On trouve en B un «Foolin’ Myself» digne d’«All By Myself», une belle pop onctueuse qui d’une certaine façon reste imparable. Sinon, il joue un peu avec le feu dans «Hurts Too Much», il ramène le gros son de Totor et les castagnettes. Il tente encore le diable avec «Lost In The Shuffle» où il singe Chucky Chuckah dans un superbe boogie d’allure martiale. Il essaye de se monter digne des grandes heures du Duc de Berry. Mais à la moindre occasion, il retrouve ses hauteurs mélodiques, comme le montre «All For Love». Il adore l’altitude et la pureté de l’air. Beau retour en force en B avec «Inside Story». Il conserve cette fibre heavy rock aux frontières du glam. Top quality Carmen, même si très classique.

         Pas grand-chose à tirer d’Eric Carmen, un Geffen de 1984. On le voit cigarette a bec sur une pochette m’as-tu-vu, et ce n’est pas bon signe. Il montre toujours un goût immodéré pour le slowah languide et ultra violonné. Il reste très sentimental («Living Without Your Love») et peut durcir le ton («Come Back To My Love»). En B, on le voit renouer mollement avec les Rasp («You Took Me All The Way») et faire du Geffen d’époque avec «Maybe My Baby». C’est à tes risques et périls.  

         Il enregistre I Was Born To Love You en 1998. Ce sera donc son dernier album. Est-il passé de mode ? Pas vraiment, car il tape encore deux belles covers, le «Caroline No» des Beach Boys, et le «Walk Away Renee» de The Left Banke. Deux covers du diable, c’est-à-dire des covers magiques. Ah on peut dire que l’Eric adore la Rive Gauche. Il se fend aussi d’une Beautiful Song, «Isn’t Romantic», un cut délicat et fin, un brin bossa-nova, et vite bouffé par une grosse orchestration, sans doute l’hit du disk. Saluons aussi «I Was Born To Love You» qu’il chante d’une voix à peine voilée. L’Eric est resté beau et il cultive encore son goût pour la clameur éplorée. Mais il fait une musique à la mode. Son «Everytime I Make Love To You» rappelle l’«Etienne» de Guesh Patti. Gloups ! Mais il adore aussi rocker, comme le montre «Cartoon World», cette belle pop-rock d’éclat carmélite. C’est pour ça qu’il faut aller au bout des parcours, il est essentiel d’en avoir le cœur net. Il essaie encore de taper dans l’On The Beach avec «Top Brown Summer», mais ça ne marche pas à tous les coups.

Signé : Cazengler, Eric Camé

Eric Carmen. Disparu le 11 mars 2024

Raspberries. Fresh. Capitol Records 1972

Raspberries. Raspberries. Capitol Records 1972

Raspberries. Side 3. Capitol Records 1973

Raspberries. Starting Over. Capitol Records 1974

Raspberries. Live On Sunset Strip. Rykodisc 2007

Raspberries. Pop Art Live. Omnivore Recordings 2017

Eric Carmen. Eric Carmen. Arista 1975

Eric Carmen. Boats Against The Current. Arista 1977

Eric Carmen. Change Of Heart. Arista 1978 

Eric Carmen. Tonight You’re Mine. Arista 1980 

Eric Carmen. Eric Carmen. Geffen Records 1984 

Eric Carmen. I Was Born To Love You. Pyramid Records 1998

 

 

Wizards & True Stars

 - Les critères de Crider

         Pas compliqué : l’histoire du garage moderne américain repose sur 5 piliers : Billy Miller (Norton), Tim Warren (Crypt), Larry Hardy (In The Red), Long Gone John (Sympathy For The Record Industry) et last but not least, Dave Crider (Estrus).

         Alors ça tombe bien : vient de paraître un gros patapouf qui te raconte dans le détail l’histoire d’Estrus. Ouvrage déterminant, car placé sous la houlette du graphiste maison d’Estrus, l’intrépide Art Chantry. Dave Crider avait compris que la réputation d’un label reposait sur deux mamelles : l’image et le son. On trouve très peu d’exemples de ces deux mamelles dans l’histoire contemporaine. Citons un autre team de rêve : Drive-By Truckers & Wes Freed. Rien à voir avec l’esthétique des pochettes des early Stones : les photographes comme Gered Mankowitz shootaient pour le compte des labels.

         Ce graphiste génial qu’est Art Chantry a bossé sur l’identité graphique d’un label underground, et ça se situe à une autre échelle. L’identité graphique est un gros pari, une aventure en soi, il faut voir loin, tout en restant original. C’est en quelque sorte une ingénierie, on définit les bases d’un système visuel qui doit se débrouiller tout seul par la suite, et s’il tient la route, alors les déclinaisons sont un jeu d’enfant. Quand on a bossé sur des «gros chantiers» d’identité visuelle pour des industriels et des grands comptes, on sait l’importance que prend la réflexion initiale. La première condition est de plonger dans la «culture d’entreprise» et d’en tirer les principales caractéristiques. C’est que qu’Art Chantry a fait avec Dave Crider : il s’est plongé dans la culture de son client, et comme il l’indique dans sa préface, il s’est trouvé des tas de points communs avec lui, ce qui a grandement facilité les choses - Dave and I had a LOT of things in common - trashy taste, an interest in crappy music history, a love of forgotten art styles, and a fascination with the history of embarrassing underground American pop subcultures - Ils parlent tous les deux le même langage. Easy baby. Et comme Art Chantry est prodigieusement doué, alors roule ma poule. Il invente même un art graphique qu’on peut qualifier d’art gaga. On est aux frontières de l’art Dada. Chantry explique aussi sa méthode de travail avec Dave Crider : ils sortent tous les deux des crazy ideas jusqu’à ce qu’ils soient vraiment excités. Chantry voit Crider comme son client, et il dit que c’est une chance extraordinaire que d’avoir un client comme lui - because they’re extremely hard to find - Tous les graphistes savent de quoi il parle. Chantry dit avoir bossé 30 ans pour Estrus - It’s a REAL design collaboration at its finest. The best work of my career - Il ajoute plus loin qu’Estrus n’a jamais sorti un mauvais disk, et la cerise sur le gâtö apologique, c’est ça : «We’re not making product, we’re creating ‘cultural artifacts’.» Voilà la clé. Le gaga-punk comme cultural artefact. Tu sentais bien à l’époque que les albums Estrus sortaient de l’ordinaire. Et pour les passionnés de typo, l’œuvre d’Art Chantry est une mine d’or, comme le sera à la même époque l’œuvre de Neville Brody. D’ailleurs, dans le déroulé du book, il arrive à Chantry de commenter ses choix typo.   

         Au temps jadis, on raffolait tous d’Estrus et de ses Mummies, de ses Mono Men, de ses Makers et de tous les autres blasters. Chacun des cinq labels des tables de la loi avait ses têtes de gondoles, et tu tapais dans les catalogues au petit bonheur la chance. Ce fut le temps de l’abondance, avec les Gories, les Oblivians et les Lazy Cowgirls chez Crypt, El Vez, les Cynics et les Gibson Bros chez Sympathy, Hasil Adkins, les A-Bones et Daddy Longlegs chez Norton, et les Dirtbombs, The King Khan & BBQ Show, les Deadly Snakes, Reigning Sound, les Black Lips chez In The Red. Il en pleuvait de partout et tous ces albums avaient une sacrée particularité : ils sonnaient quasiment tous comme des classiques.

         Dave Crider n’a jamais quitté sa bonne ville de Bellingham, dans l’État de Washington, pas très loin de Seattle. Il louchait en particulier sur les «guitar-focused garage bands». En plus d’être le boss d’Estrus et donc un découvreur, il jouait dans les Mono Men, dont l’influence principale était alors les Nomads. Leur premier single est une cover de «Rat Fink A Boo Boo». Outre Crider à la gratte et au chant, on trouvait Ledge Morrissette (bass), Aaron Roeder (beurre) et plus tard John ‘Mort’ Mortensen (gratte/chant), à qui est dédié ce book. Les Mono Men démarrent en 1987 et splittent en 1997, pour se reformer en 2006 et aller jouer quelques shows en Espagne, et en 2013, pour quelques shows au Mexique et en Amérique du Sud. Quand Mort exprima l’envie de passer plus de temps avec sa famille, les Mono Men devinrent un trio et c’est ce trio qu’on entend sur le dernier album du groupe, Have A Nice Day Motherfucker.

         On trouve quelques belles pépites sur ce Motherfucker, notamment le «Back At You» de fin de balda, pièce pantelante d’heavy raunch dans laquelle Tim Kerr passe l’un de ces killer solos flash dont il a le secret. Il prend feu ! Et le Crid chante comme un beau diable. Il n’est pas avare de screams. Les Mono Men sont devenus un power-trio de fast punk comme le montre l’«Off My Back» d’ouverture de balda. Le Crid grimpe au somment de son lard fumant. Il fait encore tout le cirque du heavy sludge dans «Murder City Nights», avec du yah yah et du gratté de poux indicible. C’est une cover de Denis Tek. L’autre cover est en B : «Wimp», signé Alejandro Escovedo.  Le Crid la travaille à l’heavyness carabinée. Et puis tu as ce «Feel Alright» qui n’est pas celui des Stooges, mais c’est tout comme, car tapé aux accords protozozo. 

         Quand les Mono Men splittent en 1997, Crider remonte aussitôt Watts avec Roeder et deux autres mecs - with all fucks thrown out and all the levels at maximum volume - Malgré sa belle pochette, le Watts de Watts n’est pas l’album du siècle, loin s’en faut. Le Crid propose un rock high energy, une sorte de sur-power de super-sludge. On sent chez eux une tentation de Blue-Cheerisation. Tout est poussé dans le rouge, et chanté à la surenchère. Mais rien de nouveau sous le soleil exactement. Il attaquent leur B avec «Tarentula», une jolie dégelée boréale. Ça te dégage bien les bronches. Curieusement ils deviennent de plus en plus explosifs au fil des cuts. Ces mecs ignorent l’existence du mot ‘répit’. Et voilà qu’arrive enfin la perle tant attendue : «Sweet Invicta», quasi-stoogy dans l’intention et dans le propos, et le Crid crache des flammes. 

         À ce stade des opérations, on peut jeter un œil sur les quatre autres albums des Mono Men. C’est très instructif.

         Le premier paru en 1990 s’appelle Stop Draggin’ Me Down. Il démarre avec la belle énormité du morceau-titre qui est une sorte d’«I’m Not Your Stepping Stone» revu et corrigé par les Pistols. Très solide, chanté en mode protozozo par le Crid. Puis ça bascule dans la stoogerie avec «Right Now». Ils savent le faire. C’est Marx Wright qui chante. Pas la même voix. Sur chaque album des Mono Men se trouve une cover de choix. Sur Draggin’, ils ont opté pour l’«Aint’ No Friend Of Mine» des Sparkles, l’un des joyaux de la couronne. Le Crid le bouffe tout cru. Tu n’en reviens pas de les voir taper cette cover de génie. En B, on croise d’autres merveilles, à commencer par l’indestructible «Dead End», suivi d’un «That’s Her» bien campé sur ses jambes. Et puis voilà «Girl», un heavy rock de Bellingham charpenté à la main. Ils ne mégotent pas sur les mortaises et la cheville ouvrière.

         De toute évidence, Wrecker! est leur meilleur album. Ça n’arrête pas. T’en prends plein la barbe, du début à la fin. Ça grouille de puces, tiens, dès «Your Eyes», quasi-protozozo, avec l’enfer sur la terre, le Crid chante et ça pue tout de suite le génie qui ne fait pas de quartier, yaaaah ! Le «Last Straw» suivant est absolument parfait, voilà le gaga sauvage dans toute sa splendeur. Le Crid reprend le chant sur «One Shot». Avec lui, tout est plus heavy et plus pulsatif qu’avec Mort, l’autre chanteur. Cette fois, les Mono Men sonnent comme les Pink Fairies. Bon, Mortensen sait aussi balancer du gaga flamboyant, il fait claquer son «Took That Thing» comme un étendard. On arrive au cœur du Mono System avec deux covers de choc : l’«He’s Waiting» des Sonics (joli Sonic shoot of sort) et le «Swampland» des Scientists, bel hommage du Crid au cat Kim. Fantastique fournaise bien étalonnée et tisonnée au waooouuuh d’in my heart. En B il tapent un bel instro dans l’esprit Linky, «Tomahawk», du Wray de Wray. Nouvelle cover, cette fois du «Remind Me» des Outsiders. Fulgurant ! Le Crid outside les Outsiders avec tout le power des Mono. Il donne au cut un éclat incomparable, c’est d’un power quasi surhumain. Il termine cet album qu’il faut bien qualifier de faramineux avec «I’m Hangin’», chanté à deux voix au renvoi d’ascenseur sur les accords de Gonna Miss Me. 

         On trouve encore un peu de protozozo sur Skin & Tonic : «Waste Of Time». Le Crid sait bien aggraver les choses, bien plus que Mort. C’est encore lui qui chante le «Mystery Girl» d’ouverture de balda. Il est encore au micro pour «Haxed», un classic Mono d’haxed on you, avec une descente au barbu catégorielle. Dommage que le Crid ne prenne pas tout au chant. Il est quand même plus convainquant que le copain Mort. Par contre, que dalle en B. Rien.

         10 Cool Ones n’est pas sorti sur Estrus mais sur Scat. C’est un album de reprises, avec une belle poule à poil au recto de la pochette et quatre belles photos des Mono au verso. Les Mono ne font pas dans la dentelle de Calais puisqu’ils attaquent avec «Kick Out The Jams». Ils dévorent le MC5 tout cru. Crouch Crouch. Ils enchaînent avec le «54-40 Or Fight» de Dead Moon, ils foncent dans le tas du panier de crabes, mais ils perdent complètement la finesse de Dead Moon. On ne peut pas tout avoir. Ils restent dans le haut de gamme avec une cover d’«You’re Gonna Miss Me», bel hommage à Roky, le Crid étale bien son pâté de babeyhh, c’est sauvage as fuck, les babeyhh du Crid sont les pires de tous. Et dans la foulée, ils tapent dans «The Way You Touch My Hand», suprême hommage aux Nomads, Heavy power Monolithique ! On ne sauve qu’une cover en B, celle de Gravel, «As For Tomorrow», amenée à la grosse cocote graveleuse, avec un fantastique jeté de poids dans la balance, et même de jeté de poids dans la gueule de la balance !

         Ne pas faire l’impasse sur Shut The Fuck Up, un mini album de 1993, car c’est un hommage à Link Wray, via «Phantom On Lane 12» (du Wray de Wray, assez Crampsy dans l’esprit et bien dévoré du foie), et en B, une cover de «Rumble», en plein dans le mille de la menace. L’autre cover de choc est le «Mr. Eliminator» de Dick Dale. Quant à la «Little Miss 3-B», elle est envenimée par un effarant solo stoogien. 

         En feuilletant le fat Estrus book, on retombe sur tous ces visuels qui nous faisaient jadis tant baver. Le Ritual Dimension Of Sound des Mortals, par exemple. On retrouve aussi la trace d’un très grand Estrus record, le Break-A-Bone de Gravel. Eh oui, le mec insiste pour rappeler que c’est un très bon album.

Gravel est le prototype du coup d’éclat d’Estrus, l’indicateur du flair génial du Crid. Break-A-Bone grouille de puces, à commencer par «Lone Ride» bardé de barda. Bryan Elliott sait tartiner sa purée. C’est Max la Menace avec une guitare électrique. Fantastique plasticité du son, et du beurre en particulier sur «Bucket Of Blood». On descend dans les entrailles de Gravel avec «As For Tomorrow», c’est un power-rock prodigieusement inspiré, bien gras, bien épais, Break-A-Bone est l’un des meilleurs albums de cette époque riche en big riders, mais c’est Gravel, un diamant de power pur. Chaque fois que tu réécoutes Break-A-Bone, tu t’en fais des choux gras. En B, tu as encore deux blasters : «Sleepless Night» (niaque épouvantable, les montées de fièvre te submergent le bulbe), et «In Your Eye», avec un son plein comme un œuf. Même les balladifs comme «Halfway» sont bardés de barda. Gravel charge sa barcasse au maximum des possibilités de la rascasse. On remercie chaleureusement le Crid pour cet album parfait.

         Gravel sort l’année suivant un deuxième et dernier album, No Stone Unturned. Pochette parfaite, mais l’album est hélas un peu moins dense que le précédent. Le coup de génie est l’«Erase» d’ouverture de balda. T’es pris à la gorge dès les premiers jets de purée graveleuse, on assiste à un fantastique écroulement des falaises de marbre dans le lagon d’argent, il chante du nez à la Kurt et Rick Parritz gratte les poux du diable. Ses poux sont tellement liquides qu’ils coulent tout seuls. On assiste plus loin à un gros battage dans «Sand In Your Eyes», ça bat les poux en neige. Ces mecs ne portent pas des chemises à carreaux pour rien. Ils prennent à la va-comme-je-te-pousse une petite cover du «Pissing In A River» de l’early Patti Smith, et en B, ils sonnent comme The Bevis Frond sur «Yesterday». Même entrain mêlé de désenchantement. Rien de plus heavy que le morceau titre - I’m looking high/ Looking low - Très beau et perforé de part en part par les killer solos du féroce Parritz.

         L’autre coup de génie Estrusien, c’est bien sûr les Mortals. Les Mortals sont mortels, il est bon de le rappeler. Trois albums, à commencer par l’effarant Ritual Dimension Of Sound. Beaucoup de son, car c’est un groupe à deux grattes, James Grapes en lead et Denny Brown aussi en lead, avec, en guise de cerise sur le gâtö, un chanteur exceptionnel, Steve The Tongue Gatch. C’est glorieux dès «I Want More» et ça bascule dans le génie sonique avec «World Turns On», monté sur les accords de «Gloria», mais tapé en mode fast blast de protozozo enragé. Ça te percute littéralement de plein fouet. Ce balda est tout bêtement sidérant, un killer solo flash arrive en dérapage contrôlé dans «I Dream She There». Les Mortals sont les rois de la planète Estrus. Encore du killer solo flash dans «Leaving For Good». Il bouclent leur balda avec un «Disintegration» bien contrebalancé et incendiaire à la fois. En B, Gatch prend «Paralyzed» à ras des pâquerettes. C’est le roi du vol plané mal intentionné. Et avec «She’s So Dangerous», ils flirtent avec le génie protozozo des Pretties. Même approche de la niaque. Ils finissent avec un «I Am Alive» emporté par un tourbillon de wah, du jamais vu.   

         Bulletproof est un album un peu moins dense que le précédent, mais si tu l’écoutes jusqu’au bout, tu vas tomber de ta chaise avec «This is Life», un cut tapé au riff enroué et fabuleusement volubile. Ah quelle farce ! Superbe allure. Riff insistant à la «Cold Turkey». Encore de la fantastique allure avec le «Turn Away» d’ouverture de balda, gratté à la cocote sévère, dévoré par le bassmatic carnivore et trucidé par un killer solo flash. Franchement, que demande le peuple ? Ils passent au pur protozozo avec «Psychole». Ce démon de Gatch chante comme un vieux protozoaire du Midwest et se noie dans une mélasse magique. On croise aussi un «Zodiac» gratté à la menace sourde. Et comme le montre encore «What I Need», ils ne vivent que pour la dégelée. 

         Mais le mieux est à venir : Last Time Around, qui est en fait une compile. Art Chantry fait tourner la typo d’Around sur la pochette. C’est le «Disintegration» tiré de Ritual Dimension qui t’accueille à bras ouverts. Une pure stoogerie ! Encore une stoogerie avec «Wasting My Time» - You’re wasting my time baby/ You’re wasting my time - Cette compile est aussi le paradis des covers. Boom avec le «Looking At You» du MC5, claqué à la mortadelle des Mortals, avec un bassmatic en roue libre. Derrière le tir de barrage ça voyage énormément ! Ils tapent aussi le «Crazy Horses» des Osmonds, un cut aussi repris par les Dictators et Electric Six. Deux autres covers de choix, le «Stay Clean» de Motörhead et l’«I’m Branded» de Link Wray. Ils bardent le Linky de tout leur barda, ils rajoutent des poux sur les poux. Encore une cover explosive : le «Making Time» des Creation. Avec cet hommage suprême, ils restituent tout l’éclat du same old song. Retour à la stoogerie en avec «Coming Down» digne de Dirt, aw c’mon. «Everybody Else» démarre comme un clin d’œil aux Kinks d’«I’m Not Like Everybody Else», et ça bascule dans le puissant gaga sauvage. Le morceau titre qui boucle la B est une fait une cover des Delvettes. Une fois de plus, le bassmatic lui dévore le foie.

         Chantry et Crider aiment beaucoup les stripteaseuses et les jolis seins, alors ils développent une belle ligne graphique à base de seins nus, ce qui colle plutôt bien à l’esthétique gaga telle qu’on la phantasme. Les seins sont faits pour être exhibés, certainement pas pour être cachés. Puis arrivent comme une marée les Mummies, les Phantom Surfers et les Trashwomen. L’Estrus book s’emballe encore avec les fameux ‘Garageshock’ de Belligham, c’est-à-dire les soirées Estrus qu’organisait Crider dans un club local, le 3-B, tenu par Aaron Roeder, où tout était permis - A kind of fuck you attitude, nous dit Roeder - Toutes les affiches te font baver, tous les groupes Estrus sont là, année après année, dans les années 90, et voilà les mighty Makers, l’un des fleurons d’Estrus, photos de scène et tout le bataclan. Et commencent à apparaître des cracks comme Tim Kerr, et Chet Weise des Quadrajets.

         Pour les Drags, Chantry déterre une vieille typo, the old headliner typeface ‘Interlock’ utilisée dans les années 50 et 60 : les caractères s’interlock entre eux. Art Chantry se passionne aussi pour les Fireballs Of Freedom. Pour lui, la pochette de Total Fucking Blowout devait être «IN YOUR FACE and MELTING IT. WHAW!». Les CAP, c’est lui. Alors il utilise «a day-glo orange type tone with a Japanese rubber stamp kit» et une photo «of a badly damaged mannequin with headhones having been totally FUCKING BLOWN OUT». Voilà comment Art Chantry commente ses pochettes parfaites. Crider s’éprend aussi des Supercharger de San Francisco, qu’il qualifie de «definitive offering of 90s lo-fi trash budget rock.» Les Makers incarnent d’une certaine façon l’apothéose d’Estrus. L’Estrus book qualifie d’explosive le «Middle Finger album». Puis voilà les Nomads et les Japonais de Teengenerate, puis les Flaming Sideburns en Finlande et les excellents Thundercrack, en France. Le mec de Guitar Wolf (qui n’est pas sur Estrus) dit tout devoir à Goner et à Matador.

         Puis en janvier 1997, l’entrepôt d’Estrus prend feu. Tout part en fumée : les archives, le mail order, le matos des Mono Men, les masters tapes et la collection personnelle du pauvre Dave Crider. Il va s’en relever, mais à quel prix ! Il faut tout reprendre à zéro. Les groupes vont faire des benefits pour aider Estrus à se relever. On se souvient de l’incident comme d’une énorme catastrophe, à l’époque.

         Après la fin des Mono Men et de Watts, Crider monte les DT’s, «a hard soul combo» avec Diane Young-Blanchard, l’ex-Madame X. Le groupe va durer 17 ans et tourner dans le monde entier. Les albums de DT’s fonctionnent un peu comme la vitrine du pâtissier : ils font envie. Alors tu entres avec les yeux plus gros que le ventre.

         La peau de serpent d’Hard Fixed n’est pas signée Art Chantry. Le son change du tout au tout avec la voix de l’ex-Madame X. Elle fait sa Janis. Le Crid se tourne résolument vers le son qu’il préfère, celui des seventies. Plus aucune trace de gaga sur cet album. Il arrose copieusement «On The Ground» d’accords fiers comme des guerriers apaches. Cette fois, les DT’s sonnent exactement comme les BellRays. Même sens de l’émeute urbaine. Sur «Breakdown», l’ex-Madame X a toutes les qualités : «I got style/ I got Soul/ I got fire.» Pas mal quand même. Mais ils peinent à défrayer la chronique. En B, ils continuent avec «The Hurt Is Over» de taper dans un genre déjà éculé par tant d’abus. Tout est classique sur cet album, bien tiraillé au tire-bouchon. Leur «Eyes To The Sun» est littéralement cavalé ventre à terre, en mode Charge de la Brigade Légère au Far-West, oh yeah, elle y va l’ex-Madame X ! Elle est encore plus spectaculaire sur «Chopper», elle grimpe sur la barricade et gueule comme une égérie face aux Versaillais, les ennemis de la liberté, alors elle gueule de toutes ses forces et ça finit par devenir stupéfiant. Ah il faut avoir écouté ça au moins une fois dans sa vie !

         C’est Art Chantry qui designe la pochette de Nice ‘N’ Ruff (Hard Soul Hits! Vol. 1). Comme l’indique le titre, c’est un big cover album, bien gorgé de Crid. Premier blast, le «Ninety Nine & A Half (Won’t Do)» d’Eddie Floyd & Steve Cropper. Cette heavy cover staxy et blanchie leur va comme un gant. C’est puissant, gorgé de ninety nine oooh. Ils tapent ensuite dans l’excellent «Price Of Love» des Artistics, c’est gorgé de Soul blanche. Ils restent dans le haut de gamme avec «The Hunter» d’Albert King, mais leur cover trop blanche de marche pas. Ils tentent le coup encore avec le «Pagan Baby» de Fog, mais c’est trop chanté à l’arrache, alors ils passent à côté du Creedence. Mais que de son, c’est la grosse cavalerie du Crid et d’Endino. En B, ils restaurent leur règne avec l’imparable «Big Bird» d’Eddie Floyd & Steve Cropper. Fantastique, ça marche à tous les coups. Ils tapent plus loin dans le «Move Over» de Janis. L’ex-Madame X est en plein dedans. C’est exactement la même. Ils terminent ce parcours magistral en rendant un hommage tonitruant à Roky : «Don’t Slander Me», avec le Crid en embuscade. C’est le Texas storm transplanté dans le Pacific Northwest Boom, avec un killer solo flash de Crid le héros. 

         Gros travail sur le typo pour la pochette de Filthy Habits, mais ce n’est pas signé Art Chantry. C’est le Crid qui s’est amusé sur son ordi. L’album ne sort pas non plus sur Estrus mais sur Get Hip Recordings, ce qui revient à peu près au même. Et au dos, le Crid toujours égal à lui-même déclare : «Thanks to our friends... everyone else fuck off.» Il a raison, au fond. En même temps, souvenir d’un contact chaleureux avec lui, via le site Estrus, lorsqu’il fallut rapatrier les albums encore disponibles chez lui et qu’on ne trouvait pas chez Born Bad. Deux belles stoogeries se nichent sur Filthy Habits, «April Holeso» et «Lights Out». Derrière l’ex-Madame X, le Crid joue les accords de «Down In The Street». Elle lâche des c’mon solides comme le roc. Elle y va la Diana ! C’est d’ailleurs «Lights Out» qui referme la marche de la B. Le Crid te gratte ça sec et net et sans bavures. Il gratte comme un démon, il fait son Ron Asheton et croise les descentes de bassmatic. Le reste est plus classique, avec un «Freedom» assez Nashville Pussy dans l’esprit, et un Crid qui prend feu dans les virages. L’ex-Madame X restera une grande shouteuse devant l’éternel. Elle mène bien sa barcasse de Sugar Pie dans «Sugar Pie».

         En 2015, Dave Crider monte Machine Animal, «a four-piece ‘Bonehead Rock’ band». Deux singles sur le marché : «Live In Wreck/Devil Woman» et «Lame/Danger Explosives». Ils font du classic rock hardy des années de braise. Très Nashville Pussy dans l’esprit. Ils se spécialisent dans le big heavy Animal Machine Sound. On perd complètement le Crid génial des Mono.

         Avec Dave Crider et Art Chantry, l’autre héros de la saga Estrus n’est autre que Tim Kerr. C’est lors d’un concert des Mono Men au Crocodile Cafe de Seattle, en 1992, que Crider rencontre Tim Kerr. Rencontre déterminante car Kerr allait contribuer à la légende d’Estrus au moins autant qu’Art Chantry. Kerr le cake se trouvait alors à Seattle pour enregistrer le premier album de Monkeywrench, Clean As A Broke-Dick Dog, sur Sub Pop. Et ça commence vraiment à chauffer à la page 200 du book avec une photo de scène des Monkeywrench, tu vois Mark Arm au chant, et Kerr sur sa demi-caisse jaune, en chemisette à carreaux, déplumé mais avec la gueule de Robert Duvall. Crider a déjà flashé sur les underground heroes Poison 13 - too blues for punk, too punk for blues - Ça clique entre eux et ils papotent toute la nuit, partageant une admiration commune pour Thelonious Monk. Avec Tim Kerr, Crider va trouver un son. C’est Kerr qui enregistre le «Middle Finger album» des Makers et qui développe leur son. Il réédite l’exploit pour les Dexateens de Tuscaloosa, Alabama, qu’il entraîne comme il a entraîné les Makers «into wild batshit-crazy feedback orgies». Tim Kerr : «Those first two Dexateens records are still some of my favourite things I’ve done.» C’est lui aussi qui enregistre les Fireballs Of Freedom. En studio, il invite les groupes à s’abandonner - to cut loose and just go fuckin’ bananas - à la recherche d’une «dynamic of insanity and noise». Tim Kerr les aide à basculer dans le deconstructed rock and punk. Le mec des Fireballs en témoigne : «On essayait de faire un truc à l’opposé de tous les autres, and Tim understood that. Il est d’Austin et on adorait tous les weird bands from there, like the Butthole Surfers and Big Boys. We were freaks on the scene. So was Tim.» Pas étonnant qu’Estrus ait brillé au firmament de l’underground. Comme Guy Stevens en Angleterre, Tim Kerr encourage les groupes à tout casser : «Shout and scream and make mayhem.» C’est encore lui qui produit Estrella 20/20 : «Avec les groupes japonais, the very first note of the very first song is the grand finale, and we go up from there. That’s how it should be. Tu vas voir les Cramps. The Cramps are great. Lux stands on his amp at the end of the set, but why didn’t he do that on the first song?».

         En plus, Tim est modeste. Il demande toujours à son copain Crider de ne pas le créditer comme «producteur» sur les disks, il veut juste «guidance councellor» ou «coach» - «Producer» has so much fucking baggage to it that has nothing to do with me - Allez hop, Mooney Suzuki et Gasoline ! Il pousse le bouchon de la modestie assez loin, car il affirme que c’est un honneur pour lui que d’être sollicité par un groupe. Pire encore : il ne coûte pas cher. Vraiment pas cher. Il considère que le groupe a déjà claqué du blé en déplacement et en location de studio. Il se contente généralement du remboursement de ses frais de route, et il dort par terre s’il le faut - I didn’t mind sleeping on the floor - Et puis, il adore les groupes qui échappent au garage, comme les Fireballs Of Freedom - That’s absolutely not garage - Et il ajoute, pour que les choses soient bien claires : «The Quadrajets, they think they play Southern Rock, but it’s the most fucked-up, crazy thing. Lord High Fixers didn’t fit into the garage label either.We were playing jazz mixed with soul. There wasn’t that formula kinda thing going on. It’s probably why Dave and I are family.» Voilà la  clé d’Estrus : l’ouverture d’esprit. Tu tournes la page et tu tombes sur une autre photo de scène de Tim Kerr, cette fois avec les Lord High Fixers, qui furent en leur temps l’un des plus grands groupes de rock américains.

Signé : Cazengler, Estrousse (de toilette)

Chris Alpert Coyle & Scott Sugiuchi. Estrus. Shovin’ The Shit Since ‘87. Korero Press 2023

Mono Men. Stop Draggin’ Me Down. Estrus Records 1990

Mono Men. Wrecker! Estrus Records 1992

Mono Men. Shut The Fuck Up. Estrus Records 1993

Mono Men. Skin & Tonic. Estrus Records 1994

Mono Men. 10 Cool Ones. Scat Records 1996

Mono Men. Have A Nice Day Motherfucker. Estrus Records 1997

DT’s. Hard Fixed. Estrus Records 2004

DT’s. Nice ‘N’ Ruff (Hard Soul Hits! Vol. 1). GP Records 2005

DT’s. Filthy Habits. Get Hip Recordings 2007

Watts. Watts. Estrus Records 1999

Machine Animal. Live In Wreck. Valley Kings Records 2016

Machine Animal. Lame Danger Explosives. Ghost Highway Records 2018

Gravel. Break-A-Bone. Estrus Records 1992

Gravel. No Stone Unturned. Estrus Records 1993

Mortals. Ritual Dimension Of Sound. Estrus Records 1992

Mortals. Bulletproof. Estrus Records 1994

Mortals. Last Time Around. Estrus Records 1996

 

 

Pas de parka pour Farka

         L’Afrique débarque en Normandie, avec l’un de ses plus brillants ambassadeurs, Vieux Farka Touré, le fils d’Ali. Comme chacun sait, Ali Farka Touré révéla le secret des racines du blues dans Du Mali Au Mississippi, un docu tourné par Martin Scorsese, à partir d’un scenar de Peter Guralnick. Pardonnez du peu. Ce docu est aussi le premier des 7 épisodes de la série The Blues, produite par le même Scorsese. On retrouve aussi l’Ali sur l’un des plus beaux disks de blues des temps modernes, Talking Timbuktu, où il duette avec son fan numéro un, Ry Cooder. Donc quand le fils d’Ali débarque en ville, on va le voir vite fait. C’est la moindre des choses. Après, tu peux décider de rester chez toi à regarder une grosse daube à la télé. Mais tu vas rater quelque chose. 

         Bizarrement, quand tu vas voir jouer les Africains, tu marches sur des œufs, alors qu’au contraire, tu devrais danser et t’abandonner. C’est délicat l’Afrique. C’est fragile. C’est précieux. C’est raffiné. Tu as des instruments qui remontent à la nuit des temps. Contente-toi de les entendre, pas la peine de chercher à mémoriser leur nom. L’arlequin en costume tribal gratte une espèce de guitare primitive taillée dans un petit bout de bois. C’est Bo Diddley Della Francesca dans la forêt vierge. Mais Bo Diddley Della Francesca en costume d’Arlequin. Même Picabia n’aurait jamais pu imaginer un plan pareil. Et encore moins Picasso qui aimait tant peindre les Arlequins.

         Te voilà à la croisée des chemins, ces musiciens qui sont six sur scène avec le fils d’Ali jouent une musique qui te «parle» en profondeur. Si ton corps bouge, c’est sans ton consentement de petit cul blanc amidonné. Tu vois l’Arlequin danser d’un pied sur l’autre et tu fais la même chose sans t’en rendre compte. C’est une maladie contagieuse, l’afro-beat. À côté de lui, le bassman en boubou blanc joue le groove sur une Jazz Bass à 5 cordes, il ne fait rien de plus que ce que tu sais déjà, mais il le fait à l’Africaine, du bout des doigts, sans vraiment toucher les cordes. Jamais tu ne sauras jouer comme ça, à l’effleurement primitif d’ongles roses. L’effleurement primitif ne marche que si tu as les percus africaines. Les deux cracks du beat remontent aux origines de l’humanité, l’un est derrière une batterie et l’autre derrière une calebasse, et ça swingue dans la moelle des os, ça swingue dans les bois de tes cornes, ça bat le beat originel, te voilà aux origines du monde. Bizarrement tu ressens exactement la même chose lorsque tu écoutes John Lee Hooker ou Junior Kimbrough. Ces gens-là transmettent des sons qui remontent à la nuit des temps, avant que n’existent les villes et le fucking web. Était-ce un temps de pureté originelle ? On ne le saura jamais, mais on aime bien l’idée, c’est en tous les cas l’image que véhicule cette musique dénudée, ramenée à l’essentiel, et en même temps persiste l’impression d’une foison. Foison car deux guitares, plus l’instru primitif de cet Arlequin qui te fascine à force de balancer d’un pied sur l’autre. Capiteux mélange de beauté originelle, de dénuement saharien et de vie rudimentaire, s’il est une musique qui te fait voyager, c’est bien celle-ci. L’Afro-beat bat comme un gros cœur.

Contrairement au rock, cette musique ne charrie aucun relent de subversion ou de rébellion, c’est complètement autre chose, il règne dans ce son une idée parfaite de l’harmonie, c’est une autre façon de voir les choses ou de ressentir le monde. L’Afrique nous dit un peu à sa manière à quel point l’occident s’est égaré : après tant de siècles de violence et de barbarie politico-religieuse, les kids du XXe siècle ont dû inventer une autre forme de barbarie pour se rebeller contre l’ordre établi issu d’un long processus civilisationnel complètement erroné. Il faut comprendre par-là que la civilisation occidentale est tragiquement imparfaite. Alors que la musique africaine, reflet d’un processus traditionnaliste, est parfaite. Si on veut en savoir davantage sur cette évidence, alors il faut voir les films de Jean Rouch, notamment Jaguar et Moi Un Noir.

         Vieux Farka Touré ne fait pas d’ethnologie sur scène. Il amène de la joie de vivre et un son frais comme un gardon du Niger. Tous ces blackos sourient en jouant, il leur arrive parfois de tourner en rond sur eux-mêmes lentement, pied à pied, on a le temps, le cœur bat, la terre tourne, Diabara suit son chemin, Vieux Farka passe des solos qui ressemblent à des rivières de diamants, il s’approche de toi et te sourit, il a ce sourire incroyablement enfantin, il est mille fois plus radieux que ne le fut jamais cette cloche de Louis XIV dans son costume d’apparat, le Roi Soleil, c’est Vieux Farka Touré, il rayonne, il darde de mille feux, il chemine sur les traces de son père, ni plus ni moins, il porte le même message, le même chant, la même plainte issue de fond des âges et tu comprends que cette musique renferme une vraie part de vérité.

         Il faudrait aussi saluer Strange O’Clock, le petit couple blanc qui jouait en première partie. Elle chante et tape sur une calebasse elle aussi et prend parfois des poses théâtrales, alors qu’elle n’est pas obligée. Ils explorent eux aussi cette région de l’Ouest africain, elle évoque surtout le Burkina. Son compagnon reste assis pour gratter sa Tele. Il porte un chapeau de cuir et des bottes de baroudeur. Il s’appelle Christophe Balasakis et il joue un blues africain d’une extrême limpidité. L’ambiance est afro, mais chez lui le blues prend le dessus. Il joue avec un tact qui impressionne. Ce mec est prodigieusement doué. Il échappe aux comparaisons, comme s’il jouait avec un style unique. C’est en quelque sorte une révélation. On aurait presque hâte de les revoir, avant qu’ils n’aient terminé leur set. 

         Oh et puis tu as ce très bel album, Les Racines ! Bien positionné dans l’Afrique dès «Gabou Ni Tie», avec toute l’énergie du son, aussitôt la vie, dès la vraie attaque, ça grouille si merveilleusement. Chaque cut se met en route comme une caravane joyeuse, ces musiciens te ramènent aux origines du monde, avec le flûte de Pan de «Ngala Kaourene». Et puis voilà qu’apparaît au détour du casque ce morceau titre d’une beauté terrible, bien illuminé par les petites dégelées du Vieux Farka. Ce thème mélodique plane dans la légende africaine, traversé par des rivières de diamants. Avec «Be Together», tu as une espèce de fête au village sous le boisseau, un truc intense et léger à la fois, une beauté existentielle, tu as là-dedans tout le Mississippi Sound, tout Junior Kimbrough, toute la mémoire de la savane. Cette musique goutte de jus, l’électricité est si belle, elle sonne dans l’écho du temps, ça grouille comme une tribu. Dans «L’Âme», on reconnaît une mélodie du papa, un joli maléfice malien. Maléfique, «Flany Koanre» l’est aussi, très formel, très malien, en attente dans le temps, le son ne bouge pas, tout est figé, sauf les notes. Et puis tu vois «Lahidou» se poser comme une architecture dans les sables du désert, avec une voix qui survole les structures lumineuses comme un immense oiseau mythique. Les notes sont en liberté. «Ndjehene Direne» repart à l’assaut d’on ne sait quoi, puisqu’il n’existe pas d’assaut chez les Maliens. Pourquoi ? Parce que pas de donjons. Et pas de rien. Juste du son. Un son qui avance à travers les zones désolées de ton imaginaire. Un son aux racines si profondes que tu comprend pour la première fois la notion de sol. Tu écoutes avec tes doigts de pieds. Tu vis dans tes Impressions d’Afrique. 

         Pour célébrer l’occasion, tu ressors de l’étagère un vieux papa Touré, un album sans titre paru en 1988, à une époque où il faisait bon s’abreuver dans l’Africana. Ali Farka Touré est un album de chansons traditionnelles. Le mec des liners donne heureusement quelques infos. On apprend par exemple que «Timbarma» est une chanson tradi à Timbuktoo et en Mauritanie. C’est un son très paisible, très ancien. Ali Farka Touré gratte à l’ancienne. Ce sont les racines des roots, il n’existe rien de plus ancien ce ça. Il chante «Bakoyteyre» en Songhai, nous dit le liner man - Les drogues ne remplissent pas la panse, alors pourquoi en prendre ? - Cette façon de poser le son est unique. Et soudain, il tape le blues du Mississippi avec «Amandrai». Merveilleux certificat de paternité. Il refait des miracles avec «Bakoye», il faut l’entendre dérouler ses rivières de diamants, il joue en picking malien avec le pouce sur la corde basse. Il est fin l’Ali. 

         Et comme le Voyageur de papa Touré traînait au merch, alors on l’a ramassé. Vieux Farka joue dessus. Cet album est un petit chef-d’œuvre d’Africana. Dès «Safari» tu es confronté au phénomène de la clameur, une clameur qui s’installe sur une vaste région. Cette façon de poser le son détermine toute la suite. C’est profond et spirituel. Ici, on ne parle pas de pintes de bière. Ces Maliens rockent mille fois plus que tous les gaga gangs réunis. Et chaque cut se met en route magnifiquement, comme une caravane dans le désert. Pur et juste. On sent battre le pouls du beat. Ils amènent «Bandolobourou» comme un hit d’une beauté parfaite. L’Ali y va, il fluidifie sa rivière de diamants, son fils Vieux Farka joue aussi sur cette merveille. La beauté devient surnaturelle, retravaillée au chant descendant. Une fabuleuse petite chanteuse nommée Oumou Sangaré prend le chant sur «Chérie» et l’Ali revient gratter du riff séculaire. Elle lance encore la loco malienne de «Sadjona», cut chaud et intime, puissant et profond. Cette musicalité donne vraiment le vertige. Sur «Kombo Galia», ils sont trois à gratter des gnonis derrière l’Ali. Clameur fondamentale.  

Signé : Cazengler, Vieux parka troué

Vieux Farka Touré. Le 106. Rouen (76). 13 mars 2024

Vieux Farka Touré. Les Racines. World Circuit 2022

Ali Farka Touré. Ali Farka Touré. World Circuit 1988

Ali Farka Touré. Voyageur. World Circuit 2023

 

L’avenir du rock

 - Le père Noel n’est pas une ordure

(Part Two)

         Dès que les beaux jours arrivent, l’avenir du rock prend sa bagnole. Direction Omaha Beach pour rendre une petite visite au Général Mitchoum. Ça fait 80 ans que le pauvre vieux se planque derrière son bloc de béton, à l’abri, dit-il, «des balles des Boches». La nuit, il construit des châteaux de sable, et le jour il roupille. L’avenir du rock lui amène des tablettes de chocolat et des boîtes de corned beef, son mets préféré.

         — Alors mon Général, toujours entier ? La rafale de mitrailleuse qui vous déchiquettera n’est pas encore née, ha ha ha !

         Ça ne fait pas rire le vieux crabe. L’avenir du rock l’observe. Il n’est pas jojo. Son casque est tout rouillé et il a perdu toutes ses dents. Il a une gueule à faire fuir un train fantôme. Pas facile d’engager la conversation.

         — Vous ne voulez que je vous amène dans un EHPAD, mon Général ? J’en connais un très bien, pas trop cher, pas loin d’ici...

         — EHPAD possible, fucking asshole ! J’attends des renforts !

         — Des renforts, des renforts, oui mais des Panzanis !

         — No ! Un renfort Ricard, sinon rien !

         — Mais attention, mon Général, le renfort est plus fort que le Roquefort !

         — The Roquefort Alamo, dickhead ?

         — À la vie, Alamort, mon Général !

         — À la mort de la mormoille, babeh !

         — Ah oui ! Babette s’en va-t-en Gallagher, mon Général !

         — Yeah ! Gallagher des boots on !

 

         Il n’existe pas de meilleur candidat au délire que le Général Mitchoum. L’avenir du rock n’y va que pour ça. Entre tarés, le courant passe bien. Et ce n’est pas un hasard si le nom de Noel Gallagher arrive dans la conversation. Sa présence dans la presse anglaise et son nouvel album sont aussi incongrus que peut l’être une conversation avec le Général Mitchoum. Comment le Père Noel peut-il espérer vivre artistiquement après Oasis ? C’est la question qu’on se pose chaque fois qu’on écoute l’un de ses nouveaux albums. Comme si on attendait de lui qu’il descende par la cheminée pour déposer dans nos petits souliers de nouveaux miracles de type «Columbia».

         Council Skies n’est pas vraiment un miracle, mais ça reste néanmoins un big album. Au format double CD, ça donne un petit book en noir et blanc richement illustré. À l’écoute, on voit tout de suite que le Père Noel souffre d’une grosse lacune : pas de Liam. Il chante au chat perché, mais tout l’Oasis était dans le Liam. Le Père Noel peut brailler, pousser des yeah yeah, rien n’y fait, ça manque tragiquement de Liam. Plus il yeah-yeathe et plus il se ridiculise. C’est même assez pathétique de voir cette ancienne rock star se débattre avec de mauvaises compos. Le Père Noel manque à tous ses devoirs. Il devient pénible, et puis soudain ça repart du bon pied avec «Open The Door See What You Find». Ce petit coup de stomp cache bien la misère. Alors attention, ce n’est pas parce qu’il a du gros son qu’il est bon. Ça produit même l’effet inverse. Il continue de se battre pied à pied avec «Trying To Find A World That’s Been And Gone Pt. 1», il chante tout ce qu’il peut, mais le problème reste entier. C’est tout de même bizarre qu’il ne s’en rende pas compte. Il passe enfin aux énormités avec «Easy Now», il ressort l’heavy Oasis, il parvient enfin à s’arracher du sol, et ça continue avec le morceau titre. Le Père Noel ramène tout le Mad Chester dont il est capable. Voilà le groove urbain en mode Mad Chester. L’implacabilité des choses ! Il tente toujours de cacher la misère avec une grosse prod, mais on voit à travers. Impossible de ne pas penser au carnage qu’aurait fait Liam avec un cut pareil. «There She Blows!» est plus poppy, plus Beatlemaniaque, mais avec le poids du fan de base. Ça donne un mélange bien toxique. Gros parfum d’Oasis. Le Père Noel n’a rien perdu de ses facultés. Il sort un son sec de guimbarde pour «Love Is A Rich Man», mais globalement, on ressent un malaise. Rien n’est plus tragique que de voir un grand artiste sombrer. Il devient ridicule avec «Think Of A Number». Liam doit se tordre de rire en écoutant ça.

         Bon, c’est pas tout ça, les gars, mais il reste le disk 2. Le Père Noel l’attaque avec des cuts problématiques, c’est-à-dire des cuts qui refusent d’obtempérer. Et puis soudain, une lueur apparaît au bout du tunnel : «Mind Games», une mélodie catchy. C’est le real deal du Père Noel. Absolute Papa Noel. On croise plus loin la version instro du morceau titre, jouée aux clochettes. Power all over. Dès qu’il ne chante plus, ça va beaucoup mieux. Ces mecs groovent l’orbi et l’orba de Mad Chester. Big fat power ! L’instro permet de se concentrer sur la structure. Puis on va assister à la fin de la chute de l’Empire Romain d’Oasis avec l’electro-mix putassier de «Think Of A Number (Pet Shop Boys Magic Eye 12» Remix)». Eh oui, le Père Noel appartient aussi à ce monde-là. On l’entend ensuite chanter «Pretty Boy (Robert Smith Remix)» à la radio. C’est bon parce qu’il chante dans l’écho de la radio, dommage que la compo soit si foireuse. On tombe ensuite sur «Council Skies (The Reflex Revision)», montée sur un beat marmoréen, ça enfonce le clou dans la paume, plutôt deux fois qu’une. Toujours la même chanson. Liam doit être écroulé de rire à l’écoute de «Flying On The Ground (Radio 2 Session)» et d’«You Ain’t Goin’ Nowhere (Radio 2 Session)», et cette débâcle s’achève sur «Live Forever» le balladif gluant qui a tué Oasis dans l’œuf. Mais on écoutera quand même le prochain album. On veut continuer de croire au Pere Noel.

Signé : Cazengler, gallaglaire

Noel Gallagher. Council Skies. Sour Mash Records Ltd. 2023

 

 

Inside the goldmine

 - Peterson of a biche

         Et puis tu avais ce mec, Potar, débarqué là comme intérimaire, vite copain-copain, le pack de mousse à l’apéro et ses histoires graveleuses en guise de cerise sur le gâtö. Il pensait que le graveleux trempé dans la mousse pouvait créer des liens confraternels. De toute évidence, il ramenait ça de son séjour à l’armée. Il adorait parler de ses mensurations, ma queue mesure trente centimètres, se vantait-il, surtout quand des gonzesses circulaient dans l’open space. Il affichait en permanence un sourire d’intérimaire heureux de sa condition. Personne ne comprenait que son air jovial dissimulait en réalité une nocivité machiavélique. Pour le déchiffrer, il suffisait de créer un climat de confiance permettant de l’approcher d’assez près pour pouvoir observer sa peau : il avait ce qu’on appelle une mauvaise peau d’obsédé sexuel, cette peau blanchâtre propice aux éruptions de pus. Une peau dont on disait autrefois qu’elle était à l’image de l’âme. Il avait en outre des cheveux noirs extraordinairement gras et le col couvert de pellicules. Il se grattait la tête en permanence et bien sûr ses ongles étaient noirs comme ceux d’un clochard. Il portait des lunettes à verres tellement épais qu’ils grossissaient ses yeux, deux gros yeux noirs à l’éclat malsain : pas les yeux noirs de Picasso, ceux d’M le Maudit. Il inspirait globalement une sorte de répulsion. Son côté jeune homme sympathique et serviable peinait à dissimuler la sinistre réalité de sa condition. Et pour couronner le tout, il ne portait que des chemisettes à manches courtes, histoire de rappeler qu’il ne s’embarrassait pas non plus avec les questions de goût. Il proposait un autre genre d’équilibre : le sien. Au vestiaire, Potar commença très vite à abuser de certaines salariées. Pour qu’elles gardent le silence, il les menaçait en brandissant un opinel et jurait qu’en cas d’indiscrétion, couic ! T’as pigé, connasse ? Le cauchemar prit fin de la façon la plus charmante. Un jour où nous étions tous rassemblés dans l’atelier pour fêter un anniversaire, une petite salariée d’origine italienne but le verre de trop qui lui délia la langue : «Potal il dit qué sa zigounetti elle mousoure tlente centimètles, si pas vlai ! Sa zigounetti elle mousoure cinquo centimètles !». Et tout le monde éclata de rire. Piqué au vif, humilié, Potar posa son verre, tourna les talons et disparut.

         Potar et James Peterson n’ont heureusement rien en commun, si ce n’est le potard. James Peterson adore tourner les potards de son ampli pour jouer le blues bien loud et bien heavy. Il est important de savoir que James Peterson est le bluesman de Malaco, et qu’il est aussi le père de Lucky Peterson. Joli nom, Lucky, tu trouves pas ? 

         D’ailleurs, le père et le fils ont enregistré un album ensemble : The Father The Son The Blues. Lucky est petit, il n’a que 8 ans, il chante et joue du piano. On l’entend chanter «What Would I Give» d’une voix délicieusement juvénile. On l’entend encore chanter «Music Is The Thing» et son père l’accompagne à l’orgue. Le petit Lucy pousse des cris d’orfraie, c’est très spectaculaire. Il revient encore dans le hard r’n’b de «Florence» et devient fantastique de délinquance juvénile. Et il atteint des sommets avec «Daddy Come Home For Christmas», il pousse des cris d’orfraie à la fin, daddy daddy !  

         James Peterson enregistre en 1990 Rough And Ready, un bon album qui ne laissera guère de souvenirs. Il navigue en père peinard sur la grand-mare des canards et alterne les heavy blues avec les boogie blues. Tu vois la Flying V sur la pochette et tu t’attends à du wild blues, mais c’est du blues classique. Le vieux James gratte le blues sous toutes les formes et n’en finit plus de redorer le blason du classicisme. C’est noyé de poux. Force est d’admettre que son «Can’t Teach An Old Dog New Tricks» est d’un bon niveau, c’est du vrai blues urbain, le New York City blues finement cuivré. Son «Mind Is A Terrible Thing To Waste» est un heavy blues de qualité supérieure, pas de doute. Il reste dans la perfection de pâté de foi avec «Sing The Blues Until I Die» et il finit avec «Clothesline», un joli heavy blues traîné en longueur, dans la meilleure des traditions d’excelsior.

         Too Many Knots n’est pas l’album du siècle, mais il réserve quelques bonnes surprises comme par exemple «Fish Ain’t Biting», un sacré heavy blues funk cuivré de frais. Encore du funk avec «Slob On The Knob». Belle odeur d’exotica, ce démon de Peterson y va et ça bascule vite dans la grosse énormité. Il rend un bel hommage à Elmore James avec «Jacksonville» : c’est du pur «Dust My Blues». Encore une fantastique dégelée de blues avec «Call Before You Come Home». Comme ils sont trois à gratter leurs poux, Edward Crusoe, Bryan Barrett et Warren King, tu ne cherches pas à savoir le pourquoi du comment. Peterson chante, c’est tout. Et c’est lui qui compose. Il est bon sur le fast heavy blues du morceau titre. Il se prête à tous les jeux. Encore du heavy boogie blues avec «Blind Can’t Lead The Blind». Straight edge. Fast one. On the run.

         Il a raison, James Peterson, il ne faut pas laisser le volant au diable. Don’t Let The Devil Ride est un album qui se laisse écouter, car Peterson fait du heavy raw, il joue comme l’éclair et chante au gut. Il est capable se sortir une énorme arrache. Il porte des bagues aux doigts, et au dos de la boîboîte, on voit qu’il se teint les cheveux en blond. Fantastique présence ! Tout est classique, mais avec du power. Il chante comme un alligator aux doigts couverts de bagues. Il tape «Bite My Hook» au Memphis Beat. Dès qu’il s’énerve, il joue avec le feu. Il tape son «Boat Don’t Float» au heavy funk de no no no, classic stuff, oui mais big classic stuff. Il prend l’«It’s So Good» au fouette cocher, rien ne pourrait plus l’arrêter. Il joue en permanence avec le feu, c’est la raison pour laquelle on l’admire.

         Peterson continue de redorer le blason du blues de Malaco/Waldoxy avec Preachin’ The Blues. Il attaque au blues liquide avec un «Shoe On The Other Foot» bien noyé d’orgue. C’est excellent, Tommy Couch produit, donc pas de problème. Puis Peterson va entrer dans sa routine de heavy rumble et créer l’événement de temps en temps, comme par exemple avec «Lost What I Had», où il retourne son groove comme une peau de lapin pour l’amener dans l’église en bois et fourbir the big gospel batch. Belle énormité ! Puis il repart comme à l’accoutumée en mode fast boogie blues, il est bon à la manœuvre, ça reste classique, mais Malaco Class. Il tape un very heavy blues avec «Come Home To Eat», fabuleusement relayé au solo d’orgue par Clayton Ivey. Ça ne rigole pas. Peterson tape son «Bottom Line» au ragnagna, c’est un hargneux. Globalement, le boogie blues de Malaco est sans surprise, mais plein de jus. Peterson renoue avec l’énergie du gospel d’Alabama dans «Why Mama Had To Cry», soutenu par des chœurs d’anges de miséricorde. Et pour «I’ve Got A Problem», il y va au heavy boogie blues. Il a raison, Peterson, il faut toujours aller au heavy boogie blues. Sinon c’est lui qui viendra à toi. Il boucle cet album éminemment classique avec un shoot d’heavy Soul de blues, «Some Thing A Man Shouldn’t Have To Do» et redevient soloennel, avec son côté ragnagna. Il gueule comme un veau, mais c’est assez beau. Dommage qu’il fasse trop de ragnagna

Singé : Cazengler, James Petersombre

James, Lucky Peterson. The Father The Son The Blues. Today Records 1972

James Peterson. Rough And Ready. King Snake Records 1990 

James Peterson. Too Many Knots. Ichiban Records 1991  

James Peterson. Don’t Let The Devil Ride. Waldoxy Records 1995 

James Peterson. Preachin’ The Blues. Waldoxy Records 1996

 

*

Y a des noms qui puent la gargouille. J’ai vérifié, ça veut bien dire gargouille. La gargouille c’est un peu l’antithèse de la grenouille de bénitier. Les griffes de Satan qui dépassent des murs des cathédrales. Tiens, un groupe de la Nouvelle-Orléans, la patrie des alligators, renommée pour sa sorcellerie, quand on tient une bonne piste : on la suit !

NO MAN’S LAND

GARGUTS

(CD / K7 / Bandcamp / Avril 2024)

Steve Mignano : vocal / Jon Casteix : drums / Sterling Anderson : bass / Dylan Hemard : guitar.

La couve est de Sterling et de Dylan. Minimaliste mais efficace. Dans l’esprit preuve par neuf.

Shadow : l’ensemble a du mal à démarrer, une espèce de frottis gynécologique  de guitare asthmatique qui donne l’impression d’avoir un sacré problème de larynx, une batterie implacable qui a l’air de s’en foutre et qui continue sa route vers on ne sait quoi, et un gars qui ne chante pas, s’en prend à lui-même, une espèce de confession à l’air libre pour que tout le monde soit au courant de son malaise,  du coup la guitare joue au solo de chat écorché, vous avez la basse qui vous file des coups de rondin à la base du cou, le gars hurle, il attend la mort, il trouve qu’elle met du temps à venir, les instrus lui font la fête, inventent pour lui une espèce de danse macabre. Lorsque ça se finit vous vous demandez pourquoi vous êtes là et surtout comment vous avez fait pour en arriver-là. L’ombre d’un doute plane sur vous-même. No Man’s Land : sont sympas vous disent où vous êtes, musicalement le no man’s land se situe dans l’improbable espace du croisement du punk, du metal et du hardcore. Attention zone dangereuse. Si vous tenez à le visiter ne vous munissez pas de biscuits, encore moins de rations de survie, ils vous les boufferont sans pitié, soyez sur vos garde, d’abord méfiez-vous de Jon, se sert de ses baguettes on ne sait pas trop comment, un gamin de cinq ans qui tape monotonement sur un tambour pour pousser ses parents au suicide, et en même temps la gaminette n’ignore rien des subtilités pondérales de Stockhausen, cogne comme un charretier sur son cheval mort, le vocal de Mignano n’est pas mignon, d’abord il hurle juste pour le plaisir de vous embêter, ensuite il prend le micro et se livre à un étrange discours martelé depuis le fond de sa gorge, malgré le boucan de ses congénères il vous donne l’impression de chanter pour lui tout seul, une espèce de Diva qui éructe dans son vomi êtral, à l’écouter vous vous dites que le chemin de croix du Christ c’était une vaste rigolade, une partie de plaisir intellectuellement enrichissante, quant à Dylan n’a jamais dû apprendre à jouer de la guitare, par contre l’est un as de la tronçonneuse, doit passer son temps à scier les morts dans leur cercueil, quand il s’énerve et qu’il pousse son égoïne à plein régime vous courez vous cacher, trop tard il vous a vu et vous tape dessus à tour de bras. Maintenant il faut reconnaître que leur ramage se rapporte à la réalité ambiante de notre monde cruel et sans pitié. Soyez sans illusion. Slaugther LN : un sociologue vous expliquera que le morceau précédent est à l’image de nos quartiers difficiles bla-bla-bla, pour comprendre celui-ci moins prise de tête, c’est plus cool, regardez un truc cool, par exemple l’ensemble des vidéos de L 214, mais là ça se déroule dans votre tête, fermez les yeux vous ne verrez pas, bouchez-vous les oreilles vous entendrez quand même. Commencent par vous avertir par une intro monumentale après ils se mettent à courir comme des dératés, el Mignano se prend pour un coach sportif, puis il n’y tient plus, sa mauvaise nature reprend le dessus, vous avez Jon dans l’oreille droite qui avance au pas et la guitare de Dylan dans l’esgourde gauche qui galope comme si elle était poursuivie par un essaim de frelons asiatiques. Vous font le coup : on arrête tout. Coucou, on vous a bien eus, et ils recommencent de plus belle. Le genre de groupe en lequel vous ne pouvez faire confiance.

         Le truc le plus bizarre c’est que vous ressortez de ce disque tout ragaillardi. Il y a longtemps que n’avez entendu un truc aussi bon, et vous serez tenté d’ajouter d’aussi novateur.

         C’est leur deuxième EP, je vous causerai de leur premier bientôt. Ce groupe est à suivre. Les plus courageux peuvent même essayer de les précéder, mais ce ne sera pas facile.

         Esprits sensibles abstenez-vous. Après une écoute prolongée la masse gélatineuse de votre cerveau aura toutes les chances de se liquéfier et de s’échapper sans préavis par la gargouille de votre nez.

Damie Chad.

Note : l’abréviation ln (voir troisième titre) est une unité de mesure qui sert à indiquer la pression acoustique du bruit.

 

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Un groupe français, from Paris, dont je n’ai jamais entendu parler. Viennent de sortir ce 20 avril 2024 un album, sont actif depuis 2009, z’ont déjà commis un EP, trois albums, un live, une compil, et deux singles, des bosseurs, j’aime les gars qui suivent leur idée, qui font tout pour la rattraper et même la dépasser, j’ai décidé de les chroniquer avant même d’avoir entendu une seule de leurs notes, pour une seule raison, j’aime les fractales.

ONE WITH DAWN

FRACTAL GATES

( CD / Bandcamp / Avril 2024)

Stéphane Peudupin : lead, rhythm guitar, synths / Sébastien Pierre : vocals, synths / Jeremy Briquet : drums / Antoine Verdier : bass guitar / Arnaud Hoarau : rhythm guitar.

         Je ne vous ferai pas l’injure de vous expliquer ce qu’est une porte. Certains d’entre vous sont déjà en train de triper sur les portes de la perception d’Adlous Huxley et des si bien nommés Doors. Je ne vous parlerai pas non plus d’une de mes idoles, le mathématicien Georg Cantor. Je  devrais, il a travaillé sur les fractales mais je me contenterai de vous raconter une petite histoire dont vous serez le héros.

Premier scénario : qui ne présente aucun intérêt : vous êtes chez vous dans votre bureau par exemple en train de lire cette chronique. Avant de vous lancer dans cette histoire, vous décidez de vous rendre dans votre cuisine pour vous préparer un café. Vous ouvrez la porte, vous vous rendez dans votre cuisine, vous préparez votre café, vous revenez, vous refermez la porte et vous asseyez à votre place habituelle pour lire cette histoire.

Deuxième scénario : qui présente un étrange intérêt : vous êtes chez vous dans votre bureau par exemple en train de lire cette chronique. Avant de vous lancer dans cette histoire, vous décidez de vous rendre dans votre cuisine pour vous préparer un café. Vous ouvrez la porte, et vous rentrez dans la pièce que vous venez de quitter, vous ouvrez la porte de cette nouvelle pièce et vous voici à nouveau dans la pièce que vous êtes en train de quitter… cette histoire continue sans fin… (entre parenthèse vous pouvez dire adieu à votre café.)

Troisième scénario : qui présente un étrange intérêt : vous êtes chez vous dans votre bureau par exemple en train de lire cette chronique. Avant de vous lancer dans cette histoire, vous décidez de vous rendre dans votre cuisine pour vous préparer un café. Vous ouvrez la porte, et vous rentrez dans la pièce que vous venez de quitter, avec une petite différence, exactement la même mais un tantinet plus petite, vous avez du mal à vous en apercevoir parce que vous-même vous avez un tout petit peu rapetissé, je vous pense assez intelligent pour raconter la suite du récit… (faites une croix définitive sur votre café !)

Quatrième scénario : qui présente un étrange intérêt : vous êtes chez vous dans votre bureau par exemple en train de lire cette chronique. Avant de vous lancer dans cette histoire, vous décidez de vous rendre dans votre cuisine pour vous préparer un café. Vous ouvrez la porte, et vous rentrez dans la pièce que vous venez de quitter, avec une petite différence, exactement la même mais un tantinet plus grande… je vous pense assez intelligent pour raconter la suite du récit… (vous ne pensez plus à votre café car cette histoire occupe toutes vos méninges !)

         Un bref commentaire sur deux termes des trois termes du titre ‘’One With Dawn’’ de l’album s’impose. One : que vous soyez seul à vous dépatouiller avec cette étrange histoire n’est pas étonnant. Dawn : de quelle aube s’agit-il au juste. Dans notre histoire l’aube serait la métaphore qui mettrait fin à la répétition infinie de votre monde, à la poursuite sans fin de l’infiniment petit et à la poursuite sans fin de l’infiniment grand. Si vous avez du mal à comprendre un dernier tuyau : Georg Cantor a découvert, créé, imaginé, les nombres plus grands que l’infini. Comme quoi il y a une logique mathématique dans cette histoire que certains d’entre vous aurons jugée de totalement idiote.      

Visions XIII : les esprits cartésiens se demanderont pourquoi l’opus débute par la vision 13 et non par la 1. C’est une très bonne question qui vous renvoie à la petite histoire ci-dessus. La Vision 1 est le premier morceau d’Altered State of Consciouness ( 2009) la Vision 5 le clôture, les 2,3,4 font fonction de bornes disséminées pami les autres titres ; la Vision 7 ouvre et la 9 termine le deuxième full-lenght Beyond the Self ( 2013) la 8 au milieu, la Vision 10 est en tête du troisième album The light that shines ( 2018) la 11 au centre, la 12 le termine. Vous trouverez la Vision 6 sur The Unrealazed Tracks 2013 paru en 2023. Instrumental, très court à écouter avec attention, certes tout n’est pas donné d’emblée mais la couleur de base ne variera que très peu, ne manque que le vocal, le temps de s’installer arrive sur la trame sonore comme ces fameux coups de timbales que l’on entend dans les symphoniques oragiques, vous n’écoutez plus, vous les attendez, elles claquent comme de monstrueux coups de fusil.  Shining fall : le vocal déboule, roc rugueux qui roule au flanc d’une montagne, rythme entraînant il est des chutes qui sont des victoires, les étoiles filantes se doivent d’illuminer le ciel noir, moment de la séparation de soi d’avec le monde, pratiquement un manifeste vindicatif, ce qui n’empêche pas quelques graines de nostalgie, pour le soi-même que l’on se prépare à brûler, il faut savoir être son propre brasier pour renaître plus fort. L’important est d’être loin des autres et foncer comme une force qui va. Seamless days : une musique qui vient du dedans, il ne suffit pas d’être loin des autres, la voix torturée assume son introspection, rien n’est donné, c’est à soi-même de trouver le chemin, il est en soi, il parle en toi, il murmure des tempêtes, se dépouiller des vieux oripeaux du passé, les deux soli de guitare de Jary Lindholm  brûlent les vêtements de l’épouvantail de vous-même qui vous faisait peur. Into the unknown : notes synthétiques stellaires, guitare et batterie mettent la pression, l’inconnu n’est pas au bout de lointaines galaxies, il commence déjà dans tout ce qui nous sépare des joies passées, guitares brandons tenues à bout de bras pour éclairer la nouvelle route, celle de l’énergie que nous amassons en nous, le vocal s’épanouit en un chant programmatique. Il ne s’agit pas de renier les anciens moments d’incandescence mais de les métamorphoser en tremplins de nos rêves. When the distance peint us : intro de synthé, elle ne se taira pas de tout le morceau, elle est le trait d’union entre l’ancien monde et le nouveau, le vocal s’affirme, notre héros n’est pas allé bien loin mais il prend connaissance de la laideur et des faux-semblants qu’il abandonne derrière lui, notre meilleur autoportrait ce sont nos rêves, ce qui nous sépare  de ce que nous avons été davantage que de ce dont nous ne sommes que le projet inaccompli. Earthbound : hymne des nouvelles alliances, loin des hommes plus près des éléments, la nature entre en lui, il est montagne vertigineuse et abysse sans fond, pas besoin d’escalader, pas besoin de plonger, le microcosme est le miroir du macrocosme, tout est en lui, les plus grandes aventures sont intérieures, en de si grands moments d’exaltations la batterie pousse le chant métamorphosé en chariot céleste sous la voûte crânienne.

Hall alive : se remplir de l’énergie du monde, le background est devenu une course folle, le vocal rugit tel un lion, il agite les ions de sa crinière comme une semence d’or sur l’univers, il se sent, il se sait capable de tout, revivre l’histoire ancienne pour la rendre plus belle, moment de plénitude, montée finale d’allégresse, maintenant il est prêt à partir à l’assaut du rêve, à accueillir une nouvelle vision. Vision XIV : ouate des cordes, sonorités d’outre-monde, visions de paysages auxquels personne n’aura jamais accès, il vole, un papillon qui sort de sa chrysalide et qui découvre une autre réalité. One with dawn : le morceau éponyme de la transfiguration, la voix s’envole, il s’agit de métamorphoser l’œuvre au noir du vécu en pierre rubescente charnelle, notes triomphales comme giclées de trompettes, où est-elle, n’est-elle pas devenue l’aube que l’on attendait, que l’on recherchait, que l’on désirait plus fort que tout. Transformer l’âme cœur en âme sœur, nous fûmes deux je le maintiens disait Mallarmé. Hyperstate : apogée orchestrale, il ne suffit pas d’avoir franchi un cap, voici le temps de l’assumation, le roi doit gouverner son royaume, plus moyen de reculer, encore une fois la guitare de Lary vient couper l’herbe sous les pieds de l’hésitation à être soi-même, la chute en soi-même est un vol contrôlé, le monde est double, celui qui hurle, celui qui chuchote, ce que nous ne voulons pas, nous devons le détruire. Une seule nuit, un seul soleil, tel est la loi dirait Crowley. Serenity : tout a changé, tout est identique, toute sérénité est une chute en soi-même, le combat n’est jamais terminé, le jeu a toujours un niveau de plus, le flux musical semble imperturbable, le chant garde sa vigueur, tout revoir, tout revivre, ne jamais être dupe de nos états de conscience supérieurs. Foncer en avant, l’on ne tombe jamais plus loin, plus bas, plus profond que soi. Severance : redoutablement emphatique, il arrive un moment où le bas et le haut se ressemblent, sont une même chose, il faut oser, la dernière séparation celle qui vous permet de rejoindre le domaine des dieux, dans le seul but de répondre aux réponses tapies au-dedans de nous comme serpents assoupis qui veillent et ne dorment jamais. Etre au plafond équivaut à ramper sur le plancher. Echoings notions : les échos, ceux du bas et ceux du haut se répondent, perdu en haut, perdu en bas, la bête vole, l’ange rampe, toujours la même histoire à tous les étages, elle se répète, nous avons voulu vaincre notre destin mais notre destin n’est-il pas simplement de vouloir le vaincre, en d’autres termes, ni être vainqueur, ni être vaincu, l’on ne va jamais plus loin que soi-même. Même pas plus près. Notre destin n’est-il pas notre rêve. Quelques notes de guitare comme aigrettes de pissenlits qui s’envolent au vent. Visions XV : du vent qui siffle et qui souffle pour nous emporter, qui finit comme l’insecte par tapoter sans arrêt sur la vitre qu’il sait incassable. The eclipse : au-dedans de soi parfois le soleil rayonne, parfois de sombres vapeurs le voilent, tantôt l’esprit se hisse sur ses propres cimes, les plus vertigineuses pour admirer sa propre lumière, tantôt il tombe dans le puits sans fond de ses propres abîmes, l’aiguille du destin plantée dans vos omoplates ne marque ni le haut ni le bas, elle fait simplement signe qu’elle est le destin. Skies of Orion : qu’importe parfois les étoiles filantes se brisent, elles ne tombent pas, elles s’élèvent, leurs débris restent échoués à l’endroit exact où elles se sont morcelées ne sachant plus, ne pouvant plus, ne voulant plus être situées en dehors de leur destin. Elles restent incapables de choisir, d’opter pour le haut ou pour le bas. Elles sont tout de même la preuve que quelque chose a eu lieu…elles figurent l’Orient et l’Orion des songes.

         Que bientôt que personne ne saura déchiffrer.

L’on ne sort jamais de son compartiment. L’on ne fait qu’y rentrer sans arrêt.

Il ne reste plus qu’à expliciter le troisième terme du titre. One With Dawn. With est la glue qui colle l’un à l’autre les deux éléments qu’il prive de liberté, qu’il rend indissociables qui ne pourront jamais s’éloigner ou s’embrasser, s’embraser, l’un de l’autre.

Cette impression est accentuée à dessein par l’orchestration, tous les morceaux se ressemblent, ce qui ne les empêchent en rien d’être de scintillants joyaux de jais, les épisodes de l’histoire racontent tous la même histoire, c’est si puissant que l’on aimerait que ça ne s’arrête jamais.

Damie Chad.

 

*

Les cendres d’Ashen n’en finissent pas de devenir braises purulentes. Il est des feux qui ne purifie point, ils brûlent comme le mal des ardents quiconque s’en approche.

Faisons le point l’incendie couve, voici notre relevé effectué  par notre comité de vigilance : le 03 mars 2022 dans notre livraison 545 nous signalions trois engins incendiaires particulièrement nocifs sous l’apparence de trois vidéos d’apparence inoffensive : Sapiens, Hidden, Outler, le 18 mai 2023 dans notre livraison 595 nous repérions, ils utilisent toujours la même technique, la vidéo Nowhere. Vus mais pas pris, puisque le 07 septembre  2023, livraison 610, ils doublent la mise Angel et Smell Like Teen Spirit (matériel américain performant), devant l’impunité dont ils profitent quinze semaines plus tard, livraison 526 c’est le tour de Chimera, pour fêter l’anniversaire de leur premier méfait c’est en mars 2024 qu’ils déposent en toute impunité :

DESIRE

ASHEN

(Direction : BASTIEN SABLé)

(Official Music video / Out Of Line Music / Mars 2024)

 Poully : bass / Tristan Broggeat : drums / Clem Richard : vocal : / Antoine Zimer : guitars / Niels Tozer : guitar, additional vocals / Thibaud.

         D’abord regardons :

         Début, l’on se croirait dans un appartement baudelairien, luxe, calme et volupté, un intérieur bourgeois, soyons précis bourgeois-bohèmes, abat-jours à franges, meubles encaustiqués, un peu de désordre, des chandelles pour l’ambiance romantique, l’on note la présence d’objets technologiques issus de notre monde comme un poste de télévision, z’auraient pu prendre un grand-écran, ne chipotons pas.

         Une ombre à la fenêtre, un visage indistinct contre la vitre, des mains qui déchirent le vitrage plastifié, il se glisse, l’ombre es un hombre, il se glisse, il se coule sur le plancher, un serpent, vicieux comme tous les reptiles, d’ailleurs l’Eve n’est pas loin, vous l’apercevez une fraction d’une demi-seconde, d’où vient-il, que fait-il, où va-t-il, le voici ailleurs. Dans un cube orange, sont tous là, tout Ashen, en train de jouer, les autres derrière, Le reptilien devant, en costume, il ondule, il danse, il chante, il regarde mais il ne vous voit pas, il regarde quelque chose bien plus important que vous, vous voulez savoir quoi, pas difficile, pourquoi d’après vous le devinons-nous en ultra-micro-flash, pourquoi rampe-t-il vers le lit, pourquoi se vautre-t-il en des poses suggestives sur la candeur des draps, et quelle est cette apparition miraculeuse qui s’imprime en un millionième de seconde sur votre rétine, non ce n’est pas la Sainte Vierge, plutôt Sainte Thérèse en extase du Bernin, il chante toujours, elle passe tel un fantôme dans la chambre, il est-là il se dirige vers cet objet orange que vous avez pris pour n’importe quoi, un parallélépipède pas plus gros qu’une imprimante et qui se révèle être l’objet transactionnel du désir, non pas celui que l’on tend à l’autre comme une vulgaire pomme, mais que l’on se donne à soi-même, une boite à chagrin, similaire à celle que l’on porte dans sa tête, le voici tantôt dans sa boite se démenant comme une rock star, et le voici aussi dehors écrivant une lettre que l’on présuppose écarlate, la boite orange clignote, subitement elle devient bleue comme une orange, à l’intérieur dans le monochrome bleu c’est le blues, tristesse dépressive ne dure qu’un temps, voici l’été orangeade de la folie gesticulatoire, chez lui il se dresse seul, la peau tatouée, cobra qui s’apprête à fondre sur sa proie, mais il est impossible d’attraper un phantasme qui circule dans votre tête. Elle est là, elle ne peut pas être plus près dans lui, mais si loin, de l’autre côté de la table de l’autre côté de la mer. Du désir. Elle le nargue. Maintenant c’est elle le serpent qui ondule, qui se trémousse, et lui avec son band derrière lui, n’est qu’un joueur de pipeau, il devient fou, il s’empare de la boite qu’il agite violemment, dedans il n’a plus son costume à la Bowie, l’a pris l’allure de Pete Twonshend au temps des grandes frasques des Who, la boite portée à incandescence devient blanche, tout se précipite. Arrêt brutal.

Ensuite écoutons : indéniable, le groupe joue et Clem chante, ce n’est pas les deux remarques précédentes que qualifie l’adjectif , je n’ai rarement eu cette impression, que ce qui nous est proposé ne pourrait pas être autre, que cette interprétation est la seule possible, qu’elle écarte toutes les autres possibilités qui à côté d’elle paraîtront simples artefacts (plus ou moins)  besogneux, c’est parfait non pas parce c’est bien, non pas parce c’est très bien, mais parce c’est la forme idéale de la chose exprimée. N’avez-vous jamais éprouvé un vertige en contemplant la première lettre de l’alphabet qui peut s’écrire A ou a, et il existe des milliers de polices différentes, ne vous êtes-vous jamais demandé pourquoi le phonème [a] peut se transcrire de mille manières différentes, les linguistes ont trouvé la parade, ils vous expliquent que le signifié (sens) du signe n’a rien à voir avec son signifiant ( forme), c’est bien sympa comme théorie mais ça ne tient pas compte de la force congruente d’un signe, si le son épouse le sens, le signe ne désigne ni la forme ni le sens, il est simplement le signe de la beauté du monde. Or ici il s’agit de l’accord entre le désir que deux êtres éprouvent l’un pour l’autre, autrement dit le thème, le sens, le signifié, et ce signifié est rehaussé par l’accord total entre la forme orchestrée et chantée et les images qui l’illustrent. Le chant se désire lui-même, la musique se désire elle-même et l’ensemble chant-désir se désire lui-même. Une sorte d’art total.

Enfin réfléchissons : le désir du désir s’il est art total, n’est-il pas onaniste. Le désir du désir n’est-il pas la peur du désir. Un désir accompli n’est-il pas un désir mort, qui n’a plus lieu d’être, le désir n’est-il pas plus fort s’il reste phantasme, scénario imaginaire, un vidéo-clip qui emmêle les éclairs d’elle et lui pour qu’ils ne s’emmêlent pas. Le Rêve refuse la Réalité qu’il prolonge et à qui il donne vie… Soyons nervalien ou ne soyons rien.

Damie Chad.

 

 ROCKAMBOLESQUES

LES DOSSIERS SECRETS DU SSR

(Services secrets du rock 'n' roll)

Death, Sex and Rock’n’roll !

77

J’ai dû faire une mine d’abruti car le Chef est devenu plus explicite :

_ Agent Chad, ne croyez pas que je sois devenu un adepte des théories wake, je tenais simplement à ce que vous ne confondiez point le masculin et le féminin, une règle de base dans la grammaire française, cependant votre bobine étonnée me force à être plus directif : on ne dit pas un tueur quand l’individu que vous désignez est une femme.

Pour opiner à ses propres dires, le Chef exhala de son Coronado un épais panache de fumée blanche qui devait ressembler au signal de Crazy Horse qui déclencha l’assaut des tribus indiennes sur les troupes du général Custer à Little Big Horn, puis il reprit :

_ Exactement, j’irais jusqu’à dire une tireuse exceptionnelle et sans pitié. La preuve pour vous rencontrer elle n’a pas hésité à abattre de sang-froid une partie de son équipe.

_ Vous parlez du service de sécurité de Géraldine Loup ?

_ Pas du tout de votre service de sécurité à vous, il n’était pas là pour protéger Géraldine mais vous, uniquement vous !

_ C’est pourtant Géraldine qui a été abattue en entrant dans le Ritz !

_ Vous n’avez jamais entendu parler du dépit féminin, faute de pouvoir vous abattre elle s’est vengée sur la pauvre Géraldine, comme dit le proverbe faute de grives l’on mange des grives.

Doriane et Loriane suivaient la conversation avec intérêt les yeux brillants. Pour la première fois de leur vie elles assistaient à une conversation entre véritables adultes. J’avais compris de qui parlait le Chef, je faisais semblant de ne pas piger. Doriane posa la question qui tue :

         _ Mais enfin de qui parlez-vous ? Enfin qui  est cette tueuse ?

Le Chef alluma un Coronado avant de répondre :

         _ Une certaine Gilberte, vous ne la connaissez pas !

Les filles sont curieuses, on n’y peut rien, c’est leur nature, Doriane insista :

         _ Mais pourquoi voulait-elle abattre Damie et pourquoi s’est-elle vengée sur Géraldine Loup !

         Molossa grogna. Fort opportunément je vous l’accorde. Molossito bondit et aboyant comme un fou se cogna le museau contre la plus large des baies vitrées. L’air dédaigneux un chat s’arrêta le regarda et s’en fut à pas lents. Nous éclatâmes tous de rire. Doriane expliqua :

         _ C’est Pilou, le chat des voisins il adore vadrouiller dans notre jardin, il vient quémander une gâterie, il est vexé, la maison est colonisée par les chiens, un affront ! Mais mon Chef adoré, répondez à ma question !

         _ C’est une longue histoire, peut-être devrions nous songer à nous reposer, nous en reparlerons au petit déjeuner ! J’ai fini mon Coronado, je pressens que demain sera une journée difficile, les agents secrets savent se reposer quand l’ennemi n’est pas là !

Molossa posa son nez contre ma jambe.

         _ Attendez un peu !

78

Gisèle ! C’était sa voix, instantanément elle sortit du mur juste derrière le Chef lui collant son Rafalos sur la nuque. Elle était toujours aussi belle, ah ! l’azur de ses yeux !

         _ Jeunes filles levez-vous et mettez-vous contre le mur, vous ne craignez rien mais au moindre geste je vous abats. Vous le Chef posez vos Rafalos sur la table basse, l’agent Chad aussi, n’essayez pas de jouer à l’agent secret, je suis une bonne tireuse.

Nous lui obéîmes. Les  chiens se contentèrent de s’allonger à mes pieds. Gilberte me regarda en souriant :

         _ Jeunes filles puisque ces deux messieurs avaient du mal à vous répondre, je vais vous raconter la longue histoire, écoutez bien, si vous êtes intelligentes vous en tirerez la seule leçon qui vaille, apprenez à vous méfier des hommes, ce sont des êtres ingrats, ne les croyez jamais.

Je voulus répliquer, le Chef demanda la permission de fumer un Coronado qui lui fut refusée.

          _ Ecoutez-moi bien les filles je sais de quoi je parle, je suis une victime, moi aussi j’ai été séduite par un joli-cœur, un certain Agent Chad, si vous voyez de qui je veux parler !

A l’expression de curiosité qui brilla dans les yeux des jumelles je compris qu’elles voyaient très bien.

         _ La première fois que j’ai vu l’Agent Chad, j’ai craqué, le soir-même je me suis donné à lui, j’ai passé une nuit merveilleuse, j’ai cru qu’il allait par respect pour moi arrêter l’enquête stupide qu’il menait à l’encontre de mon frère…pour les hommes, les filles c’est comme les cigarettes, ça se fume et ça se jette. Je crois que lui aurais pardonné, mais non, le lendemain il s’est amourachée d’une gourgandine de bibliothécaire, je n’ai pas hésité à la tuer dans ses bras, après les avoir vu honteusement copuler ensemble. Quant à lui qui dormait comme un bienheureux j’ai voulu le supprimer, je n’ai pas pu, n’oubliez jamais l’amour est la faiblesse des femmes.

Les filles n’en perdaient pas une miette, que pensaient-elles ?

         _ J’ai cru qu’il me reviendrait, qu’il aurait compris la force de mon amour, bien non, j’ai tenté de le faire enlever par la bande de passeurs de murailles, dont j’étais la Dirigeante. Je ne suis pas une faible femme, ne soyez jamais faibles demoiselles !

A mon grand dam je les vis hocher la tête d’acquiescement.

         _ Une fois encore je lui aurais pardonné, il aurait vécu une vie de rêve à mes côtés. Hélas, il m’a insulté, en plein Paris devant toutes les caméras du monde, en public il a emballé l’actrice Géraldine Loup. C’est lui qui m’intéressait, pas cette ravissante idiote capable de tomber amoureuse du premier comique troupier qui lui fait le coup de la drague au petit chien.

Molossito aboya un grand coup.

         _ Il a de la chance que j’aime mieux les bêtes que les hommes. J’ai profité de la situation. Le lendemain matin mes hommes étaient chargés de me l’emmener, ils ont outrepassé mes droits, quand ils lui ont volé son Rafalos, j’ai décidé de les tuer tous. C’était à moi de le tuer pas à eux.  Personne ne me volera ma vengeance. J’ai décidé de l’attendre dans le Hall du Ritz, il n’est pas venu rejoindre sa Géraldine, je suis sortie pour le retrouver, j’ai croisé cette nigaude, je l’ai tuée pour qu’il ne la fasse pas souffrir. Je suis trop bonne mais entre femmes on doit s’entraider. Voilà, maintenant vous connaissez toute l’histoire, j’ai omis quelques détails sans importance. Je suis pressée de me venger, regarde-moi Damie ! qu’as-tu à dire pour me répondre, espèce de chien.

Je l’ai fixée droit dans mes yeux, à mourir autant quitter ce bas-monde en regardant une belle chose. Oui j’ai un côté esthète, presque décadent, si j’étais venu au monde un siècle avant sans doute aurais-je été un poëte symboliste, j’ai laissé dix longues secondes, j’ai lentement ouvert la bouche, inspiré une grande bouffée d’air :

         _ T’as de beaux yeux, tu sais !

Ses yeux étincelèrent de colère, d’un geste vif elle releva son arme de la nuque du Chef. Le bruit  fut assourdissant. J’étais mort, missing in action, comme disent les ricains.

Non ce n’est pas vrai. J’étais vivant, le corps ensanglanté de Gisèle s’affala sur la table basse. Je regardai le Chef qui me regardait. Comment avait-il fait pour tirer. Nous nous regardâmes encore une fois stupéfaits. La voix de Doriane nous tira de notre étonnement :

_ Elle s’est suicidée, c’était une grande romantique !

Un revolver fut froidement jeté sur la table basse tout près du cadavre de Gilberte. Loriane venait de le lancer :

         _ Pas du tout, c’est moi qui l’ai tuée, avec le revolver de Papa, il est toujours dans le tiroir du petit guéridon, contre lequel j’étais appuyée, pendant qu’elle regardait Damie, je m’en suis emparé ! Quelle pouffiasse, qu’est-ce qu’elle croyait la grande donneuse de leçons que j’allais la laisser tuer l’Agent Chad que j’aime à la folie !

Elle se précipita dans mes bras. Doriane fit de même. Dans les bras du Chef. Toutes deux versèrent des larmes de bonheur contre la poitrine de leurs valeureux chevaliers. Quand les effusions furent quelque peu calmées le Chef alluma un Coronado :

         _ Ne perdons pas de temps, nous avons à nous débarrasser au plus vite d’un cadavre.

A peine le Chef avait-il fini de prononcer sa phrase que son portable sonna. Il s’éloigna de quelques pas, la conversation ne dura pas longtemps, quand il se tourna vers nous il souriait :

_ Pour le transport du cadavre pas de souci, nous avons une équipe de secours qui se chargera de la besogne par contre le reste de la nuit risque d’être mouvementée, agent Chad allez nous voler une voiture !

A suivre…

 

CHRONIQUES DE POURPRE 643: KR'TNT 643: ELVIS PRESLEY / PIXIES / SONIC BOOM / CORMAC McCARTHY - JEAN-FRANCOIS JACK - FLAUBERT / CHUCK BROOKS / CHIP TAYLOR / SCIONS / ERIC CALASSOU / MARIE DESJARDINS / ROCKAMBOLESQUES

KR’TNT !

KEEP ROCKIN’ TIL NEXT TIME

LIVRAISON 643

A ROCKLIT PRODUCTION

FB : KR’TNT KR’TNT

02 / 05 / 2024

 

ELVIS PRESLEY / PIXIES / SONIC BOOM

CORMAC McCARTHY - JEAN-FRANCOIS JACQ  - FLAUBERT   

CHUCK BROOKS / CHIP TAYLOR

SCIONS / ERIC CALASSOU 

MARIE DESJARDINS / ROCKAMBOLESQUES  

  

 

Sur ce site : livraisons 318 – 643

Livraisons 01 – 317 avec images + 318 – 539 sans images sur :

http://krtnt.hautetfort.com/

 

*

Je connais Sergio Kazh, un gars sympa, photographe et fondateur de la revue Rockabilly Generation News, l’est peut-être comme moi rempli de milliers de défauts, toutefois je peux témoigner à sa décharge qu’il lui en manque un, des plus importants, le mensonge : non Sergio Kazh n’est pas un menteur ! Figurez-vous que voici quinze jours il m’envoie un très court message surprenant : ‘’ Tu vas recevoir le Graal’’. Le Graal me suis-je demandé et pourquoi pas tant qu’il y est  le Ptyx mallarméen  en supplément, le Sergio il est gentil, mais il raconte un peu n’importe quoi.

Ben non, quinze jours plus tard j’ouvre ma boite à lettres, juste une enveloppe blanche, un peu épaisse au toucher certes, mais pas le genre de colissimo à contenir le sacré graal tant recherché par les fameux chevaliers de la Table Ronde. J’étais un peu déçu, je m’étais dit que si c’était vrai je le revendrais aux enchères et que je pourrais me payer un petit resto pas cher avec mes deux chiens. J’ai ouvert l’enveloppe, j’ai été ébloui, non seulement le graal était dedans mais il y en avait deux !  

ROCK’N’ROLL MAGAZINE

ROCKABILLY GENERATION

HORS-SERIE N° 5 – PARTIE 1

ELVIS PRESLEY

1935 – 1955

L’ENFANT DIVIN

         Z’ont peur de rien chez Rockabilly Generation, que reste-t-il à écrire sur Elvis, son histoire est connue de fond en comble, tout a déjà été dit. Mais là, ils sortent le grand jeu, non pas deux numéros à la suite, mais deux Hors-Série en même temps.

         Commençons par désigner les coupables, Sergio à la manœuvre et aux photos, Gilles Vignal  aide technique et support encyclopédique, Sylvie Monin, Yolande Gueret, Pascale Clech, petites mains indispensables sans lesquelles il n’y aurait pas de grands projets.

         Ce n’est pas tout. Depuis son apparition dans la revue, la rubrique Racines tenue par Julien Bollinger attire l’attention, il s’y connaît et il écrit bien, ce n’est donc pas étonnant d’apprendre que c’est lui qui a rédigé l’ensemble des textes des deux numéros. Je n’ose pas me demander combien de recherches, d’heures, de nuits et de jours lui ont été nécessaires… Des années car Julien Bollinger ne nous donne pas une énième biographie de l’enfant de Tupelo, il nous présente sa vision d’Elvis Presley, une défense et illustration de ce personnage insensé aujourd’hui ficelé dans une camisole dorée qui ne lui appartient plus, que notre auteur essaie de saisir tel qu’en lui-même la légende l’occulte.

O

         L’enfant divin. Le titre peut poser question. Non Elvis n’est pas né de la cuisse de Jupier. Un gamin comme les autres. Pas tout à fait, pas venu au monde avec une golden spoonfull dans la bouche, mais aimé et protégé par ses parents. Qui tirent le diable par la queue, de parfaits représentants de cette white trash people, cette saloperie blanche, ces pauvres dont la frontière économique jouxte celle des nègres… nous sommes dans le Sud, pays de la ségrégation, l’on a envie de dire l’autre pays de la ségrégation, l’autre de cet autre n’étant que le Nord des Yankees.

         L’enfant divin, vit à l’abri du monde mais pas de la misère, dans un lieu mental protégé et solitaire, entre son père et sa mère. La musique l’attire, il l’apprivoisera petit à petit, jusqu’à ce jour où il en deviendra, sans le savoir, le maître. Comment cet enfant poli, timide, va-t-il accumuler en lui cette puissance charismatique qui le transformera en bombe humaine. Julien Bollinger ne le dit pas, qui d’ailleurs pourrait le dire à part Elvis lui-même, il ne le dit pas mais il le suggère. Il décrit minutieusement les circonstances et les rencontres  qui vont faire Presley, car l’on est souvent davantage construit que l’on ne se fait soi-même. Bollinger nous montre le chemin que Presley emprunte sans savoir où il le mènera mais qui lui permettra de devenir lui-même.

         Evidemment, pour reprendre le titre d’un film brésilien qui sera tourné en 1964, au cours de sa sulfureuse saga Elvis rencontrera le dieu noir et le diable blond. Le premier s’appelle Sam Phillips et le deuxième Tom Parker. Phillips révèlera Elvis à lui-même, Elvis a trouvé sans le savoir ce que Sam cherchait. C’est l’étincelle salvatrice, celle qui tire Elvis de son incertitude qui le met sur les rails. Il chante dans des bleds paumés, les jeunes du coin aiment son style. Une idole locale. Mais ce n’est pas avec cela que l’on conquiert l’Amérique.

         Elvis n’a pas les dents qui rayent le parquet, mais Parker le colonel a les idées longues, l’a aussi du savoir-faire, de l’expérience, de l’entregent et l’assurance qu’Elvis ne possède pas.

         Le magazine fourmille de renseignements, Julien Bollinger décrit les lieux, dessine le portrait des protagonistes, il montre, il dévoile, il révèle, il redonne vie à tout un monde aujourd’hui disparu, il nous captive, il nous retient prisonniers, il déroule un scénario dont nous ne sommes les héros que par procuration.

ROCKABILLY GENERATION

HORS-SERIE N° 5 – PARTIE 2

ELVIS AARON PRESLEY

1955 – 1958

THE KING

                L’on ouvre le tome 2 avec regret, le tome 1 nous a emmenés si loin que l’on aimerait qu’il n’y ait pas de suite, que tout se soit arrêté-là… Julien Bollinger possède plusieurs as dans sa manche, le cœur et le pique. Nous avons vu grandir le gamin, mais Elvis n’est pas encore Presley. Certes les géniales et originelles sessions chez Sun ont été plus que prometteuses mais c’est en rentrant chez RCA qu’Elvis se révèle. N’y a plus Sam aux manettes, c’est Elvis qui commande, qui sait, qui impose son savoir-faire.

         Idem pour les concerts. Ne suffit pas de chanter. S’agit de créer le rock’n’roll, de le démarquer de toutes les musiques qui existent déjà. Elvis comprend que l’on ne chante pas avec sa voix, mais avec son corps. A son corps défendant. Mais il ne le sait pas. Ses manières de nègres et ses outrancières attitudes sexuelles par trop explicites ne plaisent pas à tout le monde. Que la jeunesse blanche se mette à l’écoute de la musique noire n’est guère admissible. Décadence et fin de la ségrégation en vue. Hommes politiques conservateurs, élites blanches et Klu-Klux Klan s’inquiètent.

         Parker a tracé les limites : petit tu t’occupes de la musique et moi du cash. Pour le cash Parker tiendra parole. Pour la musique aussi. A sa manière, l’air de rien, il fait le vide autour d’Elvis, avec des contreparties, des passages-télé, des films, mais toujours de petites suggestions d’améliorations… qui ne sont que des affadissements… L’on ne tue pas la poule aux œufs d’or, on la met en cage. Bollinger admet qu’il n’a pas de preuves, mais selon lui si Elvis s’est retrouvé à l’armée ce n’est pas parce que l’administration militaire… Lorsqu’Elvis comprendra, ce sera trop tard.

         L’on peut se demander pourquoi Elvis n’a pas rué dans les brancards, pourquoi il n’a pas renversé les tables de la loi du profit financier, simplement par honnêteté, le respect de la parole donnée, la peur de dégringoler aussi vite qu’il était monté sur le toit du monde, quel pacte faustien avait-il passé avec le Colonel, à moins que ce ne soit le Colonel lui-même qui ait été manipulé au vu de son trouble passé par des forces réactionnaires très puissantes…

L’histoire d’Elvis est celle d’une défaite, Julien Bollinger la métamorphose en victoire, Elvis révolutionne la manière de faire la musique, il est en avance sur tous les autres mais surtout sur son temps, il dérègle l’ordre du monde, l’Amérique ne sera plus jamais pareille. Il perdra son royaume, mais il restera le King mythique pour toujours.

Ceux qui aiment Elvis, ceux qui ne l’aiment pas, ceux qui s’en foutent, ont intérêt à lire ces deux graals, incidemment ils apprendront comment le rock’n’roll est né, et mieux que cela comment il a réveillé le monde en le révélant à lui-même. En lui faisant comprendre ses possibilités illimitées et ses tares intarissables.

O

         Attention, ces deux numéros sont de splendides artefacts, elles donnent à lire la vie d’Elvis, mais elles la montrent aussi. Elvis a été l’homme le plus photographié du vingtième siècle, les documents d’époque ne manquent pas, encore faut-il faire le bon choix, les mettre en évidence, leur pertinence doit signifier et renforcer le texte. Leur force aussi, l’a fallu les  travailler, les éclairer, leur attribuer une nouvelle vie, nous permettre de les voir  pour la première fois, les rendre iconiques, nous retenir, nous hanter. Un seul exemple, même pas pris au hasard, tome 1 page 3, la première photo, avez-vous déjà vu un noir aussi intense, aussi mystérieusement presleysien, Sergio Kazh est un magicien. Il révèle, lui aussi il donne sa vision. Celle qui donne son sens à l’image.

         Damie Chad.

Attention : vu la qualité de ces deux Hors-Séries d’emblée des collectors, passez commande au plus vite :

 

 

Wizards & True Stars

 - Have you seen the little Pixies crawling in the dirt?

(Part Five)

         Frank. Black. Franc. Bloc. Rock. Blue. Bât. Flanc. Big. Front. Free. Bad. Bossanova et Trompe Le Monde. Les Pixies font de nouveau trembler les colonnes du temple parisien, l’Olympia. Ils rejouent ces deux albums qui ont tétanisé pas mal de kids à travers le monde dans les années 90. Ah tu l’as dansée la Bossanova. Pas ton préféré des quat’ premiers, comme on dit, mais quand le gros descend «Down To The Well» pour lancer l’assaut à chaud, tu ravales ta morgue et ta morve, Down to the well/ Betty always knows, il éructe ça au gras du bide, il incarne le rock mieux que tous les autres rois du raw, et il plonge dans l’hystérie les milliers de brebis entassées dans la fosse à coups d’I can hardly wait baby/ I can hardly wait/ Til we go down to the well, il n’existe rien de plus pressant, de plus brutalement beau et puissant que cette injonction, il l’hurle à moitié, il chante hors du temps, il écrase le rock et l’idée qu’on s’en fait, on comprend une fois de plus que le rock n’est qu’affaire de puissance et de somptueuse brutalité. Tu veux faire du rock ? Apprends à enfoncer ton coin à coups d’I can hardly wait baby jusqu’au bout, jusqu’au Til we go down to the well, et le show à peine commencé, la masse de brebis ondule comme l’océan dans la tempête. Tout vole en éclat, les accastillages, les coques, les culs blancs, les conques, les cliques et les claques, c’est une communion dans la violence au paradis, ton être reçoit et diffuse, tu descends au puits avec le gros et tous ses fans, tu vis enfin dans l’instant, tu goûtes à l’éternité de l’instant, et ce downnnnnnnn to the well te résonnera dans les oreilles pendant des jours et des jours. En certaines occasions, le rock prend l’allure d’un accomplissement. Voilà, c’est là. Très exactement là. Merci le gros pour ces minutes de sable mémorial. Au moment où tu tapes ces mots, ces minutes sont derrière toi, mais tu refuses de les voir s’effacer, alors comme tu es un petit présomptueux, tu tapes qu’elles ne vont pas s’effacer. Elles ne vont pas s’effacer. Elles ne vont pas s’effacer. Pas s’effacer. Pas...

         Le gros est ton meilleur ami. Tu sais pourquoi ? Parce qu’il te chante ton cut préféré des Pixies, «Letter To Memphis». Ah oui, on a les copains qu’on mérite. Et là, le gros ne fait pas dans la dentelle. Il t’introduit son The day since I met her/ I can’t believe it’s true dans la vulve, il t’honore comme tu honores ton épouse, mais en même temps, il honore le rock, pire encore, il le sanctifie, tout à coup, le rock du vieux devient religieux, purement religieux, c’est-à-dire mystique, I’m sending a letter/ I’ll send it right to you/ I’ll send it to Memphis, oh comme il appuie le phis de Memphis, il chante ça d’un air imperturbable, mais il est forcément dans le même état que toi, en vrac sensoriel, car ce Trying to get to you/ How I tried to get to you/ Trying to get to you te broie le cœur, te plonge dans l’extase mystique, le gros prend un ton de voix déphasé, brouillé comme un écran brouillé, cette voix crépite dans des inter-zones, tu en captes le moindre détail, tu pries le diable pour que le temps s’arrête, car voilà la félicité telle qu’on la décrit ailleurs, mais celle-là n’est pas la même, elle est rock, c’est la félicité de la Lettre à Memphis, rien à voir avec celle des fucking curetons. C’est dire si les fucking curetons n’ont rien compris à rien : s’ils chantaient «Letter To Memphis», ils rempliraient leurs églises comme des Olympias. Ce sont des évidences qui te fatiguent, comme toutes les évidences.  

         Tiens, quand le gros attaque «Head On», tu te dis que t’es pas sorti de l’auberge et c’est tant mieux. Une fois de plus, tu vas pouvoir chanter ça à tue-tête avec les milliers de brebis rassemblées dans la tempête, en même temps, tu vas revoir Jean-Jean attaquer comme le gros dans le virage l’As soon as I get my head around you/ I come around catching sparks off you et tu vas voir l’Head On monter en température comme un Krakatoa en colère décidé à rayer le genre humain de la surface de la terre à coups de Makes you wanna feel, makes you wanna try/ Makes you wanna blow the stars from the sky, eh oui, tu prends une fois de plus ce wanna blow the stars from the sky en pleine gueule et tu tends l’autre joue, tu fais ton Gandhi, t’en peux plus de faire le maso, il pleut des coups, le gros t’entraîne, il te plonge dans tes souvenirs de répètes et une fois encore dans l’éternité de l’instant, te voilà écartelé, te voilà Ravaillac Gandhique, te voilà gros-Jean-comme-devant, le rock décide de tout, le gros est ton maître, tu es sa brebis, vazy écartèle les cuisses, ça te rentre par tous les pores de la peau et tu te dépêches de chanter car la diligence revient dans le virage, Yeah the world could die in pain/ And I wouldn’t feel no shame, ah oui, le feel no shame te coule dessus comme une semence de félicité, tu savoures les miasmes à pleine bouche, tu chantes avec de la semence de félicité plein la gorge à t’en étrangler de jouissance, tu y vas de toutes tes forces, car tu n’as plus le choix, tu ne peux plus reculer, alors tu te jettes dans l’écume du jour à coups d’And I’m taking myself/ To a dirty part of town/ Where all my troubles/ Can’t/ Be/ Found en concordance exacte avec le gros et tu fusionnes avec son lard, avec son gras du bide, tu fusionnes avec le rock le plus cosmique de l’univers, tu te take to the dirty part of town une fois encore et c’est un peu comme si tu épousais le rock, veux-tu prendre le rock pour époux, oui, oui, oui, avec les poux de Joey Santiago, et comme d’habitude l’Head On finit en eau de boudin et s’encastre dans le platane d’un coup ralenti de makes you wanna blow the stars from/ The/ Sky, et te voilà veuf, inconsolable, seul au monde. Chaque fois c’est pareil : tu finis veuf. Baisé. Trahi par le destin. Seul. Maudit. Tout ce qu’il te reste à faire, c’est d’attendre la suite. Tu ne vis plus que par curiosité. Quelle autre forme de sentiment pourrait t’animer après un tel drame ?

         Oh des drames il en pleut encore. «Velouria» te re-traumatise, trop vénitien, trop perverti, trop délicieusement fourbe, trop embué d’imbu, c’est un serpent sonique qui te rentre dans la gorge, c’est pas lui qui t’avale, c’est toi qui l’avales, c’est encore pire, tu veux pas mais t’es obligé, My Velouria/ My Velouria/ Even I’ll adore you/ My Velouria, tu veux dégueuler, mais tu peux pas, avale, de toute façon ton corps n’est qu’un passage, ça rentre et ça sort, alors avale, tu ne sers à rien d’autre qu’à avaler My Velouria, sacré serpent qui se tortille dans ta gorge à coups de We will wade in the shine of the ever, et si, pour te changer un peu les idées, tu veux creuser pour trouver du feu, alors creuse avec le gros, car «Dig For Fire» te transforme en Tchernobyl à deux pattes, ah les concerts du gros ne sont pas de tout repos. Et il te précipite une fois encore dans la centrale nucléaire, ça explose avec le subreptice And then he said qui entraîne fatalement l’I’m diggin’ for fire, car dans ces cas-là il faut savoir la suite, alors l’old woman/ She lives down the road ou l’old man who spent so much of his life sleeping te font, via le gros, cette réponse : I’m diggin’ for fire, dix fois I’m diggin’ for fire, au cas où t’aurais pas bien compris, oui dix fois, on les a comptées. Le gros n’en finit plus d’enfoncer le même vieux clou et ça marche à tous les coups. Tu vis son rock physiquement. C’est un rock qui d’une certaine façon te transforme, c’est un rock qui te manipule, qui te modèle, au sens de la pâte à modeler. Autant faire ça bien.

         Alors tu crois t’en tirer à bon compte, mais non, tu reçois «Motorway To Roswell» sur le coin de la gueule, il arrive en fourbasse, beau mais boom car c’est la mélodie du bonheur avec la puissance des forges, le Motorway arrive au tagada de Last night he could not make it/ He tried hard but could not make it, et cette boule de pus, cette pomme d’amour t’allume à la subreptice en miaulant l’He started heading for the motorway la bouche en cœur, And he came right now, beau mais boom encore avec «Palace Of The Brine», l’insidieux Palace comme pas deux, cet air de rien qui s’enroule autour de toi comme un joli petit serpent vénéneux, A life that’s so sublime et ça dégringole dans le Palace of the brine, le gros te révèle tous ses secrets, chaque cut est un nouvel accès à son intimité intellectuelle, c’est un peu comme si tu te penchais sur son oreille et que tu voyais sa belle cervelle rose palpiter, elle palpite pour toi, le gros chante pour toi, et comme il est gentil, il chante aussi pour les autres, oh le boom de «Planet Of Sound», tu le connais par cœur, tu en connais tous les replis, les poils et les orifices, comme si tu avais passé ta vie à les examiner et à les tripoter, alors tu tripotes encore ton This ain’t the planet of sound, et une fois de plus tu réalises que tout Nirvana vient de ce refrain, car ce This ain’t the planet of sound n’est rien d’autre qu’une bombe atomique, l’une des plus violentes de l’histoire du rock. Même niveau qu’«Helter Skelter». Comme avec le gros ça n’arrête jamais, l’all nite long repart de plus belle avec une autre bombe atomique, «U-Mass» et sa ribambelle d’appels à l’émeute des sens, oh dance with me/ Oh don’t be shy/ Oh kiss me cunt/ And kiss me cock, le gros veut baiser, le gros provoque, il fait du Dada cul à coups d’oh kiss the world/ Oh kiss the sky/ Oh kiss my ass/ Oh let it rock, tu ajouterais presque while I kiss the sky, mais le kiss my ass du gros est plus performant, c’est sûr qu’on lui kiss l’ass, pas de problème, et il t’enfonce son clou dans la paume à coups redoublés d’it’s educational/ It’s educational. Comme s’il réinventait non seulement le rock, mais aussi la puissance et la modernité. Il n’existe pas d’artiste plus complet et plus fulgurant que ce magnifique gros lard.

         Et ça se termine d’un coup de «Caribou». Mais un «Caribou» demented qui crève les cieux car le gros va au bout du booo du Cariboo-ooo puis il plonge dans les entrailles de l’enfer pour aller chercher des graves de Repent qui te foutent à la fois la trouille et la peau en vrac à coups de frissons. Encore pire que Tannhäuser ! Ça te rabote à vif, ça te déplace de toi-même, ça t’emboîte dans Pandora, ça te déboîte la clavicule, tu peux retourner ça par tous les bouts du Cariboo, tu sors transformé du temple. T’es gavé comme une oie. Coin coin.

Signé : Cazengler, Picsou

Pixies. Olympia. Paris IX. 26 mars 2024

 

 

L’avenir du rock

- Sonic Boom reducer

(Part Two)

         L’avenir du rock a toujours aimé les pétards, surtout ceux qui font boom. Aussi loin qu’il se souvienne, il a toujours fait des farces. Le pétard dans la cigarette le fait généralement pleurer de rire. Tu veux du feu ? Boom ! C’est l’hallali de l’ha ha ha. Si l’avenir du rock ne se roule pas par terre, c’est uniquement parce qu’il ne veut pas salir le costume blanc que lui a offert John Cale en gage de reconnaissance pour services rendus à la cause du peuple. Mais à travers ses larmes de rire, l’avenir du rock voit la clope en peau de banane, et ça, dit-il, ça vaut tout l’or du Rhin. À une époque, il adorait accompagner Baby Small au Badaboum. On pouvait y traîner son spleen aviné jusqu’à quatre heures du matin, et le soir du 14 juillet, Baby Small allumait systématiquement un gros pétard rose qu’elle jetait aux pieds des mecs agglutinés au bar. Boom ! Passé l’effet de surprise, personne ne rigolait, sauf l’avenir du rock et Baby Small qui se faisaient virer. Les mecs du Badaboum n’avaient aucun humour ! Si l’avenir du rock est tellement fan de Charles Trenet, c’est bien sûr à cause du cœur qui fait boum, magnifique, Boum/ Quand notre cœur fait Boum, ah il faut le voir l’avenir du rock pogoter dans son salon, Tout avec lui dit Boum/ Et c’est l’amour qui s’éveille, eh oui, c’est la vie, et la vie sans boum n’a aucun sens. Boum encore avec les surboums d’antan, boom encore avec le temps béni des pétards dans la gueule des crapauds, et le rataboum-boum des mobylettes de banlieue et des petites gonzesses en chaleur, et celui-là, le vétéran des vieux souvenirs, le «Boom Boom» d’Hooky de gonna shoot you right down, entendu pour la première fois sur le gros poste de radio jaune qui trônait au sommet du frigo familial, right offa your feet, mais le fin du fin sera sûrement le «Sophisticated Boom Boom» des Shangri-Las repris par Kid Congo au temps des Knoxville Girls, et là, tu as la quadrature du cercle, sans oublier, insiste l’avenir du rock en pointant l’index vers le ciel, le Sonic Boom des Sonics dont Sonic Boom se fera la gorge chaude et des choux gras.

         Après quarante ans de bons et loyaux service, l’explosif Sonic Boom refait surface avec une sorte d’album mirobolant, Reset. Bon, c’est présenté comme l’album du duo Panda Bear & Sonic Boom, mais rien à foutre de Panda Bear. T’es pas là pour ça. D’autant plus qu’on s’est fait baiser avec un buzz autour du dernier album tout pourri d’Animal Collective, qui est le groupe de Panda Bear, alors ça va, laisse tomber.

         Avec Sonic Boom, c’est tout de suite dans la poche. Ça fait quarante ans qu’on fait le tour du propriétaire, avec les Spacemen 3, Spectrum, ce mec-là n’a jamais arrêté d’enregistrer des albums géniaux. Tant qu’il reste dans le circuit, l’avenir du rock peut dormir sur ses deux oreilles. Et nous aussi. Reset ? Oui boom dès «Everyday» qui sonne comme un heavy groove de Spacemen 3. C’est assez stupéfiant, quand même - I got something to tell you - Sonic Boom reste dans le vieil esprit demented d’everyday a little bit stronger, wow, c’est du vrai Spacemen stuff ! Il va en enchaîner trois autres comme celui là, il attaque «Edge Of The Edge» en mode Buddy Holly, avec des vents de la mort, c’est tout de suite d’un haut niveau cabalistique, terrifiant de qualité, no no no, avec les effets magiques des sixties, c’est-à-dire une qualité qui te fait dégorger comme un coquillage, qui t’arrête en pleine course, un vrai miracle productiviste, Sonic Boom atteint le sommet du lard, c’est d’une sixties quality invraisemblable, franchement digne de Brian Wilson. Tu es ravi d’écouter cet album, rien que pour «Edge Of The Edge», tu entends des no no no tapés au gras du baryton, c’est tout simplement l’expression du génie sonique de Sonic Boom.

         Avec «In My Body», il va chercher l’influence la plus pure, avec celle de Brian Wilson : Gary Usher. Il se situe dans cette zone d’influence sonique, il atteint à l’imputrescible, il s’en va taper très haut et semble négocier des parts de paradis avec les archanges. Puis il s’offre une belle descente au barbu avec «Whirlpool», le voilà dans la magie communale, avec des accents orientaux et des clap-hands, quelle dérive délirante ! Il faut le voir dériver en père peinard sur la grand-mare des braquemards. Oh mais ce n’est pas fini, car voilà que se pointe le bien dosé «Danger», joué aux castagnettes de Totor, avec une extraordinaire prestance de substance présentielle. Clin d’œil évident. Bravo Sonic Boom ! Ton cœur fait boom ! Il faut aussi saluer le «Gettin’ To The Point» d’ouverture de bal, car on voit cette wild rumba exploser en plein vol. Le beat est celui des reins, Sonic Boom s’y connaît en beat des reins. Il a fait ça toute sa vie. Quand il fait de la petite pop avec «Go On», il la drive fabuleusement, il y va aux clap-hands et au give it to me. Le petit  Panda Bear chante à la mode de la mormoille, mais Sonic Boom pèse de tout son poids.

         Comme toutes les belles histoires, celle-ci touche à sa fin. «Livin’ In The After» bénéficie d’une belle envolée orchestrale. On attend Dario Moreno et c’est Sonic Boom qui vient danser dans la télé, il est même fabuleux de contre-feux, il vient faire du Spacemen de kitsch exotica, avec tout le power de la prod. Sonic Boom concentre tellement de pouvoirs qu’il pourrait bien être le Zeus du rock.

Signé : Cazengler, Sonic Bouse

Panda Bear & Sonic Boom. Reset. Domino 2022

 

 

La triplette de Belleville

 

         Bien évidemment, Cormac McCarthy, Jean-François Jacq et Flaubert n’ont rien à voir avec Belleville. Il s’agit simplement d’une triplette voulue par le destin : dans le même laps de temps, trois amis te recommandent chacun un bon livre (Cormac McCarty/ Méridien De Sang, Régis Jauffret/ Dictionnaire Amoureux de Flaubert, et Jean-François Jacq/ Il Fera Bon Mourir Un Jour). Alors, pour les remercier de cet égard, tu les lis. C’est la moindre des choses. Viendra ensuite l’occasion d’en causer. Comme le disait si bien Raymond Roussel, il est toujours intéressant de confronter les Impressions d’Afrique.

         Et si cette triplette de Belleville surgit ici, sur ce bloggy bloggah, la raison en est simple : ces trois books sont extrêmement rock. De la même façon que Kerouac, Burroughs, Houellebecq et Céline sont des écrivains rock. 

         Le McCarthy s’appelle en réalité Blood Meridian. Un traducteur nommé François Hirsh a dû bien batailler avec le texte originel, car sa réécriture du McCarthysme est globalement maladroite, parfois fanatisée, souvent taillée à l’emporte-pièce, bancale, décousue, le texte sent le roussi, la blessure mal soignée, la poudre, bien sûr, l’épuisement (450 pages), on le sent exténué, l’Hirsh, à genoux au bord du texte, il tire la langue, et pourtant il continue d’avancer, car en même temps, toute cette violence le titille et le galvanise. Comme le lecteur, il veut savoir ce que vont devenir ses personnages principaux. Comme toi, il espère secrètement que ces deux ordures, Glanton et le juge, vont se faire descendre. Et puis il faut bien que ces horreurs franchissent la barrière de corail du langage, alors l’Hirsh s’y colle, il pousse ses tombereaux de cadavres scalpés et mutilés, il te ramène ça sous le nez, il te met le museau dedans, ô brave lecteur français, il en tartine des pages entières, et parfois la trad s’emballe, c’est peut-être la prose délicate de McCarthy qui s’emballe, en tous les cas, les massacres s’étendent sur des pages et des pages, alors il épuise tout le stock de vocabulaire afférent. Quand ils sont tous morts, il n’y a plus de mots. Hélas, ou tant mieux, car il faut bien reprendre le fil du récit, la trad n’attend pas, les rotatives non plus, et puis des gens, il en existe encore des millions qu’on peut aller massacrer, des Indiens, des Mexicains, des Palestiniens, des Vietnamiens, des Irakiens, ça sert à ça les gens, alors on ne va pas aller s’apitoyer sur ces quelques villages indiens. Après tout, c’est bien fait pour leur gueule, ils n’avaient qu’à pas se trouver sur la route de cette horde sauvage de tueurs d’Indiens.

         McCarthy nous raconte l’histoire d’un gamin qu’il appelle le gamin. Dans sa forme originelle, il s’appelle forcément le kid. Ici le ‘gamin’ est un mot qui sonne faux, donc c’est mal barré. Aussi mal barré que le Pat Garrett de Peckinpah doublé en français. Cette histoire commence dans le Tennessee quelque part dans les années 1840. Et puisque c’est écrit sur la couverture, la mort commence à rôder à toutes les pages, tout le long du méridien, et même quand elle n’est pas là, elle est là quand même. Le gamin va quitter son trou à rats pour partir à l’aventure. Il va croiser le chemin d’une bande d’«irréguliers» qui sont des tueurs d’Indiens. C’est leur métier. Leur hobby. Leur passion. Alors attention, c’est autre chose que Peckinpah et Blueberry. Ce n’est pas non plus Hollywood ni Jeremiah Johnson, et encore moins le Danse Avec Les Loups de l’autre pomme de terre. McCarthy appelle cette horde sauvage «la compagnie», l’équivalent de ce qu’on imagine être les ‘routiers’ de la Guerre de Cent Ans, qu’on appelait aussi les Écorcheurs. Le gamin, Glanton (chef de la compagnie) et le juge constituent la triplette de Blood Belleville, et ils ne valent pas plus cher les uns que les autres. On est presque content quand un Yuma fend d’un coup de massue le crâne de Glanton «jusqu’à la trachée». Par contre, le juge qui est de la pire engeance sera là jusqu’à la dernière page, personne n’ayant réussi à descendre cette horrible crapule chauve. Pour une raison X, McCarthy protège ce monstre. Seule explication possible : le juge, c’est le diable. Bon donc, aventures, virées sans fin à travers un Mexique encore infesté d’Apaches, et où la vie ne tient qu’à un fil. McCarthy ne nous épargne pas non plus les descriptions de cadavres torturés par les Apaches. Si tu veux voyager au Mexique à cette époque, ça fait partie du jeu. McCarthy donne tout le détail des armes de cette époque, tout le détail des repas et des bêtes qu’on tue pour se nourrir, il décrit avec un soin maniaque les paysages, il y a du souffle, du réalisme poétique, il donne à voir ce qu’aucun d’entre-nous n’aurait jamais pu voir, car il faut chevaucher dans les montagnes et dans les déserts pour voir ce qu’il décrit. Et soudain, on réalise que ce récit n’est pas une ode à la violence, mais une ode à la liberté, cette liberté extrême qu’ont dû vivre ces gens-là, aussi bien «la compagnie», que les mineurs ou les «immigrants». C’est une région du monde où tout est permis. Et où rien ne se passe normalement, visiblement. La compagnie voyage pour tuer. C’est encore l’époque du commerce des scalps. Si quelques Indiens ont survécu, c’est un miracle. Les nazis ont employé exactement les mêmes méthodes. Search & Destroy. Tu sors de ce livre un peu hagard. Bouche ouverte avec un filet de bave. Et tu n’as plus aucun respect pour l’Américain moyen, issu de cette barbarie, et fier de son histoire. Il serait peut-être plus juste de dire qu’on est tous issus de la barbarie.

         Allez, on va oser un petit parallèle, ça ne mange pas de pain : Jean-François Jacq, c’est Cormac McCarthy en France. Alors attention, on ne croise pas d’Indiens scalpés dans Il Fera Bon Mourir Un Jour. On croise juste les mots d’un homme aussi abîmé que le gamin de McCarthy, qui pendant 200 pages lutte pour survivre. Ce qu’il décrit est aussi inaccessible que ce que décrit McCarthy : Jacq passe les premières années de sa vie à prendre des coups dans la gueule, pim pam poum, puis il s’échappe, vivote et finit par se retrouver à la rue, et découvre pour finir, à l’âge de 22 ans, que sa mère et sa sœur sont atteintes de schizophrénie incurable, d’où l’explication des coups dans la gueule. Eh oui, amigo, les coups dans la gueule quand t’as 6 ans, c’est bien plus rock que de lire les Inrocks rue de la Roquette - Crochet du droit, que tu en prennes plein la vue. Enchaînement, crochet du gauche, que tu en prennes plein la gueule - Il en chie dans son froc. C’est lui qui le dit. Du coup, le lecteur en prend aussi plein la gueule. Damie Chad aussi, lui qui, en février dernier (livraison # 630), dans un texte frénétique, recommandait la lecture de ce livre - Ne cherche pas à apitoyer le lecteur sur son enfance malheureuse. Ni sur sa jeunesse calamiteuse. Gardez vos larmes, il s’occupe du crocodile - C’est donc une autobio qui halète dès l’intro, Jacq écrit le souffle court, il tente de décrire l’indescriptible. En intro de son chapitre 3, il sort d’ailleurs d’on ne sait où un exergue qui parle tout seul : «(...) Je me sens comme les anciens déportés des camps de concentration, car lorsque je témoigne, je me rends compte que mon auditeur ne peut pas réaliser la profondeur de ma souffrance et la gravité de mon vécu.» Et il signe ça «Anonyme. Récit d’un enfant de mère schizophrène», qui ne peut être que lui.

         Ce texte se lit le souffle court, comme il fut sans doute écrit. Jean-François Jacq réussit à transformer le plomb de sa vie de chien en or littéraire, et il n’en rajoute pas. Il s’applique à sonner juste, au plus près de ce qu’il a ressenti. Comme chez McCarthy, la mort rôde en permanence, dès le titre, et mille fois, il se demande pourquoi il continue à supporter tout ça. Il se retrouve même quasiment mort à l’hosto, et lorsqu’il décide de survivre, il survit. On la sent nettement dans son écriture, cette force de vie. Il est au-delà de malheur - au-delà du bien et du mal dit Damie - sa seule ressource, ce sont les mots. Il laisse cette impression constante de ne vivre que pour les mots. Il n’a rien. Si, une sœur ! Une sœur qu’il va essayer de sauver, car elle est elle aussi très mal barrée. Et puis il y a Frida, comme dans la chanson de Brel, une dame qui l’aide à quitter la rue, qui lui trouve une place dans un foyer «pour se reconstruire». Tu parles d’une reconstruction ! «Ce foyer, un miracle», dit l’auteur, et Frida lui «remet un sac de voyage, spécialement préparé pour toi», avec des petites affaires, Jean-François Jacq les décrit, c’est l’un des passages les plus émouvants du récit - À l’intérieur, un change propre. Radio-réveil, une cartouche de cigarettes. Diverses emplettes pour la toilette. Un petit mot d’encouragement. Plus un billet glissé affectueusement dans l’une de tes poches - Jacq décrit ce geste de charité chrétienne avec minutie, et te voilà avec lui saturé d’émotion. Tu recoupes ce passage avec le souvenir récent d’un homme qui avait hébergé chez lui un ami nommé Laurent pour les deux derniers mois de sa vie. En rencontrant cet homme pour la première fois, je compris qu’il pratiquait la charité chrétienne au sens où elle avait dû exister à l’aube des temps, avant l’établissement de l’Église. Frida et cet homme sont exactement le même type de personnages. Laurent va mourir et Jean-François Jacq va vivre, mais tous les deux auront connu la grâce de cette charité qui vient tout droit de l’enseignement du Christ, et qui n’est pas encore pervertie par les dogmes et par les bloody fucking prélats. Le catholicisme a tué la chrétienté, de la même façon que Staline a tué le marxisme. 

         L’écrivain le plus rock des trois est sans doute Flaubert. Pas facile de transgresser les lois du temps, et de ramener un gaillard comme lui dans la réalité du rock. Ses textes sont tellement brillants qu’on pourrait pour rire négocier des équivalences. S’il écrivait hier Salammbô, il enregistrait aujourd’hui Electric Ladyland. Hier Bouvard & Pécuchet, aujourd’hui le White Album. Hier Madame Bovary, aujourd’hui The Rise & Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars. Hier La Tentation De Saint-Antoine, aujourd’hui A Christmas Gift For You From Philles Records. Hier L’Éducation Sentimentale, aujourd’hui Pet Sounds. Hier Trois Contes. Aujourd’hui The Piper At The Gates Of Dawn. Bon, avec son Dictionnaire Amoureux de Flaubert, Régis Jauffret ne prend pas du tout ce chemin là. Il reste dans une approche plus traditionnelle. Une approche plus tactile, dirons-nous. Plus dionysiaque. Il se montre même très familier avec son «bon Gustave». Il ne nous cache rien de ses petits tracas de santé, ni de la syphilis supposément ramenée du fameux voyage en Orient, ni des dents pourries, ni des merveilleuses petites crises libidineuses, ni de son coup de fourchette - notamment le fameux gueuleton avec Maupassant que détaille Jauffret, huîtres, crevettes, poularde, saumon, trou normand, rôti de bœuf, fromages, fruits et pâtisseries, le tout arrosé de vieux bordeaux non carafés - il ne nous cache rien non plus de ses pipes en terre, de ses longs bains du matin, ni de ses crises d’épilepsie, ni des plumes d’oie qu’il taille lui-même, ni de ses goûts littéraires, ni de ses relations amicales et voire plus si affinités (Georges Charpentier), ni des éclats de ce style étincelant - la beauté tranquille d’un style si pur - L’Eros titille bien Flaubert et Jauffret ne rate pas une seule occasion d’illustrer ce penchant. Pas facile pour un écrivain de se pencher sur un autre écrivain, surtout sur un crack-boom-hue comme Flaubert. Il arrive à Jauffret de se vautrer en vantant par exemple les mérites de la connexion, est-ce de l’humour ? Doutons-en. Ailleurs, il fait monter les amis de Flaubert en partance pour Croisset à la gare d’Austerlitz. Mais bon, on lui pardonne, ça ne réfrène pas le plaisir de savourer ce Dictionnaire Amoureux, comme on goûtait autrefois les albums cités plus haut. La cervelle énervée par l’intense fréquentation de Flaubert, Jauffret cite des noms par rafales, Céline («l’enfant de Marcel et le petit-fils de Gustave»), Proust, Isodore Isou, puis Sollers, et ailleurs Balzac et Pierre Guyotat, il parle d’œuvres qui forment des cosmos, il donne un idée de l’infini, puis plonge dans les adaptations, notamment Emma/Isabelle Huppert et Charles/Jean-François Balmer, le plus décadent des acteurs français et grand amateur de Baudelaire, puis Jauffret rêve d’avoir 15 ans pour recommencer à lire pour la première fois cette obsédante Madame Bovary, un Dictionnaire Amoureux, ça sert à ça, à se replonger dans le souvenir des premières fois, il cite d’autres premières fois, La Recherche Du Temps Perdu et l’Oblomov d’Ivan Gontcharov, et puis voilà un Gustave «réactionnaire, hostile au progrès», comme le fut Léautaud au micro de Robert Mallet, et puis il y a cette relation magnifique de maître à élève entre Flaubert et Maupassant, qui rejaillit à plusieurs reprises dans les pages du Dictionnaire, Jauffret nous livre de larges tranches de souvenirs littéraires, des pages qui montent droit au cerveau, comme le ferait «1983... (A Merman I Should Turn To Be)», ou encore «Happiness Is A Warm Gun». Et puis voilà ces traits de caractère qu’épingle Jauffret et qui nous rendent Flaubert encore plus attachant - Un homme vitupérant, emporté, quelque peu pitre mais d’une étonnante bienveillance - Et George Sand d’ajouter : «Il était d’ailleurs sans fiel, sans fausses susceptibilités, facile à vivre, et ses brutalités, toutes de langage, tenaient moins à son tempérament sanguin qu’au plaisir d’étonner.» Et puis voilà Sade qui selon Jauffret reste «un auteur fondamental pour Gustave.» Il s’en explique : «Alors qu’à son époque, ce nom évoque la gaudriole, il trouve dans l’œuvre du marquis une profondeur, une philosophie matérialiste à laquelle il adhère absolument.» Il suffit de lire et de relire Français Encore Un Effort Si Vous Voulez Être Républicains : Manifeste Politique, qui est en fait Le Cinquième Dialogue De La Philosophie Dans Le Boudoir. Alors qu’on s’achemine vers la sortie du Dictionnaire, on tombe sur une sorte d’apothéose à la lettre S : le Style, ou plutôt la religion du style, selon Albert Thibaudet, que cite encore Jauffret. Un Jauffret fasciné par le style de son cher Gustave comme le fut en son temps Léautaud par celui de Stendhal - Comme chez Flaubert, de la pâte même de la phrase, de son humus se dégage la vérité de l’écriture - C’est un lièvre admirablement bien levé, et, incapable de se calmer, Jauffret bascule dans une sublime surenchère : «Les phrases sont pareilles à des processions de mots, comme au temps des corsaires les galions l’étaient d’or, remplis jusqu’à la gueule de sens, de beauté, de sublime.» Il tape en plein dans le mille. Il Salammbique ! Et non seulement il Salammbique, mais il jette encore un pont fatal, cette fois avec Les Caractères de La Bruyère qui, avec Flaubert, incarne pour lui la perfection du style. Eh oui, La Bruyère forevère ! Et Jauffret atteint à l’immanence apoplectique en chopant cette sortie de Flaubert dans sa correspondance : «On ne sait pas assez tout le mal que donne une phrase bien faite. Mais quelle joie quand tout y est ! c’est-à-dire, la couleur, le relief et l’harmonie.» Et Jauffret d’ajouter un corollaire impérieux : «Voilà le secret de la vie des artistes. Ce n’est pas la douleur, le sacrifice, l’immolation, c’est la joie.» Écrasant d’évidence ! Pachydermiquement vrai ! C’est aussi la même joie que tu retrouves dans Pet Sounds et dans Electric Ladyland. Nourris ta cervelle, amigo ! Flaubert, Hendrix et Brian Wilson même combat ! La lanterne rouge de ce fastueux Dictionnaire Amoureux est bien sûr Émile Zola, qui, dans un court extrait, se dit ahuri par Flaubert - Terrible gaillard, esprit paradoxal, romantique impénitent, qui m’étourdissait pendant des heures sous un déluge de théories stupéfiantes - Mais c’est surtout pour Jauffret une occasion en or de repositionner Zola en tant que visionnaire, en médecin penché sur les plaies de la société : «L’homme qui tuerait l’ivrognerie ferait plus pour la France que Charlemagne et Napoléon. J’ajouterai encore : Assainissez les faubourgs et augmentez les salaires.»

         Or donc merci à tous les trois, Pat Caramba pour le McCarthy et ton chaleureux enthousiasme, Damie pour le Jean-François Jacq (ami tentateur, on aurait tendance à vouloir suivre toutes tes recommandations), et Jacques pour le Dictionnaire Amoureux De Flaubert dont tu m’avais si bien vanté les mérites à la terrasse ensoleillée d’un petit hôtel breton, l’an passé.

Signé : Cazengler, la pipelette de Belleville

Cormac McCarty. Méridien De Sang. Éditions de l’Olivier 1998

Régis Jauffret. Dictionnaire Amoureux de Flaubert. Plon 2023

Jean-François Jacq. Il Fera Bon Mourir Un Jour. ARDAVENA 2023

 

 

Inside the goldmine

 - You can’t judge a Brooks by the cover

         Fréquenté Bracmard pendant quelques années. Il était l’ami d’enfance de ma poule d’époque, Baby Rich, donc il dînait couramment avec nous. Bracmard avait un petit côté Javier Bardem, grosse gueule, grosses mèches de cheveux, forte présence, voix forte. Il portait hiver comme été un trois-quart en cuir qui devait peser une tonne et qui datait de l’avant-guerre. Il y stockait des quantités impressionnantes de matos, ses clopes, ses briquets, ses téléphones, ses couteaux. Bracmard était ce qu’on appelle un homme de ressources, il pouvait te brancher sur n’importe quel type de lascar, en fonction de ton besoin ou de ton problème. Plombier ou voyou ? Pas de problème. Il nous recevait parfois dans sa bicoque du Blanc Mesnil. Il y vivait avec une poule qui chantait sur des péniches. Comme beaucoup de vieilles bicoques de banlieue, la sienne était arrivée en fin de vie, mais elle fonctionnait apparemment encore, on pouvait y manger et y dormir, même si de temps à autre, on voyait un gros cafard baguenauder sur le carrelage de la cuisine. Bracmard n’était pas seulement un mover-shaker de banlieue, il était aussi extraordinairement cultivé et disposait de l’atout majeur : une mémoire d’éléphant. Il profitait des grandes tablées du mois de juin pour croiser le fer avec des spécialistes de l’École de Paris. Comme il avait écumé toutes les galeries d’art de Saint-Germain-des-Prés, Bracmard évoquait Zao Wou-Ki ou Bernard Buffet, il jonglait avec les noms et les lieux avec une virtuosité qui fascinait l’auditoire. Bracmard appartenait à la caste des indestructibles. On le voyait vraiment ainsi. Jusqu’au jour où la main de Dieu s’abattit sur lui. Nous lui rendîmes visite une dernière fois. Il gisait au fond de sa bicoque du Blanc Mesnil, réduit à portion congrue, allongé sur son canapé pouilleux, toujours enveloppé de son énorme veste en cuir. Il n’était plus que l’ombre de lui-même. Il demanda à rester seul avec son amie Baby Rich. Une heure plus tard, alors que nous étions en route pour regagner nos pénates et que le silence régnait dans la bagnole, je ne pus m’empêcher de demander si le tête-à-tête s’était bien passé. «Oh très bien», fit Baby Rich, «il voulait juste une dernière pipe avant de casser sa pipe.»  

 

         Pendant que Bracmard montait au paradis des mover-shakers, Chuck Brooks chantait la Soul des paradis artificiels, c’est-à-dire des paradis qui n’existent pas.

         Chuck Brooks ? L’archétype de l’inconnu au bataillon. Un petit label anglais nommé Soulscape s’est retroussé les manches pour arracher les inconnus du bataillon à l’oubli, et leur Volume 1 titré Malaco Soul Brothers en présente trois, Chuck Brooks, Joe Wilson et George Soule. Et leurs trois histoires, même très brèves, sont passionnantes. On ne parle même pas des cuts qui sont, comme on dit en Angleterre, astonishing, c’est-à-dire qu’ils t’astonishent la quiche.

         Comme Geoge Soule est un petit privilégié et qu’il a son goldmining ailleurs, on va focuser sur Chuck Brooks et Joe Wilson. Rien qu’avec ces deux-là, on se sent comme une oie, bien gavé, mais au bon sens du terme. D’ailleurs, puisqu’on parle des oies, on se demande vraiment comment font les gens pour manger du foie gras, sachant dans quelles conditions cette sordide friandise est fabriquée. Mais bon, c’est vrai, on fait comme on peut. Tu as même des gens qui coupent les homards vivants dans le sens de la longueur parce qu’on leur a dit que cette «technique» rendait la chair meilleure. Le jour où les homards et les oies prendront le contrôle de la planète, on va bien se marrer. Bon bref, on n’est pas là pour ça.

         Pour retrouver Chuck Brooks, il faut remonter dans les années 70. Dans le booklet, John Ridley nous raconte que Chuck a commencé par bosser pour Ike & Tina Turner, puis il est allé à Memphis tenter sa chance. Il est à la fois chanteur et guitariste. Il est pote avec Homer Banks et il enregistre des bricoles pour Stax avec les musiciens d’American. Puis il descend à Jackson enregistrer chez Malaco. Dès «Loneliness (Is A Friend Of Mine)», on est frappé par la présence vocale de Chuck Books : il est coriacement bon. C’est un adepte du raw, il y va même au raw du raw. On retrouve le son classique de Malaco : ni Stax, ni Hi, ni Motown, ni Muscle Shoals, c’est encore autre chose. Avec «Behind Closed Doors», il sonne comme les Tempts, ça rampe sous le boisseau d’argent de Malaco, le vieux Chuck a de la ritournelle à revendre. Il tape dans la Soul de haut rang, il vise l’excès mélodique, c’est magnifique. Les orchestrations rappellent celles des early Bee Gees. Son «I Belive In Love» est assez puissant, mais puissant comme la marée, il y va au believe somebody, c’est du heavy froti, so good, so good. Il sauve son «What Would We Do Without Music» avec sa classe, il fait tout ce qu’il peut avec les moyens du bord de Malaco, il se bat seul sur le front de mer, face aux tempêtes. Et quand il s’en va twister le groove d’«Once Upon A Love Affair», on se lève pour danser avec lui. 

         Bon, malgré tous ces fantastiques singles, ça ne marche pas. Alors Chuck se maque avec son pote Homer et ils montent le label Sound Town à Memphis. Ils composent pour d’autres artistes, notamment Shirley Brown. Chuck joue sur Intimate Storm. Malheureusement, Homer et Chuck sont doués pour la musique, mais pas pour le biz et pouf, ils font faillite. À dégager.

         Quant à Joe Wilson, c’est un mec de New Orleans qui a commencé par enregistrer sur le petit label éphémère de Cosimo Matassa. Puis Wardell Quezergue le prend sous son aile et l’emmène, avec Jean Knight et King Floyd, chez Malaco. Tommy Couch est le seul à croire en Joe Wilson qui est immensément doué. Les autres labels spécialisés (Stax et Atlantic) font la fine bouche.

         Joe Wilson est un chanteur jouissif, il chante au sensitif absolu, il presse ses syllabes comme des boutons de pus et ça gicle, notamment dans «Let A Broken Heart Come In». Il est très sensible, donc très fin. C’est extra, comme dirait Léo. Il passe au heavy r’n’b avec «Other Side Of Your Mind», c’est vraiment du gros popotin. Et voilà le coup de génie : «Our Love Is Strong». Oh la belle romantica ! Il a le pouvoir. Il évolue dans une ambiance extraordinaire signée Werdell Quezergue. Ce mec contre-attaque toujours à bon escient, comme le montre encore «Sour Love Bitter Sweet». Il est énorme, il monte toujours sur la barricade. Joe Wilson est un pur Soul Brother, il explose «Go On And Live». Il te groove encore «Walking Away From A True Love» en profondeur, aw comme il est bon !

Signé : Cazengler, de bric et de brooks

Chuck Brooks, Joe Wilson, George Soule. Malaco Soul Brothers. Soulscape 2006

 

 

My Chip Taylor is rich

 - Part Two

         Comme Chip Taylor est un auteur prolifique, ses albums se bousculent au portillon. Pour bien prendre la mesure de son importance, l’idéal serait peut-être de commencer par écouter Hit Man, car c’est une sorte de Best Of de rêve.

Il y reprend tous les hits qu’il a distribués à droite et à gauche, à commencer par l’«I Can Make It Without You» repris par Jackie DeShannon et les Pozo-Seco Singers. Heavy pop de génie ! Et ça continue avec l’«I Cant Let Go» qui fut un hit pour les Hollies. «Angel Of The Morning» fut un hit pour Merrilee Rush et P.P. Arnold. Chip Taylor est un bélier de la grosse compo. On tombe inévitablement sur «Wild Thing», qui permit aux Troggs, à X et à l’ami Jimi de se distinguer. Et combien d’autres ? La version du Chip est pure, bien grattée sous le boisseau. Il a des tiguilis en filigrane dans le son. Pure magie taylorienne. Et ça continue avec l’«Anyway That You Want Me» repris par les Troggs, mais surtout par Evie Sands et Walter Jackson - If it’s love you want/ Baby you’ve got it - C’est un hit mythique - From the depth of my soul - Il a aussi composé «Try (Just A Little Bit Harder)» pour Janis. Chip Taylor est un homme effarant de classe, mais dans tous les genres : pop, country et le voilà king of r’n’b. Il enchaîne avec le hit le plus imparable de tous, «Storybook Children», popularisé par Billy Vera et Judy Clay - We’ve got your words/ And I got mine/ And it’s a shame - Balladif magique. «Country Girl/City Man» est aussi repris par Billy & Judy, mais aussi par Ike & Tina, fabuleux exercice de nonchalance duetté en mode country. On tombe ensuite sur le «Welcome Home» repris par Walter Jackson. Il te le cueille au menton. Et sa maestria éclate encore au grand jour avec «Just A Little Bit Later On Down The Line».

         L’autre conseil d’ami qu’on pourrait donner aux becs fins serait d’écouter les deux albums du premier groupe de Chip Taylor, Gorgoni Martin & Taylor, deux Buddah de 1971. Le premier s’appelle Gotta Get Back To Cisco. Ils ouvrent leur balda sur un authentique coup de génie, «Caroline Timber», c’est fabuleusement joué, gorgé de son, ils chantent à trois, cut magique de Chip, avec Trade Martin on lead vocals. On sent bien la puissance compositale de Chip Taylor et l’ampleur des arrangements sur «I Can’t Do It For You». C’est très Righteous Brothers. Ils chantent tous les trois à l’unisson du saucisson sur «Stick-A-Lee», comme le feront CS&N. C’est exactement la même approche, avec les mêmes coups d’acou. Ils adorent rentrer à San Francisco comme le montre «Cisco». Chippy chante ça au doux du menton et tape un final éblouissant. Nos trois larrons adorent la belle pop. Et puis tu as un «Got The Feeling Something Got Away» qui préfigure Guided By Voices. Même esprit.

         Leur deuxième album n’a pas de titre. On y retrouve la belle pop de Chip («Fill In The Fast Line». Grosse compo. C’est du niveau de Mann & Weil. «I Can’t Let Go» est plus rocky. Ah ils savent rocker leur roll ! Cette belle pop écarlate contrebalance tout. On se régale encore de l’«I Can Make You Cry» monté sur un heavy beat chippy, sévèrement gratté à coups d’acou. Quelle énergie ! Franchement, ces deux albums valent le détour.            

          

         Puis Chip Taylor va entamer une carrière solo et tourner avec une moyenne de deux hits par album. Gasoline est encore un Buddah de 1972. Il y recase son «Angel In The Morning». Ah il sait placer sa cerise sur le gâtö. Ça sonne presque comme du Righteous Brothers. Mélodie solide et orchestration du diable - Just call her angel in the morning - Et ça monte aux anges des Righteous Brothers. S’ensuit une Beautiful Song, «Home Again», une pop d’horizons lointains, stupéfiante d’immensité. Il gratte à la suite son «Lady Lisa» à sec, c’est du good time pas loin des Byrds, assez électrique, en vérité. Il passe à son cheval de bataille, la country, avec le morceau titre, un cut solide et bien intentionné. Chip Taylor est déterminant dans tous les domaines, surtout celui de la Gasoline country. Il ne s’intéresse qu’aux chansons, comme le montrent encore «Dirty Matthew» - Sometimes it don’t come easy - et «You Didn’t Get There Last Night». Puis on le voit poser sa voix de deep country man dans «Swear To God Your Honor». Une merveille, pas loin de la révélation, c’est du pur busy cryin’ in the beer.

         Mine de rien, Chip Taylor’s Last Chance est un bel album. Belle pochette, on voit Chip à la table de jeu, avec des faux airs de Robert Redford en Sundance Kid. Il y va au soft country groove, easy baby. Chip est doux, excellent et inspiré. Dans «I Read It In Rolling Stone», on le voit swinguer ses vers à la folie - Where every brown eyed teased hair mare ran him of his stool - Il boucle ce fringuant balda avec «I Wasn’t Born In Tennessee», un fantastique swagger de country cat. En B, tu vas tomber sur «It’s Still The Same», l’une de ces Beautiful Songs dont est capable l’ami Chippy Chip, et puis avec «101 In Cashbox», il fait une sorte de «Success» à la Iggy - And it comes from the soul/ And it ain’t rock’n’roll - On se régalera encore de «Clean Your Own Tables», un belle country song où il raconte sa vie et celle de la barmaid qu’il épouse.

         Pochette pépère pour Some Of Us, un Warner Bros de 1974. On est vite frappé par la qualité de la Chippy country. Avec «Early Sunday Morning», Chip chope le truc. Sa country est joyeuse. On se peut se fier à lui. Chip est un chic chap. On sent bien la poigne du songwriter. Grosse emprise encore avec «Something ‘Bout The Way This Story Ends». Chip sait tailler un costard, pas de problème. En B, ils évoque deux villes : Varsovie et Austin. Dans «If You’re Ever In Warsaw», il raconte l’histoire d’un mec qui apprend aux aveugles à voir. Et avec «If I Can’t Be In Austin», il propose un joli groove country. On le sent jubiler.  

         This Side Of The Big River arrive en 1975 avec une belle pochette à l’américaine. Alors on se régale, même quand on n’est pas fan de country. Il attaque avec «Same Old Story», un joli tagada country, c’est même extrêmement agréable à écouter. Il oscille toujours entre la gorgeous country et le balladif intimiste crooné au coin de la glotte («Holding Me Together»). Très bel artiste, pas loin de Kristofferson. Disons qu’il propose une country de proximité, il avoisine le George Jones avec «Getting Older Lookin’ Back». Chip a un truc que d’autres n’ont pas : le talent. Tout ici est sans surprise mais beau. Il boucle son beau balda avec «Big River», plus rockalama. Solide claqué de chique, belle dégaine et big bass drum. Ces mecs ta cassent vite une baraque de clear blue sky. Ça flirte avec le rockab d’Elvis. Pas mal, non ? Dommage que la B soit si transparente. On y sauve «Sleepy Eyes» : heavy country et belle chaleur de ton.

         Le Somebody Shoot Out The Jukebox de Chip Taylor With Ghost Train est un album résolument country. Il salue Atlanta dans «Hello Atlanta», it’s good to see you again, mais après, ça devient trop country pour une gueule à fuel. Le morceau titre est un gros boogie rock de saloon. La hit de l’album s’appelle «Still My Son». Chip ressort du moule country pour aller sur la belle pop violonnée. Il sait entraîner un cut au firmament, c’est très Brill dans l’esprit, il faut le voir monter sa clameur de Still my son en neige inexpected, c’est vraiment très impressionnant. Chip Taylor fait de la Beautiful Song quand ça lui chante. C’est un surdoué, au même titre que Burt ou Jimmy Webb, il est très porté sur l’orchestration et les sautes d’humeur vocales, son let me carry you home est suivi à la flûte devenue folle, on voit littéralement le songwriting s’envoler et aller  virevolter dans un azur immaculé. 

         Saint Sebastien n’est pas son meilleur album. Il l’attaque à la petite pop pépère de «Mary Ann». Chip compose à profusion, il n’est donc pas gêné aux entournures. Il songwrite à gogo. Pas de hit sur cet album martyrisé, du sans surprise, mais du beau sans surprise. Il sonne comme Fred Neil sur «He Ain’t Makin’ Music Anymore», même velouté de poireaux dans le coulé de voix. Avec le morceau titre, il fait bien le tour du balladif, Chip est un inconditionnel de l’intimisme velouté. Il ne peut pas s’empêcher d’enregistrer des albums intimistes. Si l’intimisme ne te plaît pas, t’es baisé.

         Deux jolis choses sur The Living Room Tapes : Something About Losing It All» et «Grandma’s White LeBaron». Il gratte dans sa cuisine, c’est un intimiste, alors il établit le contact et parfume son balladif de flavor country. Il sait se montrer profond et sincère, alors on l’écoute attentivement. Il chante sa Grandma d’un ton grave et lance un manège enchanté. Il faut saluer son fabuleux entrain country. Petite merveille encore avec «Good Love Last Night». C’est là qu’il convainc, dans l’intimisme - And I took her in my arms last night - Quelle puissance d’évocation - I said girl I like the way you kiss - On n’en saura pas davantage. Son «Shut You Down» est assez pur de shut you down my old friend.

         Tu vas trouver deux duos d’enfer sur Seven Days In May. A Love Story : «If You Don’t Know Love» où il duette avec Lucinda Williams, et «One Hell Of A Guy» où il duette avec Guy Clark. Comme Lucinda est bien languide, ça donne un duo à la ramasse de la rascasse, ce qui n’est pas déplaisant. L’Hell Of A Guy est le fin du fin du duo country. Mais ailleurs, on s’ennuie un peu. Trop de country, ou pas assez de magie ? Il nous a trop habitués aux cuts magiques. Dans «Florence The Baby & Me», il fait la plus belle des déclarations : «You’re the most beautiful I ever did see.» Une autre merveille se niche plus loin : «Alexander» - You look so beautiful - Joli confessionnal, c’est une Beautiful Song contrebalancée à coups d’accordéon. Le plus drôle avec Chip, c’est que t’as chaque fois l’impression d’écouter la même chanson, et tu tombes sous le charme.

         Curieusement, on trouve pas mal de belles énormités sur Black & Blue America. À commencer par «The Ship», un duo avec une Lucinda Williams qui a l’air complètement dans les vapes. La grosse compo du jour s’appelle «In Your Weakness», il faut voir comme il l’éclate, c’est le grand Chip qu’on préfère. Il fait un brin de good time music avec «Stroke City Girls». C’est assez magique, il faut bien l’avouer. Il combine la grande pop avec ses affinités country. C’est effarant de stories just behind. La cerise country sur le gâtö pourrait bien être «You Left Me Here». Chip est tellement à l’aise. C’est le plus à l’aise de tous. Avec le morceau titre, il se morfond sur le destin de l’Amérique - Back in 1966, the answer is blowing in the wind - Et il passe du petit boogie fier comme Artaban («It Don’t Get Better Than This») au heavy balladif country («Sometimes I Act Just Like A Fool»). Il dit aussi avoir besoin d’open space et de chevaux. Son «Blind At The Midnight Hour» est magnifico - If you need a place to hide/ Come to my home/ And take some comfort here - Il attaque son «Way Of It» à la Lou Reed. Ce mec Chip est un magicien, il fait de chacun de ses cuts une aventure passionnante. On le comprend mieux sur la durée. Il est certainement plus intéressant que Cash. Chip duette avec P.P. Arnold sur «Temptation», un vieux gospel de fin de partie. Il y va au I did run. Il a des blackettes derrière et ça prend des proportions insoupçonnables, d’autant que P.P. Arnorld te l’explose en plein vol. Quel mélange extraordinaire que ce country king et cette ex-Ikette. Quel accomplissement et quelle apothéose ! Il monte avec elle mais il peine à la suivre. La reine, c’est P.P. 

         Unglorious Hallelujahs est un double Train Wreck de 2005. Un bel album de country, où il surpasse Cash sur «Hallelujah Boys» et «Jacknife». Il fait exactement le même bazar - I don’t wanna kill nobody - On se croirait sur «I Hung Myself». Il rend un hommage émouvant à Townes Van Zandt dans «What Would Townes Say About That». Il raconte ses souvenirs de Townes dans un motel à Reno. Retour de la clameur country magique dans «Christmas In jail». Et il revient à son cher intimisme d’I don’t know about that avec «Michael’s Song». Sur le disk 2 se niche une pure merveille : «Red Red Rose» où il duette avec Carrie Rodriguez. Pur country genius. Elle vole le show. Il tape plus loin un heavy slowah de très haut niveau, «If I Stop Loving You». Encore une grosse compo ! Ça vaut vraiment le coup de le suivre. On se s’ennuie pas en compagnie du vieux Chip. Encore deux balladifs étoilés avec «Magic Girl» et «It’s Different Now», et il salue cette bonne ville de Santa Cruz avec «Santa Cruz» - There’s still mountains we have to climb - Magnifico.

         Rien de plus country que New Songs Of Freedom. Avec «Former American Soldier», il rend hommage à des soldats du Vietnam. L’horreur. Son apologie des GIs donne un peu la gerbe. On sauve un cut sur l’album : «Dance With Jesus», un fantastique shoot de country. Tu as là tout l’éclat de la meilleure country américaine.  

         Très bel album que ce Rock & Roll Joe. Pour deux raisons éminentes : «Monica» et «I Can’t Let Go». «Monica» est inspiré d’un riff trouvé pour Van Morrison et joué sur un vieux beat appuyé. Le hit c’est bien sûr «I Can’t Let Go», lancé en mode heavy rock de saloon, c’est excellent, ça carillonne au big day out et Kendel Carson duette dans cette affaire. On se régale aussi du «Sugar Sugaree» basé sur le «Try A Little Bit Harder» co-écrit par Chip et Jerry Ragovoy. Un violon vient crin-crinter l’«Hot Rod Carson» et Karen Carson tient encore la bavette à Chip dans «Measurin’». Et comme le montre «The Union Song», le Chip sait rocker une baraque ! Et puis dans «R&R Joe Reprise», Chip cite les unsung heroes, Paul Griffin et d’autres. Il raconte des souvenirs de sessions avec des great guys, dont John Paul Jones et des tas d’autres complètement inconnus au bataillon.

Signé : Cazengler, Chip à l’ancienne

Gorgoni Martin & Taylor. Gotta Get Back To Cisco. Buddah Records 1971

Gorgoni Martin & Taylor. Gorgoni Martin & Taylor. Buddah Records 1971                          

Chip Taylor. Gasoline. Buddah Records 1972 

Chip Taylor. Chip Taylor’s Last Chance. Warner Bros. Records 1973

Chip Taylor. Some Of Us. Warner Bros. Records 1974

Chip Taylor. This Side Of The Big River. Warner Bros. Records 1975

Chip Taylor With Ghost Train. Somebody Shoot Out The Jukebox. Warner Bros. Records 1976

Chip Taylor. Saint Sebastian. EMI 1979 

Chip Taylor. Hit Man. Train Wreck Records 1997 

Chip Taylor. Living Room Tapes. Train Wreck Records 1997

Chip Taylor. Seven Days In May. A Love Story. Train Wreck Records 1999

Chip Taylor. Black & Blue America. Train Wreck Records 2001    

Chip Taylor. Unglorious Hallelujahs. Train Wreck Records 2005

Chip Taylor. New Songs Of Freedom. Train Wreck Records 2008 

Chip Taylor. Rock & Roll Joe. Train Wreck Records 2011

 

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Il est des disques mystérieux, celui-ci est carrément obscur. Imaginez un poème d’Edgar Poe dont on aurait effacé les paroles, dont il ne resterait que l’ambiance, le corbeau s’est envolé, mais le lieu qu’il a quitté est la seule empreinte qu’il nous ait laissée. Vous aussi quand vous ne serez plus là, ne survivront de vous que les lieux par où vous aurez passé. Vous êtes-vous demandé pour combien de temps…

SCIONS

O

(Digital Album / Bandcamp / Mars 2024)

Ne comptez pas sur la pochette pour vous aider. Elle est toute noire. Bien sûr je vois bien qu’il y a du blanc, qui n’ajoute que de la noirceur à cet étrange artefact. Sur You Tube, ils sont gentils, ils précisent qu’ils sont quatre, de Sydney en Australie. L’on s’en doutait en regardant le bandcamp. Je vous expliquerai pourquoi plus loin. Le nom du groupe est peu commun. Ne soyez pas idiots, rien à voir avec le présent de l’indicatif ou de l’impératif du verbe français ‘’scier ‘’. Quoique si l’on y réfléchit le hasard linguistique s’avère  parfois malicieux. Scion est un terme botanique, ils le rappellent aussi sur YouTube, en terme beaucoup plus commun un scion est une greffe. Attention, le mot scion désigne aussi bien la greffe que l’on insère dans un tout jeune arbre que le rameau qui naîtra de cette greffe qui portera un composite des gènes de l’arbre greffé et du greffon.

         Un scion est donc le rejeton issu de deux essences d’arbre. Par extension le mot scion désigne aussi un enfant de grande famille tant soit peu dévoyé. Le mot scion s’accorde comme tous les noms communs : un scion, des scions. Nous savons donc ce que signifie le nom du groupe. Nous avons beau scruter la pochette cela ne nous aide guère.

         Comment lire le titre de l’album : est-ce la lettre o, est-ce le zéro, est-ce le dessin d’un cercle ou d’un anneau. Ce qui est certain c’est que ce signe est à décrypter symboliquement. Choisir l’un de ces quatre termes ne mène à rien, ce qu’il faut, quel que soit le signe que l’on élit, c’est en trouver la signifiance.

         Eliminons toutefois trois grossières fausses pistes : Scions n’a rien à voir avec Sion, que ce soit la Jérusalem céleste, la colline inspirée de Maurice Barrès, ou le Prieuré de Sion de Pierre Plantard.    

         Toutefois on ne s’embarque pas sans biscuit : sur bandcamp le groupe se présente d’une étrange manière, un court texte que certains jugeront énigmatique :   ‘’ Ô porteurs de la Malédiction, vous qui êtes morts mais vivez encore. Faites un pèlerinage à travers le Vide jusqu’au pied du grand Arbre et laissez votre destin se révéler. Au début il n’y avait que le Vide. Puis vint le Feu… et avec le Feu vinrent les germes de la disparité : la chaleur et le froid, la vie et la mort, la lumière et l’obscurité. Mais rien n’est éternel  et pourtant rien n’est perdu…’’

         Considérons la mystérieuse circonférence du titre comme le boîtier d’une boussole et le texte comme les indications directionnelles et l’aiguille qui nous guidera.

0 : l’on n’entend rien, ce n’est pas que le disque n’ait pas encore démarré c’est qu’il n’y a rien, juste rien, mais il faut attendre ou pousser les potards à onze pour que se manifeste une espèce de montée en impuissance, écoutez la version du Ring de Wagner, juste le tout début de L’Or du Rhin mais sous la houlette de Wilhelm Furtwängler, car il est le seul qui ait compris l’importance des toutes premières notes de la Tétralogie et il fait si fort résonner l’insignifiance de leur apparence qu’il vous explose la tête, pour ceux qui seraient choqués, employons une expression emplie de plénitude, qu’il vous ouvre les chakras, cela vient doucement, heureusement qu’il y a cette espèce de klaxon comme une corne de brume pour attirer votre attention, et puis cette voix solennelle qui vous parle mais que vous ne comprenez pas…  Alpha and Omega : vos êtes passé au morceau suivant sans vous en rendre compte, dès lors vous réalisez que le petit o du titre, c’était le zéro absolu, le rien, le néant et que maintenant vous êtes dans le o-riginel, au tout début, à l’alpha du commencement, mais aussi dans l’o-mega de la fin, pourquoi si près du début  atteint-on si vite la fin, et pourquoi cette musicalité fondationnelle semble-t-elle battre de l’aile comme un oiseau qui ne parvient pas à s’envoler, ouf la batterie entre dans le jeu, elle marque la lenteur du rythme mais elle entraîne la basse et tout le bataclan, elle se permet même quelques roulements, la basse joue au vrombissement de l’élastique qui se prend pour un moustique géant qui veut atteindre le haut du ciel, tambour tribal et presque joyeux, fin brutale comme si la bête s’était cognée le nez contre le mur de la fin.  Comme dans le titre précédent  vous réalisez ce que veut dire le morceau qui vient de se terminer. Vous avez parcouru le cycle du début à la fin et vous voici Gros-Jean comme devant, groggy de vous retrouver à l’endroit dont vous êtes parti. Bizarre tout de même. Qu’est-ce que cela signifie ? Thy Master Calls Across Countless Aeon : un bourdonnement qui vient de loin, de très loin, il met des siècles à te parvenir, tu es perdu et l’aide te parvient, tu ne sais pas qui t’appelle, tu le reconnais, tu étais seul, il se soucie de toi, il t’appelle, sa voix traverse des siècles et des siècles, une flèche rapide qui a tant de distance à parcourir pour celui qui l’attend qu’elle a l’air de traverser l’éternité du temps, de faire le tour du monde, avant d’arriver et de se ficher en toi, rien ne bouge si ce ne sont les plumes de son empennage encore vibrantes de leur course, le maître t’appelle et te délivre son message. Seek the River of Fire : cherche la rivière de feu, ne t’inquiète pas tu brûles, la musique a l’air de s’amuser, tout juste si elle ne te chantonne pas un air allègre pour se moquer de toi, quel vacarme, quel boucan, tu brûles, pas besoin de chercher bien loin, elle n’est pas au bout du monde tu y es juste dessus, en plein dedans, tu t’y baignes, passe à l’étape supérieure, souviens-toi d’Héraclite, la notion grecque du sec et de l’humide t’y mène tout droit,  l’on dirait que les musicos s’amusent à imiter un orchestre oriental, oui tu y es, un charmeur de serpent, le cycle du feu qui brûle, qui s’éteint qui se rallume, qui brûle, qui s’éteint, oui tu as deviné, le grand serpent, l’ouroboros, calme-toi, oui c’est grave, médite un peu, essaie de saisir le concept philosophique de l’Eternel Retour, de comprendre ce qu’il veut dire… On wings of steel and chrome : oui les âges métalliques se succèdent, quelle ferblanterie de l’âge d’or à l’âge de fer, tout dégénère, les hommes vivent en paix et puis se disputent, c’est ainsi tu n’y peux rien, c’est le destin collectif de l’Humanité de courir à sa perte, un jour obligatoirement, indubitablement l’énergie du feu régénérateur faiblira, s’épuisera et s’éteindra. Escape Thy Fate : regarde l’autre côté de cette pièce de monnaie ronde que l’on enfourne dans la bouche des morts avant de les porter au bûcher, une face pour tous, une autre uniquement pour toi seul, échappe à ton destin de mort-vivant, puisque quand tu vis éternellement, tu meurs aussi éternellement, pense à toi, échappe à ton destin, rien n’est perdu puisque tout est perdu. Ecoute comme la musique se fait belle et luxuriante, elle est la vie, l’on ne te demande pas de jouer à pile ou face, mais de trouver le lieu de ta fuite qui te sauvera de ce piège sans retour. Through the Valley of Silence : dans la vallée du silence près de l’arbre de vie, de l’Yggdrasil du monde, étrangement le morceau est plein de bruits, de tintements, comme le marteau de Siegfried qui forge l’épée qui tuera le dragon, la vallée est dite silencieuse car entre les coups survivalistes du marteau l’on entend le silence de la mort qui ne veut pas mourir. May the Winds Deliver Thee : l’on entend le vent siffler dans les branches de l’arbre, est-ce celui de l’espoir, du surpassement, peut-être pas pour cette fois-ci, peut-être qu’au prochain tour, au prochain retour, l’on trouvera le moyen de s’échapper du serpent sans qu’il ne te rattrape au dernier moment. Fom the Calamity : trop tard, beaucoup de bruit pour rien puisque le cataclysme final te mènera au rien, sonnailles de troupeaux de moutons destinés à l’abattoir métaphysique, un rouleau concasseur qui passe et pousse, des chœurs processionnels qui tremblent de frousse. Le chemin est long, il tourne sur lui-même, il s’enroule, décrit-il un cercle ou une spirale qui s’écarte et s’enfuit de son centre…

         Chacun en jugera selon son optimisme ou son pessimisme…

         Mais comment interpréter le titre de cet album. De quelle greffe parle-t-il ? Peut-être faut-il la chercher dans l’espèce de blason symbolique qui leur sert à présenter le groupe. Un cercle, d’or. Selon le diamètre vertical s’épanouit un arbre, l’Yggdrasil mythique, sous sa ramure se tiennent debout une nouvelle race d’hommes d’or et de turquoise.  Sur le FB du groupe, pratiquement vide, seulement deux images, celle de la couve du disque, une deuxième qui nous révèle l’entièreté de l’artwork dont elle n’est que la partie centrale. Un paysage désertique comme vitrifié par une bombe atomique. Comment interpréter cette rivière orange qui serpente depuis les soubassements de l’Arbre, le feu s’est-il changé en eau de feu… Aucune feuille sur l’Arbre réduit à sa structure exo-squelettique, d’ailleurs les nouveaux rejetons qui nous tournent le dos ne possèdent-ils pas un exo-squelette, sont-ils les fils de l’Arbre, sommes-nous à la fin du Ring, à la scène finale de l’anneau wagnérien, entrons-nous non plus en le cycle mais en une nouvelle ère, avec ce nouveau type d’êtres humains alchimisé par l’opérativité cataclysmique de l’anneau brisé… La greffe a-t-elle consisté à introduire le greffon des mythes nordiques dans le mythe de l’Eternel Retour ?

         Ce qui est sûr c’est que nous retournerons écouter les nouvelles sorties de Scions. Ne serait-ce que pour leur montrer de quel bois nous nous chauffons.

Damie Chad.

 

*

Life like poetry. Généralement les rockers se comportent comme des rockers. Prenons un exemple au hasard, quand Eric Calassou résidait en France il possédait un groupe de rock Bill Crane. Il a donné quelques concerts, nous en avons chroniqué quelques-uns, il a produit des disques, nous les avons chroniqués. Jusque-là nous restons dans le registre de la normalité. L’est parti en Thaïlande, dernièrement il a sorti deux disques, l'un très rock, le dernier constitué de reprises des pionniers du rock. Une vie de rocker parfaitement calibrée.

0ui, toutefois il y a eu des signes avant-coureurs. S’est mis à faire des photos. Pas tout à fait comme tout le monde. Pas le mec normal qui photographie son chien, sa femme et la Tour Eiffel. Ce n’est pas qu’il se désintéresse du monde, loin de là, il le regarde de près. De trop près. Relisez Le Sphinx d’Edgar Poe. Le héros qui se réveille d’une bonne sieste, ouvre et ses yeux et s’aperçoit qu’un monstre monumentalement horrible s’apprête à le mâchouiller comme un vulgaire chewing-gum, heureusement qu’il n’avait pas son portable, les pompiers et la police se seraient bien moqués de lui en lui montrant que son monstre n’était qu’un inoffensif papillon posé sur la vitre près de laquelle il s’était endormi dans son fauteuil. Calassou s’est amusé à ce petit jeu : photographiez dix-centimètre-carrés de bitume et vous apercevrez ce que vous n’avez jamais vu.

Dernièrement nous avons chroniqué un album de ses photos. Là il aggrave son cas. A première vue des formes informes et colorées. Des couleurs plutôt sombres. A la réflexion l’on se demande s’il ne s’efforce pas à donner une idée d’un quelque chose que personne n’a jamais vu et dont on peut douter de l’existence, alors que des calculs de haute mathématique   inclinent les scientifiques à supposer sa présence. Il s’agirait donc d’une espèce d’alchimie photographique destinée à produire des représentations de cette matière noire invisible que les physiciens traquent depuis un demi-siècle.

Je laisse votre cerveau infuser. Revenons à des choses moins abstruses. Non seulement Eric Calassou joue, chante et enregistre de la musique, mais il compose. J’entends vos réactions, qu’un artiste de rock compose des morceaux de rock, cher Damie, rien de plus normal, certainement mais il compose des morceaux de musique classique qu’interprètent des musiciens classiques. Je ne veux pas crier à la trahison, nous en avons chroniqué, et la cloison entre musique classique et rock’n’roll n’est pas si étanche que l’on veut bien l’accroire. Simplement vous prévenir, que nous allons rendre compte de quelques morceaux tirés de la chaine You Tube Bill Crane, et qu’à traverser les cloison étanches l’on se retrouve à pénétrer dans des zone-limites.

Danse médiévale : un truc tout doux, parfaitement calibré, facile à suivre, juste une guitare, deux minutes et une demi-poignée de secondes, une belle image de danseurs que je qualifierai de turcs certainement à tort, mes connaissances ethnologiques étant des plus faibles. Ce n’est pas du rock, c’est beau. Tout simplement. Musique pure.

Ding dang dong : faut se fier aux titres. Ce truc est totalement dingue. L’image est à la ressemblance de notre monde, une toile de jute ou une natte d’osier sur laquelle sont entassée cinq à six récipients en plastique, bouteilles et bidons. Serait-ce un clin d’œil pour nous dire dans le creux de l’oreille que c’est bidong. Osons le pas, entrons dedang. Un truc à devenir fou, un labyrinthe sonore, une boite à rythmes et une voix qui se prend pour une balle de ping-pong devenue  foutraque, elle rebondit de plus en plus vite, squash vocal, est-ce un crétinoïde dont la voix tintinnabule, ou la bande-son Ferrari qui finit par dérailler, meuglement de vache, z’avez l’impression que sa langue vous lèche la figure, exercice de style à la Queneau, un trente-trois des Double-six passé en 78, peut-être que ça se termine parce que des infirmiers sont venus lui passer une camisole de force pour l’emmener sous une douche froide, sur la fin vous êtes sauvé, une effulgence de guitare électrique vous tire de cette embuscade. Morale de cette aventure : par rapport à la vidéo-précédente vous avez changé d’univers.

Message from Mars : que disions-nous !  Tout à l’heure la voix déblatérait, elle ne communiquait pas, juste du bruit buccal, dans cette troisième vidéo, nous recevons un message. Pas de n’importe qui, des fameux petits hommes verts, la musique est inquiétante mais les structures de la langue martienne nous sont incompréhensibles, le pire c’est que  côté élocution nous sommes en avance sur eux de quelques millénaires. En sont au stage du bégaiement. Nous qui attendions des extra-terrestres qu’ils viennent améliorer notre situation, seraient-ils un peuple de sous-doués. Sans doute nous demandent-ils des conseils, ils ont besoin de notre expertise, ils ne possèdent pas un langage aussi élaboré que le nôtre. Très décevants.

Ne nous demandons pas : que veulent dire les martiens, mais que veut dire la réalisation de ce morceau : qu’un solo de guitare électrique est une agonie sans fin, que la musique instrumentale produit le son mais pas le sens. Que le langage non évolué n’est qu’un ensemble de borborygmes inconsistants. Qu’il est comme l’image qui l’accompagne, un puits avec fond, un puits bouché, qui empêche l’accès à une source de connaissance totale.

         Notre chronique des trois vidéos suivantes éclairera les trois premiers mots de l’ouverture de cette chronique : life like poetry. Que nous empruntons à Lefty Frizzel. Aperçu théorique : Mallarmé fut artistiquement subjugué par l’entreprise d’Art-Total théorisé et mis en pratique par Wagner. Selon Wagner l’opéra était un art total : il mêlait : musique, chant, danse, poésie (les livrets), théâtre (mise en scène) peinture, sculpture (pour les décors) architecture (l’édifice du théâtre de Bayreuth conçu selon les représentations…) jusqu’à l’art équestre avec introduction de véritables chevaux sur scène… Maintenant si vous dites Wagner : tout le monde répondra : musique et si vous dites Mallarmé la réponse unanime sera : poésie.

Conclusion mallarméenne : la poésie se devait ‘’de reprendre son droit’’ à la musique. Entendez par là qu’étant la voix profonde du monde, (l’expression est d’Edouard Dujardin fondateur et directeur de La Revue Wagnérienne) : c’est en elle que devait s’inscrire la pensée actante de la globalité du monde. En d’autres termes la poésie était à elle seule l’art-total dont le monde avait nécessité pour être exprimé et par là même supprimé. Dans ses esquisses du Livre, dans Le coup de dés, dans Les Noces d’Hérodiade, Mallarmé s’est adonné à cette tâche…

Eric Calassou écrit de la poésie. Nous n’avons jusqu’à maintenant chroniqué aucun de ses recueils. Donc musicien et poëte. Penchons-nous sur trois vidéos dans lesquelles ii a mis en voix et en musique trois de ses textes.

Dans la nuit : (extrait du recueil Les anges de l’enfer) : la couve comme une tenture épaisse, pas aussi noire que l’on s’y attendrait, bleu sombre et reflets d’or : une basse à pas lents, une guitare qui crisse et se plaint, comme du verre sur lequel on marche, le morceau n’est pas très long mais si l’on en croit la longue énumération la nuit est longue, la voix n’est pas blanche, elle joue ses émotions, la nuit est porteuse de peur et de rêves inaccomplis durant les jours. La fin est surprenante, elle pose davantage de questions qu’elle n’en résout. Dans la nuit on ne fuit pas la noirceur du monde mais soi-même.

Nuit blanche : couve : soleil noir, ou araignée noire écrasée sur la matière blanche de votre cerveau. Cette nuit est plus éprouvante que la précédente, la boîte à rythmes boitille imperturbablement, le poëte nous la joue tragique, le drame n’est que l’expression de la comédie de la solitude que l’on se donne à soi-même, la guitare grésille, elle est comme ses yeux qui sont les derniers s’éteindre dans le poème de Tennessee Williams, le poëte est-il rattrapé par ses fantômes qu’il tente de fuir, l’on entend ses râles, petite ou grande mort, là est la question… Toujours est-il qu’il ne prononce plus une parole.

Ciel éclair : visage brouillé, derrière une vitre pluvieuse : la guitare aigüe telle une lame égoïne qui scie votre boîte crânienne pour savoir si Dieu s’est caché à l’intérieur, la double postulation baudelairienne, pluie de crachats, révolte et soulagement, des trois textes c’est le plus réussi, le mieux mis en bouche, la poésie est parfois comme un bonbon acidulé dont il est difficile de se débarrasser. Midnight rambler arpente le miroir de son âme…

         Grâce à Eric Calassou et ces six vidéos nous avons fait un long voyage. De la musique à la poésie. De la musique en poésie. N’oubliez pas, un autre chemin, life like poetry.

Damie Chad.  

 

NEWS FROM MARIE DESJARDIN

         Ce n’est pas poli de suivre les filles, c’est vrai mais chez Kr’tnt ! on suit Marie Desjardins, avec assiduité, l’on ne peut s’en empêcher, en tout bien tout honneur, d’autant plus qu’elle réside au Canada, en plus c’est de sa faute, comment ne pas la remarquer, même de si loin, elle écrit de bons livres et d’excellents articles, en plus elle nous provoque, elle s’intéresse au rock’n’roll, comment voulez-vous que l’on ferme les yeux, c’est notre devoir de chroniqueur.

         Attention elle est maline, elle vient de m’apprendre quelque chose sur le rock que je ne connaissais pas, de surcroît sur un groupe que je connais bien. Que j’ai suivi disque par disque durant des années. Deuxième honte de ma vie, c’est un article qui est paru en août 2023 sur La Métropole, un magazine culturel  québécois que vous trouverez sur le net. J’avoue que si l’article n’avait pas été signé par Marie Desjardins je n’y aurais accordé aucune attention.  Je n’aime point trop Jésus Christ, encore moins lorsque à son nom est accolée la mention rock star, oui mais voilà c’est de Marie Desjardins, alors je lis. Et puis il y a le sous-titre Dans l’ombre ou la lumière. Déjà je choisis l’ombre.

         Tiens un vieux truc, cinquante ans d’âge, un film. J’ai des excuses de ne pas l’avoir vu, je ne vais jamais au cinéma. Donc un film sur Jésus Christ, un opéra-rock, déjà que j’ai trouvé les paroles de Tommy des Who, un peu gnangnan, oui mais il y avait les Who. C’est-là que je pousse un rugissement, j’ai bien lu, ce n’est pas un trouble visuel ce pourpre profond qui  empourpre mon cerveau, j’ai bien déchiffré, Deep Purple, ils auraient enregistré un disque sur Jésus Christ, non ce ne sont pas eux, c’est Ian Gillan le chanteur qui fut contacté pour les parties vocales, si vous voulez savoir la suite lisez l’article.

         Vous y arriverez en passant par le FB Marie Desjardins Portraits Rock.

Pas très loin vous avez un lien sur le nouveau site d’Offenbach, non pas Jacques qui composa des bouffonneries, l’autre : le plus grand groupe de rock du Canada (1970 – 1985 ). Ne comptez pas sur moi pour vous raconter la saga de ce groupe, vous trouverez le lien pour atterrir sur le site, une longue bio rédigée par Louis de Bonneville, Marguerite Desjardins l’a un peu aidé. Pour la remercier Louis Bonneville a construit un site consacré à Marie Desjardins. Ecrivain.

         Un petit conseil, n’oubliez pas de cliquer sur l’onglet ‘’nouvelles’’ vous n’avez pas que les titres, les textes sont à votre disposition… Nous en avons déjà chroniqué quelques-uns sur Kr’nnt !  Vous ferez des découvertes, je viens d’en faire deux, je vous en reparlerai bientôt.

         Ce site est vraiment bien fait, clair net et précis. Il permet d’embrasser le parcours de notre écrivain. Il n’y a pas que le rock’n’roll qui l’intéresse, ce qui est sûr c’est que désormais vous vous intéresserez à Marie Desjardins.

Damie Chad.

 

ROCKAMBOLESQUES

LES DOSSIERS SECRETS DU SSR

(Services secrets du rock 'n' roll)

Death, Sex and Rock’n’roll ! 

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Repli stratégique avait dit le Chef. Nous cavalions comme des fous vers l’Esplanade du Trocadéro. Nous ne savions pas pourquoi, mais le Chef le savait et cela suffisait. Il est des êtres qui sont comme des phares dans la tempête. Leur Intelligence salvatrice rougeoie dans la nuit noire comme la braise réconfortante d’un Coronado. Cette dernière comparaison ne tient pas la route, je m’en excuse auprès des lecteurs, je devrai l’améliorer quand je  relirai une dernière fois Les Mémoires d’un GSH avant de le confier à un éditeur impatient de lancer l’impression de ce chef-d’œuvre absolu, ce splendide cadeau jeté en pâture à l’’Humanité qui ne le mérite pas. Parfois dans des moments de doute je déraisonne en pensant que personne n’aurait assez d’intelligence pour en saisir le sens profond, que ce magnifique manuel de survie n’empêcherait pas l’espèce des hominidés de courir à sa perte.

Les filles pensaient que pendant que nous contemplerions la tour Eiffel nous reprendrions notre souffle appuyés sur la rambarde. Il n’en fut rien, il fallut descendre au triple galop les escaliers et nous ne nous arrêtâmes que lorsque le Chef eut choisi sur la vaste pelouse un assez large espace éloigné de tout touriste avachi… J’intimai à Molossa et Molossito l’ordre de monter une garde vigilante autour de notre réunion impromptue.

Avant tout le Chef alluma un Coronado :

         _ La situation est grave !

Loriane lui coupa la parole :

         _ Parce que nous sommes partis du café sans payer ?

Doriane lui répondit :

         _ Mais non, si le garçon nous avait poursuivis, le Chef l’aurait abattu immédiatement d’un coup de Rafalos, c’est un homme lui !

Le Chef lui adressa un merveilleux sourire :

         _ Vous avez raison charmante enfant, sachez que nous sommes poursuivis par une terrible bande de malfrats, capables de traverser les murs, d’où la nécessité de tenir cette assemblée générale dans un lieu dépourvu de murs. Nous vous aurions invités avec plaisir dans les locaux Des Services Secrets du Rock’n’roll mais l’ennemi a déjà tenté de pénétrer dans cette forteresse invincible, nous les avons repoussés mais maintenant que vous êtes avec nous je ne veux pas que couriez le moindre danger. Ne vous affolez pas, si nous ne trouvions aucun abri sûr d’ici ce soir nous trouverons refuge dans les locaux de la CIA, ils nous accueilleraient avec joie, je pense qu’ils aimeraient devenir propriétaires du secret de la méthode qui permet de traverser les murs, cela les aiderait beaucoup à s’emparer des secrets des chinois qui rêvent de devenir la puissance mondiale numéro 1 et de s’emparer des Etats-Unis.

Les yeux des jumelles brillèrent de mille feux. Il y a quelques heures encore elles n’étaient que deux lycéennes sages et elles se retrouvaient projetées pratiquement par un coup de baguette magique au cœur des affaires secrètes du monde.

         _ Chef, peut-être pourrions-nous nous mettre à l’abri dans la maison devant laquelle j’ai failli être enlevé par les passeurs de murailles.

Les filles me regardèrent avec respect, n’étais-je pas un héros invincible qui au dernier moment se tire de tous les dangers. 

         _ Agent Chad, l’idée n’est pas mauvaise, je préfèrerais tout de même une autre solution, certes s’installer dans une demeure connue de nos ennemis est un merveilleux coup d’audace et de poker mais…

Le Chef ne put terminer sa phrase. Non, ni Molossa, ni Molissito ne donnèrent l’alarme, ce fut Loriane qui proposa une solution miraculeuse :

         _ Vous n’avez qu’à venir à la maison !

         _ En plus papa possède une importante collection de disques de rock !

         _ Et il fume des Coronados !

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Le lecteur m’excusera de ne pas fournir l’adresse exacte de ce petit havre de paix, de ce paradis terrestre qu’était la maison des parents de Doriane et Loriane. Une petite villa dans une rue perdue du seizième arrondissement  entourée des quatre côtés par une large pelouse impeccablement tondue. Du vaste salon central de larges fenêtres permettaient une surveillance quasi panoramique du moindre brin d’herbe.

Le Chef puisa sans ménagement dans la large provision de Coronados du géniteur de nos deux héroïnes préférées. Molossa et Molossito remarquèrent très vite qu’en sautant de canapés en fauteuils ils pouvaient effectuer le tour de la pièce sans poser une patte sur le plancher ciré. Ils s’amusèrent comme des fous à faire la course sur ce parcours improvisé. Ils ne s’arrêtèrent que lorsque Loriane les appela pour leur offrir deux grosses tranches de pâté de sanglier aux truffes qu’ils dévorèrent en un clin d’œil… Après quoi ils s’allongèrent sur une table basse depuis laquelle ils avaient vue sur l’ensemble du jardin et décidèrent qu’au lieu de monter une garde éreintante et inutile, ils feraient mieux de prendre des forces pour être prêts à affronter les nouvelles péripéties que la suite de nos aventures ne manqueraient pas de leur procurer.

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Le Chef alluma un Coronado, il avait décidé de tenir un conseil de guerre, la situation est grave et dangereuse avait-il  déclaré en préambule.

• Agent Chad, je n’ignore pas vos connaissances en mathématiques sont plutôt médiocres mais en toute vérité sans vouloir vous faire mousser auprès de nos charmantes hôtesses, combien avez-vous abattu de gardes qui entouraient Géraldine Loup, prenez le temps de réfléchir pendant que je nous verse une lampée de ce merveilleux whisky de vingt ans d’âge.

Après avoir froncé les sourcils, signes d’intenses réflexions et compté à plusieurs reprises sur mes doigts :

         _ C’est étrange Chef, j’aurais cru en avoir abattu davantage, toutefois en revisualisant mentalement la scène, je me dois de reconnaître que je n’en ai mis hors de combat que le ridicule chiffre de huit.

         _ C’est à peu près ce que j’escomptais, pour ma part je n’ai guère fait mieux, à peine neuf !

Les filles poussèrent des exclamations de joie et nous applaudirent mais le Chef doucha leur exubérance :

          _ Or j’ai compté et recompté les cadavres, vingt-quatre en tout. Si je ne m’abuse huit plus neuf égalent :

         _ dix-sept !

_ Exactement, jeunes filles, nous avons donc sept cadavres de trop !

_ Ne seraient-ce Chef pas quelques agents de la CIA qui nous auraient filé un coup de main en douce.

Le Chef prit le temps d’allumer un Coronado, d’aspirer longuement puis d’expirer un long panache de fumée digne d’une locomotive à vapeur :

         _ J’y ai pensé, mais non, les ricains aiment bien se faire voir, ils se seraient débrouillés d’une manière ou d’une autre pour nous faire signe. En plus un léger détail m’oblige à penser que ce ne sont pas eux, figurez-vous que sur les sept cadavres six ont reçu une balle entre les deux omoplates, je n’ai pas eu l’occasion de mesurer mais je jurerais que c’est au juste au centre, pour ainsi dire au millimètre près.

         _ Chef, la CIA n’a pas la réputation d’embaucher des manchots !

Les filles m’approuvèrent et citèrent une vingtaine de films d’espionnage américains. Le Chef les écouta avec magnanimité mais reprit la parole.

         _ Franchement j’aurais préféré être confronté à des tireurs d’élite américain qu’à l’individu qui s’en est pris à nous ! Ne nous trompons pas, aussi étonnant que cela puisse paraître, il n’est pas venu pour nous défendre, au contraire il était déterminé à se débarrasser de ces empotés qui l’empêchaient de viser l’Agent Chad ! Voyez-vous Agent Chad la mort marchait vraiment à vos côtés.

         _ Il y en a pourtant un, Chef, qui m’avait subrepticement délesté de mon revolver, ils étaient-là aussi pour moi.

         _ Oui mais pas pour vous tuer, vous empêcher de vous défendre oui, vous étiez un gibier de choix réservé !

Loriane se serra tout contre moi.

         _ Lorsque j’ai déglingué votre voleur, tous les autres se sont jetés sur vous, ils ont paniqué, ils ont voulu vous abattre, ce n’était pas prévu dans le plan, vous étiez la seule cible qui importait, ils ont payé de leur vie leur affolement. 

         _ Donc d’après vous…

         _ D’après moi Géraldine Loup n’était pas la cible prioritaire, peut-être même n’a-t-elle été  plus tard qu’une victime collatérale, faute de grive on abat une merlette ! C’était vous qui étiez LE numéro 1 sur la liste !

         _ Donc le tueur…

         _Agent Chad, n’avez-vous jamais entendu parler de la théorie du genre, c’est très à la mode par les temps qui courent !

A suivre…     

CHRONIQUES DE POURPRE 642: KR'TNT 642: DAMO SUZUKI / CHIP TAYLOR / BILLY VALENTINE / JALEN NGONDA / RICH JONES / GABRIEL DALAR / DANYEL GERARD / RICHARD ANTHONY / ROCKAMBOLESQUES

KR’TNT !

KEEP ROCKIN’ TIL NEXT TIME

LIVRAISON 642

A ROCKLIT PRODUCTION

FB : KR’TNT KR’TNT

25 / 04 / 2024

 

DAMO SUZUKI / CHIP TAYLOR

BILLY VALENTINE / JALEN NGONDA

 RICH JONES / GABRIEL DALAR

DANYEL GERARD / RICHARD ANTHONY

ROCKAMBOLESQUES

 

 

Sur ce site : livraisons 318 – 642

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Le Can dira-t-on

- Part Two 

         Damo Suzuki vient de casser sa pipe en bois. Comme un coup de dés jamais n’abolira le hasard, paraissait au moment même où Damo rendait son dernier souffle un Live In Paris 1973. 

Un gigantesque double album que Kris Needs gratifie de 5 étoiles dans Record Collector. Rarissime ! Il fout aussitôt la charrue avant les bœufs en qualifiant Can de «truly magic band in full flight», et la Krissmania s’ébranle sur une demi-page. Il se rappelle d’un «life-changing» concert de Can vieux de 50 ans à Aylesbury’s Friars. Et c’est parti au roaring Krissboom de «stunning impact, shapeshifting musical significance and lifelong resonance», de «supernova catharsis of that extraordinary night», il parle d’un groupe qui file comme un «express train to the outer limits, driven by supernatural telepathy, innate virtuosity and fearless spirit.» Kriss Needs n’a jamais été aussi dithyrambique ! Il l’est mille fois plus qu’Andrew Lauder, qui dans son autobio chante les louanges de Monster Movie  - Je n’ai pas le souvenir de beaucoup d’albums qui m’aient autant excité à la première écoute - Bon d’accord, c’est pas Damo qui chante sur Monster, mais Malcolm Mooney - Le seul équivalent de Monster Movie est le Velvet Underground, mais c’est une comparaison superficielle. La musique de Can had broader perimeters - Il n’empêche que l’énergie est la même. Kriss Needs indique qu’à l’époque où il les vit sur scène, Can venait de sortir Ege Bamyasi. Pour lui, ce Live In Paris 1973 est la preuve qu’il n’avait pas rêvé à l’époque. Il y a 5 cuts sur ce live, numérotés de 1 à 5 en allemand. Comme le rappelait Lauder, Can jouait sans set-list et chaque concert était différent, complètement libre, improvisé à partir des thèmes des cuts enregistrés. Can veillait à rester «an underground cult band». Ça ne pouvait que plaire à Needy, grand amateur de Funkadelic et de Sun Ra. Il rend hommage à chacun des 5 Can, «Liebezeit’s jazz infected funky drum tattoos, Holger Czukay’s minimal James Brown-simple propulsion, Schmidt’s synthetised nightclub icicles, Karoli’s liquid guitar snakes and Damo’s other worldly vocalising». Il parle encore d’une «thermonuclear cavalry charge» et il donne le coup de grâce en comparant le jeu de Michael Karoli à «un monstrueux jet de dentifrice radioactif pressé par le fantôme de Jimi Hendrix.» Sa prose est encore plus fantastique que l’orgie sonique de Can. On ne connaissait pas le coup du dentifrice. Il a raison, c’est exactement ce qui se passe. Schlofffffff !  

         Dès «Eins», le monstrueux dentifrice surgit. Can est un groupe qui s’ébranle et qui va ensuite son petit bonhomme de chemin, avec un Damo qui s’embobine autour du beat. Il a raison d’être torse nu, car c’est du boulot. T’as voulu voir Maubeuge et tu vois du Can, avec un Jaki qui te bat ça si sec et un Czukay qui hoquette au bassmatic errant, et les deux autres complètement le fourniment de la surenchère métabolique. Can c’est spécial, ça dure longtemps, all nite long, prends tes précautions avant d’enter là-dedans. Depuis Can, il faut bien dire qu’on a jamais fait mieux en matière d’hypno teutonique.

         Le mec qui signe les liners de ce Live atomique est le roi des nonchalants vorticistes. Il s‘appelle Wyndham Wallace. Il commence par t’informer que tu vas être déçu, car il n’a aucune info à transmettre, à part la date : 12 mai 1973 à L’Olympia. Il indique aussi que Damo allait quitter Can peu après ce concert. Il profite de l’occasion pour rappeler les pedigrees des autres cocos de Can, Schmidt et Czukay, «Stockhausen pupils», et Jaki Leibezeit «who’d turned his back on free jazz to become their so-called half-man half-machine drummer.» Et il ajoute, laconique comme pas deux : «Voilà c’est tout. That’s your lot. Luckily, it’s all you need to know.»

         Il a raison, le bougre. Qu’a-t-on besoin de savoir de plus ? Autant s’immerger dans le Can insidieux de «Zwei», qui se met en place comme un gros scarabée. Jaki Liebezeit l’articule. On reconnaît bien l’attaque excédée de Damo le démon. Ils forment tous les 5 un scarabée sacré compact et bien plombé. On l’adore, comme on adorait autrefois les divinités. C’est un son allemand, très primitif, pré-teutonique, tu ne sais pas ce que tu fous là, mais t’es content d’être là. C’est un son libre qui palpite d’une façon bizarre, et tu entres dans leur jeu. Villon et Céline auraient adoré Can, c’est évident, car le son balance comme un pendu de Montfaucon et la gouaille vaut bien celle des tranchées de la putréfaction.

         Wyndham Wallace se rappelle à ton bon souvenir en indiquant que Schmidt eut l’idée de monter Can lors qu’un trip new-yorkais. Wallace est content : à une époque dit-il où l’information qu’on cherche «is rarely more than a click away», le concert parisien de Can reste plongé dans le plus épais mystère - That’s precisely how I prefer my Can - C’est le côté mystérieux de Can qu’il préfère. Il continue de filer son coton vorticiste en indiquant qu’au moment où paraissait Monster Movie, il n’était lui-même pas encore paru. Il allait naître deux ans après. En grandissant, il se mit à lire les «weekly music papers» et découvrit que les artistes qu’il admirait le plus, Julian Cope et Mark Hollis citaient Can en référence - Par conséquent, alors que je sortais de l’adolescence, je crevais d’envie de découvrir le groupe qui avait su galvaniser mes héros - Il cite encore trois noms de gens qu’il admire, et pas des moindres : Lee Hazlewood, Tim Buckley et Scott Walker.

         Le disk 2 démarre sur «Drei». Pur Babaluma d’Holger & Jaki. Damo ramène son Spoon dans la soupe. On retrouve le Can de rêve, puissant, hypno, libre. Ils luisent dans les éclairs de l’hypno. Ils développent une extraordinaire énergie propulsive et filent droit dans le néant sonique. Damo est balayé, il ne sert plus à rien dans cette tourmente, mais il va revenir, et le Karoli se met à sonner comme une chauve-souris devenue folle.

         Wallace rappelle aussi qu’il en bavé avec Can, car zéro info dans le NME, zéro info dans le Melody Maker, zéro book on the shelves, zéro disk dans ses boutiques habituelles, et zéro K7 de ses copains. Et bien sûr zéro Can à la radio - Boney M after all didn’t count. On pensait tous que Can était un groupe américain et que Kraftwerk... well they were robots - Et pour couronner le tout, l’Angleterre voyait plutôt le krautrock d’un sale œil, et tout ce qui était allemand s’apparentait au nazisme. Alors le jeune Wallace s’est mis à imaginer Can - And in the hands of a teenage boy, imagination is a powerful tool.

         Et hop, les Cannois tapent «Veir» sous le boisseau, ils grésillent le souffle, le Karoli fout le feu au boisseau. C’est à cet endroit précis que Kriss Needs devient fou : «Vier carriers into motorik overdrive, Schmidt setting his Pandora’s box  keyboards to screaming flying saucer freak-out mode, detonating one of Can’s infamous ‘Godzilla’ meltdowns as their rampant kinetic energy erupts into mutual meltdown.» C’est du rock-writing de très haut vol. «The evocative killer punch comes with Schmidt’s luminescent baroque melody lathered by Karoli into 13 delirious minutes of Vitamin C. rhythm section flashing red before the tape cuts mid-flight.» Oui, ça coupe sec. Sans prévenir. Kriss Needs parle encore d’«untouchable alchemy», alors que ce Live se dirige vers la sortie avec un «Funf» confus et brouté de la motte. Encore du pur Can, ça grouille dans la barbouille. Toujours très entreprenant. En prise directe sur ta vie, c’est comme planté dans ta jugulaire, c’est ça, Can, ça te boit. Damo le démon chante sa supplique et ça se termine en forme de chou-fleur épileptique.

Signé : Cazengler, Con

Damo Suzuki. Disparu le 9 février 2024

Can. Live In Paris 1973. Spoon Records 2024

 

 

Wizards & True Stars

- My Chip Taylor is rich

(Part One) 

            Grâce à «Wild Thing» et à la belle version qu’en firent les Troggs, tout le monde connaît le nom de Chip Taylor. Mais attention, «Wild Thing» n’est pas très représentatif du génie composital du chap Chip. Comparé à l’Any Way That You Want Me d’Evie Sands, un album produit par Al Gorgoni et Chip, «Wild Thing» n’est que menu fretin. Any Way That You Want Me fait partie des œuvres majeures parues en 1970, et on en dit grand bien inside the goldmine. Bien sûr, les Troggs ont aussi tapé leur version d’«Any Way That You Want Me», mais sans vouloir manquer de respect à Reg Presley, la version d’Evie fait beaucoup envie. Après, chacun fait comme il veut ou comme il peut.

         Chip Taylor est aujourd’hui une vieux crabe de 83 balais. Il ne s’appelle pas Taylor, mais Voight, et il est le frangin du Midnight Cowboy Jon Voight. Il doit donc sa réputation à l’extrême qualité de ses compos et de ses fréquentations : Al Gorgoni, Jerry Ragovoy ou encore Billy Vera. Alors on a deux moyens d’entrer dans son œuvre : soit par le dernier album qui vient de paraître, The Craddle Of All Living Things, soit par une petite compile de devinez-qui ? Oui une compile des gens d’Ace de Saint-Jean d’Ace, Wild Thing The Songs Of Chip Taylor, parue en 2009 dans la prestigieuse ‘Songwriters Series’, la collection du bout du monde. Tu ne peux pas aller plus loin.

         Commençons si vous le voulez bien par le dernier album. On l’écoute surtout par curiosité, histoire de voir ce qu’un vieux crabe comme Chip a encore dans le ventre. The Craddle Of All Living Things sonne un peu comme l’album de la fin des haricots. C’est très exactement l’ambiance du dernier album de Johnny Cash. Chip chante à l’agonie, mais avec du souffle. Son morceau titre d’ouverture de balda est très chippy. On voit bien que le vieux a du métier. Mais  en même temps, on le sent aux portes de la mort. Fin de la rigolade. «Animals On The Beach» est à la fois funèbre et beau. Pour la jeunesse et la modernité, il faudra repasser un autre jour. Il chante parfois d’une voix brisée, exactement comme Cash. Chip fait son Cash. Que fallait-il espérer ? De la belle ouvrage ? Il faut attendre «Sofia» pour voir un peu de viande. Il a une basse derrière et donc ça donne du doom de Chip. Ce mec compose jusqu’à la fin, c’est brillant et crépusculaire à la fois. Quel gros pâté de pathos ! Mais il sait reconnaître les ravages de la vieillesse - Twenty years ago/ I was an old man - Mais attention, le vieux crabe est encore capable de beauté, comme le montre «Talking About Yourself» qu’il vient chanter dans le creux de ton cou, on l’entend soupirer, c’est très vivant, on entend le moindre souffle, c’est étincelant de beauté mourante, on se croirait au bazar de la Charité avec une marionnette de Cagliostro, oh c’mon here/ Put your head on my shoulder/ Don’t say a word, et il ajoute, dans un dernier râle : «You’re better off/ Not saying a word.» Il va composer jusqu’à la fin, il a des chansons plein les poches, on se passionne encore pour «The Good & The Bad», il gratte encore son fonds de commerce tout crouni, il fait son vieux Cash, mais son luxe et son avantage sur Cash est de pouvoir composer. Il a du monde derrière lui sur «Closing Time», ça swingue, idéal pour un vieux crabe aussi légendaire - You are my closing time - Et comme c’est un double album, ça repart de plus belle avec la heavy country de «Give Her Away Jonny», il continue de pousser le bouchon du Cash assez loin. Il chante «That’s What I Like About The Sky», d’une voix de mineur du Kentucky en phase finale de cancer du poumon, mais il a un petit regain romantique - I miss you/ She says: hey you/ I miss you too - C’est le côté américain des vieux branleurs, ça n’aura jamais l’élégance de «La Javanaise». Puis on voit le vieux Chip s’engluer dans sa mare aux canards avec «Planetary Scheme Of Things». Il continue de viser l’harmonie viscérale. On le voit encore rôder dans sa vieille country poussiéreuse de vieux pépère baveux («One More Dream To Go»), et il s’amuse encore à son âge à balancer des chansons parfaites de baby I love you («I Don’t Know Much»). Et puis voilà la merveille tant espérée : «Someone To Live For», qu’il semble chanter dans un dernier souffle, c’est le romantisme des grabataires, ils veulent tous avoir une poule près d’eux au cas où ils feraient un malaise. Chip chante à la vieille émotion et c’est secrètement violonné. Il n’en finit plus de se vautrer dans l’excellence compositale. On ne s’ennuie pas un seul instant.    

         Sur la pochette de Wild Thing The Songs Of Chip Taylor, on voit le Chip tout jeune, debout près d’Al Gorgoni qui est assis au piano. Bien évidemment, les gens d’Ace ouvrent leur bon bal avec l’imbattable «Wild Thing» des Troggs, c’mon hold me tight. On retrouve aussi Evie Sands à deux reprises, avec «I Can’t Let Go» et «Run Home To Your Mama» : là tu as tout, l’Evie et l’envie d’Evie, elle est franchement énorme. Evie vit sa vie. Tu y vas les yeux fermés. Dans les liners, Chip dit l’avoir découverte au Brill, lorsqu’elle montait au 8e étage, au bureau de Teddy Vann. Evie avait alors 15 ans. Chip la repère à sa voix, wow this girl can sing ! En plus, il la trouve attractive. Il lui propose de lui écrire des chansons, alors Evie s’émoustille. Elle dit adorer bosser avec Al et Chip. Elle fait même craquer Leiber & Stoller. Mais Jackie Ross et les Hollies vont enregistrer ses hits et lui damer le pion. Evie n’aura pas le succès escompté. Ce qui frappe le plus dans cette compile, c’est la qualité des interprètes féminines : Lorraine Ellsion, Tina Mason, Merrilee Rush, Madeline Bell, Aretha et Dusty chérie, rien que des reines de Nubie. Lorraine Ellison tape «Try (A Little Bit Harder)», elle t’éclate vite fait le Bit Harder. C’est tiré de l’album Stay With Me qui, dirons-nous, est l’un des plus grands albums de Soul de tous les temps. Chip raconte qu’il a composé ce hit avec Jerry Ragovoy pour Garnet Mimms, mais Jerry lui a demandé de l’adapter pour Lorraine et bien sûr, c’est Janis qui va le populariser. Puis tu tombes sur l’«Angel In The Morning» qui donne son titre à l’album de Merrilee Rush, la chouchoute de Chips. Te voilà au cœur du mythe d’American. «Angel In The Morning» aurait dû être un hit pour Evie, mais Chips et Tommy Cogbill l’ont prise de vitesse. Le seul hit qu’Evie aura avec une compo de Chip sera «Any Way That You Want Me», qui n’est pas sur la compile : c’est la version de Tina Mason qu’ont choisie les gens d’Ace. Madeline Bell tape un fantastique «Picture Me Gone» et entre dans la légende. C’est tiré de son premier album, Bell’s A Poppin’. Pur genius encore avec Aretha et «I Can’t Wait Until I See My Baby’s Face». Aretha t’explose le Chip au Sénégal, elle te groove ça vite fait entre tes reins. Chip co-signe cette merveille avec Jerry Ragovoy, et indique, précision importante, que ça date de la période Aretha pré-Atlantic - One of the best of her pre-Atlantic sides - Billy Vera compose aussi avec Chip. Ensemble, ils pondent «Make Me Belong To You» que chante Barbara Lewis. Elle tape ça au heavy groove supérieur d’open your heart/ It’s up to you. Chip adore Billy Vera - He had that R&B thing to him and a pop-ish thing in his writing - Billy Vera duette deux fois sur la compile, avec Judy Clay pour «Country Girl-City Man», et avec Nona Hendryx pour «Storybook Children». Le duo Billy/Nona est fantastique. Ils sont les rois de la soirée. Dusty chérie explose «Don’t Say It Baby», avec son pâté de foi, elle fait tout de suite autorité, et Little Eva, qui vient à la suite avec «Wake Up John», est fabuleusement américaine. Côté découvertes, on est bien servi, à commencer par The Pozo-Seco Singers de Don Williams et «I Can Make It With You», quasi spectorish, wild big pop d’époque. Chip dit l’avoir composé pour Jackie DeShannon.

         Alors on va jeter un œil du côté des Pozo-Seco Singers, ça ne mange pas de pain. Deux albums, Time, paru en 1966, et I Can Make It With You, paru l’année suivante. Alors attention, ce sont deux très beaux albums de folk-rock à l’ancienne, produits par Bob Johnston, le mec qui produisit Dylan à ses débuts. Sur Time, il faut attendre le «Come A Little Closer» de fin de balda pour frémir un bon coup : belle country infestée des sales petites incursions de Russell Thornberry. Susan Taylor est fabuleusement sincère, douce et féminine dans «If I Fell», et puis on s’incline devant la beauté de «Tomorrow Is A Long Time», chanté aux trois voix de concorde et à la bonne franquette d’entente cordiale. Il est important de préciser que Don Williams, Susan Taylor et Russell Thornberry sont texans. Ils finissent cet épatant balda avec une cover de «Gantanamera» dévorée de baisers d’espagnolades. Ah comme ils sont fins, les Pozo ! En B, on trouve une superbe cover d’«You’ve Lost That Lovin’ Feelin’». Ils tapent dans le dur avec un feeling extravagant. C’est Don Williams, qu’on surnommait the Gentle Giant, qui mène la danse au groove masculin de who-oohh that lovin’ feelin’ - It just makes me feel like crazy/ Baby - Ils sont encore plus fins que les Righteous et ils montent à l’assaut du baby baby, à coups d’If you love me/ Love me/ Like you used to doooo, et ça monte au don’t/ Don’t/ Don’t let it slip away, ils ne montent pas complètement là-haut comme Bobby Hatfield, mais ils groovent le bring it back to me, woo-oooh. Magie pure.

         C’est donc sur I Can Make It With You qu’on retrouve l’hit du même nom signé Chip Taylor et la belle prod Spectorish de Bob Johnston. Un vrai hit d’époque. Bizarre que les Pozo-Seco soient passés à la trappe. On se régale plus loin de «Mary Jenkins», un fast country strut attaqué comme une diligence, solide, ventre à terre, pur jus de dirt road. Le reste du balda est très friendly, très chaleureux, mais rien de notable. On retrouve l’énorme prod de Bob Johnston en B avec «Look What You’ve Done», monté comme un hit des Righteous. Mêmes dynamiques. Impressionnant ! C’est Susan Taylor qui chante «Almost Persuaded» et franchement, elle vaut toutes les reines du genre. Le coup de génie se planque au bout de la B des cochons : «Blue Eyes». Prod énorme + Russell Thornberry, ça ne peut faire que des étincelles. Il gratte ses poux en quinconce, et sonne comme une trompette mariachi. Génie sonique pur, il y va à l’espagnolade invertie et derrière, ça bat le beurre de la joie de vivre. Ce «Blue Eyes» est un cas unique dans l’histoire de la pop US : un manège enchanté. Encore merci à Ace d’avoir déterré ce fabuleux trio, via Chip Taylor.   

         Nouveau choc émotionnel avec Walter Jackson et «Welcome Home», big voice de Welcome home my baby, c’est littéralement renversant de power. Ce blackos qui ressemble à Bo Diddley est un OKeh guy. C’est l’une des Soul balads préférées de Chip qui dit aussi adorer la version de Dusty chérie. Chip regrette de ne pas avoir rencontré Walter Jackson. Il était marié et père de famille à l’époque, il composait ses hits et rentrait vite fait à la maison. Le «My Johnny Doesn’t Come Around Anymore» de Debbie Rollins sonne comme un hit des Ronettes. Une petite black, 3 singles et puis s’en va. C’est d’un kitsch à toute épreuve. Heureusement qu’Ace est là pour nous ramener toutes ces merveilles, car elles disparaîtraient à jamais. Qui aurait l’idée d’aller déterrer un single de Debbie Rollins ?

         Chip profite de son commentaire sur Little Eva pour rappeler que le Brill était en fait un ensemble de trois buildings : 1650 Btoadway, où il bossait, 1619 Broadway qui était le vrai Brill Building, et down one block, on the East side, se trouvait Screen Gem Music où bossaient Carole King et Gerry Goffin. Et puis tu as Stoney Edwards et «Blackbird (Hold Your Head High)», oh l’incroyable profondeur du deepy deep ! On croise rarement un cut de country Soul aussi capiteux. Cette belle aventure se termine avec Chip et «(I Want) The Real Thing» tiré de Chip Taylor’s Last Chance. Il te tape ça au nez pincé. Il a du swagger plein la bouche. Ce démon fait le yodell de real thing, un real deal de real voice, il est tellement à l’aise à Memphis Tennessee, tu le vois à l’œuvre et oh yeah !

         Tony Rounce et Mick Patrick qui conduisent l’attelage des liners concluent ainsi : «One of the greatest singer-songwriters of the past 50 years. You want the real thing? Here’s Chip Taylor.»

         Il n’existe pas à proprement parler de littérature sur Chip. Raison pour laquelle les booklets des gens d’Ace sont tellement précieux. Le seul Chip book qu’on pourra se mettre sous la dent est son «journal de voyage», Songs From A Dutch Tour, publié en 2008. Comme il est célèbre aux Pays-Bas, et qu’il y tourne intensément, il décide d’en faire le thème d’un petit book graphique. Il est aisément rapatriable, aussi le rapatrie-t-on vite fait. Lorsqu’il arrive, on se frotte les mains. L’objet se présente bien : brave petit A5 de moins de 200 pages imprimées sur un satimat bien kaoliné. L’ensemble se veut haut en couleurs. Le graphiste devait avoir carte blanche, car il a la main lourde sur les effets de croc-en-jambes et les doubles à ressorts bruyants. Il peut même se montrer vindicatif, il trafique des photos à la recherche d’effets et joue avec la titraille comme le chat avec la souris. On se croirait parfois dans un magazine à la mode des années 90, du type The Face ou Arena, en plus ramassé. Le miam miam d’accueil laisse place à un léger désenchantement et on commence à se méfier. Cette exubérance graphique est probablement l’arbre qui cache la misère. On attaque donc la lecture avec circonspection. Comme le texte n’est pas très dense, on évalue le temps de lecture à quatre ou cinq heures, ce qui comparé à l’éternité, n’est pas grand-chose.

         Chip commence par raconter son histoire, rappelant qu’à 16 ans, il était le lead singer d’un groupe qui s’appelait The Town & Country Brothers et jouait de la country et du rockab deux fois par semaine dans les Irish bars de Yonkers, à New York. On voit aussi une fantastique photo de Chip gamin avec ses frères aussi blonds que lui et que son père, un Daddy Voight qui a des allures de dandy new-yorkais. Puis il attaque sur son alter ego Chip Taylor the gambler. On entre alors au Casino de Martin Scorsese. Chip se dit aussi obsédé par le jeu que par la musique. Gamin, il accompagne son père to his late night gin rummy games. Son père n’était pas mauvais joueur, mais Chip indique que le retour à la maison était plus joyeux quand il avait gagné. Alors il a décidé à cette époque de sa vie qu’il serait du côté des winners. C’est à peu près la seule confession qu’il nous livre.

         Même quand il commence à gagner du blé avec ses compos, il continue chaque jour de jouer aux courses. Il séjourne parfois plusieurs semaines d’affilée au Casino d’Atlantic City, New Jersey. Il est dingue de blackjack. Il enregistre deux albums avec Trade Martin et Al Gorgoni, et en 1970, il enregistre son premier album solo, Gasoline. Quand il enregistre Last Chance pour Warners Bros, les mecs du label sont bien embêtés : «That’s a wonderful album, Chip - but it’s a country album - and we dont have a country division.»

         Quand il en a marre de subir la tyrannie des labels, il décide d’arrêter la musique pour se consacrer uniquement au jeu - I was enjoying and doing well with my gambling and I just started spending all my time on it - Mais comme il est repéré par De Niro comme «compteur de cartes», il est viré du Casino. Alors il se contente de jouer aux courses - So it was all horses for me - Mais la passion pour la musique le reprend et il veut ré-éprouver les feelings qu’il éprouvait en 1975 quand il jouait pour dit-il the wonderful Dutch people. Alors il arrête le gambling pour de bon.

         Puis il attaque le chapitre Carrie Rodriguez avec laquelle il duette sur trois albums. Carrie joue du violon, elle accompagne Chip sur scène au Texas, il la repère et il lui demande si elle sait chanter. Elle répond qu’elle veut bien essayer quelques harmonies vocales. Chip va la former. Il adore chanter avec elle. Il sent le gros truc. Elle est très jeune et Chip a déjà des cheveux blancs. Le book grouille de photos du couple. Il la fait chanter sur «Storybook Children», ce hit énorme qu’il composa jadis avec Billy Vera et qu’on retrouve sur l’excellent album que Billy a enregistré avec Judy Clay. Chip et Carrie tournent aux États-Unis et le public les ovationne. C’est le début du duo Chip Taylor & Carrie Rodriguez. Chip ajuste les chansons pour elle et ils enregistrent l’album Let’s Leave This Town. Et paf, te voilà une fois de plus avec un big album sur les bras ! Ça grouille de duos d’enfer, de coups de génie, de country strut, de Beautiful Songs et de grosses compos. Le meilleur exemple de grosse compo est l’«You Are Danger» qu’on trouve vers la fin, un heavy balladif dramaturgique - You are trouble - il se méfie d’elle. Et sur d’autres cuts comme «Was That For Me», il chante dans ton cou, avec cet incroyable power de la proximité. Chip Taylor a du génie, ça on le sait. Mais c’est encore plus criant quand il ramène Carrie Rodriguez en studio avec lui. Il en fait une country-star en devenir. Dans le giron de Chip, elle brille d’un éclat certain. Il suffit d’écouter le morceau titre : Chip déboule et elle arrive aussitôt après. L’album démarre avec une fast-country de bonne aubaine, «Sweet Tequila Blues». Elle y va au petit sucre androgyne, la Carrie. On comprend que Chip ait craqué, et elle ramène son Texas fiddle. «Extra» sonne plus manouche, c’est elle qui attaque, suivie par un solo de jazz guitar, Chip rentre sur le tard. Cet «Extra» est d’une grandeur imparable. Ils passent à l’heavy country avec «There’s A Hole In The Midnight». Pure magie ! Carrie te fend le cœur et Chip reste d’une justesse incroyable - Girl it’s no good without you - Et voilà le coup de génie : «Storybook Children». Carrie le prend à bras le corps et ça bascule dans la magie pure. Chip arrondit les angles de la mélodie pour mieux te fasciner. Carrie est encore merveilleuse d’à-propos avec «Do You Part» - Do you part/ Don’t sing that song no more - Elle rentre bien dans le chou du lard. Toutes ses attaques sont d’une pureté sublime, comme le montre encore «His Eyes», elle arrive avec de la lumière dans la voix, c’est elle qui attaque «Say Little Darlin’» au violon country, c’est plein de vie, géré au petit tatapoum de cul serré, elle y va au sucré avarié de country star en devenir, et Chip vient faire son chaud mentor sur le tard du cut. Elle te violone encore «Midnight On The Water» comme une Tzigane du Texas, mélange parfait des saveurs avec la délicatesse des coups d’acou.

         Le duo devient, nous dit Chip, «the top duet team in the U.S. alt-country arena.» Ils font encore deux albums ensemble : The Trouble With Humans et Red Dog Tracks. The Trouble est un petit peu moins dense que l’album précédent, mais bon, on ne va pas cracher dans la soupe. Les duos d’enfer et les coups de génie sont au rendez-vous, tiens, comme cette fast country de «Laredo», avec le souffle du violon dans la foulée, on sent le Chip de choc, le mec très abouti. Tous les deux, ils deviennent faramineux. Même topo avec «Dirty Little Texas Story», duo d’enfer enluminé par le mécanisme country de Carrie, elle chante à l’accent traînant, presque perçant. Ils font de l’art. Leur mariage de voix est sexy, plein de jus. Ils se marient encore si bien avec «We Come Up Shining», pure magie spirituelle de we come up shining yes we do. Ils s’amusent bien à mêler leurs baves. Sur «All The Rain», ils passent à la hard country dansante, grosse énergie avec Carrie et son violon virevoltant en tête de gondole. Et cette merveilleuse country titube avec «Curves & Things». Violon mal ajusté et beat country, quelle superbe déshérence !   

         Et voilà Red Dog Tracks qui vient encore culminer au sommet de l’art country, et ce dès «Must Be The Whiskey», joli duo de rêve, le souffle chaud de Chip et le sucre éhonté de la belle Carrie. Carrie on ! Et ça explose encore à la suite avec «Keep Your Hat On Jenny», Carrie l’attaque  au violon country avec une prodigieuse énergie et elle croasse dans le brouet. Alors tu cries au loup, ça reste du très grand art. Ils bourrent bien le mou de l’intimisme avec «Oh Set A Light». Très chippy. Fantastique développé des deux voix. Chip Taylor a du génie et Carrie aussi. «Private Thoughts» est plus groovy. Le chap Chip crée encore une fois de la magie, il est même spécialiste des tours de magie, comme Mandrake. Back to the heavy country power avec «My Bucket Got A Hole In it», duetté à la peau des fesses avec un banjo in tow. Et ça peut devenir très sexuel comme le montre «I Can’t Help It (If I’m Still In Love With You)». C’est le duo country le plus romantique et le plus sensuel de l’histoire des duo country romantiques. Ils saturent le cut de romantica, ah il faut les voir mêler leurs baves. «Son Of Man» sonne comme du stuff de staff, bien propulsé au banjo ravageur. Carrie ramène sa fraise sur le tard et Chip fait des aveux - I am the son of man - elle le reprend aux chœurs et Chip se fend d’un Jesus/ He died for me.

         Chip est très mystérieux sur la nature de leur relation - When I heard her voice hit mine for the first time in Texas, she had the magic - Il précise que sa voix lui donnait des frissons. Ça ressemble donc à une relation platonique. Il dit plus loin qu’il a appris à maîtriser ses émotions pour vivre «this complicated but beautiful relationship». On n’en saura pas davantage. Puis elle va enregistrer un album solo et ira voler de ses propres ailes.

         Chip attaque ensuite le journal de voyage proprement dit et ça devient compliqué, car il passe son temps à décrire les hôtels, les restaus et à dire que tout le monde il est beau, tout le monde il est gentil au Dutchland. Ces pages sont d’une effarante platitude. Elles font penser aux gens qui photographient leur breakfast à Glasgow pour «le mettre sur FaceBook».

         Le CD encarté dans la troisième de couve du Chip book est plus appétissant. Chip documente son voyage en Hollande musicalement et ce grand artiste nous réchauffe bien les portugaises, et ce dès «Red Sidewalk» et sa fantastique allure de country strut. On ne peut que se prosterner devant l’indéniable présence de big time Chip. C’est à la fois puissant, beau et raffiné, chanté au gras du menton, aw yeah. S’ensuit une Beautiful Song : «Rose Of Arnhem Town», qu’il prend à la dylanesque et avec une extraordinaire profondeur de champ. Alors tu suis Chip à la trace. Sur quelques cuts («Down By Law» et «Jack Of Diamonds/Queen of Hearts»), il sonne exactement comme le vieux Cash. Il trempe dans la même intimité de vieil homme confronté à la mort qui rôde. Alors pour se remonter le moral, il passe au boogie avec «Dorine Dorine» - You’re a big shot girl - Chaque cut accroche, par la qualité du chant et par la nature profondément sincère du songscraft. Comme Dylan, il chante ses rencontres («Song For A Dutch Girl») et te réchauffe encore avec «Mema I Miss You From Here», il chante dans ton cou et il repart en père peinard sur la grand-mare des canards avec «Faded Blue» - You broke my heat in two/ And now my skies are faded blue - Country de rêve, c’est évident. Artiste de rêve, c’est encore plus évident.

Signé : Cazengler, Chip à l’ancienne

Chip Taylor. The Songs Of Chip Taylor. Ace Records 2009

Chip Taylor. The Craddle Of All Living Things. Train Wreck Records 2023

The Pozo-Seco Singers. Time. Columbia 1966

The Pozo-Seco Singers. I Can Make It With You. Columbia 1967

Chip Taylor & Carrie Rodriguez. Let’s Leave This Town. Train Wreck Records 2002

Chip Taylor & Carrie Rodriguez. The Trouble With Humans. Train Wreck Records 2003

Chip Taylor & Carrie Rodriguez. Red Dog Tracks. Train Wreck Records 2005

Chip Taylor. Songs From A Dutch Tour. Train Wreck Records-Ambo Anthos Publ. 2008

 

 

L’avenir du rock

- La Saint Valentine

         Chaque année, l’avenir du rock fuit les fêtes. Il ne supporte pas l’idée des beuveries programmées et la vue du moindre sapin de Noël lui donne de l’urticaire. Oh et puis ces cadeaux que s’offrent les gens par obligation ! L’hypocrisie sociale atteint alors son sommet. La dernière fois qu’il s’est retrouvé piégé dans un réveillon, il est allé vomir discrètement. Le bal des simagrées lui donnait la nausée. Alors pour éviter de revivre des horreurs pareilles, il prend un billet d’avion et traverse la Méditerranée pour aller marcher dans le désert. Au moins, personne n’ira l’importuner avec une invitation à réveillonner. Il se rend généralement à Ouarzazate. Dépaysement total garanti. Au lieu d’avoir à supporter la vue d’une grosse femme vulgaire dévorant des biscottes tartinées de foie gras, il jouira pleinement du spectacle de très belles femmes berbères aux visages tatoués. Comme Brian Jones, l’avenir du rock est fasciné par ces femmes qu’on dit légères. Elles seraient à ce qu’on dit tatouées sur tout le corps. Alors il se renseigne auprès du guide qui doit l’emmener dans le désert. Celui-ci s’empresse de confirmer les rumeurs :

         — Oh oui, Sidi avenil, li joulies gazelles al portent di tatouages sul tout le corl, tooooout le corl, mais si tou veux voil li tatouazes sul toooout le corl, faut donner beaucoup dilhams.

         Cette information pique la curiosité de l’avenir du rock. Le Baudelairien qui sommeille en lui s’éveille.

         — Bon c’est d’accord. Mais je reviendrai au mois de février avec un bouquet de roses blanches.

         La perplexité qui fige le visage du guide amuse beaucoup l’avenir du rock.

         — Ne fais pas cette tête-là Omar ! Chez nous, on fait la cour aux femmes avec des roses, pas avec des dirhams. C’est pourquoi je reviendra à la Saint-Valentine.

         L’avenir du rock fait coup double : il rend à la fois hommage au romantisme baudelairien et au last dandy on earth, Billy Valentine.

         La parution du nouvel album de Billy Valentine est un autre coup double : retour d’un vétéran du groove avec un album produit par Bob Thiele Jr, fils du fondateur de Flying Dutchman, label légendaire qui du coup refait surface, associé à l’aussi légendaire Acid Jazz. Sur Flying Dutchman, on trouvait autrefois des géants du groove du calibre de Leon Thomas et de Gil Scott-Heron.

         Billy Valentine & The Universal Truth est surtout un album de covers. Billy Valentine ne tape que dans le haut du panier, à commencer par un vieux hit de Curtis Mayfield, «We The People Who Are Darker Than Blue». Tu as tout de suite le deep groove du we the people d’Acid Jazz, et ça tourne très vite à la merveille inexorable, soutenue par une stand-up de round midnite. Tu te cales bien dans le groove et tu flottes. Billy revient au chant suspensif après un solo de sax free d’une rare virulence. Il enchaîne avec l’«Home Is Where The Hatred Is» de Gil Scott-Heron. Il est important de préciser à ce stade des opérations que Billy est un black engagé. Dans une courte interview donnée à Uncut, il dit chanter en mémoire du pauvre George Flyod dont un policier blanc a écrasé la gorge en direct devant les caméras du monde entier, histoire de rappeler que les pigs haïssent toujours autant les niggers. Rien ne changera jamais. Billy tape le Gil en mode heavy groove d’Acid Jazz. Il vise le deepy deep absolu, ca voix résonne dans le fond du groove urbain, c’est à la fois fantastique et plein d’esprit, d’une extrême finesse. Il lève le poing pour attaquer «My People...Hold On» d’Eddie Kendricks, c’est embarqué aux clameurs de gospel, Billy se fond dans l’épaisseur du groove, les chœurs sont là et ça prend une ampleur sidérante. «My People...Hold On» sonne comme un prodigieux appel à l’émeute. Ça groove heavily au tampani - My people ! - Il a raison de rameuter les foules. Retour au calme relatif avec l’«You Haven’t Done Nothin’» de Stevie Wonder. C’est slappé de frais au round midnite. Ce vieux Billy est extrêmement intrinsèque. Comme Bobbie Gentry, il sait entrer sous la peau. Et paf, alors qu’on ne s’y attendait pas, il tape dans l’intapable : «The Creator Has A Master Plan» de Pharoah Sanders et Leon Thomas. Il est le seul avec Jeffrey Lee Pierce à savoir monter un coup pareil. Sa mouture est visitée par la grâce et le slap de Linda May Hang Oh. Pure magie - There is a place/ Where love will always shine - On nage en plein mythe, dans l’excelsior de l’aboutissement, là tu dérives au gré des vagues. Tu as même un solo éclaté dans l’éclat de Jeff Parker. Sax du diable ! Ces mecs te réinventent l’extase. Billy tape ensuite le «Sign Of The Times» de Prince. C’est pas aussi jouissif que le Pharoah. Le Sign sonne trop comme un groove à la mode, il ne dégage pas autant de chaleur que le Creator. See what I mean ? À la mode. Si c’est pas ton monde, c’est pas ton monde. Comme Graham Bond, Billy saute à pieds joints dans le «Wade In The Water». Retour au vieux rootsy de gospel batch. Idéal pour des groovers aussi invétérés. Billy y va doucement. Un solo de jazz illumine la scène. Toujours Jeff Parker. Ce démon de Billy sait driver son Wade. Il termine avec «The World Is A Ghetto», vieux hit politique de War. Billy reste terriblement impliqué.

         L’actualité fait parfois bien les choses. Voilà que paraît ces jours-ci This Is Flying Dutchman 1969-1975, une brave petite compile BGP, un label qui est, comme chacun sait, une filiale d’Ace. En réalité, cette compile est un festin de roi. Rien qu’avec le «Friends & Neighbours» d’Ornette Coleman, t’es repu. Repu de son et de modernité. Wild urban groove, tapé aux chœurs du quartier. T’es dans le vrai. Ornette le crack chasse les vieux démons. Et puis tu as Leon Thomas, avec «Just In Time To See The Sun», fast groove flanqué d’excellence, bassmatic, sax, piano, tout est enclenché pour le pire du meilleur, tu en avales ta gourme, et puis «Echoes», où Leon ramène sa flûte de Pan, il selle son cheval, yeahhh-hiiiin eh-hiiin ouuuh ! Il tape son groove en père peinard, il yodelle à la surface d’un océan de classe. Quelle merveille ! Leon est un sérieux client, il ne fait pas les choses à moitié. Il s’investit à fond, et là tu as tout : le yodell, le groove, les contretemps pianotés dans l’entre-deux, c’est assez dément et même complètement génial, yeeh ooohh oouhh ! L’autre grosse pointure du Dutchman c’est comme on l’a dit Gil Scott-Heron. On le retrouve avec deux cuts politiques, «The Revolution Will Not Be Televised» et «Withey On The Moon». Il se fout de la gueule des petits culs blancs cosmonautes. Il a raison. Il a aussi raison de penser que  la révolution ne sera pas télévisée. Il parle de son temps, ça ne concerne pas George Flyod. Aujourd’hui, les choses sont plus automatiques. Une flûte suit Gil dans sa diatribe. C’est très seventies, avec un sens aigu du groove et des boots qui a depuis longtemps disparu. L’autre tête de gondole du Dutchman, c’est Lonnie Liston Smith & The Cosmic Echoes. Lui aussi a deux cuts, «Expansions» et «Peaceful Ones». Avec Lonnie, ça monte tout de suite au paradis. Il te fidélise avec un son parfait, beau et groovy. Quelle quiche ! Il joue son «Peaceful Ones» aux notes épaisses et comme suspendues dans l’air, il use et abuse de son charme, on comprend que les gens d’Ace aient flashé sur lui. Avec «Expansions», il sonne comme un universaliste. Il a tous les atouts, il bouillonne de vie, il flûte son élan surnaturel et le pique de percus du diable. Pur genius ! Un vrai voyage au charmant pays du groove. Ça s’écoute comme du petit lait. Et puis tu as des artistes moins connus comme Cesar avec «See Saw Affair», latin jazz funk group de San Francisco, avec une certaine Linda Tellery au chant. Quelle santé ! Itou avec Esther Marrow et «Peaceful Man», une vraie voix, elle ramène un sacré paquet de pathos, Esther a le power ! Le Black Power ! Tu la suis les yeux fermés. Magnifique artiste ! Gato Barbieri est plus connu, Gato est même la cerise sur le gâtö du latin groove, le voilà avec «Bolivia», il te fait l’exotica du diable, il n’a pas son pareil pour t’entourlouper. Si tu l’écoutes, t’es baisé. Nouveau coup de semonce avec Harold Alexander et «Mama Soul». Ce mec est un fou. Il attaque à  la Méricourt de flûtiste. Il souffle dans sa flûte, on croit qu’il chante, non, il groove son biz. Il est un peu barré, il sonne comme Screamin’ Jay, sur fond de beat sec et sérieux. Encore une merveille : le «Soulful Strut» de Steve Allen, monté sur un bassmatic digne d’Archie Bell. Même pulsion. Encore de l’universalisme à la Dutchman. Tu sors de là épuisé. 

Signé : Cazengler, Valentinette

Billy Valentine & The Universal Truth. Flying Dutchman/Acid Jazz 2023

This Is Flying Dutchman 1969-1975. BGP Records 2023

 

 

Anagonda

 - Part Two

         D’une certaine façon, on l’attendait comme le messie. Jalen Ngonda est de retour sur la petite scène, accompagnée cette fois par une belle triplette de petits culs blancs.

Et c’est vite embarqué pour Cythère, il gratte une Jaguar et place ses parties vocales au sommet d’un art qu’on appelle la Soul. Et lui, il fait déjà partie des géants du genre. Inspiré par Sam Cooke et Marvin Gaye, mais il amène autre chose, une espèce de puissance dans le falsetto. Le petit Jalen de miséricorde est déjà un chanteur accompli. Tout est parfait en lui : sa présence, sa silhouette, sa discrétion vestimentaire, et même une certaine forme d’humilité. Comment un mec aussi gentil peut être aussi doué ? C’est le genre de question qu’on peut se poser, quand on ne sait pas quoi penser. Comment un jeune black sorti de nulle part peut-il éclater ainsi au grand jour ? Une chose est certaine : on assiste à l’avènement d’une authentique superstar. Il dispose de toutes les mamelles du destin, la voix, les compos, la silhouette. Il incarne cet équilibre recherché par tous les apprentis sorciers, celui qui s’établit entre le spirit et le look, c’est-à-dire le talent et la présence. Jeune, il est déjà parfait. Le fait qu’il gratte une gratte ajoute encore à son prestige. Il gratte un son de clairette discret mais présent.

Lorsqu’il gratte un barré, deux de ses doigts dépassent du manche. Il attaque son set avec «Rapture», épiphénomène de Soul des jours heureux, et très vite, il va rendre hommage à Eddie Kendricks avec une cover de «Day By Day». C’est à couper le souffle. Puis il va enfiler ses hits comme des perles, «Give Me Another Day», «Come Around And Love Me», «Just Like You Used To» et finir avec «If You You Don’t Want My Love», avant de revenir pour un rappel en forme de cerise sur le gâtö : il va duetter avec MT Jones une version extraordinaire d’un vieux hit d’Aaron Neville, «Tel It Like It Is». Si tu aimes la magie, elle est là. Cut parfait repris par deux voix parfaites qui vont chercher l’unisson du saucisson. Au-dessus, il n’y a plus rien.

C’est un peu comme lorsqu’on monte juste au-dessus des nuages : à part l’infini, il n’y a plus rien. C’est en gros ce que propose Jalen Ngonda sur scène, une sorte d’accès à un infini de pureté marmoréenne. Comme l’ont fait avant lui Aaron Neville, Sam Cooke, Marvin Gaye, Eddie Kendricks et quelques autres. 

         Le voilà lancé, le petit Jalen de miséricorde. Comme son premier album sort sur Daptone, il risque de devenir vite fait une star internationale. Come Around And Love Me s’ouvre en plus sur un coup de génie, le morceau titre, un shoot de fast Soul édifiant. C’est du Sam Cooke propulsé dans le futur, il chante avec une niaque extra-sensorielle, tu crois rêver tellement c’est pur et dur, groové dans l’essence même de la Soul. Le petit Jalen s’enracine dans Sam Cooke et Marvin, mais en plus puissant. Daptone, baby ! «If You Don’t Want My Love» est bourré de son. Il chante comme un dieu black, au registre le plus pur. Il perd la magie pendant deux ou trois cuts et elle revient avec «Just Like You Used To». Te voilà au paradis, caressé par un solo de sax. Pur génie de black groove. «What A Difference She Made» est d’une beauté purpurine. Le petit Jalen est un magicien, il a tout le savoir de Daptone derrière lui, c’est immensément beau. Le frotti du siècle ? Va-t-en savoir. Avec «Give Me Another Day», il tape la Soul des jours heureux, il te colle littéralement au plafond, il faut le voir pulser son give me/ Just one more day ! Il termine cet album somptueux avec «Rapture», un autre shoot de Soul des jours heureux. Il rentre bien dans ses godasses de superstar. Ah il faut entendre ce power, en plus c’est orchestré à outrance, violonné, avec des percus, et le petit Jalen se glisse au centre de cette Soul monstrueuse d’éclat et de beauté. C’est franchement digne de What’s Going On, oui ils sont dans ce trip.

Signé : Cazengler, ngondale à Venise

Jalen Ngonda. Le 106. Rouen (76). 25 mars 2024

Jalen Ngonda. Come Around And Love Me. Daptone Records 2023

 

Inside the goldmine

- Rich comme Crésus (Part Two)

         Roch ne portait qu’un seul tatouage : Arzach chevauchant son Ptéroïde, un personnage que dessina jadis Moebius. Il le portait sur l’épaule et le montrait rarement. Seulement s’il t’avait à la bonne. Roch courait chaque jour, il pouvait courir le marathon. Il était beau et aurait pu faire du cinéma. Il était drôle et aurait pu remplir des cabarets. Il aimait surtout pêcher, et par goût du danger plus que par nécessité, il braquait des banques. Commet étions-nous devenus amis ? Par le plus grand des hasards. Un hasard qui se perd dans les minutes du sable mémorial. Toujours est-il qu’on fut pendant un temps inséparables, on papotait jusqu’à l’aube dans ce bar de Montparnasse ouvert toute la nuit, ça allait des aventures hilarantes de Gégé le Glaçon au gros pif de McClure dans Blueberry, des souvenirs du chimiste de la French Connection aux exploits d’un Red Baron recyclé dans la bataille de Midway, et si il évoquait le souvenir de Dan Lavini, alors on s’étranglait de rire, puis pour se calmer, on allait aux gogues rouler l’un de ces gros joints dont il était tellement friand, et alors que le soleil trahissait une aube bien pâle, on se retrouvait tous les deux sur le trottoir à humer le vent pour choisir une direction. On repartait généralement vers Vincennes où se trouvait sa planque. Puis il allait courir dans le bois pendant deux heures, revenait se doucher et on retournait déjeuner en ville. Il sortait d’un sac de sport une grosse liasse qu’il aimait à rouler sous un élastique, comme le font les gangsters de Scorsese. Il achetait des bijoux et du parfum pour sa copine mauricienne qui était aussi call-girl, et on allait s’asseoir à la Fnac des Halles, parmi les gamins, au pied des étagères du rayon BD, pour feuilleter les Passagers du Vent de François Bourgeon, les McCoy de Palacios et toutes ces aventures de Corto Maltese dont on ne se lassait pas et qui semblaient lui servir de modèle. Au point qu’un jour Roch décida de quitter Paris pour les mers du Sud. Nous nous revîmes par le plus grand hasard au bar d’un «hôtel» de Fort-Dauphin, au Sud de Mada. Une barbe hirsute lui dévorait le visage. Son regard était encore plus clair qu’avant. Il était torse nu sous une veste de treillis et portait à la ceinture une machette dans son étui. Un immense sourire lui éclaira le visage et il croassa : «Alors chaumier, Tsi-na-pah vu Mirza ?» 

         On l’a bien compris, Roch et aussi riche que Rich. Ils ne courent pas le même genre d’aventure, mais au fond, si on y réfléchit bien, c’est tout comme.

         Rich entra dans le circuit avec le premier album des Black Halos qui date de 1999 et Tsi-na-pah de titre. La boîte est toute noire, comme Mada. «Shooting Stars» plante le décors : niaque canadienne allumée aux lampions. C’est chanté sale. Volonté affichée de déplaire. Ça chante au dégueulis et ça part aux chœurs d’Irish pub, avec des oooh très Dollsy. On voit bien que ces Canadien écoutent les bons disques. C’est assez explosif car Billy Hopeless chante dans la chaudière. C’est vrai que leurs pluies d’accords sont connues comme le loup blanc. À l’époque, ça finissait par devenir ennuyeux, car trop prévisible. Beaucoup de groupes avaient le même son. Tout est chanté au punk puke. C’est un choix politique. Ils finissent par convaincre avec «Sad Boy». Ils sont là pour de vrai. Toutes les envolées sont conditionnées dans les meilleurs termes. Ce Sad Boy finit par te traverser le corps. On s’attache à eux. C’est plein de vie. Ils restent dans leur schéma d’heavy rock allumé avec «Fucked From The Start». C’est solide comme un bastion de Vauban. Leurs cuts sont de vraies forteresses. On assiste à une belle descente au barbu dans «The Ugly Truth». Ils vont vite et bien. Bravo les Halos ! Au final, ils ne sont pas loin des Pistols. Hopeless dégueule bien son ugly truth. Ils attaquent «No Road Of Dreams» à la cisaille et s’embarquent dans un petit hymne romantique de bras tatoués.  

         The Violent Years paraît en 2001. Ils annoncent la couleur avec trois belles dégelées, «Jane Doe», «Underground» et «No Class Reunion». Ils sont dans un trip de type heavy blast. Il faut bien sûr les encourager. Ils sont assez irréprochables. Ils savent monter un cut en neige, pas de problème. Killer solo flash of course. Tu ne peux pas arrêter «Underground», car c’est battu au heavy beat des Halos. C’est contre-claqué sous le boisseau de Vancouver et ça monte assez vite en température. Ils développent une belle intensité en cœur de cut avec des chœurs de Dolls et de belles envolées. Le «No Class Reunion» de fin de parcours bat bien des records de wild as fuck. C’est plein comme un œuf. Ils maîtrisent aussi le Punk’s not dead comme le montre «Last Of The 1%Ers». Leur tapenade d’heavy blast splurge bien dans la barquette. Ils se servent du one per cent pour lancer l’assaut, one per cent oh oh ! On croit entendre des punks anglais. Ils sont fiables, avec des belles guitares de Vancouver. «Sell Out Love» est vite débloqué. Là tu as tout le Halo. Ils déboulent à perdre haleine. Mais trop vite. Ils collectionnent tous les clichés, mais avec du son. 

         Rich ne joue pas sur We Are Not Alone, paru en 2008, mais on l’écoute quand même. Deux cuts te sautent dessus dès que tu franchis le portail : «Princess St Princess» et «Migraine». Le Princess est monté sur un riff vainqueur. Ça tend vers la popwer-pop mais avec du Halo plein les mirettes, comme dirait Venetta. Et bien sûr tu as le killer solo flash en prime. «Migraine» bénéficie d’une belle entrée en lice. Ils ont de l’élan à revendre et n’ont donc pas besoin d’en prendre. C’est orienté vers l’avenir avec des zones de slinging radieuses. Saluons aussi «Love & War» qui est monté sur un riff prévalent d’une grande efficacité, et le morceau titre, coiffé par des chœurs de punks anglais, oh-oh-oh ! En B, tu te pencheras sur «Dreamboat», à cause des belles clameurs de chœurs et d’un solo radieux mais tu finiras par te lasser du chant de Billy Hopeless.

         En 2008, on retrouve Rich dans les Loyalties avec l’ex-Yo-Yo’s et futur Professional Tom Spencer. Déterré dans un bac de Born Bad avec un cri vainqueur, So Much For Soho tient bien ses promesses. Aussitôt le «Jimmy Does» d’ouverture de balda, tu te sens en terrain conquis. Tom Spencer chante bien sous son boisseau de Soho, il a derrière lui des riches grattes de Rich et de Lee Jonez. Les Loyalties tapent dans une sorte d’overall du premier Clash, typique du back alley et du mur de briques, avec un solo à la Thunders in tow. Ils jouent la carte du power à tous les étages en montant chez Kate, «5 Aces» bénéficie d’une belle intro en forme de riff vengeur, c’est très punk anglais, avec une pression continue de chœurs de lads. Encore une grosse intro pour «Soho». Que de son, my son ! «The Girl Upstairs» qui ouvre le bal de B file au drive d’excelsior. Ah comme c’est bon d’avoir deux grattes in tow. Tom Spencer se régale. Ils flirtent avec les Ronettes en intro du «12th Bar Blues» et ça vire inopinément Clash reggae. «Ain’t Love A Drag» sonne comme un hit fabuleux avec son intro de clairette abîmée, puis ça monte dans les vertiges de l’amour.

         Rich ne joue pas non plus sur le premier album des Yo-Yo’s paru en l’an 2000, mais comme on vient de saluer Tom Spencer, on va écouter ce fantastique album nommé Uppers And Downers. Démarrage en trombe avec un premier coup de génie, «1000 Miles From Me» - Oooooh the mess I’m in - Boom, vrai punk-rock à l’ anglaise avec des vieux relents de Mick Green. Il y a du «Please Don’t Touch» là-dedans, et forcément du Wildhearts, puisque c’est Danny McCormack qui monte le coup. Les Yo-Yo’s sont les rois de la grosse cocote («Time Of Your Life» et «Champagne & Nakedness»), la cocote qui te scie les tibias, et avec «Sunshine Girl», ils t’emmènent faire un tour au Brill. Belle bête de power pop avec des chœurs de Dolls. Mais c’est «Rumble(d)» qui va t’emporter la bouche. Intro de basse McCormique demented : c’est le proto-punk du punk anglais, vingt ans après la bataille. L’«Out Of My Mind» qui ouvre le bal de la B sonne comme un hit sixties d’une fabuleuse ampleur, you got me out of my mind, ils récupèrent tout le power de Sweet. On termine ce petit tour d’horizon avec «Trample In You» chanté à deux voix, comme s’ils étaient à chaque bout de la rue, Tom Spencer d’un côté, et Danny de l’autre. C’est surnaturel de power.

         Le deuxième album des Yo-Yo’s date de 2005 et s’appelle Given Up Giving Up. On y trouve le trio fatal Rich Jones, Danny McCormack et Tom Spencer. C’est justement Tom Spencer qui chante le morceau titre d’ouverture de bal, un heavy slab de va-pas-bien. On reste au cœur du London punk de black leather, de tattooos et de McCormack, c’est-à-dire les Wildhearts. Les Yo-Yo’s font un fast rock sans incidence, juste joué aux heavy chords de circonstance. Ils se contentent tout simplement d’enfoncer leur clou. Ils ont un beau marteau, c’est sûr. Au fil des cuts, on les voit s’embourber dans un non-disk. Aucune étincelle à l’horizon. Ça sent la soute. Pas d’idées. Rien à voir avec le premier album. On s’en doutait un peu, mais sans trop savoir. «AA Holidays» reste sans espoir. Pas de compo à l’horizon. Ils font leur small jive de London town à la petite semaine. Du son, c’est sûr, mais pas d’éclat. Ils tapent même un balladif à la mormoille («Tattoos Don’t Last Forever») au vieux gratté de cocote underground. Encore une fois, c’est loin d’être la compo du siècle. Ils se contentent de faire leur joby jobah. Et alors qu’on ne s’y attendait plus, voilà enfin une bonne surprise : «The Rock’n’Roll Commandments». Power ! Tom Spencer égrène les commandements, il rappelle toutes les règles de base, play it loud, shoot up, le 5, c’est la guitah, wild affair, le 6, c’est le trash, le rock’n’roll way, ça donne au final un hymne infernal, un hymne à la légende des morts, Jimi Hendrix et tous les autres.

         Sorry & The Sinatras sont les rois du hell-raising. Avec Highball Roller, ils raisent tout l’hell de l’immaculée conception. Aucun espoir de rédemption. Inutile de venir se plaindre. «Burns City Burns», c’est du blast définitif. Derrière eux, l’herbe ne repousse pas. Rich adore participer à des projets inflammatoires. Sorry est très en colère, mais c’est une colère déjà entendue mille fois. Avec «No Angels», les Sinatras s’élancent par-dessus les falaises. C’est donc gueulé par-dessus la jambe. Belle ampleur, avec des clameurs déflagratoires. Ils prennent soin de rester très Yo-Yo’s, très Wildhearts, très clameur d’Elseneur. Leur heavy power-pop est excellente. Ils jouent «Gimme More» ventre à terre. Mais comment font-ils pour claquer un thème à cette vitesse ? «Hated Heart» pourrait très bien figurer sur un album des Wildhearts. C’est heavy et bien remonté des bretelles. Ces mecs n’ont aucune pitié pour les canards boiteux. Ils brûlent leurs dernières cartouches avec un panache certain. «Junkie» sonne comme un coup de génie - I don’t want to be a fuckin’ junkie anymore - Ils te stoppent ça avec une facilité désarmante et te fondent les chœurs dans la clameur. Ah ça gratte sec ! «So Far From Home» sonne comme du fast punk’s not dead, chanté à l’hot as hell, ça grimpe sur les barricades. Voilà le blast à l’état le plus pur. Un vrai joyau. Ils terminent avec un «She’s So Vaudedeville» bouffé tout cru. Tu ne t’y attends pas. C’est de l’overload d’overlard, aw my Gawd, ils dégoulinent de partout, ils te gavent comme une oie avec leur beat des forges, t’as intérêt à être solide pour écouter ça, ils te punchent les neurones avec des effets pervers de séduction, ils te groovent un savant mélange de caillasses et de charbons ardents.   

         En 2003, Rich enregistre Bullets For Dreamers avec John Ford. Ils sont quatre. Look perfecto et cheveux noirs de jais. Son d’époque. Assez puissant. Pas des inventeurs. Bons poux. Bon boisseau. Mauvaises intentions. Belle interaction entre poux et bassmatic. Il faut attendre «(Gone Is The) Freedom Train» pour entendre un hit. Chanté à l’aigu rocky. Hit inconnu. Clameur. Qualité du chant. Allant de l’allure. Fil mélodique. Solo constrictor. Manières florentines. Encore un hit : «Roads Ahead». Amené au gratté de glam, à la cocotte de downtown. Clameur viscérale. Rich ne fait JAMAIS n’importe quoi. «Ass Gass Grass» se lance à l’assaut du rock. Wild attack. Ces mecs sont brillants. L’un d’eux chante «How ‘Bout You» avec des accents de Steve Marriott. En plus sucré. Très anglais. Très inspiré. Sucre parfait. Une vraie révélation. Retour du sucre dans la démonologie expansive de «Misery». Niaque épouvantable. Chœurs de Dolls. C’est si Rich ! Ils claquent «Armagideon Time» au big power-poppisme de Vancouver. Excellent. Fin de partie avec «Burn Away», stoogé dans l’oss de l’ass. Retour du petit sucre. Wild energy. À la vie à la mort. Dévasté de part en part. Poux des Stooges. C’mon efflanqués. Break de can you feel it. Ça joue avec le feu. Ça tente le diable, cumon !, il y va le petit sucre, il prépare l’assaut final. One two three four. Explosion ! Burn away ! Ça vaut tout le Raw Power du monde. Le Burn Baby Burn n’a aucun secret pour John Ford.

         Autre side-project de Rich : Mutation, l’un des groupes de Ginger Wildheart et l’Error 500 sonne comme un passage non obligé. C’est un album d’ultra-hardcore complètement déstructuré et donc déstructurant.

         Le Dark Black de Mutation III est lui aussi très concassé. Ginger est dans le bain, mais Rich n’y est pas. On peut qualifier le son de wild trashcore. On connaît le goût de Ginger pour l’overblast. «Toxins» est overblasté dans la masse. Avec «Devolution», ils courent ventre à terre sur l’haricot de la clameur d’apocalypse. Ces gens-là n’ont ni dieu ni maître, il faut le savoir. Ils ne respectent rien. Ils ne sont rien d’autre que des sales petits voyous. On sauve le «Skink» d’ouverture du bal de B, car l’ultra-bast est beau comme un dieu de l’Antiquité, Ginger te chante ça dans les clameurs du diable. Genius fumant et rougeoyant. Ginger imprime encore sa marque avec «Hate». Il va par là, alors tu vas par là. C’est un mec que tu suis, quoi qu’il fasse. De toute façon, ses clameurs sont toujours magistrales. Et son «Victim» est épuisant de violence. On croit entendre les orgues de Staline. Les textures de «Dogs» sont d’une infinie richesse. Ginger multiplie les complexités.

         Rich fait désormais partie du groupe de Michael Monroe, avec Sami Yaffa et Steve Conte. On a déjà dit ailleurs tout le bien qu’on pensait des albums de ce super-groupe. Le dernier s’appelle I Live Too Fast To Die Young et date de 2022. C’est même l’un des grands albums de 2022.  Ils sont capables de fast rentre-dedans comme le montre «Young Drunks & Old Alcoholics». Ils adorent le beat qui rebondit, le son saturé de poux et le bassmatic élastique. Monroe en pince aussi pour les balladifs comme «Derelict Palace». Il est utile de préciser que Rich compose la plupart des cuts. On ne saura jamais qui de Rich ou de Steve Conte prend les solos, mais on s’en fout. On se régale de les voir ensemble. Nouveau shoot de fast gaga-punk signé Rich avec «All Fighter». Jolie pirouette de Conte et ça finit en clameur extraordinaire. Puis avec «Everybody’s Nobody», ça bascule dans le génie. Ça joue à la pure clameur d’Elseneur, avec des power chords liquides - Goodbye Piccadilly/ So  long Leceister Square - Ils ont le liquide du Teenage Fanclub, ils ont cette facilité extraordinaire d’emmener leur refrain par dessus les toits. Encore du pur power avec «Can’t Stop Falling Apart» - Nothing comes from nothing - C’est saturé de poux et de clameur - So I’ll keep on running - Vraiment digne des Heartbreakers. Ça sonne comme un hit inter-galactique chanté à toutes les voix. On le réécoute, tellement c’est puissant, il est rallumé aux carillons. Preuve qu’on peut encore pondre des hits à base de boogie rock - Singing from the heart/ Won’t you pick me up/ Cause I can’t stop falling apart - «Pagan Prayer» est un beau slab de Punk’s Not Dead, leur cœur de métier. Cut de Conte. File ventre à terre. Ils tapent leur morceau titre au heavy power rock. C’est leur dada. Ils s’ébrouent, couplet après couplet, ça décroche dans la montée à coup de killer solo flash. Ils ne savent faire qu’un chose : monter en neige. 

         Rich file aussi un coup de main à son collègue Sami Yaffa qui décide d’enregistrer un album solo, The Innermost Journey To Your Outermost Mind. On y trouve deux belles énormités, à commencer par l’«Armageddon Together» d’ouverture de bal. Forcément bon car forcément Rich. Poux incendiaires d’un nommé Christian Martucci. Yaffa chante à la surface du lac de lave - Street brawling Jesus - L’autre belle énormité s’appelle «Germinator», un fast gaga arrosé de coups d’harp de Michael Monroe. Rich fait les backing vocals. Fantastique énergie, avec des chœurs de GERMINATE. Yaffa adore le dub. Il en colle un peu partout. Il rappelle qu’il est bassman. «I Can’t Stand It» est une petite merveille de congestion, et il attaque «The Last Time», fast pop bien chargée de la barcasse, avec une allure de petit voyou, mais ça ne marche pas. On ne le prend pas au sérieux. 

Signé : Cazengler, nouveau Rich

Black Halos. The Black Halos. Die Yound Stay Pretty Records 1999

Black Halos. The Violent Years. Sub Pop 2001

Black Halos. We Are Not Alone. I Used To Fuck People Like You In Prison Records 2008

Loyalties. So Much For Soho. Devils Jukebox Records 2008

Yo-Yos. Uppers And Downers. Sub Pop 2000

Yo-Yos. Given Up Giving Up. Undergroove 2005

Sorry & The Sinatras. Highball Roller. Undergroove 2009

John Ford. Bullets For Dreamers. The Bumstead Records Company 2003

Mutation. Error 500. Ipecac Recordings 2013

Mutation. Mutation III - Dark Black. Round records 2017 

Michael Monroe. I Live Too Fast To Die Young. Silver Lining Music 2022

Sami Yaffa. The Innermost Journey To Your Outermost Mind. Cargo Records 2021

 

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Route Of Rock. Parfois j’ai des remords. Je ne dors plus, j’ai des sueurs froides, j’ai chaud, j’ouvre la fenêtre, je m’impatiente, je m’énerve, je prends mon fusil à lunettes, je tire sur deux ou trois passants innocents qui passent, ils agonisent dans d’atroces souffrances,  ça leur apprendra à vivre, malgré cela lorsque je m’éveille au petit matin la même question me turlupine, si je m’étais trompé dans la dernière chronique, j’ai cru ce que j’ai lu, mais je n’étais pas présent, je dois en avoir le cœur net : quel a été le premier disque de rock français enregistré ? Alors je prends mon trench-coat orange et je pars mes deux limiers fureteurs sur les talons, je farfouille, je mène l’enquête… Oui, je sais il y a peut-être des problèmes plus graves dans le monde, mais en êtes-vous vraiment sûrs ?

         Ne me dites pas que je ne serai pas plus sur les lieux du crime cette livraison-ci que dans la 641 de la semaine dernière, je sais, mais là je ne m’embarque pas sans biscuits, j’ai une liste de trois suspects dans ma poche, arrêtez de me faire perdre du temps, je commence illico. Pour vous éviter une chronique fastidieuse, je me suis limité aux opus sortis en 1958 et 1959.

GABRIEL DALAR

         Celui-là ce n’est pas un ange. Un passager clandestin du rock français. D’ailleurs il n’est même pas français. Gabriel Uribe est né à Bogota, il possède une double nationalité : colombienne et suisse. L’est né en 1936, comme Claude Piron, un an après Elvis. Un mauvais point pour lui : rôde dans les milieux du jazz parisien. Un personnage assez interlope, la preuve il aggrave son cas : subit la mauvaise influence de Boris Vian, de Michel Legrand et d’Henri Salvador qui ont en 1956 commis le crime inexpiable de produire un 45 tours quatre titres, sous le nom d’Henry Cording… dans le but avoué de se moquer du rock’n’roll ! Un crime ai-je dit, la preuve :  Dieu ne leur pas pardonné, il les a punis, sont tous morts maintenant, ils rocktissent en enfer. 

         Gabriel n’a enregistré que deux disques, attendez l’histoire n’est pas finie.

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DOCTOR MIRACLE

GABRIEL DALAR ET SES CHANSONS CHOC

(460.602 ME / 1958)

Attention les trois premiers titres étaient déjà sur le deuxième microsillon de Claude Piron sorti en  septembre 58. Par contre pour l’orchestre ils ont fait appel à Alain Goraguer, un complice de Boris Vian, ils ont écrit ensemble La Java des Bombes atomiques et Fais-moi mal Johnny. Musicien classique il se spécialise en piano-jazz. Compositeur, arrangeur, orchestrateur on le retrouve sur un maximum de disques des yéyés, de Gainsbourg et de Bobby Lapointe. S’est aussi adonné à la musique de film… Il a disparu en février 2023.

Le recto de la pochette joue sur le dessin d’humour, l’est signé Jean Feldman issu de l’agence Publicis qui deviendra fondateur de l’agence de pub FCA qui trustera un maximum de contrats pour les grandes marques, que je vous conseille de ne pas acheter, le verso a beaucoup de gueule, Gabriel Dalar l’ouvre en grand, indubitablement rock ! Ne vous fatiguez pas les méninges pour tenter de percer l’identité de cet Anatof de Raspail le scribe qui signe le petit texte de présentation passe-partout format timbre-poste. Boris Vian n’aime pas trop que son nom soit mêlé avec cette sous-musique pour dégénérés  qu’est le rock’n’roll.

Doctor Miracle : pas de miracle, Alain Goraguer n’est pas Jany Guiraud son accompagnement tire-bouchonne gentiment, il ne décapsule pas au sabre d’abordage et malgré la promesse rectale de la photo Dalar n’a pas un organe aussi puissant que celui de Claude Piron. Hé, You-la : le Dalar ne fonce pas dans le lard, chante à l’ancienne, il interprète le texte, l’ensemble n’est pas mauvais, l’attraction Goraguer ne chôme pas, nettement supérieur au morceau précédent, un seul ennui ce n’est pas rock.   Viens : c’est ce que j’appellerai une imitation, pour les premières mesures, ensuite ça se perd, heureusement que de temps en temps vous avez un sax qui vient mettre une giclée de sang vif dans l’omelette. Le Goraguer il met des bibelots partout, c’est mignon mais l’on attend une tempête qui vienne tout casser. Dalar est bien gentil, mais vous comprenez pourquoi l’ouragan ne vient pas. Croque-crâne- creux : pas mal comme titre, l’est de Boris Vian, une adaptation de Sheb Wooley, champion de rodéo, il tournera dans une quarantaine de westerns et pas des moindres : Le train sifflera trois fois, Johnny Guitar, Josey Wales Hors-la-loi, mènera aussi une carrière de chanteur country, l’enregistrera en 1958 Purple People Eater, une parodie rock’n’roll. Le meilleur titre du disque, une bonne imitation de l’original. Z’ont toutefois changé l’épisode rock, notre carnivore venu de l’espace n’imite pas Little Richard mais Claude Luter. Boris n’en rate pas une.

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(460.607 ME / 1958)

Cette fois ils ont mis le verso au recto, Dalar l’ouvre encore en plus grand, l’est posé devant un microphone à rubans aussi grand qu’un porte-avions, l’on se demande s’il ne va pas l’avaler. L’envers de la pochette se laisse regarder.

O-Chou-Bi-Dou-Bi : l’on apprend tous les jours, à l’origine un morceau de Dizzy Gillespie enregistré en 1952, Joe Carroll au vocal, un conseil n’écoutez pas cette version d’abord because instrumentalement parlant Goraguer n’y arrive pas à la cheville, par contre le Dalar se débrouille comme un chef, minaude sur le bout de sa langue comme un conservateur du musée du Louvres qui transporte sur la pointe des pieds un vase de l’époque Ming afin de ne pas la transformer en poterie Bing, c’est très bien. Très jazz. Etrangement la version de Dizzy et ses boys sonne davantage rock. N’oublie pas : une création de Dalar, l’a des racines jazz notre apprenti rocker ! Se la joue crooner, il n’a pas la voix de Sinatra, et la section cuivre de Goraguer elle joue en rase-mottes de beurre rance. Le truc oubliable. Déjà je ne m’en souviens plus, j’ai oublié. 39 de fièvre : une adaptation de Peggy Lee, signée Boris Vian, l’est pas ridicule le Dalar, passer après Peggy ce n’est pas facile, s’en sort avec les honneurs de la guerre. Goraguer peut remercier son batteur.  Arc-en-ciel : encore un original de Gabriel Dalar. Paroles réussies. Un peu dans le style Saint-Germain-des-prés. Conclusion notre rocker était un jazzman.

         Gabriel Dalar n’a enregistré que deux disques. Le lecteur qui écoutera les réalisations de Claude Piron et de Dalar, remarqueront des ressemblances troublantes dans les paroles des chansons. En voici une autre qui m’a laissé sans voix : Claude Piron s’est transformé en Danny Boy, métamorphose moins connue : Gabriel Dalar est devenu Teddy Raye. Mais ceci est une autre histoire que je vous raconterai une autre fois. Ce qui est sûr c’est que le suspect Gabriel Dalar n’a pas enregistré le premier disque de rock français.

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En visionnant la vidéo : Au revoir les amis, dédiée à Danny Boy, y avait un groupe de gars qui chantaient, mon cœur a fait tilt, mais c’est Memphis Tennessee, la version de Danyel Gérard, d’ailleurs ce mec avec son chapeau, ne serait-ce pas… mais oui c’est lui, un demi-siècle plus tard l’a gardé une silhouette de jeune homme… Ça tombe bien, notre homme est un candidat sérieux pour prétendre au titre de premier disque de rock français !

J’ai deux souvenirs personnels en relation avec Danyel Gérard. J’étais en cinquième lorsque j’ai vu Danyel Gérard à la télé. Un morceau qui racontait l’histoire d’un drôle de gars qui s’appelait Memphis Tennessee. Pendant des mois je me suis demandé, j’étais jeune et ignorant, si c’était un personnage inventé ou issu d’une légende. L’année suivante en quatrième, en inspectant mon livre d’anglais, me suis aperçu qu’au fond du bouquin, il y avait une grande carte des Etats-Unis, figurez-vous qu’à ma grande surprise une ville répondait au nom de Memphis, sise dans un état qui s’appelait Tennessee…

L’autre se déroule une dizaine d’années plus tard, une chanson saisie au vol, une fois seulement sur le transistor, dont j’ai toujours ignoré le titre. Je l’ai recherchée, retrouvée et réécoutée pour écrire cette chronique. Question musique ce n’est pas la panacée excepté le premier couplet introductif, par contre les paroles portent en gestation tous les lyrics des groupes de Metal à thématiques mythologiques. En ce temps-là… Monsieur raconte l’histoire d’un gars qui descend les poubelles… pas glorieux, je vous l’accorde, oui mais dans sa tête il rêve qu’il chevauche à la tête des hordes mongoles… hélas sur les refrains au lieu de se livrer à de sanglantes exactions historiales il dresse la liste de toutes les princesses qui l’ont admis dans leur couche… Comme quoi parfois il vaut mieux faire la guerre que l’amour.

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DANYEL GERARD

(Barclay / 70 197 / 12 – 1958)

Sur ses deux premiers 45 Tours Danyel Gérard est accompagné par Jean Bouchéty et son Orchestre. Né en 1920, disparu en 2006. Contrebassiste de jazz et compositeur l’on retrouve le nom de Bouchéty sur les disques d’Hugues Aufray (en 58), d’Eddy Mitchell ( depuis le premier 25 cm des Chaussettes Noires), de Michel Polnareff et de beaucoup d’autres de Brel à Dalida...

Pochette rouge et noire, couleurs d’insoumission et de révolte, photo de pied de l’artiste, costume noir et chemise blanche, et garanties d’authenticité, grosse guitare en mains et attitude manifestement rock’n’roll.

When : non ce n’est pas une blague, l’était déjà sur le premier disque de Gabriel Dalard, et le deuxième de Claude Piron. Des trois c’est la meilleure version, Gérard possède une voix flexible qui se plie aux exigences rythmiques, l’arrangement de Bouchéty virevolte à merveille, se démarque des intonations trop jazz, les instrus interviennent sans forfanterie et s’en vont sans se faire prier, léger et entraînant. L’on est déjà dans une orchestration très sixties. Tais-toi : porte la signature de Ralph Bernet et de Danyel Gérard. Pas vraiment une réussite, un mélodrame avec violon et ressentiments dans la voix. D’où reviens-tu Billy boy : le titre était sur le deuxième disque de Claude Piron, bis repetia placent comme l’on disait au temps de Jules César, comme When on le retrouve sur le premier de Gérard. L’interprétation de notre artiste dans la même veine pironienne, aisance et légèreté rehaussée par des chœurs dansants. Prix d’excellence. Le chercheur de diamants : rapide comme un froufrou de robe de jeune fille en train de danser, il sait chanter le bougre, de surcroît le Bouchéty nous en bouche un p’tit coin avec son accompagnement, il dessine des dentelles pour habiller la demoiselle. Une création, un texte original (ce n’est pas Rimbaud non plus).

         Un disque agréable à écouter, plutôt variété de qualité que vraiment rock.

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(Barclay / 70 236 /  1959)

Pochette noir et blanc, elle n’est pas dégueu surtout si l’on regarde l’avant et l’arrière du disque, on n’a pas investi dans une nouvelle séance, on a pris la même que sur la couve du premier disque, les illusions ne sont pas perdues dirait le grand Honoré qui recyclait ses personnages dans ses romans. 

Tout l’amour : une reprise de Mina Mazzini, chanteuse italienne connue sous le nom de Baby Gate pour son interprétation en anglais de Be Bop A Lula. Mignon tout plein, avec les chœurs féminins qui font ouah ouah, le saxophone qui grince comme les griffes du chat, le Danyel a compris qu’il est en caisse glissante sur une pente savonnée, alors l’embouche le vocal comme si sa vie en dépendait, y met tout son cœur et l’arrive au bas de la pente sans dommage. O pauvre amour : une adaptation de Oh Lonesome de Don Gibson, plus tard Gérard racontera qu’il était en train de l’enregistrer quand Sacha Distel est venu lui rendre visite au studio… Je n’ai jamais aimé ce morceau, mais soyons juste la version ‘’ volée’’ de Sacha ne vaut pas celle de Danyel. Pas la peine de vous tirer une balle dans la boche si vous ne l’avez jamais entendue. Ne lui en veux pas : le slow qui tue lentement. Mais sûrement. Un amour se termine, mais la chanson n’en finit pas.  Inepte roucoulade. Elle n’avait que dix-sept ans : une adaptation du chanteur country Marty Robbins qui s’est tué dans une course de stock cars. J’ai lu que Danyel Gérard s’est vanté d’avoir voulu faire un disque de country pour son deuxième opus. Je veux bien, mais ça fleure bon la chansonnette pour ménagère de cinquante ans qui regrette de ne plus être midinette.

         Ce deuxième microsillon est bien flagada par rapport au premier. Après lui un trou dans la discographie du chanteur. Barclay pour pallier son absence sortira deux simples qui reprennent les morceaux chroniqués ci-dessus. Au début 1959, Danyel Gérard est appelé sous les drapeaux, guerre d’Algérie oblige. Par la suite beaucoup de groupes français ne survivront pas à ce genre de convocations…

         Ses deux premiers disques ne sont pas vraiment rock, l’est vrai qu’il a commencé avec Claude Luter comme chanteur et guitariste. L’on sent sur ses enregistrements qu’il avait du métier, lui manque la niaque rock. Sa carrière est loin d’être finie !

*

Un profil différent des deux précédents et même des trois si l’on rajoute Claude Piron. Un gosse de riche. Sera en pension dans un collège britannique.

Rentré en France, bac en poche il joue du saxophone dans les clubs de jazz. Sa connaissance de l’anglais lui permet de se lancer de son propre chef dans des traductions de succès anglais et américains.

         Il sera un des piliers de la génération yéyé et de la première mouvance du rock français même s’il fut surnommé par les fans  pour ses prestations scéniques ‘’le pantouflard du blues’’.

ROCK ‘N’ RICHARD

RICHARD ANTHONY

(Columbia / ESRF 1207 / Novembre 1958)

Incroyable mais vrai, une pochette qui affiche le mot rock en grosses lettres, Richard n’est pas un bâtard, il annonce la couleur, aujourd’hui l’on dirait qu’il tient un téléphone portable, mais non il pose le clapet de sa main sur son oreille pour ne pas être dérangé par des bruits annexes alors qu’il est en train de chanter, concentration rock maximale ! Au dos de la couve, l’est au volant d’une décapotable, anglaise, avis aux franchouillards qui marchouillent aux soufflets essoufflés d’accordéon.

Bettie baby : (enregistré le 06 / 11 / 1958 ) : un morceau de Neil Sedaka qui l’a  lui-même enregistré sur son premier 33 tours  intitulé Rock with Sedaka. Neil est né en 1939 et Richard en 1938, Anthony se tient sur la crête de la vague américaine, pas question qu’on lui refile les mêmes rengaines. Pour la petite histoire si Richard a cassé sa pipe en bois ( expression totalement cazenglerienne) en 2015, Neil est toujours en activité… Soyons franc, sa version est loin d’égaler celle de Stupid Cupid, la voix chantonne un peu trop, l’a gardé le solo de sax mais Christian Chevallier qui dirige l’orchestre, à l’origine pianiste de jazz, aurait pu se mettre au clavier pour le solo final, l’a préféré le remplacer par des chœurs masculins aussi nécessaires que trois  mouches noires engluées sur la crème chantilly du gâteau. Sympathique, mais pas 100 % rock. Susie Darling : (enregistré ainsi que les deux suivants le 14 / 11 / 58) : à l’origine de Robin Luke, un mignon péché de jeunesse doucereux pour un simili rocker qui finira professeur d’université en droit des affaires. Soyons raisonnable l’interprétation de notre idole est déplorable, gamin gentillet qui fait tout son possible mais qui ne parviendra même pas à décrocher son certificat d’étude. Le plus triste c’est Chevallier, comment a-t-il fait pour ne pas s’apercevoir que les musicos de Robin avaient entendu parler de Buddy Holly. Là c’est Richard le pantouflard du slow ennuyeux. Tu m’étais destinée : Face B. Espérons que ce sera meilleur. Bon ce n’est pas Paul Anka, mais Richard fera un bon en-cas. Avec Anka vous avez l’impression que le destin s’avance vers vous à pas feutré, oui mais le fatidique malheur tout de même puisque le bonheur qu’il vous octroie vous n’en êtes pas responsable. Rien d’aussi terrible avec Richard, pas de passion, mais le plein de tendresse. Surtout pas de ridicule. Même si ce qui ne vous tue pas vous rend plus fort. Peggy Sue : enfin un pionnier ! Le bassiste a compris ce que sur la face A le Chevallier gris n’a pas intuité. Inutile de dire que l’on est loin de Buddy, Richard fait des efforts, rate quelques douceurs mais pas les impromptus. L’on sent que l’on est chez un connaisseur.

         De tous les premiers disques entendus, sans conteste le plus intéressant.

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(Columbia / ESRF 1214 / Mai 1959)

Notre rocker a délaissé sa décapotable, un peu trop blouson doré, pose sur une moto, ce n’est pas encore l’équipée sauvage, on s’en rapproche d’une demie-roue.

La-do-da-da : l’on quitte un pionnier pour un autre pionnier. En  1953 Dale Hawkins fonde un groupe avec James Burton à la guitare et DJ Fontana à la batterie. En 1957 il deviendra l’immortel créateur de Susie Q, dans la lignée duquel s’inscrira en 1958  son La Do Da Da. L’on reste dans la lignée Diddley sound-Budy Holly. Le son est moins brut que chez Hawkins, mais Anthony s’y montre plus entreprenant que sur son Peggy Sue, les angles sont adoucis, les féministes trouveront les paroles insupportablement machistes, pourtant elles apportent un peu de sel, bref cet hymne à une sensualité païenne nous agrée. Bravo Richard. La rue des cœurs perdus : encore un pionnier, Ricky Nelson sur Lonesome Town, Bill Crane en offert une magistrale version voici peu (voir Livraison 640 du 11 / 04 / 2024) : faut du doigté sur ce morceau funèbre, les Angels, ainsi se nomment les chœurs que l’on trouve sur ses disques, monopolisent l’audition, Richard se donne du mal mais il ne sait pas donner le change, n’a jamais dormi à l’hôtel des cœurs brisés, ça s’entend. C’est le jeu : je pensais que l’original était de Cliff Richards, non c’est de Tommy Edwards qui la ré-enregistra en 1958, cette mièvrerie atteignit le numéro 1, parfois l’on se dit que le monde est mal fait. Notre Richard ne sauve pas la chanson, ne la coule pas non plus. Une de ces sucrettes interchangeables et cancérigènes. Chanson magique : ce coup-ci c’est de Cliff et ses Drifters, sorti en 1958, Richard redresse la barre et pour une fois le Chevallier ne vous file pas un ersatz de dix-septième zone, bien sûr les cuivres émettent un relent de jazz, mais on leur pardonne, l’Anthony entonne le chant à pleines dents, mais le vieux françois n’est pas aussi flexible que l’englishe, peut-être pas magique, mais très illusionniste.

         Trois pionniers sur quatre titres, notre Richard, ni Little, ni Keith, gagne en respectabilité.

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NOUVELLE VAGUE

(Columbia / ESRF 1237 / Septembre 1959)

Attention disque important, vous pouvez aimer ou pas, l’Histoire a tranché, première coupure épistémologique dans l’histoire du rock français. A la base c’est une chanson des Coasters, Richard Anthony et Armand Canfora – avec son orchestre il a repris tous les tubes des sixties - ont commis l’adaptation. Je suppose mais je ne peux pas certifier que le titre de l’EP n’est pas sans rapport avec la Nouvelle vague cinématographique… Un détournement, le titre est à comprendre comme la revendication d’une nouvelle jeunesse qui entend briser les carcans et vivre une vie teintée d’hédonisme. Ce n’est pas la fureur de vivre, mais une volonté d’indépendance et de liberté.

La pochette en est la parfaite illustration : trois garçons, trois filles, une belle voiture, je ne pense pas qu’ils vont passer la journée à relire Aristote. Si vous posez le disque sur votre pick up, ben non, ce n’est pas Nouvelle Vague qui ouvre la face A.

Personnality : une adaptation de Lloyd Price, rien à dire Anthony tape dans le dur, achtung bicyclette, à la base ce n’est qu’une chansonnette, mais Price vous effleure la surface, la surface de quoi, surtout pas de l’orchestration et des chœurs, eux-mêmes sont comme en retrait du chant. Résultat : Magie ou génie ? Richard Anthony plonge en plein dans la difficulté, chante en anglais. Envie de dire qu’il se débrouille mieux qu’en français. Le Chevallier a pigé, il godille sans godillots, les instruments en espadrilles. L’on en viendrait à regretter que toute l’équipe n’ait pas eu l’idée de se démarquer de l’original.  Pauv’ Jenny : encore an american hit 1959, Anthony n’a peur de rien, tout seul contre les deux Everly Brothers. Soyons juste, ce duo d’amerloques est redoutable, des pistoleros qui tirent derrière vous pour vous tuer par-devant, les Everly sont les rois de l’inflexion, si vous n’y faites pas gaffe vocal et musique coulent de source, si vous écoutez de près, vous vous trouvez devant un exemple parfait de la théorie mathématique des catastrophes, ruptures et tourbillons s’entrecroisent à l’infini, et le pauv’ Gérard  ( ce n’est pas Nerval non plus) il se lance à l’assaut de l’Annapurna en maillot de bain, vous a pondu un truc de bande dessinée, vous êtes saisi par les paroles qui vous racontent une histoire loufoque sans banquise, qui vous tient en haleine. Se sont inspirés des paroles de l’original et vous écoutez comme quand vous regardez un dessin animé. Nouvelle vague :   des Coasters ils ont repris le début du scénario, mais ils ont changé la fin assez piteuse pour nos trois chatons américains, transformée en manifeste générationnel chez Anthony. Inutile de comparer les deux versions, celle de par chez nous se suffit à elle seule. Un des premiers chefs-d’œuvre du rock français. J’ai rêvé : en pleine progression, Anthony vous enfile Dream Lover ( 1958) de Bobby Darin, les doigts dans le nez. Y en a un autre qui a appris, Chevallier vous lance ses sbires dans un trot de cavalcade qui chasse au loin les idées tristes. Pas pharamineux, mais pas pharaminable !

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(Columbia / ESRF 1261 / 1960)

 (Enregisté les 17 - 18 Décembre 1959)

Sont réunis dans cet opus des titres sortis en 45 tours simples. Résumé de la couve : Richard Anthony aime les voitures ! Le recto est particulièrement insipide...

Jéricho : rien à voir avec le titre de  Dick Rivers, adaptation d’un vieux negro -spiritual, chassez l’esprit, que reste-t-il ? Pas grand-chose. Fausse bonne idée dispensable. Mélodie pour un amour : encore un titre de Tommy Edwards interprétée par Sarah Vaughan, quand vous avez écouté la Diva, vous êtes obligé de reconnaître qu’Anthony n’est pas divin. Chansonnette. Au fond de mon cœur : la première fois que je l’ai entendue je me suis dit, c’est Nougaro, l’a encore la voix un peu jeune, mais les cuivres sont bons, étrange comme Richard Anthony chante comme s’il imitait Nougaro, et le Chevallier l’a mis une armure d’or pur à ses cuivres. Je suis amoureux : là, il fait la-la-la, chante un peu entre Nougaro et Aznavour, hors-sujet comme les profs écrivent en rouge dans les marges des rédactions des élèves qui s’égarent.

         L’impression que ce 45 tours regroupe des morceaux inspirés par Chevallier… Nous nous éloignons du rock… Heureusement que le twist arrêtera les dérives de notre Richard cœur de rock.

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(Columbia / SCRF 442 / 1960)

         Je ne peux l’affirmer mais ces deux titres font peut-être partie de tous ceux enregistrés les 17-18 décembre 1959. J’en doute, je les mets par acquis de conscience. J’aimerais me tromper car Karting rock et Bisque bisque rage ne sont pas vraiment bons

         De nos trois suspects Richard Anthony mérite le titre de premier rocker français.  L’est celui qui s’est le plus rapproché de la lointaine comète américaine. Mais Claude Piron a mis en boîte son premier titre en 1957. Donc acte.

Damie Chad.

 

 

ROCKAMBOLESQUES

LES DOSSIERS SECRETS DU SSR

(Services secrets du rock 'n' roll)

Death, Sex and Rock’n’roll !

71

Le Chef avait décidé que Géraldine toute blanche et toute tremblante avait besoin d’un remontant, abandonnant le tas de cadavres qu’il comptait et recomptait, il nous avait emmené à deux rues de la scène de tuerie dans un café. Nous nous sommes attablés au calme. Géraldine s’est réfugiée dans mes bras. Molossito s’est installé sur son décolleté. Le Chef a déposé son Rafalos sur la table. Le patron s’est dépêché de venir nous servir. Lorsque le Chef à allumé un Coronado, le brave homme a compris que ce ne serait pas une bonne idée d’envoyer en douce un SMS au commissariat du quartier d’autant plus qu’il était en train de s’apercevoir que son chiffre d’affaires était en train d’emprunter une courbe montante sans pareille à une vitesse vertigineuse. N’y avait que trois lycéennes attablées tout au fond de l’établissement. Trente secondes plus tard en arriva une quinzaine, suivies maintenant d’un flot ininterrompu qui semblait intarissable.

Les adolescentes virent-elles simplement le Rafalos, elles n’avaient d’yeux que pour Géraldine qui dut commencer à signer des autographes. Elles criaient, elles hurlaient, elle se disputaient le moindre bout de papier, certaines tombèrent en pâmoison, elles furent piétinées sans pitié par leurs camarades. Dans le vacarme je me penchai vers le Chef :

         _ Ne devrions-nous pas nous éclipser discrètement ?

         _ Vous n’y pensez pas, Agent Chad avec tout ce monde autour de nous comment voudriez-vous que la mort puisse se tenir à vos côtés, tant au niveau tactique qu’esthétique nous sommes à l’abri !

Le Chef avait raison d’autant plus que les jeunes filles s’aperçurent que j’étais le gars sur la photo des journaux sous laquelle l’on me désignait comme l’amour trouvé à Paris par l’actrice. Elles étaient fans de Géraldine, elles aimaient tout ce que leur idole aimait, donc elles m’aimaient. Je dus à mon tour signer des autographes… bientôt dans ma poche droite mon Rafalos fut submergé de petits mots d’amour et de propositions exaltées de rendez-vous… Je peux le dire sans me vanter : l’amour marchait à mes côtés. Enfin presque, d’abord parce que j’étais assis ensuite parce que Géraldine ne fut pas dupe du manège des ses admiratrices. Plus tard j’en conclus que c’était une grosse jalouse, car sans préavis elle laissa tomber Molossito et se leva brusquement : il se fit un silence extraordinaire :

         _ Puisque c’est comme ça, je me tire, qui m’aime me suive !

Joignant le geste à sa parole elle sortit du café suivie d’un long cortège  de lycéennes. Le patron se précipita vers nous :

         _ Messieurs, je vous offre les consos, ne me remerciez pas j’ai vendu mille trois cent quarante-sept cafés à 10 francs pièces en une heure trente, mais si j’étais vous je partirais, ils viennent d’annoncer à la radio que la police va boucler le quartier. Prenez la petite rue à droite, elle vous permettra très vite de rejoindre les grands boulevards, personne ne vous reconnaîtra, avec vos chiens vous passerez pour de paisibles retraités.

72

Paisible n’est pas le mot. Nous avons gagné les grands boulevards, suis-je bien protégé au milieu de tout ce monde ? L’endroit idéal pour que la mort puisse s’y cacher. Je suis nerveux

         _ Agent Chad je me charge de tout ce qui vient devant, vous surveillerez les arrières, la mort est une grande traîtresse.

Au début je n’y ai pas cru, je ne savais pas que la mort puisse avoir un tel  aspect physique, au bout d’une demi-heure je me suis résolu à alerter le Chef :

         _ Chef je suis sûr qu’elle nous suit, je ne vous donne aucun renseignement, retournez-vous de temps en temps et communiquez-moi votre sentiment, pendant ce temps je surveille devant nous.

Il se passe un bon quart d’heure avant que Chef ait fini son analyse.

_ Agent Chad vous voulez parler de cette personne qui longe le trottoir avec son blouson rouge ?

_ Mais non Chef, celle qui marche le long des maisons avec un blouson jaune canari !

Son air surpris me déçut :

_ Chef, un blouson jaune  du côté des maisons, regardez bien !

Nous marchons une trentaine de pas, le Chef s’arrête un court instant le temps d’allumer un Coronado.

_ Oui elle est bien là, elle a dû changer de place, mais son blouson est bien rouge ! C’est bien elle, une jolie petite blonde, ses cheveux ressortent à merveille sur la teinte du vêtement. Si vous ne me croyez pas, vérifiez par vous-même, Agent Chad seriez-vous daltonien !

Je compte doucement jusqu’à vingt, je jette un coup d’œil, oui c’est elle le long des maisons, son blouson est d’un jaune jonquille étincelant !

         _ Agent Chad vous m’inquiétez, regardez à cent mètres devant nous cette enseigne pour un centre d’ophtalmologie, nous allons séance tenante vous faire examiner, savez-vous Agent Chad que selon les dernières découvertes scientifiques l’on peut décerner les signes de démence précoce en explorant le fond de l’œil.

_ Chef, moi je pense que la fumée de vos Coronados obscurcit votre vue. Jetez votre cigare tout de suite, le tabac finira par vous tuer.

Nous nous sommes lancés dans une longue dispute. Nous échangions arguments contre arguments, deux gamins qui se querellent, nous nous disputions pour une couleur alors que la mort marchait peut-être à nos côtés !

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Non elle n’était pas à nos côtés, elle était derrière nous, elle s’apprêtait à frapper. Et elle frappa. A la manière dont le Chef s’arrêta brutalement je compris que lui aussi avait été choisi comme victime… Ce n’était rien, trois petits coups presque timides entre nos deux omoplates. Instinctivement nous portâmes la main sur notre Rafalos. Une petite voix mal assurée se fit entendre :

- Messieurs, euh messieurs !

Nous nous retournâmes d’un bloc :

• J’avais bien dit jaune !
• J’avais bien dit rouge !

Nous éclatâmes de rire, elles étaient deux ! Elles se ressemblaient comme deux gouttes d’eau. A part que l’une portait un blouson rouge, je vous laisse deviner la couleur de l’autre. ( Test pour vérifier l’attention des lecteurs). Elles éclatèrent de rire :

         _ L’on vous suivait, vous vous retourniez sans arrêt sur nous, nos blousons sont réversibles, l’on s’est amusé, en plus nous sommes jumelles !

Le Chef prit son air sévère qui n’eut pas l’air de leur faire peur :

_ Comme ça, vous ressemblez à notre papa !

_ Que dirait-il s’il vous voyait accoster des adultes dans la rue !

_ Rien, ils ne sont pas là, ils sont en voyage, ils nous ont laissées seules, ils ont dit qu’on était assez grandes pour nous débrouiller puisque nous venons d’entrer au lycée !

_ Pourquoi nous suiviez-vous ?

_ L’on était avec les copines du lycée avec vous dans le café autour de Géraldine, quand elles sont toutes parties, nous avons préféré vous suivre à vous.

_ Pour quelles raisons ?

_ Moi je m’appelle Doriane, j’ai toujours pensé qu’un homme doit être fort alors quand j’ai vu votre revolver j’ai su que c’était vous.       

_ Moi je m’appelle Loriane, j’ai toujours aimé les animaux, nos parents n’ont jamais voulu en prendre un, alors quand j’ai vu leur maître j’ai craqué, il est drôlement habillé mais il a des chiens c’est ce qui compte !

Molossa et Molossito se précipitèrent vers Loriane qui les couvrit de mille caresses. Je proposai de prendre un pot dans un troquet. Les filles acquiescèrent avec joie. Elles commandèrent six grosses coupes de glace. Les chiens se délectèrent de leur chocolat liégeois. Beaucoup de bruit dans ce bar PMU. Des jeunes qui parlaient fort et les habitués qui venaient parier.

Le son du grand écran augmenta subitement. C’était la quatrième course, celle des cracks. Les gars encourageaient leurs chevaux préférés à haute et envoyaient des baisers vers l’écran quand leur favori prenait la tête :

• Attention, attention, nous abordons la dernière ligne droite, Esculape le 17 fonce droit de…

L’image se coupa. Le gars qui apparut à l’écran avait une si mauvaise tête que chacun crut qu’il allait annoncer le début de la troisième guerre mondiale, le silence fut instantané :

         _ Flash d’information spécial : L’actrice Géraldine Loup vient d’être assassinée ! Nous n’avons que peu de détails : elle entrait dans le Ritz lorsque le meurtrier qui en sortait l’a froidement abattue d’une balle dans la tête !

Il y eut trois secondes de silence avant que n’éclatent les réactions. Seule la voix du Chef se fit entendre :

         _ J’ai tout compris !

A suivre…